Sulk: Graceless (Perfect Sound Forever, 2013)
Mierda de la Buena
Está claro que cuando oigáis el disco de debut de Sulk (gracias, Jose Campos), el combo londinense, todos me vais a decir (incluidos los Pitchforkistas o Nmistas) que ésto no se trata más que de un calco del sonido Madchester, que ya está más que inventado, que no dicen nada nuevo… Y todos llevaréis razón: Graceless es un álbum que podría haberse grabado perfectamente en el año noventa y pocos, que podría haber registrado el mismo John Squire. Pero a mí me ha alegrado enormemente reencontrarme con un grupo de jóvenes empeñados en revivir el espíritu Stone Roses, la chulería de los Happy Mondays o el ingenio de los Soup Dragons.
Cuando escucho Sleeping beauty, Diamond in ashes, Marianne Shrine, Wishes, Down, Back in bloom y por supuesto, la magnífica Flowers, de lejos la mejor del disco… sinceramente, me vuelvo a emocionar como hacía veinte años. Es algo irreprimible. Disfruté mucho entonces de aquel momento, de aquella música, de aquellas sensaciones, y Sulk me las han hecho revivir. No en vano, los chicos han trabajado junto con Ed Buller (Blur, Suede, Pulp, White Lies…) Al oír Graceless recuerdo el There´s no other way del primer trabajo de Blur y me dan ganas de dejarme de nuevo el pelo largo y taparme los ojos con él. Y no me importan nada otros criterios musicales. A mí me gusta. Y mucho: Mierda de la buena.
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“How often do you go to a gig early to catch the support act? Do you ever expect to come away loving them? I often approach support acts with a cautious optimism. I never expect to particularly take to them. That changed when I saw Sulk, a London-based five piece band, supporting the Dandy Warhols. They made me stand up and take note and since that moment I’ve followed their progress, eagerly awaiting their debut album. That debut has now arrived in the shape of 10-track long‘Graceless’.
Sulk are a band unafraid to wear their influences on their sleeves. It would be impossible to walk away from listening to this album and not think of The Stone Roses, Oasis and Suede. It’s not at all surprising to learn the album is produced by Ed Buller, who has previously worked with Suede, Blur and White Lies. From the hopeful psychedelic-indie guitar pop riffs to lead singer Jon Sutcliffe’s whimsical voice, Sulk sound like they could have been formed in the early nineties. They take their lead from all the best material of those bands, which is no bad thing and brings exciting results.
Listeners are spoilt for choice of standout tracks here. ‘Wishes’, ‘Sleeping Beauty’, ‘Flowers’, ‘Diamond in Ashes’ and ‘Marian Shine’ all sound good enough to have appeared on any Stone Roses or Suede album. Early single ‘Wishes’ is easily the best track here. Its euphoric tones are reminiscent of Suede’s ‘Animal Nitrate’ and with its catchy chorus it is destined to play over and over in your head for just as long.
As a collection, ‘Graceless’ does have its slower moments but it is at its best during the uplifting, upbeat tracks. That first time I saw Sulk live I said they had ‘ready-for-festival’ tunes, this album does little to disprove that theory. This kind of music is meant to be listened to late afternoon at a summer festival while enjoying an ice cold beer and swaying along with your mates. The ONLY way to listen to ‘Graceless’ is very loudly while the sun is shining, any other environment wouldn’t do it justice.
What works about Sulk is that they manage to tie-in blasts from the past and add a current edge. They manage to make the old sound fresh again and that is no easy task. Debut album ‘Graceless’ may not be uniquely groundbreaking but it marks a solid arrival onto the indie-pop scene. Undoubtedly this is one that will appeal to Britpop fans, especially with the current trend for those old bands reuniting, but there are enough catchy and fun moments to provide a few opportunities for crossover appeal to a mainstream audience. Give it a try, this may well be your album for the summer of 2013 (if that summer ever arrives) (45 Magazine)
Cruel Summer: Cruel Summer (Ep, 2013)
Cruel Summer son una agrupación de San Francisco dedicados no sólo a homenajear al clásico sonido de su ciudad, sino también, por qué no, a rescatarnos sabores conocidos: el Jangle-Pop, el C86… Tienen ese característico encanto amateur adornado con ese tufillo hipster que les abriría las puertas de cualquier escenario del Indietracks.
“It starts out whispy and crescendos into an intense explosion of fuzz and feedback, while settling back down on its dreamy little cloud in the end. Only complaint is that it doesn’t last longer.” – The Bay Bridged
Levitan en la órbita de Mt.St.Mt.
Woodsman Orphan: My name is Ishmael Ali (Obscure Me Records, 2013)
Woodsman Orphan son un dúo (J. Adirondack y Doug Stram) de New Haven, Conneticut, anteriormente conocidos como My Name Is Ishmael Ali, que es, precisamente, el título de su último trabajo.Confusiones aparte, incluida la utilización de alguno de sus antiguos temas (Rhinestone), Woodsman Orphan facturan una suerte de Freak-Folk al que últimamente han limado ciertas asperezas y le han dado forma en este My name is Ishmael Ali, un disco en el que, amén de rendir tributo a la que fuera su antigua denominación, homenajean igualmente a la música de Neil Young, ese gran pionero, a la que John Mascis le dotó de esa alma aún más electrificada y ese carácter ciertamente más indómito (The barn, Bethel cop, StonesHead), siempre desde un punto de vista más Lo-Fi (el disco está grabado en un cuatro pistas). Pero nos podemos encontrar con tributos sonoros a otras bandas como, por ejemplo, los Pavement más pacíficos (Dandelion wine). Sus temas resultan algo así como los esbozos dylanianos de los sesenta a los que bandas como The Byrds dotaban de una maravillosa alma musical (“making terrible impressions of good music“).
Puedes rastrearles la pista en el sello Obscure Me Records.
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“Woodsman Orphan is a freak-folk collaborative with the uncanny ability to call together the visceral and the psychical muses into one unearthly choir. Press play and one is instantly stirred up by catchy pop hooks, psychedelic guitars, and acoustic rambling of disjointed folk mind dump. But the discerning listener soon finds that the pop elements mingle with a mysterious and protean ethic involving strategic elements of surprise, dissonance and harmonization. In the spirit of influences like the Beach Boys and Neil Young, Woodsman Orphan is concerned with leaving the listeners in a different place from where they start.
Hailing from Connecticut, Woodsman Orphan’s sound can only be described as psychotic folk. It is what you wanted Neil Young’s music to eventually become. The band was featured on CTIndie.com’s Mixtape. My Name Is Ishmael Ali is a lo-fi masterpiece; in the spirit of The Microphone’s the Glow Pt2, MNIIA utilizes a 4 track to record lush freak-folk songs, which will haunt your mind for days after listening. Woodsman Orphan attempts to capture Connecticut legend and lore of the Leatherman, an historical meandering vagabond,and life in suburbia. Woodsman Orphan is Jean ‘J’ Adirondack and Dug ‘geo’ Stram” (Elm City Beat)
High Pop: Loner (Single, 2013)
Lo-Fi-Pop arrastrado y cadencioso. Sonoridades sucias y absolutamente arrebatadoras. Ecos noventeros escritos a mano en una libreta de papel.
Aunque aparecido en su álbum de debut, Hip Hip Hooray, este sencillo acaba de ser publicado en Obscure Me Records.
Local Qua4tro: Bucles sin alcohol (Vídeo-Single, 2013)
Al final como sabréis, este año 2013 hemos sacado al mercado nuestro ansiado primer LP. La gravedad de Júpiter. (http://localqua4tro.bandcamp.com )
Ahora queremos presentaros nuestro primer vídeo del disco.
Es un vídeoclip “reality” realizado por Manuel de Andrés con imágenes grabadas a lo largo de todo un año (una imagen cada día) de su vida cotidiana. Un proyecto personal que acabó convirtiéndose en el primer video clip de nuestro LP.
el tems elegido, bucles sin Alcohol, ya que al fin y al cabo el Video Reality sirve para ilustrar como la gente normal (common people) siempre podrán sentirse especiales.
Un video original y entrañable que esperamos guste tanto como nos ha gustado a nosotros. (Press)
Lori Meyers: Impronta (Stream, 2013)
“Lori Meyers llegan a su quinto disco con el público completamente dividido entre quienes pensamos que ‘Mi realidad’ era una canción más fea que pegar a un padre y los que pensaron que era una canción tan bonita como para casarse con ella. Al final ganaron por goleada estos últimos y el primer single de ‘Cuando el destino nos alcance‘ es la canción más escuchada del grupo de los últimos 6 meses en Last.fm, lo que se traduce en que la banda afronta el lanzamiento de este álbum con un merecido estatus de (casi) súper estrellas, después de tantos años creciendo desde la nada.
No había motivo, pues, para grandes cambios e ‘Impronta’ está producido de nuevo por Sebastian Krys y también por Ricky Falkner (Standstill, Love Of Lesbian) y el propio grupo. Vuelven los estribillos claros (como el de ‘Planilandia’, a pesar de desarrollarse casi en silencio, o quizá por ello), las letras adolescentes con citas abiertas a la obsesión con WhatsApp de ‘Emborracharme’ (dicen en los mentideros que curiosamente suenan más adolescentes cuanto mayores son), y también esos teclados a lo Oreja de Van Gogh (‘Huracán’) que incluso han inspirado el título autoparódico ‘A-sinte-odio’ (humor no les falta, la verdad). Algo curioso, lo del parecido tan claro con LODVG, cuando son capaces de crear con sintetizadores algo tan evocador e irresistible como la ambientación de ‘El tiempo pasará’.
En muchos sentidos, y aunque sólo sea por la proximidad de su lanzamiento en el tiempo y su probable top 1 en la lista de ventas, Lori Meyers son los Fangoria heteros. Ambos tienen en común unas letras absolutamente autocomplacientes, el empeño en co-producir ellos mismos junto a alguien que adoran en lugar de encargar las labores a alguien que les obligue fríamente a pulir sus defectos, y, en su consecuencia, no ser siempre capaces de rematar melodías excelentes con las ideas adecuadas. Realmente hay fragmentos en ‘Impronta’ (la canción), ‘Tengo un plan’ o ‘Zen’ que me hacen pensar en el mejor pop clásico en castellano de CRAG, Hilario Camacho o Los Brincos. Pero todas ellas terminan evolucionando hacia terrenos algo comunes en el indie de hoy o tropiezan en su desarrollo (efectos vocales en ‘Tengo un plan’).
No siempre sucede así y el disco sabe cerrarse con una delicia de canción melódica llamada ‘Despedirse’, además emparentada con otros momentos del álbum como ‘Deshielo’, según ellos la mejor balada que les ha salido. Entre que su lado más clásico queda satisfecho con estas pistas y que el tracklist es generoso en triunfos asegurados para sus directos como la synthpopera ‘Una señal’, no hay mala noticia posible en ‘Impronta’: el grupo seguirá arañando seguidores de aquí y de allá y ejerciendo esa labor de puente entre indie y mainstream que tanto se ha necesitado en este país en el que cuando empezaban -recordemos- la gente no conocía más que el huracán latino” (Jenesaispop)
Por cierto, y para los que queráis mi opinión, os diré que yo soy de los que piensan que Mi realidad era más fea que pegarle a un padre y, para mi pesar, Lori Meyers dejaron de interesarme hace ya bastante tiempo. No les dejo de reconocer, sin embargo su “mérito” y les felicito por haber alcanzado ese status, aunque desgraciadamente para ellos, conseguirlo ha repercutido directamente en la calidad de su música.
Wiggum: La guerra mundial (El Genio Equivocado, 2013)
‘Sintón Nisón ama a Nifú Nifá’, el debut deWiggum, pasó algo desapercibido cuando se publicó hace dos años. Los cuidados arreglos a lo Brincos de canciones como ‘La chica imaginaria’ y ‘Algún día’ o el potencial comercial de ‘Jacques Cousteau’ y ‘Cuentos azules’ se diluían en cierta ortodoxia indie que no les hacía destacar especialmente. Pero su nuevo álbum ‘La guerra mundial’ se adivina como un punto de inflexión en su suerte, un cambio de rumbo decidido y rotundo que expresa a la perfección la diferencia entre las portadas de ambas obras. Si nos fijamos en ellas, ese precioso retrato realista que ilustra lo nuevo invita a pensar que estos Wiggum son más fieles a sí mismos.
‘La guerra mundial’, producido por Marco Morgionne del grupo Linn Youki, es un disco contundente y rocoso, coherente de principio a fin, que además está protagonizado por unas melodías muy directas capaces de instalarse en nuestra mente de forma instantánea. Con la clara influencia del rock alternativo noventero como bandera, de Smashing Pumpkins al hardcore pop de Green Day y Offspring (los homenajes a la banda de Billy Corgan en ‘Naufragio’ o a Pixies en ‘Camino al edén’ son más que evidentes), Julio (hermano de Cacho, de Extraperlo), Marc, Dani y Halldór (un islandés, catalán de adopción) apuestan todo a un fabuloso sonido de guitarras y a las armonías vocales. Con ellos por bandera, nos ofrecen una notable serie de himnos directos y muy bien elaborados, que aunque no sean lo más original que hayamos oido (‘Laureles’ es a Wiggum lo que ‘Pesadilla en el parque de atracciones’ o ‘Vas a verme por la tele’ a Los Planetas), resultan irresistibles. Decir lo contrario, es #postureo.
Además, ‘La guerra mundial’ tiene un calado emocional superior a la media gracias a sus muy acertadas letras. Además de estar bien escritas, sobrevuela en estas canciones un espíritu de reacción positiva a la negra situación económica y social, una especie de cucharada de miel que nos quiere reanimar ante el oscuro panorama, algo muy de agradecer. Wiggum, como si se hubieran sacudido de encima algún tipo de contención o límite, estallan con temas de un fantástico pop poderoso como el single ‘Amarillo‘, ‘El día de tu muerte’, ‘La guerra mundial’, ‘El caminar’ o ‘Eterna juventud’, seguramente la canción que más lejos podrá llevarles y que quizá, como dice su propia letra, podamos “bailar en la plaza central de la ciudad”. Creo que no me equivoco mucho si digo que estas nueve canciones les llevarán a llenar salas como hacen Lori Meyers, Love of lesbian o Dorian” (jenesaispop.com)
Ilsen: La constante huida (2013)
Abrimos el panorama Indie patrio de este lunes con este Mini-Álbum de la banda barcelonesa Ilsen, una banda que “nació en el año 2003 y desde entonces no han parado de crear y de tocar, no siempre de cara al público, pero sí en un continuo movimiento. Utilizando como base el rock en toda su amplitud, han acariciado diferentes estilos y sonoridades hasta dar con una forma propia de entender la música y expresarse a través de ella” (Bandcamp)
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Be the Bear: Bump (Single, 2013)
Como he dicho en otras muchas ocasiones, el Electropop es un género que en absoluto me motiva. Pero de vez en cuando uno se encuentra con pequeñas joyitas como este Bump, del dúo sueco Be the Bear formado por la vocalista anglo-danesa Christina Wehage y el músico y productor sueco Mattias Balin. Y a fe que tengo que, de alguna manera, arrepentirme de mis prejuicios.
Porque Bump es un tema absolutamente arrebatador, preñado de buenas intenciones y de un espíritu que me recuerda a lo mejor del género en los ochenta.
Os acompaño el lote con otros dos sencillos aparecidos anteriormente, el excitante Coffee kids y el más electrónico Bad things.
““Following on from the super alt-pop of last single ‘Bad Things’ are Swedish/Danish/English duo (work that one out) Be The Bear who are somehow hiding under the radar of much of the UK’s music press, when really they’re producing the exact sort of music we should be doing our damnedest to promote and bring decent pop back to the forefront of our insipid commercial music scene. Surely it’s only a matter of time until NME Magazine, BBC Radio 1 and all the other outlets currently playing it remarkably safe take a leap of faith and embrace what this pair are doing. It’s time to give yourselves a slap in the face and venture beyond the usual suspects.”
- The Sound Of Confusion, UK
Wallenberg: Walking with your shadow (Single, 2013)
“Wallenberg, is an ongoing collaboration between Nosslo-Grebnellaw Aniluap and creators from different fields generating images, music and performing art with a mixture of childlike and surreal aesthetics. The force behind Wallenberg is to explore the synthesis capabilities of images and performances using and working within the format of pop songs.
Wallenberg currently operates out of Stockholm“
“Wandering into the shadows, to squalid and desolate places, and into the deep violent night. My only friend a flickering abstract pattern and a frantic figure on the wall. My feet crossing the cold humid floors. A descent into the underworld and dead lovers buried in the snow. A memory of my most beautiful days” (Bandcamp)
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Alone with Everybody: Isolation row (2013)
Camille y Louisa Bénâtre forman Alone with Everybody, un dúo de Toulousse que en esto de la música va de cara: Pop delicado, de tintes acústicos e intimistas. Ni más ni menos. Ningún aditamento extra ni concesión alguna a arreglos de producción.
Sus referentes los expresan igual de claros: Beatles, CSNY, Smiths, Lee Hazlewood, Beach Boys, Josh Rouse, Eels, Richard Hawley… Y lo cierto es que les ha salido un trabajo de debut que, si eres amante de este tipo de sonoridades, vas a tener que echarle un oído. Supongo que no querrán ser los nuevos She and Him (y más viniendo desde Francia), pero les podrían hacer algo de sombra por momentos…
Por cierto, su álbum se estrenó el mismo día que el Please Please Me de los de Liverpool. ¿Casualidad?
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“Brother & sister duo (Camille & Louisa Bénâtre), Alone With Everybody is more than a family history. It’s about long years devoted to pop music through the first cds they bought and the vinyls their parents listened to. They grew up with the Beatles & Crosby Stills and Nash then wrote the first songs in Paul McCartney’s tongue altough living in south France.
Their debut album – Isolation Row, to be released on March the 22nd – is a collection of delicate pop songs with elements of midwest folk and americana. Everything’s built around the lead vocal melody; the heart of the song. Then comes acoustic guitars, synth arrangements and sometimes a piano. Discrete percussions can be heard, but no drums.
Compared to Gerry Rafferty by Mike Coykendall (M. Ward, She & Him, Blitzen Trapper), Alone With Everybody oscillates between american and english folk songwriting, between London & Portland folk scenes, between Lennon & McCartney or just… between minor & major chords. They idolize Nashville hero Josh Rouse as much as Sheffield crooner Richard Hawley. And Woody Allen” (Facebook)
Ex Cops: True hallucinations (Other Music, Fat Possum, 2013)
En este debut de Ex Cops, True Hallucinations (Other Music, 2013), el dúo de Brooklyn parece que han querido abarcar una pequeña parte de su (sin duda) extensa discografía-cultura musical, poniendo en práctica varios estilos, que irían, desde por ejemplo, el Pop más “neozelandés” de You are a lion, I am a lamb o Separator, a los ecos Velvetianos de Broken chinese chainz. De los susurros Poppies a lo Teenage Fanclub de Ken o James a la vena más Spacemen 3 de Jazz & Information. De los ecos playeros de Spring break (Birthday song) a la vena Kinksiana de Billy Pressly o Nico Beast.
A este cierto estrabismo sonoro Ex Cops consiguen darle un tono de unidad facturando un álbum muy personal. Por momentos, me recuerdan a The Fellies, pero también, por qué no, a Teenage Fanclub o a ese Pop suave teñido de caricias electrónicas con que acompañan a sus temas unos contemporáneos como Letting Up Despite Great Faults.
Pero pienso que mejor que dedicarnos a buscar más referencias, lo lógico sería centrarnos en sus temas. True Hallucinations es una colección de once temas que se devoran de una sentada. Bueno, mejor que devorar diría que se degustan. El buen gusto por el Pop creo que es ese pegamento del que hablaba antes a la hora de unificar estilos y criterios. El amor por el Pop y por las buenas canciones.
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“Judging from the way they weave together sounds and styles from various eras into one tuneful, dreamily sweet package on their debut album True Hallucinations, one can only assume Ex Cops are head-of-the-class-level students of pop music history. A casual trip through the record’s 11 songs reveals influences taken from some of the most inspired and inspiring music of the past 50 years, from the jaunty punch of the Velvet Underground at their poppiest and the choppy strum of Flying Nun bands likethe Bats, to the gauzy haze of ’90s shoegaze and synthy atmospheres of Factory Records — they only borrow from the best. Along with these classic touchstones of modern indie rock, the group throws in some nice bits of ’50s pop (on the utterly charming “Spring Break (Birthday Song)”) some grittySpacemen 3 style psych (“Jazz & Information”), and early Feelies-sounding jangle (“Billy Pressley”) to keep the trainspotters on their toes. On paper, all these influences might seem overwhelming, but the group, and especially chief songwriter Brian Harding and producer John Siket, weave them into a sound that is more informed by the past than it is beholden to it. Basically, they are able to rise above their influences by writing songs so catchy and so nice sounding that it wouldn’t matter much if they copiedthe Chills‘ (for one example) songbook note for note. The recording of the songs is so warm and enveloping, Harding and Amalie Bruun‘s vocal harmonies are so rich, and the songs are so darn upbeat (and memorable on first listen) that the album hits you in the gut, heart, and brain like only the best pop music can. Listeners who like a little darkness mixed into their sound may come away with a sugar-induced toothache, but for anyone who likes their pop music delivered with a honey smacked smile, heaven! True Hallucinations is an impressive debut and one of the purest, most innocent-sounding pop records anyone is likely to make in the ironic, convoluted era in which they exist” (All Music)
Dutch Barn: Lighter later (2013)
Dutch Barn son un quinteto londinense que bebe de varias influencias. En su música, los chicos abren las puertas de este Granero Holandés (me encanta su nombre) tanto al Folk más añejo tradición Fairport Convention o su “evolución” Fleetwood Mac (nunca he sido devoto de FM), como a influencias más contemporáneas, vía Mojave 3, Eighteenth Day of May, o Mumford & Sons. Todo ello aderezándolo con agradables ecos del Fuzz-Pop más suave. Una mezcla absolutamente deliciosa. que hacen que su música sea bastante agradable y fácil de digerir. Sus sonidos tienen esa mezcla de delicadeza y sutilidad que hacen que se acerque a nuestros oídos con indudable atractivo.
Come down, Didn´t suit me anyway, From the ground up, Lighter later, Soft landing… son canciones que a buen seguro vas a disfrutar si te acercas a este álbum de debut de los británicos.
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“Dutch Barn are a five-person alternative band from Britain, who were formed from the embers of folk group, ‘Little Ray.’ While the band still hold true to their roots, new members added a harder alternative edge, to offer Dutch Barn a far more rock-related sound than the previous group.
With the feel of vintage, reverb-laden, indie rock, all colored by their folk-music roots, Dutch Barn have prepared their debut album, ‘Lighter Later.’
‘Didn’t Suit Me Anyway’ opens the ten-track album and serves as an introduction to the band’s development, as the strongly folk-tinted opening is accented by harder alternative-rock edges. This then breaks into the brisk, up-tempo, ‘From The Ground Up,’ before ‘Come Down’ brings a strong backing beat and driving guitar riff to underpin the airy vocals.
The band have been compared to Dinosaur Jr. in the past, and there is a definite similarity with the jangly guitars and alternative edges. However, there are also other influences writ large on Dutch Barn’s music, such as the more psychedelic touches of an early ’70s Fleetwood Mac, and even the swirling guitar sounds of vintage Stone Roses. Indeed, it is the bringing together of these disparate elements that help this fivesome stand out from the crowd.
‘Anything You Want’ is a gently poetic and almost dreamy indie number that once-again draws on the band’s folk-music roots, before the harder rock feel breaks through. ‘Fire’ offers a genuine slice of vintage indie music that will no doubt please old-school alternative fans, as well as capturing the hearts of younger fans, before the relaxed nature of the title track offers a beautiful mid-tempo swing. ‘Soft Landing’ sounds like the theme to sunny summer days, with the drifting vocals and sweeping lead guitar being driven along by the foot-tapping rhythm section.
Everglades Parts 1 and 2 continue to deliver with a vintage rock appeal, which comes like a mixture of Neil Young, Teenage Fanclub, and The Small Faces; all wrapped up with a touch of Sonic Youth. The album finishes with real grace, courtesy of the delicately delivered, emotive-yet-metronomic, indie foot-tapper, ‘Heart in the Middle.’
Already picking up admirers and getting national airplay on UK radio, Dutch Barn manage to produce music that is at-once reassuringly familiar and also fresh. By drawing their influences together under one wing, the band have developed something that is far bigger than the sum of its parts, and ‘Lighter Later’ certainly delivers on the band’s promise. The production manages to maintain a balance between being delicately poised and having a harder, fuzzy alternative-rock feel.
A perfect album for lovers of warmly uplifting, reverb-heavy alternative indie-rock. Pick this one up now, and expect it to be a huge part of your summer and beyond… ‘Lighter Later’ is simply superb” (Pop Culturez)
Colleen Green: Sock it to me (Hardly Art, 2013)
Colleen Green representa algo así como el triunfo del DIY, si por triunfo entendemos el fichar por una independiente digamos que de las importantes, y ver reflejado tu trabajo en un disco grande, eso sí, sin perder ni un ápice de su creatividad, de su independencia ni de su manera de hacer las cosas.
Green continúa elaborando sus temas desde ese universo particular que es el dormitorio de su casa. Con la ayuda de su caja de ritmos, de sus guitarras y de sus temas sencillos pero efectivos. Éstos son pequeños caramelos no demasiado ácidos ni demasiado edulcorados. Contienen la esencia justa de las buenas canciones. En Pitchfork las relacionan de alguna manera con los Ramones, y no me extraña (aunque también con Beat Happening y con Blink 182). Pequeños desarrollos con la ambientación justa para hacer de esta colección de canciones un pequeño libreto donde podrás encontrar “the melodic sensibility and lyrical themes of 60s girl groups– good boyfriends (“When He Tells Me”), bad boyfriends (“Darkest Eyes”) and mean girls at school (“Every Boy Wants a Normal Girl”). But while the first wave of girl group music was a profession of collectivity and shared wisdom, Green’s music is proudly solo, the product of one singular, isolated person. Not that it bothers her. About a minute-and-a-half into the album, on the infectious, wound “Only One”, she engages in a multi-tracked call-and-response chant with herself. “Oh yeah/ Uh-huh/ Oh god/ I really love my boyfriend,” she sings, and then plays her own backing singer: “She really loves her boyfriend.” In Green’s solitary bedroom-pop universe, loneliness isn’t a source of sadness so much as aesthetic choice and, occasionally, a well-executed punch line” (Pitchfork)
Un precioso álbum de Pop con mayúsculas, que se oye de un tirón pero que invariablemente tienes que volver a escuchar porque con pocas escuchas no vas a cogerle el gusto a estos temas. Y te advierto que merecen muy mucho la pena.
“On her debut album for Hardly Art, Sock It to Me, the Oakland-based one-woman band Colleen Greencomes off like a darker, more complex version of Best Coast. Like that band’s Bethany Cosentino, Greenloves weed, worships the Ramones, and writes simple, guitar-heavy songs about boyfriends and how to find/keep them, but there’s more depth to Green‘s songs and a much weirder, harder-to-pin-down aspect to them that makes her work more satisfying. While the record is mostly filled with uptempo, happy rockers like “When He Tells Me,” “Yr So Cool,” and “Number One” (a bopping cover of a track by fellowRamones lovers the Queers) that have power chords, thumping drum machine patterns, and hooks sharp enough to pop eardrums, there are also tracks like “Close to You” and the super-catchy “Time in the World” that dial back the guitars in favor of prominent basslines and humming synths, and have a well-constructed and moody atmosphere that shows how Green has a mastery over the limited array of tools she chooses to use. So limited, in fact, that the drum machine and synths sound like they still have the original settings, but thanks to how catchy the songs are (and the earnest passion in the words and her voice), it works very well. The only song that falls a little short is the overlong, under-written title track, but it’s a passing discomfort that is fixed by the machine-driven doo wop ballad (“Darkest Eyes”) that follows. Green may not be a sonic wizard, and her songs may cover familiar topics in a familiar way, but she fills the album with songs you’ll be humming to yourself all day long, adding to mixes, and sharing with friends who are into weird pop-punk, and that’s what’s most important in the end” (All Music)
Walden Dos: Más allá hay monstruos (Ep, 2013)
El tercer trabajo discográfico de los madrileños Walden Dos nos ha traído algunos cambios. El primero de ellos, y más evidente, es la marcha de uno de sus miembros. El segundo y consecuente es una lógica evolución en su sonido:
“Este hecho obligó a modificar dinámicas de trabajo y estructuras de los temas, haciendo que las canciones adopten un barniz sutilmente más electrónico y que se apoyen en la tecnología para construir rotundos muros de sonido e hipnóticas secuencias de largo desarrollo que no dejan indiferente. La evolución del grupo en este trabajo le aleja, sin olvidarlas, de las estructuras melódicas del pop para consolidarse en un sonido más cercano al post punk o al shoegaze“
Ésto es particularmente cierto. Walden Dos son una banda que no tiene prisa en acercarse a un tema. Juegan con las canciones, las expanden y las desarrollan hasta el extremo. Efectivamente, además, en este Ep, W2, en su constante evolución y cambio, han asimilado también sutiles matices electrónicos, que aparecen en la producción de un disco exquisito. Un cierto giro que les acerca a territorios más Pop incluso, además de sus clásicos sonidos Kraut-Rock y Post-Punk.
Puedes disfrutar de Más allá hay monstruos desde su Bandcamp, donde además puedes descargarlo, embeberlo en tu web o en tu Facebook.
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“Walden dos busca tener que seguir buscando. Contentos en el inconformismo, deseamos no alcanzar los objetivos para seguiralimentando alguna nueva canción. Contra nuestro caprichoso destino. Con un enfoque distante. Intentamos destilar canciones gota a gota. Hasta el fin de los tiempos. Sonido en permanente cambio. Somos Walden Dos y estamos en construcción. Y pretendemos estarlo siempre” (Bandcamp)
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Despotismo Ilustrado: Despotismo Ilustrado (Single, 2013)
Una actitud un tanto nihilista y absolutamete deshinibida son las notas predominantes en la música de Despotismo Ilustrado, una banda madrileña de sonidos Krautrock-Post-Punk que ha contado con la ayuda de Raúl Querido para grabar este sencillo.
Amor de Tokyo: Sálvame (Boreal, 2013)
“Aprovechando la salida de su disco “Escorpiones” a las principales plataformas digitales como son “Spotify” o “Itunes”, Amor de Tokyo nos vuelve a sorprender con el estreno de su nuevo videoclip “Sálvame”, que está grabado íntegramente en la ciudad deTokyo y cuenta con la colaboración de dos artistas Norteamericanos, Nathan Miller como director de fotografia y de Matthew Browncomo editor y productor. Se trata de un reflejo acelerado del latido que mueve a la capital nipona; el metro, el monte Fuji, las calles y sus habitantes se van alternando en el protagonismo, con imágenes muy potentes mechadas entre un metraje de contexto que juega con la diversidad y se detiene especialmente en escenas generadoras de imágenes còmplices: los niños jugando, adultos con hula hoop, consiguiendo en este audiovisual una expresión fiel de la esencia expresiva de Amor de Tokyo: huida hacia delante, un salto de fe hacia la belleza sin olvidar la existencia del lado oscuro.
“Sálvame” es el corte número 10 del disco, uno de los temas icónicos del disco y quizás las más eléctrica y directa, acercándose al sonido de grupos como Klaxons o The Killers” (Press)
Gianna Lauren: On personhood (Forward Music Group, Pigeon Row, 2013)
Sensibilidad Pop, intimismo eléctrico y buenas vibraciones. Gianna Lauren es una cantautora eléctrica que ha facturado un álbum preñado de sentido y sensibilidad.
“”…Lauren is a bit of a mystery. She’s part wallflower, part rocker, all intrigue. With a sound akin to Mary Timony, Lauren’s poetic yet gritty. She trades the acoustic guitar for an electric, infuses strings and soft vocals, as if she’s whispering secrets into the wind.” – The Coast
Originally hailing from Alberta and Ontario, singer-songwriter Gianna Lauren has called Halifax, Nova Scotia home for the past four years. She has since immersed herself in her Atlantic surroundings by becoming a
fixture in Halifax’s thriving, collaborative music scene. These experiences have culminated in a new album of lushly arranged indie rock, entitled On Personhood.
Warm guitar tones, brooding melodies and remarkable tenor are the cornerstones of Lauren’s sound. Her songs are laced with themes of human behaviour and adaptation, and are delivered with thoughtful and charismatic performances” (Forward Music Group)
Shiko Shiko: Best new bestiole (2013)
¿Bizarros, extraños, divertidos, gamberros, deconstructores, hipsters…? ¿Con qué definición te quedarías para este combo francés? Trabajan para Platinum Records.
“Located halfway between hedonistic Post Punk and Mutant Rock, Shiko Shiko creates epic compositions where furious rhythmic patterns are carelessly associated with wild guitar riffs and sweet pop melodies. With a tremendous energy, their performances give to see a possessed band, expressing the emotion emitted from its music, as surprising as effective. It’s like a meteor strike on a frozen lake by a full moon night. Beautiful, violent and mysterious at the same time, coming from nowhere, echoing in a magnificent spatial crash.
With more than 100 different gigs in France and Belgium (Les Trans Musicales, Le Printemps de Bourges, Iceland Airwaves festival and support band for Vampire Weekend, The Ex and more…) the electrifying and surprising Shiko Shiko live show managed to get talked about. The climax of it all is the debut album of Shiko Shiko, “Best New Bestiole”, a digest as enjoyable as urgent from their poetic wildness” (Press)
Eux Autres: Sun is sunk (Ep, 2012)
El último trabajo de Eux Autres es este Sun is sunk, un precioso Ep de Indie-Pop con esas canciones que te agradan desde una primera escucha porque sin duda te evocan sonidos conocidos. Canciones amistosas, pequeñas joyitas con guiños al pasado, a los sesenta, a François Hardy, a Field Mice, y a Allo Darlin´, o a Tender Trap.
Un pequeño paquetito con seis sorpresas en forma de canciones sublimes, de puro Pop: Down your street, Home tonight, Ring out, Broken record, Right again… son absolutos temazos, que puedes disfrutar en su Bandcamp.
“Eux Autres write smart infectious garage-pop that makes you feel like you’re simultaneously cartwheeling down a beach, singing by the fire in the mountain cabin, blowing out the candles on a cake, and eavesdropping on the elusive neighbours. If the Field Mice met Black Flag in a dark alley and teleported them to a Francois Hardy show, the songs they’d be humming together on the drive home might sound something like Eux Autres
“Lee Hazlewood told Nancy Sinatra to sing These Boots Were Made For Walkin’ like “a 14-year-old who fucks truck drivers”. Eux Autres’ Heather Larimer sings with the cool detachment of a woman who’s just had congress at a truck stop and found her partner disappointing.”- Did Not Chart
“they are doing what Best Coast are, just with more substance in their songwriting. These are some pitch perfect guitars for a hazy afternoon. Where the hell have this band been all my life?” – We All Want Someone To Shout For
In the Beginning, The JangleBox January Compilation
Jangle-Favourites 2013 My Bloody Valentine: mbv
Slowness: For those who wish to see…
Yo la Tengo: Fade
The History of Apple Pie: Out of view
Veronica Falls: Waiting for something to happen
Jangle-Favourites 2012
The JangleBox Mixtape, LoFi-Dj
Mixtapes:Broken Record, TJB October Compilation
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