Thee Oh Sees: Warm slime (2010)
Seguirle la pista discográfica a la banda de John Dwyer es una tarea ímproba que nos llevaría a partirnos las sienes desentricando los numerosos singles, Ep´s y largos que la banda ha ido diseminando a lo largo de su carrera por diversos sellos. En su MySpace hay un breve intento inconcluso. Lo que sí es cierto es que este larga duración (me niego a llamarlo Ep), Warm Slime (2010), es su última producción. Otra constante de su producción es una cierta falta de consistencia y de regularidad en su sonido. Ésta última premisa tampoco se cumple con Warm Slime, ya que se trata de todo un disco, con buena producción y con la idea de perdurar como una verdadera obra musical. Se trata de un buen álbum en sí mismo, con dos partes bien diferenciadas: Una primera parte (cara A) ocupada por su In a gadda da vida particular: Warm Slime, el tema que da título al disco, una larga jam de trece minutos largos en la que el cuarteto da rienda suelta a todo su repertorio de filias y fobias que los han acompañado durante su carrera: los sonidos garajeros, los Nuggets, el Noise, el Lo-Fi, el Psycho-Pop… engarzados y reproducidos en los casi catorce minutos de intenso sonido. El resto del disco (cara B) sí que funcionaría más o menos como uno de sus numerosos Ep´s: cierta unidad sonora compilada en una breve colección de temas. Éstos se inician con I was denied, una especie de oda surfera con huella garajera muy divertida. Everything went black es un tema que tiene una impronta más garajera, a lo Question Marks. Castiatic tackle es otro número de Garaje-Pop a lo Cramps muy intenso. Sus ecos, mezclados con los de unos Jesus and Mary Chain, por lo que de ritmo cansino y un tanto plomizo, aparecen también en Flash Bats. Mega-feast es el tema más flojito de la colección, una especie de pastiche sonoro con ritmo desenfrenado. MT Work cierra el disco de forma divertida, uniendo Surf, Lo-Fi y Garaje a partes casi iguales, algo así a lo que realizan Beach Fossils en muchos de sus temas. Un álbum más que recomendable éste de Thee Oh Sees, que en contraposición a muchos de sus discos anteriores, en los que salvábamos uno o dos temas, en Warm Slime nos encontramos con una enérgica colección de temas de lo más atrayentes y atractivos.
Thee Oh Sees – Warm Slime (2010)
“Working with Thee Oh Sees front-man John Dwyer must be something of a double-edged sword for musicians. On the one hand, band members must be rubbing their hands gleefully at the prospect of another pay-day (not that bands this size ever really make any real profit, of course). On the other hand, their leader cranks out so much material that he must have them working – if not in the studio then playing live – seven days a week. Since 1997, Dwyer has fronted or played in at least a dozen bands, most notably Pink And Brown, Coachwhips and the Hospitals, and his latest release, Warm Slime, will be the eleventh full-length album to fall under the umbrella of Thee Oh Sees project. His band-mates must consider him a pretty hard task-master.
Not surprisingly for a writer churning out tracks at such a prolific rate, quality control is not always of the same standard, but Dwyer has steadily honed his craft since the early, home-recorded OCS releases. To this end, Warm Slime can be seen as an improvement on last year’s Help, and arguably Dwyer’s best work to date. The album is split into two halves: the first is dedicated to the fourteen minute long (!) title track, with six shorter songs on the B-side. ‘Warm Slime’ (the song) is, as you might expect from it’s length, something of a monster; starting off as a relatively straightforward garage-rock jam, it gradually mutates into something more akin to twelve-bar blues, then a Creedence-style country-blues jam, then into a call-and-response gospel-type affair. By the end of the track, it’s throbbing bass and stark rhythmic pulse has hinted at a sort of minimalist kosmische, and finished up as some swampy, voodoo psychedelia. Suffice to say it’s a heavy trip but, amazingly, every second of it’s playing time is justified.
The album’s second half feels like an EP-length song cycle in itself. The insanely catchy ‘I Was Denied’, with its hollered “la-la-la” chorus, is an infectious cross between the sleek rock ‘n’ roll of Love As Laughter, and the Banana Splits theme. The eerie, 60s-aping ‘Everything Went Black’ stomps along on the back of a martial drumbeat and features some all-too-brief moments of guitar/keyboard interplay, before the band switch to breakneck punk mode for the bratty rattle of ‘Castiatic Tackle’. The spectres of Suicide and the Cramps hang over the droning ‘Flash Bats’, which fades in as if we’ve interrupted some particularly intense, Oneida-like psych jam. ‘Mega Feast’ is the album’s only real throwaway track, a discordant mess of detuned guitars zipping aimlessly over metronomic drums, before ‘MT Work’ brings us back full-circle with another raucous chant-along. It ends on a drum fill that sounds like a perfect lead-in to another track, and it’s tempting to wonder if maybe ‘Warm Slime’ was originally intended as the record’s epic closer; if perhaps the vinyl came back from the pressing plant with the labels printed on the wrong sides and Dwyer just thought “Ah, fuck it”. Most likely, though, it’s an intentional inversion of convention, a typically perverse gesture and a fitting end to a wonderfully sick album” (thequietus.com)
Nos gusta la música 1.0: Summer 2010 (2010)
El portal musical Nos gusta la Música acaba de editar un disco recopilatorio con catorce bandas que previamente han decidido ofrecernos sus álbums o música en formato de descarga gratuita. Una estupenda iniciativa para darnos a entender esta nueva forma de distribución musical que cada vez está ganando más terreno a la distribución tradicional y que está plantando cara a ese gran monopolio que han representado los sellos discográficos tradicionales y las distribuidoras al uso. En el disco están presentes grupos que son amigos y que ya han aparecido en The JangleBox como Local Qua4tro o Galactus, y otros muchos como LadyNitro, Asustadizo, The Closers, Glassonion, Troy McClure, Breis, Posse… Desde The JangleBox sólo podemos alabar vuestra iniciativa. Su descarga es, como no, absolutamente gratuita.
Nos gusta la música 1.0 – Summer 2010 (2010)
“Después de varias semanas dándole forma y seleccionando los mejores temas ya está aquí el recopilatorio de Nos Gusta La Música en su versión 1.0 Summer 2010, un álbum compuesto por 14 temas de los grupos seleccionados que han aparecido en la sección de ¿Conoces a…? desde enero a junio de 2010, todos ellos grupos que distribuyen gratuitamente sus discos, por lo que desde aquí damos las gracias a Troy McClure, Galactus y Glassonion por cedernos sus temas y a todos los grupos por su confianza y apoyo.
El recopilatorio se distribuye gratuitamente bajo una licencia creative commons, permitiendo su libre distribución pero no su comercialización, ya que este recopilatorio no esta hecho para hacer dinero sino para que te lo descargues, lo compartas y lo disfrutes con la misma pasión que estos grandísimos grupos ponen en cada uno de sus temas, en tus manos tienes una oportunidad única para escuchar lo mejor del “otro lado” (nosgustalamusica.com)
El tracklist de Nos Gusta La Música 1.0 Summer 2010 es el siguiente:
1_ Local Qua4tro – El Ticket de la ORA
2_ Breis – La Última Copa
3_ Galactus – Menudo Nivel
4_ La Cia. Grafton – Necesaria
5_ Glassonion – Mujer Araña
6_ Troy McClure – Track 10
7_ Posse – Fábula
8_ Velouria – Entidades Paralelas
9_ Closer – Ha Salido el Sol
10_ The Closers – Come Down
11_ De Vito – Champán para todos
12_ Asustadizo – Isoflabonas
13_ LadyNitro – Después de la Explosión
14_ Les Paradis Artificiels – La Celda
Nos gusta la música.com / Descarga gratuita-Free download
Beach Fossils: Wide awake (2010)
La revista Insound nos regala un Mp3 de uno de nuestros artistas favoritos de lo que va de año, Beach Fossils, el nombre del proyecto de Dustin Payseur, como ya señalamos anteriormente en The JangleBox, donde además aparece como uno de los discos favoritos del 2010. Esta sesión en directo la puedes encontrar pinchando aquí, donde además puedes ver los vídeos exclusivos de la grabación para la revista.
Beach Fossils – Wide awake (Live, 2010)
“We’ve been frequent attendees at Beach Fossils shows around town since we caught them last year during CMJ. We were able to get the band into the studio just before their show at Cake Shop celebrating the release of their debut 7″, Daydream b/w Desert Sand. They played us four new songs and we were consistently more blown away as each one was taped. The band’s debut album for Captured Tracks/Woodsist is just around the corner and from the sounds of things its going to be fantastic. Check out the videos above for a sneak peak” (insound.com)
Astor Bell: Anniversary 1 (2010)
El primer aniversario del sello Astor Bell, dedicado a la música de baile y de club, se celebra por todo lo alto, es decir, con un recopilatorio de los principales artistas del sello aportando un tema que a su vez es remezclado por otro Dj o artista. Todo un logro para un sello que ofrece todos sus discos en descarga directa y que tiene ya doce referencias en su catálogo. Enhorabuena desde The JangleBox!!
Astor Bell – Anniversary 1 (2010)
“In February 2009 we pushed the big green GO button and publicly launched Astor Bell. During the first year we released 12 titles, all very near and dear to our hearts.
We wanted to mark our first anniversary with something really special and memorable. After kicking around a pile of ideas on what that might be we decided on loosening our grip and opening the gates into the Astor Bell brain.
The sum of our contributing artist’s work is greater than the label name we put on it. And it is surely greater than two 30-somethings sitting behind computers making the files available to you. The broken beats, the down-sampled waves, the backwards bass and the organic subway samples accumulate like a snowball rolling down a ski slope into complete pieces of audio that dig themselves into the deeper parts of our being.
Our artists backtracked into their harddrives and extracted these singular moments and scattered them over the floor.
We asked you to put the pieces back together, and you did.
We received submissions reaching to all corners of the globe. We hand picked the absolute best. Please know that it was NOT an easy task. We thank you for all of your submissions.
Anniversary 1 : Astor Bell Remixes. Mission completed” (AstorBell.com)
Tracklist:
1. Giuseppe – Back in Dark (B.A.X. Remix)
2. Socket Science – Sidewinding (Giuseppe rmx)
3. Bubble Shield – Speculation (Fenderchet Remix)
4. Wunderblock – Act1 (Examine Remix)
5. Fabrizio Cacciamali – Kobalt Trees (Beyondbeyond Retouch)
6. Fenderchet – Feelings and Thoughts (Lost in Thought Mix by Karma Influx)
7. Bubble Shield – Speculation (Bright Lights Remix feat. Mike Downey)
8. Donny Karson – Def Leppard (Socket Science Remix)
9. Guiseppe – Back in Dark (Damolh33 Remix)
10. Bubble Shield – Speculation (Alfadeo Remix)
11. Dan Brasco – For the Rich (Bubble Shield Remix)
Cover´s Game: A world without love; Max & Cavalli, Revolver, Paul McCartney
La primera versión es de unos chicos argentinos que recrean A world without love a la manera que The Beatles lo hubieran hecho, tomando como base el Eight days a week. La segunda es de unos británicos llamados Revolver especializados en recrear temas de los de Liverpool, particularmente inéditos. La última es una demo de Paul McCartney, supuestamente original, aunque el sonido es tan pobre que cuesta reconocerlo.
Peter & Gordon: A world without love (Ep,1964)
Cuando a finales de los cincuenta y primeros sesenta John Lennon y Paul McCartney se plantearon formar su propio grupo no tenían ni la más remota idea de todo lo que vendría después. Cómo cambió el mundo de la música, la forma de entenderla, y lo que es más curioso, la forma de distribuirla y de difundirla particularmente en el Reino Unido. La fuerza de la ola que levantaron fue tan grande que arrastró a centenares de jóvenes a adaptar su música y a intentar imitarles en la manera de lo posible, fusionando su música con el acervo anterior ya existente, es decir, el Rock´n´Roll, el Rythmn´n´Blues, el Folk y el Skiffle. No vamos a extendernos más en todo esto sólamente para presentar a Peter & Gordon, una de las formaciones surgidas tras la eclosión Beatle y parte del movimiento a partir de entonces conocido como Mersey-Beat. El dúo estaba formado por Peter Asher y Gordon Waller, éste último fallecido hace ahora casi un año. Al mencionar el apellido Asher casi todo buen aficionado debe saber que por aquel entonces era el cuñado de Paul McCartney. Ésto era especialmente importante por una razón, y es que, aun sin pertenecer a la cuadra Epstein, también tuvieron acceso directo a canciones del dúo Lennon-McCartney que éstos rechazaron o que no les dieron la importancia de singles. Claro, estos no-singles de The Beatles se convertían inmediatamente en sencillos para cualquier otro artista. Ésto es lo que ocurrió con A world without love, un precioso medio tiempo que Peter & Gordon rápidamente adaptaron a su particular estilo, a medias entre el Folk y las armonías vocales de los Everly Brothers, disciplinas ambas que el dúo dominaba a la perfección. El tema fue un bombazo inmediato y alcanzó el nº1 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, ya que es una canción que, aun hoy mantiene una frescura impresionante, particularmente con esas frases de guitarra de doce cuerdas que suenan majestuosas y un teclado igualmente soberbio que no era muy utilizado por los grupos coetáneos de la época. Le acompañan en este Ep la clásica versión de Rock´n´Roll, en esta ocasión Lucille, un clásico popularizado por Little Richard, también cantado a dúo, con un resultado perfecto y un ritmo más que animoso, ejecutado por músicos de estudio. If I were you es el tema propio de los cuatro que componen el Ep, un tema delicado en una línea más folkie, con voces perfectas y un aire un tanto semejante al tema que da título al disco; con todo, es una buena composición. Pretty Mary es un tema folk que podría haber firmado el mismo Jim McGuinn con sus primeros Byrds. Un maravilloso Ep que hace méritos a una de las mejores cancionenes de Lennon-McCartney nunca interpretadas por éstos.
Peter & Gordon – A world without love (Ep, 1964)
“A World Without Love,” by far Peter & Gordon‘s biggest hit, was the first British Invasion single to top the charts other than releases by the Beatles in 1964. The secret to its success was no big mystery, even at the time, for “A World Without Love” was written by John Lennon and Paul McCartney, the same songwriting team responsible for all the early Beatles classics. Actually, the song was written by McCartney ( Lennon and McCartney sometimes worked entirely separately even in the early Beatles days), making its way to Peter & Gordon as Peter Asher was the brother of McCartney‘s girlfriend of the time, Jane Asher. ( The Beatles never did record “A World Without Love.”) Lucky Beatles connections aside, the record was a big hit primarily because it was a very good song. It was perhaps a little sappier than what the Beatles wanted to sing on their own records, but it boasted another great haunting Paul McCartney melody and fine Everly Brothers-meet- British Invasion harmonies by Peter Asher and Gordon Waller. There were also some fine responsive folky guitar licks inserted throughout the track and a combo organ-guitar solo where most British Invasion acts would have stuck with just a guitar. Like many a Beatles song, the cheerier verses gave way to somewhat moodier, more morose bridges before skillfully steering right back to the main melody of the song at the exact point it returned to the verse. And, like many an early Beatles song, the despondency of the lyrics was almost belied by the immediately memorable melody and happy character of the vocals. At the very end of the song, for the last repetitions of the title, an additional pleasing chord is tagged on that doesn’t appear elsewhere, another characteristically ingenious Lennon– McCartney device. Almost folk-rockish in its tone and arrangement, “A World Without Love” was later scorned by John Lennon for its opening line about asking to be locked away in particular. But there’s no doubt that it’s a quality, memorable early British Invasion classic, probably the best Lennon– McCartney song never recorded by the Beatles“ (allmusic.com)
MySpace / Peter and Gordon official page
Psychedelic Horseshit: The Acid Tape (2010)
El post de hoy es absolutamente freakie. Está dedicado a una agrupación de Ohio llamada Psychedelic Horseshit, de la que he encontrado prácticamente nula información. En su MySpace se presentan como un trío absolutamente ido, enfrascado en viajes alucinógenos influenciados por las más variadas sustancias psicotrópicas. Hacía tiempo que no encontraba un título tan apropiado para el material sonoro registrado, porque justamente así es como suena este The Acid Tape (2010), como un viaje alucinógeno hacia prácticamente ninguna parte. Algo más de treinta minutos dedicados a la deconstrucción más absoluta, con algunas paradas en el Pop más endurecido de la Velvet (Unseed Voids), en el Space-Rock (Bleak vacations, Modern daze), o en el Afro más elemental (Hard as it gets). Un disco difícil y muy, muy áspero, sólo para oídos acostumbrados al Pop más experimental y a la deconstrucción sonora pura y dura.
Psychedelica Horseshit – The Acid Tape (2010)
“Acid is arguably the best representation what ‘shitgaze’ is and is not in 2010. Though, one could also say, this isn’t ‘shitgaze’ at all. Acid blurs all the lines once laid down by the stupid media bastardization of ‘shitgaze’ and in the end blows those lines away away. Songs on Acid jump from what seems to be layers of guitar, pretty ambience, and drum machine manipulation (“Unseen Voids”), to dub experiments (“Hard As It Gets”). Acid ends with “Bleak Vactions”, a full blown Velvets jam that pushes Psychedelic Horseshit beyond any label record dorks and critics want to give em. This is some of the best, challenging, and realized stuff Psychedelic Horseshit has recorded yet. You might ask yourself “Was this recorded on acid?”. Who knows for sure”
Oír/Hear: Are you on glass
School of Seven Bells: Windstorm (Single, 2010)
Probablemente no me equivocaré demasiado si os digo que el segundo disco de School of Seven Bells se va a convertir en uno de los grandes hits indies de este 2010. Su mezcla de Shoegaze, Dream-Pop y algún que otro toquecillo afro seguramente les encumbrará como uno de los mejores discos de este curso musical. Por lo pronto atacan con este Windstorm, un temazo en toda regla del que no podemos obviar la impronta de Cocteau Twins, pero que han sabido darle un toquecito 2010, con un sabor agridulce a lo The Pains of Being Pure at Heart que resulta absolutamente arrebatador. Para mayor deleite, en el single incluyen una remezcla del mismo tema realizada por A Place to Bury Strangers, otros de los gurús de este Nugaze (tenemos pendiente su último disco por comentar por aquí) o resurgir del Shoegaze con el que tantas alegrías nos estamos encontrando en las últimas dos temporadas. Completa el single Crescent Gold, un tema en la mejor onda Shoegaze ambiental, ideal para momentos de calma. Un preludio de un disco grande, Disconect from desire (2010) que ya puedes encargar en pre-order y que seguramente será todo un momentazo para Scho0l of Seven Bells.
School of Seven Bells – Windstorm (Single, 2010)
“By the end of 2006, Curtis and the Deheza sisters had completely disappeared into School of Seven Bells. From the outset, it was clear that the trio’s music transcended the usual genre restrictions. Early recordings popped up on Sonic Cathedral, Table of Elements, and Suicide Squeeze, then Blonde. School of Seven Bells’ music is full of tensions—Curtis’ gentle guitars wrap around jagged beats; silky vocals hide behind grumpy, alien synthesizers—but the resulting songs are effortlessly cohesive, and insidiously catchy. Elements of dream-pop, Afrobeat, IDM, and 4AD’s gauzier moments provide a constantly shifting frame for the Dehezas’ lyrics, which they write as mysterious missives between the School’s imaginary seven members. On their Ghostly debut, Alpinisms, we get the impression that the three seasoned musicians have taken up full-time residence in a dizzying fantasy world; they move freely within the realm of pickpockets and dreamers, composing a soundtrack according to their own odd, beautiful logic” (MySpace)
Love Connection: Love connection (2010)
El debut del combo australiano Love Connection es uno de esos discos para escuchar relajadamente, sin demasiados prejuicios y de forma deshinibida. Un disco que transcurre lento y parsimonioso cual arroyo de sonidos primorosamente arreglados e interpretados, tomando como base un cimiento basado en la electrónica pero utilizando materiales analógicos, teclados Casios y Korgs. Sobre ésto, Love Connection elabora un gran entramado de arreglos para los que emplean los más variados instrumentos y el resultado final es Love conection (2010), un disco engendrado tras una breve andadura de sólo seis meses tras la formación del grupo y que bebe en las fuentes de la Electrónica, el Synth-Pop, el Lo-Fi, la Psicodelia y el Dream-Pop en partes casi iguales. Un disco reflexivo y tranquilo, que nos da la idea de por dónde transcurre el nuevo Pop de primeros de siglo.
Love Connection – Love connection (2010)
“Within six months of forming, their debut album was written, recorded, mixed and mastered: an incredible feat considering the subtle complexities of these tracks, which, when listened to through headphones offers a fuller spectral experience of hidden nuances, intricate frameworks, and multi-tracked instruments and vocals. Love Connection describe their self-titled debut album as “a collection of low-fi, synth-based electronica, dabbling in new wave and psychedelic sensibilities with a strong pop influence”. The quartet give birth to an amalgamation of vintage keyboards, Korgs and Casiotones, throttling with sparse progressive guitar lines and percussive drum solos, described as “being heard through an old pair of headphones that feed rainbow-sounding grit into your ears” and “epic pop tunes that feel like a waterfall made of warm, multi-coloured soup rushing over your entire body.” “As a contender for owning 2010”, their self-titled debut album has been filling stores, I-pods, and airwaves nationally. Love Connection has been lathered with handsome enthusiasm from all corners; honoured with wonderful reviews (Inpress, The Age, Rolling Stone Magazine.), spotlighted as a feature album (3RRR and RTR-FM), and led to performances with The XX, Micachu & The Shapes, Melbourne’s St Kilda Festival, and a jam-packed in-store at Polyester Records’ city store in Melbourne. Surrounded by rave reviews, as Inpress street magazine quotes “Lauded by most, both their self-titled debut and live performance have garnered fans from all that have crossed their paths, this is definitely a band to keep your eye on” (MySpace)
“Making for a trio whose knack for complicated, ethereal sounds can’t be denied, smeared layers of wavering synths and chant-like vocals, it’s busy and surreal with a thrilling keyboard melody buried in the chorus, a haunting guitar line, and other details that are fascinating in their fleetingness. It’s so wholly immersive that time seems to distort as we listen. The most notable success here is the band’s exploration of a cryptic sound while still remaining accessible enough to get talked about on triple J, there’s an undeniable pull to replay it, which is all anyone really wants.” (Doug Wallen, Mess & Noise)
Hot Hot Heat: Zero results (2010)
Recién publicado su último disco, Future Breeds, éste es uno de los singles del mismo, Zero results, canción que puedes descargar gratuitamente pinchando aquí, y que muestra a los canadienses Hot Hot Heat como un grupo de Pop maduro y algo endurecido, con un sonido más que compacto y lleno de arreglos, fruto de diez años de giras, evolución musical y cambios de formación en sus líneas.
Hot Hot Heat – Zero results (Single, 2010)
“If Future Breeds, the latest studio release from Hot Hot Heat, is proof of anything, it’s that sometimes it takes a while to see things clearly. It’s taken a decade of tours, albums, line-up changes and label switches—all rewarded with building commercial and critical success—for Hot Hot Heat to fine-tune its vision. But with Future Breeds, all that toil has coalesced into the band’s most thrilling effort to date, one that coincidentally brings it full circle.
On Future Breeds, Hot Hot Heat returns to its roots both metaphorically and literally with a hot-wired and proud party album throbbing with spontaneity and creativity. When the band began writing Future Breeds, front man Steve Bays, along with band mates Paul Hawley and Luke Paquin, sought to recapture the energy and sheer love for the art form that drove the late-nineties Vancouver punk scene from which the band emerged” (rcrdlbl.com)
MySpace / Descarga gratuita-Free download
John Talabot: Summerized Mix (2010)
Lunes dedicado a la electrónica. Hoy el espacio es para un artículo que gentilmente nos ceden los amigos de Playground Magazine. En esta ocasión, os acompaño de un podcast de John Talabot, Summerized Mix. Para descargarlo, pincha directamente aquí.
John Talabot – Summerized mix
Duración: 01:02:44 Por lo que se sabe, John Talabot podría ser un miembro cualquiera del Club Bilderberg o ese vecino tuyo que sabes que vive tras la puerta –vacía su buzón cada mañana– pero al que nunca has visto salir de casa. No se hace fotos. Es reticente a aparecer en público. Incluso le grabamos interpretando con sus amigos de Delorean el hit house “Sunshine” y pidió expresamente que las cámaras no captaran su rostro. ¿Tan feo es? Nos consta que no va por ahí la cosa. Es una cuestión mucho más sencilla: “quería que la gente escuchara la música que hago como John Talabot sin tener en cuenta lo que había grabado en mis proyectos anteriores”, ha dicho siempre este productor barcelonés para el que el anonimato no es una forma de hacerse publicidad fácil –más bien la rehúye–, sino la única manera de mantener su música lo más pura posible. Y lo ha conseguido. John Talabot ya figura en la lista de productores emergentes en Europa gracias a tres maxis de alto nivel –entre el éxtasis balearic y la pulsión caliente de las percusiones afro, más un chorrito de acid: “My Old School” y “Matilda’s Dream”, en Permanent Vacation, y las dos ediciones de “Sunshine”, en Hivern– y un puñado de remixes que lo dicen todo sobre sus cualidades: capas agudas cálidas, melodías embriagadoras, 303, timbales, felicidad. Música que remite a un verano interminable que es el que incluye, condensado, esta sesión exclusiva que John Talabot ha preparado para Playground con los mejores ingredientes: old school disco, deep house, italo y abstracciones cósmicas. Anticipo de lo que podrás escuchar en Sónar (18 de junio, 02.30h., SónarClub).
Hasta ahora has tenido suerte, o has sido hábil, a la hora de esconder tu verdadera identidad, rollo Batman. ¿Te imaginabas al principio que este anonimato duraría tanto? Pues no me lo planteé, pero creo que la gente ha querido formar parte también de ello, hay gente que lo sabe y gente que no. Lo que sí me ha gustado mucho ha sido poder explicar mi música sin tener que responder preguntas sobre pasado, futuro o asuntos personales. La gente me pregunta de música, o de por qué no hay fotos de prensa, pero nada más. Lo más problemático ha sido de cara a los grandes medios, que si no te haces una foto de prensa no pueden sacarte una entrevista. He decidido prescindir de los medios que me obligaban a eso, porque no le veo ningun punto a favor sacar una foto en una entrevista si lo que importa es el texto.
Es posible que en tu sesión de Sónar el secreto de tu identidad deje de serlo: pinchas en tu ciudad, ante mucha gente. ¿Forma parte del plan o te ocultarás cuando pinches? ¿Crees que habrá gente que se lleve una sorpresa cuando sepas quién eres, o que no habrá para tanto? No voy a ocultarme bajo ninguna máscara, nunca ha sido mi intención ocultar mi cara, la idea partía de la base de que quería autonomía para el proyecto de JT, quería que la gente escuchara la música y decidiera si les gustaba o no dejando a un lado de quien provenía, qué había hecho antes o cualquier estimulo extramusical. Al no tener más información que ésa, la prensa y los oyentes han tenido que basarse en mi música y sólo eso les ha condicionado para decidir si les gustaba o no.
¿Cómo era la educación en el colegio John Talabot, del que tomas tu nombre? Después de años de haber estado en el John Talabot aprecio mucho el carácter familiar que tenía. No es una escuela que destaque por su educación y por estudiantes superdotados, sino por los valores que me dieron, y el valor familiar que la escuela tenía. Yo flipaba mucho cuando amigos de otros coles me decían que había 7 cursos de 5º numerados de la A a la G y que no sabían exactamente algunos nombres de alumnos o de la secretaria del cole.
Ya desde el título del mix haces referencia al verano. ¿John Talabot odia el invierno y no soporta el frío? Me flipa el frío. Me gustan mucho las épocas hivernales. Sin embargo, creo que este año es uno de los años que más necesito el verano. Este año he trabajado muchísmo en mi música (y también extramusicalmente), y me siento un poco exhausto. Necesito desconectar un poco de todo y acabar el álbum. Tengo que regenerarme, crear nuevas canciones, sentir que tengo tiempo para innovar, para buscar nuevos sampleos que me motiven, nuevas ideas. Este “Summerized Mix” para mi ha sido como decir “el verano ya está aquí”.
¿Qué papel crees que jugará el house en los próximos meses de música de baile? ¿Es una fuerza incontenible? Creo que el house es un género que comercialmente ha tenido muchisima repercusión, incluso más que el techno. Es un género del que parten un montón de estilos, pero que mantiene unas cualidades que lo han hecho mutar de mil maneras a lo largo de casi 30 años y, a pesar de todo, sigue siendo reconocible. Muchas veces la gente me ha preguntado como definiría el house, y no lo sé explicar, pero sé reconocerlo cuando lo escucho. Por lo tanto, he llegado a la conclusión que más que tener unos clichés de producción el house se define más a partir del sentimiento que genera o lo que te hace sentir (el mítico “house is a feeling” que decían en Chicago). Actualmente creo que se ha convertido en un género pop, en el buen sentido de la palabra: es decir, popular, y hoy miles de productores lo utilizan tanto para producir el último single de Madonna, como para hacer hibridos con nuevos géneros como el dubstep o 2step.
Hasta ahora has repartido tu tiempo trabajando para Hivern y para Permanent Vacation. ¿Qué te aporta cada sello? Diría que Permanent trabaja como un sello, tienen sus plannings, sus contactos, distribuidores, acuerdos, trabajan en el sello de un modo muy alemán, con dedicación, mucho conocimiento y profesionalidad. Y lo mejor es que Tom y Benji (sus dueños) son muy cercanos y súper familares, así que mantienen esa dualidad y creo que eso es lo que los ha hecho un sello tan potente en tan poco tiempo. Hivern es otra cosa. Se creó como una plataforma para editar música, las decisiones se toman a salto de mata, los plannings varian en función de la música que tienen en la mesa y el dinero que tienen en el bolsillo. Es de todo menos una empresa, es una plataforma que sólo quiere generar la motivación de artistas afines y convencerlos de que se dejen llevar, que muestren su creatividad, que creen música y, si a la gente de Hivern les gusta, le darán cobertura. Lo que más me gusta de Hivern es que se ha posicionado en una especie de tierra de nadie, no es un sello de house, o techno, y no vende en Beatport como churros. Y sobre todo me mola mucho cómo la gente de aquí se ha volcado con la propuesta, ayudando en la promoción, comprando los vinilos, y recomenando la música a otra personas. En este sentido Hivern creo que se siente afortunado.
El año pasado editaste “Sunshine”. Este año reeditas “Sunshine” en vinilo azul con dos remixes. ¿Habrá una tercera edición de “Sunshine” el año que viene o quien no se compre el maxi ahora se queda sin él? A mi me daba un poco de mal rollo la reedición, me daba la sensación de que estábamos dándole demasiada cancha al tema, aprovechándonos demasiado de él, pero realmente el vinilo de “Sunshine” original se agotó tan rápido que fue una pena. Se hicieron solo 250 copias y en Discogs los precios estan por 40 euros. Gente de EE.UU. y fuera de Europa lo pedían y creo que era un buen tema para reeditar y más teniendo a Delorean y The Blondes como remezcladores. Asi que gracias al bonito diseño de Arnau Pi ha quedado un disco súper chulo.
¿Qué ideas has querido reflejar en el mix que has entregado para Playground? He seleccionado algunas canciones que me apetecía pinchar, algunos vinilos que hacía tiempo que no escuchaba, cosas antiguas, cosas nuevas, edits que me mandan e incluso un remix que ha hecho Four Tet de un nuevo disco que saldrá en Phonica Records y que es increíble. Lo he puesto todo junto sin pensar demasiado, siguiendo un poco mi intuición a la hora de pinchar.
¿Cuáles son tus planes inmediatos de futuro? Ahora mismo he acabado varios remixes para Blue Daisy, AFFKT y alguno más. Estoy acabando el EP en Young Tourks en el que aparece Glasser como vocalista y quiero acabar el álbum, ya que tengo ganas locas de “sacarmelo de encima”. Me apetece mucho acabar y empezar a delimitar lo que será el directo, ya que incorporaré a alguien más para llevarlo a cabo, no quiero hacer un directo de laptop aburrido. En julio estaré unos días en NY tocando con Delorean, y cuando vuelva pasaré unos días de playa en casa de mis abuelos. ¡¡¡Eso sí que es el verano!!!
La Mode: Amor en taxi/Asesinato en el ascensor/Aquella canción de Roxy (Maxi Single, 1982)
La cara B del Maxi Enfermera de noche (1982). Aquella canción de Roxy es la mejor de las tres, lógicamente, fue regrabada para su primer largo, El eterno femenino (1982), por su calidad y porque esta versión, además de ciertos fallos en la grabación, resultaba un tanto larga y algo machacona, añadiéndosele además los saxos de Ulises Montero, colaborador entonces habitual de Gabinete Caligari.
La Mode: Enfermera de noche (Maxi Single, 1982)
La Mode fue el proyecto definitivo de Fernando Márquez, alias El Zurdo, un personaje peculiar de los tiempos de la Movida Madrileña. Un tipo que había formado previamente Paraíso y firmado una de las mejores canciones de los años ochenta en España, Para ti. Igualmente lo había intentado con otro proyecto llamado Pop Decó, que pasó sin pena ni gloria y que retomó posteriormente a su deserción de La Mode. Incluso tras un breve episodio en solitario, se decidió a formar, junto con Antonio Zancajo (Guitarras) y Mario Gil (teclados) el que sería considerado como el trío más sofisticado de los ochenta en el panorama musical español, La Mode. Una formación de breve existencia pero que nos dejó algunos de los temas más memorables del Pop en español. Uno de ellos es esta Enfermera de noche, su primer disco, un maxi previo a su debut en disco grande, titulado El eterno femenino (1982). Enfermera de noche es un tema que une el innegable talento lírico de Fernando (la letra es una especie de mezcla de masoquismo con fetichismo y cierta ironía) con los elementos musicales más o menos tomados en su mayoría de la Nueva Ola (Stranglers, Roxy Music) unidos a un toque de Pop-Electrónico en boga en el momento; y es ahí donde se notó mayormente la mano no sólo de Antonio Zancajo, sino también de Mario Gil, quien con posterioridad se tornó como el verdadero artífice e ideólogo de La Mode, tras el abandono en 1984 de Fernando, tras anunciar su enfermedad pulmonar, que le impidió llevar a cabo una carrera musical como tal, teniendo que abandonar los directos y el ajetreo que durante dos años el grupo consiguió llevar a cabo. Le prestaremos más atención, sin duda, a La Mode, desde el Retro-Visor de The JangleBox. Por cierto, que la cara B del Maxi está formada por la fusión, al estilo ochentas, de tres temas: Amor en taxi, Asesinato en el ascensor, Aquella canción de Roxy (la cual se regrabó para su primer álbum).
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“Enfermera de noche” es una de las buenísimas canciones que el grupo popularizó, con una letra que lo eleva a otro nivel y una interpretación de nuevo brillante, donde fetichismo, sugerencia, erotismo e ironía se mezclan con lo más hediondo de las fantasías sexuales. Al parecer está inspirada en una entrevista televisiva realizada a Xavier Cugat en la que aparecía con una mujer a la que llegaba a la altura inguinal y a la que denominaba “su enfermera de noche”.
La Cara B, como ya hemos comentado, es en sí un despropósito. Porque hacer ese mezcla con la muy The Cure “Taxi / Asesinato en el ascensor” (porque es la misma, ¿verdad?), y “Aquella canción de Roxy”, posiblemente la mejor composición del grupo, tiene delito, si bien es cierto sería regrabada de nuevo para su largo El Eterno Femenino (Nuevos Medios, 1982) , y de forma mucho más acertada, librándose de esa buscada intensidad en forma de aproximación al directo junto a los coros y el saxo de Ulises Montero, tornándose más nuevaolera, con sintetizador y ritmo electrónico de lo más ácido y sofisticado. Bien.
Con todo y con ello, no puedo calificar este maxi de menos que sobresaliente, y es que tanto este como su estreno en largo conforman sus trabajos más destacados, y significan dos de los momentos cumbre de los 80 españoles.
La portada fue diseñada por Montxo Algora, habitual desde entonces para la banda en esta lides” (lafonoteca.net)
Evil Evans: Una entrevista
Os ofrezco en este post una entrevista que Evil Evans nos ha ofrecido respondiendo gentilmente a un cuestionario. Es bastante interesante.
The JangleBox– ¿De dónde viene el alias de Evil Evans?
Evil Evans–Me da mucha vergüenza esto de enseñar mis canciones (…) el caso es que me escondo detrás del nombre de Evil Evans, nombre que me apropié tras una confusión en la radio con el pianista de jazz Bill Evans. Y si, soy de Cadiz (paisanooo!!!), aunque afincado actualmente en Sevilla.
TJB-Tu disco es un disco de sentimientos, en el amplio sentido de la palabra. ¿Hasta qué punto le das importancia a éstos en tus letras?
Evil Evans: Música animalista (2010)
Una de las grandes alegrías que nos ha dado esta época de globalización informativa que representa internet y el haber inaugurado un blog informativo sobre música es el hecho de recibir maquetas, material sonoro o cualquier tipo de información de numerosas bandas que esperan de nosotros, humildes perpetradores de blogs o magazines musicales, un reconocimiento a su música y, por qué no decirlo, a su creatividad. El último ejemplo lo representa esta maravillosa maqueta de Evil Evans, un músico paisano -es de Cádiz-, aunque reside en Sevilla, que es una preciosa bocanada de aire fresco y de creatividad Pop. Sus siete temas prácticamente no tienen desperdicio, están inscritos en una fórmula Pop de lo más tradicional, algo así como un Josh Rouse a la española, pero su frescura es tan grande, sus textos, aun siendo sencillos, son tan directos, y su música tan cautivadora que nos han llegado directamente. Su referente patrio más cercano, en nuestra opinión, lo representa Jonston, ese otro creador que ha decidido manejar su proyecto de manera más que personal, tomando las riendas directamente de su creatividad y de la forma de grabar sus canciones, supervisando hasta el último detalle. Pues algo así se ha currado Evil Evans, una maqueta perfecta con siete temas que son siete píldoras de introspección personal hacia el mundo de los sentimientos en el sentido más amplio de la palabra. Queda claro, Dardos a la barriga, Telmayluis, Vivos para contarlo son nuestras favoritas de una maqueta sin fisuras. Más que notable.
Evil Evans – Música animalista (2010)
“Evil evans lo hace sólo. Él compone las canciones, las escribe, las adorna, las mezcla, las canta y las produce. Lo gracioso es que se queda tan pancho, como si cualquier pimpollo con un portátil y una guitarra pudiera hacerlo mil veces mejor que él.
Pues perdone pero no. Es muy difícil hacer lo que hace, pero lo más complicado de todo es que las canciones tengan personalidad y sean creíbles. Eso lo consigue sin despeinarse, le sale de una manera natural. Quizás esta frescura viene dada por unas letras accesibles, amenas y delicadas en su mayoría, capaces de teletransportarme a una playa idílica o a la salida etílica de un bar. Estas imágenes mentales que se me vienen solas a la mente son una prueba irrefutable de la calidad lírica del señor Evans.
Instrumentalmente nos podemos encontrar en “música animalista” desde guitarrazos distorsionados hasta canciones acústicas con sonidos que vas descubriendo poco a poco y que se van mezclando con unas voces que se doblan en armoniosas melodías.
Su primera maqueta es el ejemplo ideal para mostrarle a la gente que se pueden hacer cosas muy intersantes desde la sala de estar de tu casa, siempre y cuando le pongas corazón al asunto” (lanuevajerga.blogspot.com)
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Amanda Applewood: Pretend (we´re in love)
Como una cantautora Folkie metida a tareas poperas electrificadas, así se presenta Amanda Applewood, una colaboradora habitual de The Boy Least Likely To, de quienes toma algo de su frescura a la hora de componer e interpretar temas desenfadados, con algo de acné juvenil y que, en cualquier caso, resultan encantadores. Una bocanada de aire fresco para la escena Indie actual, algo así como una Juliana Hatfield a lo británico y a lo dos mil. Éste es su primer sencillo que aparece como preludio de un álbum que aparecerá en breve y que se puede convertir en una de las sensaciones del Twee de lo que va de año junto con, por ejemplo, The School.
Amanda Applewood – Pretend (We´re in love) (Single, 2010)
While The Boy Least Likely To were taking forever to record their second album, she was busily writing her own songs, and in the summer she went into the studio with seminal producer Bobby Charm to record three of her favourite ones. Using flutes, recorders and synths, she brought together the sounds of Seventies tv themes with the Eighties girl pop sound of Strawberry Switchblade, Voice of the Beehive and The Waitresses to make an eccentric, literate and charming indie pop record.
Filled with romance and nostalgia, her quintessentially English songs are quirky and sweetly naive, filled with dreamy optimism and bittersweet realism. They bring to mind long summer holidays spent on wet beaches, where rock pools are filled with dark secrets and places like Kent can be just as romantic and exciting as Nashville and New York City. Carving your initials into a school desk with a compass, walking home in the rain, overgrown footpaths and unrequited love. It is as if the songs were written in the last summer holidays after you leave school. At the moment when you suddenly realise for the first time that you have your whole life ahead of you, and you don’t know what to do with it.
She grew up in a small village in Oxfordshire, and spent her formative years reading Nancy Mitford and The Secret Diary of Adrian Mole, listening to The Sundays and daydreaming about Anthony Andrews in Brideshead Revisited. She lists her influences as Enid Blyton, Kirsty MacColl, Penelope Keith, DH Lawrence, Ronnie Barker, Patricia Leitch, Diana Pullein Thompson, Leslie Caron, The Smiths and Evelyn Waugh.
Her debut single is called ‘Pretend (We’re In Love) and will be released as a limited edition seven inch on Too Young To Die records in March” (MySpace)
93 Million Miles from The Sun: All you´ve found (Ep, 2010)
Tal y como dijimos hace ya algún tiempo en The JangleBox, se dice que 93 millones de millas es la distancia que hay del sol a la tierra, pero para simplificar, diremos que es el título de una cara B de un sencillo de Swervedriver. 93MMFTS es una banda de Shoegaze con todas las letras, unos enamorados de los largos desarrollos sonoros, del Noise, de los medios tiempos como principio que alimenta casi todos sus temas, un grupo de ensoñaciones y de mucho, mucho ruido, controlado o no, como reza en uno de sus temas: Waiting there (noise). Vienen del norte de Inglatrerra, no ocultan para nada sus influencias y éstas se dejan notar en sus discos, como no podía ser de otra manera. Los ecos de Ride, Slowdive, My Bloody Valentine, Sonic Youth son evidentes, pero como dignos continuadores de un sonido instaurado por aquellos, no podía ser menos que encontrarnos sus huellas sonoras en el sonido de 93MMFTS, quienes, además, reconocen a bandas coetáneas como Engineers o A Place to Bury Strangers como otras de sus influencias. All You´ve found es su último lanzamiento, un Ep que la banda y su sello discográfico han decidido regalar en descarga gratuita; una continuación de su álbum de debut homónimo, que fue uno de los favoritos del año pasado en este blog. Un disco que reincide en la sinfonía de overdrives y de distorsiones en los que nadaba su debut. Éste es un disco con una huella algo mayor de las melodías tipo Ride (All you´ve found you´ve left behind, Autumn comes/Chasing), pero con la misma intensidad sonora que aquél (Rachel´s echo, Waiting there/Noise). Un disco que evidentemente enganchará emocionalmente a todos los amantes del Shoegaze/Nugaze y que servirá de puente hacia un nuevo álbum para el año próximo. Toda una demostración de que el Shoegaze no ha muerto, antes bien, está más vivo que nunca… y por mucho tiempo!!
93 Million Miles from The Sun – All you´ve found (Ep, 2010)
“93MillionMilesFromTheSun – aka Nick Mainline (Guitar/Noise Vox), Rob Hogg (Bass/Noise) and Jack Straker (Drums/Effects) live in Doncaster in the north of England. They get their name from a Swervedriver b-side. They both create amazing shoegazing rock and they sound like a shoegazing Mogwai with bits of early Verve, My Bloody Valentine, Ride, Loop, Slowdive, The Cooper Temple Clause ect… 93MillionMilesFromTheSun are becoming quite popular worldwide and have become one of the very best shoegazing bands of recent times fastly becoming big favourites with people out there especially in the shoegazing scene. 93MillionMilesFromTheSun have already released an exclusive track on the “Secret Garden – The New Wave of Shoegaze (Nugaze)” compilation album along with other artists like Ulrich Schnauss and The Fauns. 93MillionMilesFromTheSun have covered a Maps song “To The Sky”. They also play lots of live gigs in the U.K and are very good live. 93MillionMilesFromTheSun are now apart of the line up in The Telescopes as backing band members. The awesome 93MillionMilesFromTheSun album that ROCKS!! is now available to buy on Parallax Sounds!” (parallaxsounds.com)
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The Vaselines: I hate the 80´s (Single, 2010)
Después de veinte años… ya está aquí el segundo álbum de The Vaselines. Así reza el marketing que SubPop tiene preparado para el regreso en Septiembre del dúo más maldito y a la vez más adorable de la escena Indie británica de finales de los ochenta y primeros noventa, cuando gentes como Kurt Covain se quedaron prendados de ellos, como no podía ser de otra manera. La verdad es que con Eugene Kelly no podemos ser objetivos porque siempre ha sido un tipo que nos ha ganado en todos los terrenos: Vaselines, Captain America, Eugenius, Eugene Kelly… todas sus aventuras han tenido siempre ese halo de inocencia y de honestidad que nos han cautivado. Como no iba a ser menos, este single es arrebatador, en base a muy pocos acordes, una letra sincera y divertida y la guitarra de Kelly que suena como siempre. Lo cierto es que como el resto del álbum sea igual de encantador, ya imaginamos cuál va a ser nuestro álbum Pop favorito del año. Por cierto, se llamará Sex with an X. SubPop ha decidido, además, con buen criterio y para ir abriendo boca a los miles de rendidos de The Vaselines que suspirábamos por un regreso en forma de disco, regalarnos este single de adelanto pinchando en su página oficial. Nos morderemos las uñas hasta que llegue septiembre…
The Vaselines – I hate the 80´s (Single, 2010)
THE PAST
Formed in Glasgow in 1987, The Vaselines released two singles and one album, Dum Dum, on the 53rd & 3rd label. Splitting up in 1989 (in the same week their album was released), they might have faded into obscurity but for the intervention of a certain band from Seattle. Nirvana covered three Vaselines songs, helping to fuel a growing after-the-fact appreciation of their seedy, two-and-a-half chord, garage pop manifesto.
Founding members Eugene Kelly and Frances McKee remained musically active throughout the intervening years: the former with Captain America aka Eugenius and finally as a solo artist; McKee with Painkillers and Suckle.
Eugene and Frances collaborated intermittently in the intervening years. They toured jointly and played a few of the old songs together in the wake of their respective solo project releases in 2006. But an acclaimed, unannounced appearance at a fundraiser in Glasgow’s Mono for Malawi Orphan Support in 2008 was the real catalyst for their latest, exciting bout of creativity.
Ensuing tours of America (including a stand-out appearance at Sub Pop’s 20th anniversary festival, SP20), Brazil, Japan and some UK festival dates saw The Vaselines “re-connect” with wildly appreciative audiences who had blinked and missed them the first time round. Buoyed by the success of their live return, the two punk rock chums decided to go back into the studio.
THE PRESENT
Recorded outside Manchester at the Analogue Catalogue studio in Mossley with Julie McLarnon engineering and produced by Jamie Watson who produced that first album Dum Dum, Sex With An X was recorded the old-fashioned way: twelve songs in thirteen days (plus two b-sides). The Vaselines ca. 2010 is Eugene and Frances with guest musicians Stevie Jackson and Bob Kildea from Belle & Sebastian on guitar and bass, and Michael McGaughrin from the 1990s on drums. It may have taken The Vaselines 20 years to get round to making this baby, but it was worth the wait—bringing their solo careers to a climax. The irony has not been lost. Who says indie music can’t be fun? No hand-wringing on these tracks—just good clean smut with a twist of bitter.
THE FUTURE
…belongs to The Vaselines. (subpop.com)
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The Apples in Stereo: Cinco bandas y un compositor que les hicieron aficionarse a la ciencia ficción (Una entrevista)
Aunque el último disco de The Apples in Stereo, Travellers in Space and Time no ha sido precisamente de lo mejorcito de su carrera, he encontrado esta divertida entrevista en la que Robert Schneider nos confiesa, medio en broma medio en serio, sus principales influencias en cuanto a la influencia de la ciencia ficción en su música. Lo cierto es que comienza bastante en serio, pero en cuanto habla de Kool and the Gang o Labelle… comprobadlo vosotros mismos.
Even before The Apples In Stereo frontman Robert Schneider starred as a time-bending scientist in a promotional video for the band’s newest record, Travellers In Space And Time, The Apples’ oeuvre was already noticeably rife with sci-fi imagery and groovy space effects bouncing around amid the ’60s pop. A charter member of the Elephant 6 collective, the Denver-based power-pop band has conjured much more exotic locales than Denver, like a rocket ship circling Earth’s orbit (“Rocket Pad”) or desolate regions of the universe (“Floating In Space”). Schneider’s experiments in music theory surely appeal to the science and math whizzes: His non-Pythagorean scale, based on natural logarithms and used during disorienting interludes for 2007’s New Magnetic Wonder, sounds more like a discarded take from the UFO communication scene of Close Encounters Of The Third Kind than a song from an indie-rock band. Before his band plays Lincoln Hall on Friday, The A.V. Club talked to Schneider about which bands influenced him to take The Apples In Stereo into alien galaxies, mind-bending dimensions, and Star Trek conventions.
E.L.O.
Robert Schneider: I would say the sci-fi influence on our music comes more from art and maybe album art than it does from specific songs. That being said, the new Apples album is extremely influenced by ELO, and particularly by the ELO album Time, which is really overtly sci-fi. It seems like they had started in this direction, we just picked up and followed up on it. A sort of sci-fi, baroque kind of pop. There are a couple of songs on that album, one’s “Twilight,” and the other, “Yours Truly, 2095”—that’s basically the template for the sounds that I wanted for our album. In general, ELO uses a lot of vocoders and robot sounds, pulsing synths, in the context of ’70s pop.
A big influence as far as the sci-fi theme is ELO’s album art. I wanted to make a record that sounded like their album art looked. I love the idea of a roller-skating disco party on a UFO or a recording studio on a UFO. I love space art, too, in general. My whole life I’ve always loved these old kind of futurist space art books from the ’70s and ’80s that I used to read as a little kid, where it has photo-realistic paintings of a space colony on a barren kind of moonscape, or it’ll be a different world and it’ll have three suns.
The A.V. Club: Any specific album cover that inspired your sound?
RS: Oh yeah, the album cover for ELO’s Out Of The Blue, which is mind-blowing. It’s got this huge UFO on the outside, and inside you open up and it’s this huge recording studio with all this kind of retro, outmoded computer station gear. That’s where I wanted it to feel like it was recorded.
Pink Floyd
RS: “Interstellar Overdrive” by Pink Floyd is another one. It’s extremely futuristic. The Piper At The Gates Of Dawn sounds like a UFO. Given that it’s from the ’60s and it’s a psychedelic track, it’s pretty futuristic. That was one of the things when we started The Apples: We wanted our band to sound like it was “Interstellar Overdrive.” It totally feels like you’re flying through space on a UFO. In stereo.
AVC: So this whole idea of songs recorded in UFOs was an original intention of The Apples In Stereo?
RS: Yeah, actually one of our early songs was “Rocket Pad.” It was about, “We have this spaceship. Come on aboard and see our show, and you can hear our band. We just moved into this spaceship and the sounds are a lot better here.” The new album is magnifying a thread that was a sub-thread of The Apples.
Spacemen 3
RS: They totally had these blurby, trippy, UFO sounds behind their songs. That was a major element of early Apples. I figured out early on that you could take a little Casio keyboard and run it through a fuzz pedal, run that through a wah-wah pedal, then run that through a tremolo pedal, then you can make it sound like a synthesizer. Because you have the fuzz making it sound like a pure tone, instead of a Casio keyboard, and then your wah-wah pedal will go waaayyoooww, and then the tremolo will go dip-dip-deep-dip-deep, so then you kind of go wa-ba-ba-bing-ya-weayaa-ba-bing. [Laughs.] So yeah, I exploited those types of sounds heavily on our first 7-inch.
Ivan Wyschnegradsky
RS: My friend Jim McIntyre [of Elephant Six’s Von Hemmling] gave me a bootleg CD of this early-20th-century composer named Ivan Wyschnegradsky. He invented this piano with two keyboards that were tuned to quarter tones, so basically there were twice as many notes in the octave as there are on a regular piano. And he also made these great compositions—God, they’re good—that got my ear interested. Listening to this got me interested in wanting to mess around with different scales. It got my brain into a mode where it didn’t sound ugly to me or dissonant. I was freed from the regular scale for a period, and I was able to mess around with this thing and hear beauty in it.
AVC: So this composer was a gateway for your brain to look into music in a different language?
RS: Yeah, that’s exactly what it’s like. At first it’s really alien, it really feels like you’re pulling these tones out of outer space or something like that. Putting them together, they don’t seem to make any sense. But I knew from the start they make sense mathematically. I just had to make the new connections that made my brain used to hearing these mathematical relationships instead of the other ones that we normally hear. You just have to kind of believe in it, you know?
RS: I would say late-’70s, early-’80s kind of R&B bands with a kind of sci-fi, post-Parliament look, Midnight Star, or The Dazz Band. And especially, musically, Kool And The Gang. I listened to their greatest hits a lot when we were recording the record. I think of them as being futuristic, cause ’70s R&B, ’80s R&B is that genre where bands would dress futuristically.
AVC: Are you guys going to do any fashionable stuff like that?
RS: We have silver costumes by Rebecca Turbow, a designer from New York. She had designed these awesome silver futuristic costumes because we’re trying to project that we’re traveling on a time machine, and we just showed up at the show and we’re like, “Oh, what date is this?” [Laughs.] It’s not like we’re super-theatrical about it, we’re just rocking out and playing our pop songs. But we’re trying to project some sort of a unity as if we were a space crew. So there’s a theatrical element to our new tour that we haven’t ever had before. You know, usually we’ve been kind of chaotic from the point of view of fashion. Not that that’s bad.
AVC: If you had a budget, would you have a Parliament-style UFO coming down from the ceiling or something?
RS: Oh my God, yes. That would be incredible, except it would turn out to be 6 inches tall like in [This Is] Spinal Tap with the Stonehenge. We had actually joked about that, trying to get a UFO and have it end up being like that.
RS: My wife just reminded me of my inspiration for wanting to get futuristic space costumes. There’s a song called “Lady Marmalade” by Labelle. I heard it on the radio a couple times. It’s the fucking best song I’ve ever heard in my life. So I looked it up on YouTube and I saw a video of the band playing it. It’s like these three girls who are dressed up super alien-looking, wearing costumes from the most bizarre Star Trek episode ever or something. When I saw that it really turned me on to the idea of wearing space costumes.
AVC: I didn’t anticipate you being so excited about Labelle.
RS: [Laughs.] I had forgotten about it. I got very excited about the whole futuristic thing. I love the way you can appear futuristic without necessarily needing to be futuristic. They weren’t being futuristic at all, except they looked like aliens” (avclub.com)
Cover´s game: Dance with me – Billy J. Kramer and The Dakotas, Ben E. King & The Drifters
Nuestro juego de las versiones de este domingo en el Retro-Visor de The JangleBox está dedicado a una preciosa balada de Ben E. King & The Drifters, que tiene unas voces perfectamente conjuntadas, y a la versión que realizaron Billy J. Kramer and The Dakotas para su Lp de 1963 Listen y su Ep de 1964 From a Window. Lo cierto es que el trabajo vocal de los Dakotas en la cover es más que notable, y no desmerece en nada a la original. Comprobadlo vosotros mismos.
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