The JangleBox

Indie, Noise, Shoegaze… Music

Los Grimm: Want my love again (1969)

El último single de Los Grimm: Sin nombre, sin faz ni silueta / Want my love again, ya con Pablo Abraira y con una fugaz aparición por TVE, donde los encontramos con otros de los pioneros del Rock-Progresivo en España.

31 octubre, 2010 Posted by | Evolution, Henry y Los Seven, Los Buenos, Los Grimm, Smash | Deja un comentario

Los Grimm: Viaje en la alfombra mágica (Maximum Freakbeat from Spain, 1965/1969)(2005)

Los Grimm fueron uno de esos grupos olvidados de la década de los sesenta en nuestra Piel de Toro. Una banda que por composiciones y por calidad técnica debería haber subido al menos un escalón más del que llegaron, y equipararles con gentes como Los Pasos o Los Mitos, si no ya con la primera división que representarían Los Brincos o Los Bravos. En cuanto a su sonido, Los Grimm fueron una de las pocas bandas que en España abordaron la Psicodelia de frente, navegando en las ácidas aguas del Pop que se facturaban en las dos orillas del Atlántico, y equiparándose, por qué no, con bandas como Steppenwolf, de quienes tomaron su Magic carpet ride, haciendo una versión auténticamente demoledora, que se tituló Viaje en la alfombra mágica, que da, además título a la recopilación que abordamos hoy en el Retro-Visor de The JangleBox, editada en 2005 por una discográfica independiente madrileña que de alguna manera les dignificó su carrera, que estuvo marcada tan sólo por los singles, sin llegar a registrar ningún Lp. Pero su carrera no se limitó sólo a la Psicodelia (La amistad, Un palacio de cristal, Un talismán), ya que también abordaron temas de Acid-Rock (Tengo sueños); o las sonoridades cercanas al Soul (Pobre hombre), pero realizando siempre una mezcla de estilos de lo más personal, lo cual les daba un carácter personal e intransferible marca de la casa. Vamos, una carrera semejante a la que, por ejemplo, en los Usa, recorrería un personaje como Stephen Stills. Recordemos, por cierto, que su primer cantante fue Pedro Ample, conocido posteriormente como Pedro Ruy Blas, un tipo con una voz personalísima que le catapultó directamente a sustituir temporalmente al infausto Teddy Bautista al frente de sus Canarios. A Ample le sustituyó Pedro Talavera, y con él al frente registraron sus mejores temas: Viaje en la alfombra mágica, Amor de niña (cover de The Supremes); además del single Para lograr que me quieras/Hoja de trébol (covers de The Supremes, I´m gonna make you love me; y de Tommy James & The Sondells, Crimsom & Clover); y su último single: Tengo sueños (genial interpretación de la Psicodelia a la española)/Sasafras (otro tema con una intrumentación brutal, en los que ya participaba Joao Vidal, gran teclista que pasaría a Barrabás, y el guitarrista Tomás Vidal, que le aportaría mayor riqueza instrumental a la banda). Para su última formación contaron como vocalista con Pablo Abraira y editaron el single Sin nombre, sin faz ni silueta /Want my love again (el único tema de la banda cantado en inglés por un irreconocible Abraira). Los Grimm fueron un grupo de cierta trayectoria que no contó con el reconocimiento comercial ni masivo de otros coetáneos, pero que supieron dar forma a una carrera salpicada por las deserciones de miembros en la que supieron mezclar temas propios de gran calidad con versiones que acomodaron a su gran manera de hacer las cosas.

Los Grimm – Viaje en la alfombra mágica (Maximum freakbeat from Spain, 1965/1969) (2005)

“La génesis de Los Grimm se encuentra en Los Gringos, banda fundada por los hermanos Fernández, siendo Ángel vocalista -tardó poco en abandonar el proyecto- y Jesús el guitarrista y, en definitiva, líder del conjunto. Junto a ellos estaba a la batería Eduardo Sainz, que era hermano de Alfonso y Lucas, por entonces miembros de los ya exitosos Pekenikes. En un principio, junto al trabajo duro, todo parece que les va de cara: consiguen que el arquitecto Mario Gómez-Morán, en cuyo estudio trabajaba Jesús, les financie la adquisición de un buen equipo y, a su vez, Ricardo Fuster, el batería de Los Relámpagos, les consigue un contrato con la discográfica Fonogram (internacionalmente Phonogram, filial de Philips), a la que estarían ligados durante toda su trayectoria. Para entonces el batería ya era Carlos María de la Iglesia y el vocalista Pedro Ample, más conocido posteriormente como Pedro Ruy-Blas; junto a él hicieron un viaje en crucero hasta Nueva York como banda de a bordo y, llegados allí, se pusieron más que al día de las nuevas tendencias musicales. Desde Fonogram les sugieren iniciar su carrera discográfica con una serie de canciones-cuento, en una onda de folk-psicodelia similar a la que por entonces venían usando Los Pasos y, de ahí, el cambio de nombre a Los Grimm, naciendo así la banda tal como la conocemos. Sus dos primeros sencillos, “La Amistad / Un Día Soñé” (Fonogram, 1967) y “Un Talismán / Un Palacio de Cristal” (Fonogram, 1967), tuvieron esa orientación, compuestas por Jesús y con letras de José Liñán. Encontramos ya en su sonido claras reminiscencias psicodélicas que con el tiempo irían a más. Para su tercer sencillo, “Pobre Hombre / Mientras Viva” (Fonogram, 1967), y vueltos de su experiencia neoyorquina, la banda orienta su sonido hacia el soul, género en el que la excepcional cualidad vocal de Ample tiene más oportunidades de desarrollarse. Es entonces cuando a este le surge la oportunidad de pasar a formar parte de Canarios, sustituyendo a Teddy Bautista mientras cumplía el servicio militar, por lo que abandona el grupo. Más tarde se uniría a Los Brisks en su etapa final, conjunto que abandonó igualmente al despuntar su labor en solitario y, finalmente, fundaría Dolores, otro de los grupos imprescindibles de los 70 en España. Su sustituto en Los Grimm sería Pedro Talavera y con él el conjunto madrileño se mete de lleno en el rock ácido, como lo demuestran su siguientes sencillos,“Amor de Niña / Viaje en la Alfombra Mágica” (Fonogram, 1968), dos arrolladores versiones en los que queda claro todo el potencial -¿potencial o realidad?- de la banda, y “Para Lograr que me Quieras / Hoja de Trébol” (Fonogram, 1969), con la versión del gran éxito de Tommy James & The Shondells “Crimson & Clover”. Sin embargo, ni este ni ninguno de sus trabajos anteriores habían cubierto las expectativas de la discográfica, que relega al grupo a un segundo plano en sus intereses. Además, la salida de Ruy-Blas solo fue uno de los tantos cambios de formación que Los Grimm tuvieron en su corta trayectoria; su suerte empezaba a cambiar… a peor. Pero es en esos momentos en los que los grandes saben dar lo mejor de sí mismos, y eso es lo que Los Grimm hicieron. En 1969 publicaron sus dos últimos sencillos, ambos marcados por el acid-rock y a un nivel técnico envidiable. Merece la pena señalar que su sonido se enriqueció con la incorporación de Tomás Vega como guitarra solista y con el portugués Joao Vidal -posteriormente en Barrabás– a los teclados. En “Sasafras / Tengo Sueños” (Fonogram, 1969) el vocalista aún es Talavera, pero ese mismo año abandona el grupo para hacer la mili e incorporan a Pablo Abraira como vocalista para su último sencillo, “Sin Nombre, Sin Faz ni Silueta” / “Want My Love Again” (Fonogram, 1969), siendo el autor de la canción que figura en la cara B, la única que el conjunto grabó en inglés. De nuevo un miembro es llamado a filas, en este caso Tomás Vega, y harto del continuo baile de componentes, Jesús decide poner fin a un proyecto que, a pesar de su demostrada calidad, no había llegado muy lejos comercialmente, y para colmo les seguía manteniendo endeudados con el arquitecto Gómez Morán. Tomás Vega, al terminar el servicio militar, monta junto a Abraira el conjunto Frecuencia, que únicamente llegó a editar un sencillo, y posteriormente ambos iniciarían sus respectivas carreras en solitario, donde Abraira cosechó un enorme éxito como cantante melódico -ya saben, “Gavilán o paloma”-. En 1976, Carlos M. murió en el mismo accidente de tráfico donde también perdió la vida la famosa cantante Cecilia. Desde la perspectiva de hoy, y centrándonos en su obra, nos encontramos a un grupo de una calidad técnica destacable, a un nivel muy alto para un conjunto español de la época, con unas composiciones propias muy vigorosas y, sobre todo, con una vista certera para elegir las versiones y hacerlas tan suyas que poco o nada tienen que envidiar a las originales. Talento y energía que, lamentablemente, no cuajó en el mercado, pero que hoy día podemos seguir disfrutando” (lafonoteca.net)

30 octubre, 2010 Posted by | Los Grimm | 7 comentarios

Agony Aunts: Waterloo Sunset (Single, 2010)

 

Agony Aunts es básicamente la reunión de varios músicos de otras bandas: Orange Peels, Preocuppied Pipers, Big Wheel y The William Cleere Band. Acaban de editar un curioso álbum, titulado Greater Miranda, una especie de compendio entre el Indie, el Bubblegum y el Power-Pop. Una de las curiosidades que han registrado y regalado para su descarga gratuita es esta cover de uno de los mejores temas de la historia del Pop con mayúsculas: Waterloo Sunset, el intemporal clásico de Ray Davies y sus Kinks, uno de mis grupos favoritos de siempre. La versión que han realizado es una adaptación Chamber-Pop con multitud de sección de vientos que le da un aire desconocido al tema, aunque a una canción de esta calibre, cualquier tratamiento le sentaría como un traje a medida. ¡Qué grande es Ray Davies!

Agony Aunts – Waterloo Sunset (Single, 2010)

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29 octubre, 2010 Posted by | Agony Aunts | 2 comentarios

My Pet Dragon: Flow (Ep, 2010)

 

My Pet Dragon es el alias de Todd Michaelsen, músico de Brooklyn que acaba de editar un nuevo Ep, titulado Flow. Un tema animoso, de aire Power-Pop, aderezado con multitud de arreglos de diversa índole, unos teclados más que interesantes y un sonido más potente que su anterior entrega, mencionada también en The JangleBox. Su música suena un poco a Coldplay, un poco a Radiohead, un poco a The Posies… Como acompañante, Release, cover de Pearl Jam que My Pet Dragon recrea como un precioso tema de Pop-Neo-Psicodélico que es una auténtica delicia, con una melodía ensoñadora y unos teclados que crean una atmósfera realmente bella. Además en el disco van incluidas varias remezclas de Flow. Para conocer más sobre My Pet Dragon, pásate por su página oficial donde puedes descargar el single y conocer mucho más de la música de Todd, conocer vídeos, descargar música y todo lo relacionado con la banda.

My Pet Dragon – Flow (Ep, 2010)

“All of this activity led Todd and Reena to Stephen George. The acclaimed producer recorded and released the maxisingle“Lover in Hiding” via his label Gimme That Sound Productions in early 2010. The song and its accompanyingtracks (“Between Us” and “New Nation”) received rave reviews on a variety of international blogs as My Pet Dragonplayed a series of well-received shows at NYC hot spots Trash, Webster Hall and Cameo Gallery. The follow-up maxisingle,“Flow,” is pure sensuality. The anthemic title track is given the remix treatment by Karsh Kale, RandolphCorreia, Big Will and Carlos Anthony Molina. The bonus track, “Release,” is a radical reimagining of the Pearl Jamclassic. My Pet Dragon continues to set a striking and unique path; “Flow” will draw indie kids to the dance floor andsend DJs out to the guitar shop in search of effects pedals” (press note)

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28 octubre, 2010 Posted by | My Pet Dragon | Deja un comentario

Amusement Parks on Fire: Road eyes (2010)

 

En tiempos como los que corren, en los que la fusión de estilos es otro estilo más, nos llegan discos que mezclan varias tendencias con absoluta normalidad, en algunas ocasiones con mejor resultado que en otros, lo cierto es que esta fusión de estilos no es ajena al Shoegaze, y hay bandas, como Amusement Parks on Fire, que realizan esta fusión de sonoridades para dar como resultado lo que algunos han dado en llamar Star-Gaze (término que me resulta abominable, o Nu-Gaze). En cualquier caso, este tercer álbum de Amusement Parks on Fire peca de auténtica autocomplacencia, de una cierta dosis de soberbia sonora que le lleva hasta una sobreproducción que roza con el sonido épico de gentes como Glasvegas o Placebo. Los muros de guitarra de la mayor parte de sus temas se dan de bruces con una cierta reiteración en sus sonidos, y los riffs del discos resultan a la larga repetitivos. Da la sensación de que cuando has escuchado los dos primeros cortes ya has oído todo el disco entero, y al final del mismo acabas dándole al botón de “siguiente tema” porque todas las canciones tienen algo en común. Una pena, porque un disco que comienza de manera soberbia con dos temazos como Road eyes y Flaslight Planetarium se merece un final mucho mejor. Enmedio nos encontramos con demasiada paja, demasiada reiteración y autocomplacencia, llegando a recordarnos por momentos sonidos del Post-Grunge (Raphael, Echo Park/Infinite delay). La producción del disco ha corrido a cargo de Michael Patterson (Black Rebel Motorcycle Club, Beck, Great Northern) y Nic Jodoin (The Morlocks). Una cierta ambición no disimulada por acercarse a sonidos más adultos y llenar estadios. Nos quedamos con sus discos anteriores. 

Amusement Parks on Fire – Road eyes (2010)

“In evolutionary biology, a new species is produced when an animal population becomes so isolated it can no longer reproduce with its own kind. In music, the taxonomy is largely descriptive — music is part of a genre if it exhibits the characteristics of that genre. So it’s difficult to take lead singer Michael Feerick seriously when he coins a new term, “stargaze,” to describe his music. Not just because shoegaze has long been peppered with cosmological ideas, but because on Road Eyes, Amusement Parks on Fire walks too much like the same old duck to deserve separate taxonomy.
In contrast to their first two albums, production duties have been shifted outside the band to Michael Patterson, producer of Beck’s Midnight Vultures, and Nic Jodoin of The Morlocks. The hired guns have ensured that the song lengths are shorter and the songs themselves are more direct than previous efforts. “Water from the Sun” is one of the better moments, largely because its slower 3/4 tempo gives the song some breathing space. All cylinders are firing, with ethereal choirs joining chunky riffs before obligatorily dissolving into two minutes of nicely-textured noise. There’s much to like here if you’re not finished kicking at that particular open door.
But while there are excellent moments on Road Eyes, you’ll often find them pushed to the margins. “Wave of the Future” begins with a massive, steadily-pulsing texture for roughly the first 20 seconds before dropping the beat to reveal a much less worthwhile song. On “Inside Out,” a syncopated guitar line collides with a chiming piano, obscuring the beat to charming effect. But again, bombast prevails over invention, and the song struggles to escape from under volleys of tom rolls and mammoth guitar chords.
There’s a funny tension in all of these nu-gaze bands that isn’t tough to hear, now that the tempos have been sped up and the vocals pushed forward. Buying an album like Loveless or Souvlaki was a commitment to lovingly peel back layers of distortion, drums, and reverb, and if we didn’t like what we found, then at least we got some mystery out of it. Having utterly hackneyed lines like “I’ve been working out in the blazing sun/ America’s waiting, I’ve gotta go.” on “Echo Park // Infinite Delay” staring you in the face takes away a lot of the adventure. Pile on the puzzling reference of the album title and you have about 48 minutes of music that so lacks focus that it’s difficult to appreciate it as anything other than pastiche.
Road Eyes postures at the nebulous and infinite — the chorus of the titular first song closes with “anything can happen in your eyes, road eyes.” But that’s also its greatest flaw. Road Eyes is so hard to pin down only because it exists as a constellation of its musical referents” (tinymixtapes.com)

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28 octubre, 2010 Posted by | Amusement Parks on Fire | 1 comentario

Doug Hoyer: Song from a kind stranger floor (Single, 2010)

Doug Hoyer es un cantautor canadiense de Alberta. Su música es una especie de cruce entre el Indie-Pop y el Folk. Algo así como el Jonathan Ritchman a lo canadiense. Hedonismo buenrrollista para edulcorar tus mañanas otoñales. El single que ha publicado a finales de este verano, este Song from a kind stranger floor/Lakes of Mars, se edita gratuitamente en su Bandcamp, para que te vayas familiarizando con su música.

Doug Hoyer – Song from a kind stranger floor (Single, 2010)

“Remember the moment, on the second date, when you weren’t sure if you should lean in for that humble kiss? The glance to the left after your wide eyes held each other just a moment too long? Doug Hoyer does, and he’ll refresh your memories with melodies. I’ve toured coast to coast, released some records, performed at some festivals (Halifax Pop Explosion! Edmonton’s Ukulele Festival! &more), played a zillion shows and am always looking forward to the next one” (MySpace)

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27 octubre, 2010 Posted by | Doug Hoyer | Deja un comentario

Nitoniko: ¿Por qué? Porque…

El sello sevillano Green Ufo´s nos ha enviado la noticia del estreno del nuevo vídeo de Nitoniko, ¿Por qué? Porque… incluido en su Selva de Mar (Green Ufo´s, 2010), ya reseñado en The JangleBox. Ya sabéis, los autores del Mecánico Pop, vuelven a la carga con este bonito single acompañado de vídeo. Espero que os guste. Podéis degustar su disco en su Bandcamp.

27 octubre, 2010 Posted by | Nitoniko | Deja un comentario

When Nalda became punk: Time to meet your family (2010)

 

When Nalda became punk es Elena Sestelo. Pero también es Lo-Fi-Pop. Y también es Twee, y Casio-Pop. Es el proyecto de una chica de Vigo empeñada en hacernos alegrar el día con cinco composiciones que ha autoeditado (aunque no son las primeras, ya lo hizo antes como Nalda). Sus temas son alegres píldoras de Pop comprimido, alegre, juguetón y saltarín. Su música, ejecutada con mimo a base de ritmos secuenciados, disparos de sintes, guitarras distorsionadas y una voz agradable, nos transporta a los tiempos del acné y de la inocencia en el mundo del Pop, una música que gentes como Elena (o como Helen Love) se empeñan en hacernos creer en que goza de una estupenda salud. Con  discos como el suyo, o como los de The School, Allo Darlin´o Temper Trap, todos editados este mismo año, así será por mucho tiempo. Por cierto, sus canciones puedes descargarlas gratuitamente desde su Bandcamp.

When Nalda became punk – Time to meet your family (2010)

“nalda became punk antes fue nalda y siempre ha sido elena sestelo. antes grabó una demo titulada tiny noises make tiny music y, ya con su nuevo nombre (surgido a partir de uno de sus temas antiguos, when nalda becames punk), nos regala ahora esta time to meet your family, con cinco nuevas canciones, más elaboradas e inmediatas que aquellas miniaturas de pop lo-fi.
y aunque el nombre del proyecto haya cambiado, la esencia, el gusto por el tweepop, por el punk hiperedulcorado y las melodías de algodón de azucar, están aquí igual de presentes para alegrarnos el día. más acelerada en summer, you and me y moderns you should stay home (que viajan de tullycraft a helen love) o relajada en songs of love y the young artist, con colaboración masculina en before 5 (que recuerda al glorioso dueto amelia-calvin johnson) o sin ella, nalda became punk es puro indie pop en su corriente más twee, del que cada vez que suena te sientes un poco más joven.
time to meet your family es otro buen ejemplo de que algo está pasando en nuestro país, que de nuevo empieza a sacar nuevas bandas de pop que no se empeñan en lucir camiseta del goo o el crooked rain, crooked rain y que piensan que la c siempre será la mejor opción. bandas que cortan 4 minutos de cinta a sus cassettes de 90 para que sean perfectas y tienen la casa llena de postales de bristol. bandas que, definitivamente, eligen el tercer disco de la velvet antes que el primero” (lanadadora.blogspot.com)

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27 octubre, 2010 Posted by | When Nalda became punk | Deja un comentario

Estate Sale Boat: Transmission eyes (Single, 2010)

Estate Sale Boat son un trío de Florida que facturan un sonido de lo más setentero. Algo así como los 10 C.C. del siglo ventiuno, con una música de medios tiempos, con multitud de arreglos y una instrumentación más que elaborada. Un sonido que epatará seguramente a cualquier buen seguidor de este tipo de sonoridades y que podréis disfrutar de manera legal y gratuita pinchando en el enlace de su Bandcamp que os ofrezco más abajo.

Estate Sale Boat – Transmission eyes (Single, 2010)

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26 octubre, 2010 Posted by | Estate Sale Boat | Deja un comentario

Magic Kids: Memphis (2010)

 

Ya se que me diréis que este disco lleva editado desde finales de verano, que es uno de los álbumes más esperados en el panorama Indie; pero es que la dimensión que con el tiempo ha ido tomando The JangleBox, y el hecho de que una sola persona sea quien realice el blog, hace imposible la tarea ímproba de oír (que no escuchar), juzgar y evaluar hasta el último segundo de todo el material del que por aquí se habla. Digo ésto porque este Memphis, el debut en disco grande de Magic Kids, es un trabajo por el que ha pasado ya algún tiempo, y es ahora cuando aparece su crítica. Ciertamente, es uno de esos álbumes a los que tenía ganas de echarles el oído, y hasta hace bien poco no lo hemos hecho. Lo cierto es que quizás esas expectativas generadas en torno a él, y la aparición del single compartido con The Smith Westerns (sí reseñado en el blog), ha hecho que un pequeño halo de decepción haya aparecido tras varias escuchas. El porqué no sabría explicarlo con demasiada claridad: quizás una mezcla de demasiada afectación con un cierto regustillo oldie en todo el disco; quizás lo sobrecargado de su producción en muchos temas (Summer, Hey boy, Hideout), que hacen que sus temas pierdan frescura; quizás lo mimético de muchos de sus temas hacia ciertos géneros (Cry with me baby), o con ciertas bandas (Hideout)… lo cierto es que el disco no responde a las expectativas, y no termina nunca de arrancar con la fuerza con la que se le presupone a una banda novel. El disco comienza animosamente, con tres temas que son sin duda lo mejor de la colección: Phone, que ya arranca con cierta carga de cuerdas, pero que es rectificada sabiamente, para convertirse en algo así como una oda a la música californiana de los sesenta con cierta carga de realidad actual de los dos mil. Candy, que es igualmente una bonita canción de Twee-Pop con reminiscencias de lo mejor de Pulp, con quienes estéticamente comparten infinidad de detalles, que van apareciendo por el disco, pero haciéndolo de una forma más afectada que la banda de Jarvis Cocker (lo cual ya es decir). Little red radio, que personalmente es la que más me gusta del disco, algo parecido a lo que unos Beach Boys realizarían en unos tiempos como los que corren, adaptando su repertorio de la época Pet Sounds. Y por supuesto, Super Ball, el estupendo single que compartieron con The Smith Westerns en su momento, un animoso tema que mezcla a la vez reminiscencias Twee con la huella sonora de la Elo. A partir de aquí el disco tiene momentos puntuales (Good to be, Skateland), pero que personalmente, no me han terminado de emocionar. Habrá que esperar a futuros discos.

Magic Kids – Memphis (2010)

“Something to consider when considering Magic Kids: the SuperBall, the enduring children’s toy which served as a muse to this group’s equally bouncy single of the same name, was invented by Norman H. Stingley in 1965. The Beach Boys dropped Pet Sounds in May of 1966. Wham-O sold over six million SuperBalls by December of that year, and Pet Sounds will forever remain, in these halls and elsewhere, a Really Big Deal. Both are American pop touchstones in their own right, exactly the kind of iconic, immediate imagery (see also: “Summer” and “Candy”) and sounds with which the Memphis outfit has been playing since they formed in early 2009. But as much as Magic Kids lean on Brian Wilson and Phil Spector for sonic cues– they like shine, smooth textures, and cinematic transitions– their music aims to stir up the feelings you felt the first time you kissed, crushed, and played games, the first time you heard “God Only Knows”.
Memphis, their debut LP, bottles all of that up with remarkable skill, but often to disappointing effect. Its many flourishes are much more satisfying than its songs, each dissolving on contact no matter how much buoyancy or sugar they boast for stretches. Opener “Phone Song” is a great, two-minute example. Strings quake. Guitars gleam. The horns are exactly where they should be, and over a mattress of synth, frontman Bennett Foster places himself next to a phone waiting for a girl to call. We’re much more familiar with that image than we are with Foster, and as instantly accessible as the blueprint is, Foster doesn’t make the formula his own. Just as he does in the sprint of “Superball” or the schooner romance “Sailin'”, he doesn’t throw his personality or memory into the fray, choosing to work instead with childhood cut outs. Think for a second on Best Coast’s Bethany Cosentino, who has made listeners either swoon or yawn when belting almost exclusively about boys and heartache. Cosentino, whether you think it’s lazy or hilarious, has also made enough use of weed and cat and beach references to lend her pastiche its own spin, to create her own world within her music.
But while Magic Kids’ arrangements almost always sparkle, there’s little tension and release to bind them all together, leaving us instead with a salad of major chords. It requires more digging. “Skateland” features a fantastic sense of drama: woodwinds float over rumbling tympani, a piano pulses, and in and out, from time to time, an overdriven guitar solo adds another muscle for moving. Before that, album standout “Hey Boy” adds a wild card in the form of a floozy and some wild insecurity. “My steady girl/ Don’t always say,” Foster begins, “That she’s in love with me/ But I can feel in the way/ She gives me hugs and kisses too/ And I get so many I don’t need any from you.” At which point, alongside some sax and a piledriving snare beat, he starts assuring backup vocalist Alice Buchanan that his girl’s no liar. Nope. All those other guys she’s always talking to are just friends. The narrative bursts with an energy that matches the swerve and verve of its song, in a way that can’t be found easily on Memphis. It all pops together at once. It sticks” (pitchfork.com)

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26 octubre, 2010 Posted by | Magic Kids | 1 comentario

Wild Honey: Diamond mountain (Single, 2010)

Wild Honey está de vuelta. El proyecto de Guillermo Farré toma nueva forma, ahora algo más vitaminado y adornado de un cierto toque Sunshine-Pop más que agradable. El single elegido es Diamond Mountain, que viene acompañado de Field of Little heads (mi favorita de las tres), y Ginger. En palabras del propio Guillermo, para este disco quería hacer canciones con más ritmo, especialmente enfocadas al directo. Y a  fe que lo ha conseguido, apreciándose un cierto cambio estético con respecto a su primera entrega, el memorable Epic Handshakes and a Bear Hug (2009), reseñado y alabado en The JangleBox. El single está incluido en una serie que Jabalina Records va a dedicar al 7″, formato que parece que está más en boga que nunca, debido a las urgencias que estos nuevos tiempos imponen. No obstante, puedes encontrar el single en su Bandcamp.

Wild Honey – Diamond mountain (Single, 2010)

“Es indudable que asistimos a la era de los 7”. Y Jabalina, uno de los sellos con más tradición en nuestra escena, no podía quedar al margen. Entre las elecciones del sello para poner en marcha su club del single -Jabalina Love Songs-, nos encontramos con nombres tan sugerentes como Apenino, Ama, Souvenir o Klaus & Kinski, banda estrella del sello. Y por supuesto, Wild Honey, que se encarga de este volúmen II. Guillermo enfoca su discurso de siete pulgadas anaranjado de una manera algo diferente a lo habitual, cuando quizás lo fácil hubiera sido repetir la fórmula de “Epic Handshakes and a Bear Hug” (Lazy, 2009), que funcionaba y muy bien. Como él mismo indica, “lo único que tenía claro es que me apetecía hacer canciones con más ritmo”, con el punto de mira en el directo. Para ello, y para mayor disfrute en los conciertos, adquiere un sampler con el que soltar ritmos. El resultado, brillante. Sí que es cierto que ya en su largo había canciones con bastante ritmo, como “To steal a piece of art”,  pero no había algo ni por asomo parecido a “Field of little heads”, ni siquiera como “Diamond mountain”. Piezas actuales, con esa suavidad inconfundible marca de la casa, pero que ni mucho menos desencajarían como cierre de un bar de moda. No vamos a romper la pista con ellas, pero igual si que nos vamos a tomar un último trago, en lo que supone una reinvención inesperada y valiente. Cierra “Ginger”, quizás más en la línea de su anterior trabajo, acuosa, onírica, evocadora, con el mismo aroma de canciones como “The big parade” (lafonoteca.net)

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25 octubre, 2010 Posted by | Wild Honey | Deja un comentario

Indie-Spain Magazine #1 (2010)

El magazine digital Indie-Spain cumple un año, y para celebrarlo acaba de editar un recopilatorio de veinticinco temas en el que están representados muchos de los artistas de la escena independiente española más interesantes del momento:

Estereotypo, Lentejas los Viernes, Cosmonauta, Amnesia, Mi Pequeña Radio, Tom Boyle, Martin Page & The Polaroids, Los Últimos Bañistas, Amatria, Mañana, Seduciendo a Jessie, The Baltic Sea, Anika Sade, The Leadings, Olimpic, Velocista, Niño Mala Lengua, Barbo, Rey Sol, Spark Pet, Kensi, Mister Hyde, R2, Closer, Thee Brandy Hips.

El disco lo distribuyen de manera gratuita, pincha en el enlace y descárgatelo.

Indie-Spain Magazine#1 (2010)

25 octubre, 2010 Posted by | Tom Boyle | Deja un comentario

Cover´s Game: Europa (Derribos Arias, Glutamato Ye-Ye)

Y para hoy en este juego de las versiones, una cover de un tema compuesto por Iñaki Fernández, Patacho y Poch, el cual decidieron grabar tanto Glutamato Ye-Ye como Derribos Arias. El tema estaría hoy de absoluta actualidad, pues trata el tema de la inmigración, sin tomar una clara orientación, aunque se deja entrever el punto de vista. ¿Con cuál de las dos te quedarías? La de Glutamato es más Post-Punk, y la de Derribos Arias  es, como casi toda su música, inclasificable, aunque si resulta más axfisiante y claustrofóbica.

24 octubre, 2010 Posted by | Derribos Arias, Glutamato Ye-Ye | Deja un comentario

Glutamato Ye-Ye: Zoraida (Mini-Lp, 1982)

Corría el año 1982, el año de Naranjito y el Mundial de España (otra vez nos eliminaban en la segunda fase), el año del “despegue” económico y social, el año después del 23-F, el año del reconocimiento de la movida y de determinados movimientos socio-culturales que culminan con relevantes películas, libros y la eclosión musical de una serie de grupos de la más diversa índole unidos por un punto en común: la creatividad desbordada. En ese concepto aparece Zoraida, el segundo disco de Glutamato Ye-Ye, tras su fantástico debut con Corazón Loco (1982). Zoraida es un disco algo más flojete, en el que se divaga algo más, pero que tiene momentos igualmente intensos e hilarantes. Un álbum que iba a ser el debut en larga duración del grupo, pero que al final se quedó en esta curiosa fórmula de Mini-Lp (frecuente en aquel momento) debido a los problemas que surgieron al tener que grabar con Iñaki, que se encontraba realizando el servicio militar. En él subyace en general una atmósfera más axfisiante y claustrofóbica y la mayor parte de los temas tienen un sonido cercano al Post-Punk de Joy Division (aunque salvando las distancias estéticas). Se abre con Zoraida, una canción que trata el siempre delicado tema del Oriente Medio, enmarcada en un sonido a medias entre militar y árabe y una letra, como todas las de Glutamato, más que ingeniosa. Europa es otro de los temas en los que Glutamato tocaba un tema de forma tangencial, en este caso el de la inmigración; aunque sin llegar a pronunciarse completamente, aunque queda de manera más o menos clara su opinión. El tema está compuesto a medias entre Iñaki, Poch y Patacho, y Derribos Arias lo versionearían posteriormente. El suicida es un tema ingenioso en el que el humor negro de la banda, presente en temas como Hay un hombre en mi nevera u Holocausto caníbal vuelve a tomar protagonismo. El día que el cielo me dio una sorpresa suena al Pop más tradicional y cercano que facturaban gentes como Mamá o Paraíso. Algo suena Tic-Tac es un tema de Post-Punk con letra ocurrente, muy al estilo de sus coetáneos Siniestro Total. El microfilm es Pop narrativo, en él se incluyen los saxos y metales de Ulises Montero. Y el disco se cierra con Hare Krashni, sin duda la mejor del disco, un tema con inclinación mantra y un riff de guitarra que recuerda enormemente al de Autosuficiencia de Parálisis Permanente: es decir, al del mejor Joy Division. Zoraida es evidentemente un disco peor que el debut de Glutamato Ye-Ye, aunque tiene su encanto, especialmente por esa producción con evidentes fallos pero que le ofrece un sonido extrañamente atractivo, tan cercano al Post-Punk, como dijimos. En el vídeo que acompaño comprobaréis que en directo eran una banda más que competente, y además, una entrevista irreverente realizada por Paloma Chamorro.

Glutamato Ye-Ye – Zoraida (1982)

“Tras el buen resultado de “Corazón Loco” (DRO, 1982), los Glutamato se disponen a grabar un larga duración. Sin embargo, ello no sucedería debido al servicio militar obligatorio de Iñaki, que dificultaría mucho las cosas, y lo cierto es que, aunque es difícil adivinar cómo hubiera sido el resultado final, no es demasiado arriesgado asegurar que probablemente a la postre fuese lo mejor, ya que el grupo era mucho más solvente -aparte de en el escenario- en las distancias cortas.
Comienza así el mini-LP de forma un tanto desconcertante, con unos ritmos medio arabescos medio militares en “Zoraida”, que pese a lo interesante de tratar un tema siempre de actualidad como el conflicto oriente-occidente, no terminar de funcionar. Pronto lo hace con “Europa”, cuya autoría se debe a Iñaki, Patacho y Poch (bastante mejor la versión que este último haría), regalándonos una excelente composición con elevados tintes de ironía y mala leche a raudales en la que se trata la inmigración, pero sin pronunciarse. En general esa es la virtud del grupo, poner el dedo en la llaga sin que sea su objetivo más que la denuncia. Por cierto, genial el guiño eurovisivo. Paradojas del destino tres años después sonaban para acudir al dichoso festival.
“El suicida” se aproxima mucho al Siniestro Total de “¿Cuándo se Come Aquí?” (DRO, 1982) de ese mismo año, un tema simpático y resultón.
“El día que el cielo me dio una sorpresa” recuerda al pop sosegante y “baboso” de bandas como Paraíso o Los Modelos. Aquí se ríen hasta de ellos mismos si hace falta. Sobreactuada, excesiva, es un fiel reflejo de lo que la banda en realidad era.
Con “Algo suena tic-tac” se vuelve al pop-punk inmediato y directo del primer EP y, por qué no decirlo, aunque algo primitivo, con todos los ingredientes que a los que adoramos los 80 españoles nos parecen tan encantandores.
“El microfilm” tienes ecos de Radio Futura, sobre todo por la incursión de metales de manera sutil y acertada.
Y por fin llega “Hare Krasni”, la auténtica joya del disco. Con inspiración Hare Krishna (no olvidar que el zumbado de Iñaki había sido hippy, Hare Krishna, punk, y otras muchas cosas más en espacio de dos años), el delirio y, de nuevo, el acierto con los metales de Ulises Montero junto con el timbre desafinado desbocan la canción hasta sumergirnos en un trance de todo cualquier cosa menos espiritual, que parece no terminar nunca e ir en crescendo hasta la extenuación.
Como curiosidad, destacar que la portada la realiza Fernando Caballero, entonces cantante de Sindicato Malone y hoy afamado pintor, y que el empeño del grupo por incluir el precio del disco en la misma provocó la negativa de muchas tiendas a venderlo” (lafonoteca.net)

“La Movida begins with democracy,” he says, lighting the butt end of some home-grown crap that smells like dead woodchuck. ‘When democracy began in 1976, all social order collapsed in Madrid. Young people began hanging out together, living together – all of which initiated a very liberated lifestyle. And the voices of La Movida – the musicians and poets and teachers the believers – kept it alive. Every night you can go places here and find people with your same attitudes and same tastes. New music is everywhere, but La Movida is less important for the music than for the social scene it created.”
Madrid has been transformed into a cultural oasis, where new music, crafts, intellectualism, drugs, free love, all-night clubs and boundless idealism have all become part of the daily scene – much like San Francisco in the Sixties. A city reborn to run.
“When Franco died, those of us with ‘ideas’ set the stage for the explosion that was to come,” Diego says. “Now, in Madrid, all the doors are wide open. It’s fantastic. Anything goes. So much so that we have to live twice as fast in order to make up for lost time.”
“YOU KNOW A SONG BY TALKING HEADS CALLED ‘Burning Down the House’?” a kid in a record store asks me. ‘Well, that’s what happened when La Movida took hold,” he says. ‘We began burning down all the old houses where evil took place, replacing them with our own. And the old-style music just held too many memories for anyone’s good. So it was more or less banished.”
More or less. But what replaced it was a far cry from anything that might be construed as gen-u-wine La Movida-inspired rock. From the start, the Spanish new-music scene was merely a reflection of the English Top Forty, with a smattering of technorock thrown in “ (Bob Spitz/Mary Ellen Mark, en un artículo en rollingstone.com titulado The New Spain, aparecido en 1985)

23 octubre, 2010 Posted by | Glutamato Ye-Ye | Deja un comentario

Lux: I´ll try to ignore the fact you´re drowning (Single, 2010)

Lux es un dúo de Seattle del que ya hemos hablado en The JangleBox. Ellos continúan regalándonos sus canciones vía Bandcamp. Acaban de editar un nuevo single, este I´ll try to ignore the fact you´re drowning. Un bonito tema en el que nos evocan, una vez más, lo mejor de la producción de The Raveonettes; esta vez de forma más acentuada, si cabe, ya que el tema tiene un cierto deje del Pop femenino de los sesenta. Han dejado un tanto de lado su pose más oscura y siniestra, para centrarse más en su faceta compositora y lúdica. Un buen tema que puedes disfrutar y descargar de manera gratuita desde su Bandcamp. Además va incluida una remezcla muy apañada acompañando al single. Os dejo el enlace.

Lux – I´ll try to ignore the fact you´re drowning (Single, 2010)

“David was looking for a gal to start a band with. Leah was looking for a guy to start a band with. They had never met, but through a twist of fate and a turn of unexpected events, one found the other. Within days they exchanged a number of recordings and had their first practice, and discovered that their musical styles fit together like Bonnie and Clyde. Thus Lux was formed” (MySpace)

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22 octubre, 2010 Posted by | Lux | Deja un comentario

Film School: Fission (2010)

 

El que fuera proyecto de Scott Kannberg (ex-Pavement) ha ido tomando forma con los años y se ha establecido como una banda consolidada en la que el tándem Greg Bertens-Lorelei Plotczyk se ha hecho definitivamente con los mandos creativos. Este álbum les ha servido igualmente para abrir sus miras hacia un estilo más abierto a sonidos diversos, huyendo en parte del Shoegaze de sus primeras entregas. Su música se ha dulcificado en parte, y se han abierto a juegos con sintetizadores (Heart full of pentagons) y a sonidos más electrónicos (When I´m yours, Still might); abriendo su campo de influencias a gentes como New Order o Slowdive. Ésto no quiere decir que sea malo, evidentemente, ya que su campo de sonoridad se ha enriquecido y hay guiños igualmente al Dream-Pop (Time to listen, Direct, Sunny day) más edulcorado. Aunque ello no quiere decir que no haya grandes temas en su onda más conocida, la del Shoegaze más cercano al Noise-Pop: Nothing´s mine, Find you out, o la genial Distant life, sin duda el tema más guitarrero de la colección y que tiene un cierto sabor añejo a los ochenta de Joy Division realmente agradable. Un disco sin duda de lo más diverso, y que sin tener ningún tema de esos que nos suenan a himno juvenil, sin duda se deja escuchar con mucha facilidad. Lástima que, como se dice en la crónica que acompaño, esa variedad de sonidos ya la realicen gentes como Wild Nothing, Depreciation Guild o School of Seven Bells. El mérito de una banda como Film School de adaptarse a los nuevos tiempos está ahí en cualquier caso.

Film School – Fission (2010)

“California’s Film School had previously explored the well-trod ground between distortion and beauty without much variety, but Fission actually shows their musical vision changing into something more splintered and colorful. The group still leans hard on their most beloved sounds: single-note guitar peals that bounce off springing reverb, softly mumbled vocals, thick bass riffs, and big, billowy swaths of synthesizer. But while they once had a sort of rainy-day murk about them, these textures now sparkle like burnished silver.
Certainly, the transformation is a good look for a band that spent too long playing in the shadows. The pitch-shifted samples and electro-drum rattles of “Heart Full of Pentagons” give a slick and stylish underpinning to Greg Bertens’ unusually forceful vocals. “Heart” is a definite career highlight, starting off an album-opening triad where Film School sound like they’re on the verge of establishing a distinctiveness that their prior work lacked. “When I’m Yours” and “Time to Listen” are hard-charging and simultaneously spooky, something closer to the Cure at their most post-punk. And while the group still isn’t going to be known for big hooks, the double-time kick of “Distant Life” and “Sunny Day” are accessible enough to frame Film School as students of the pop side of shoegaze as opposed to just the blown-out part.
Despite of all the sonic additions, the album’s urgency is what feels most new. When Fission is at its best, you feel like Film School was tiring of being a band that could accurately call an album Hideout. Though the airhorn guitar blast of “Waited” would’ve fit on their prior records, here it feels like a veil of secrecy has been lifted on an intimate conversation between Bertens and bassist Lorelei Plotczyk. But then the energy seems to float away during the pleasant but anodyne electronic indie-pop of Fission’s midsection.
To play off something Jayson Greene wrote on this site last year, whether it’s gangsta rap or Appalachian folk, there’s always a pleasure in hearing an artist expertly working within the parameters of their idealized form of music. In Film School’s case, that terrain encompasses pretty much anything that’s ever been released on the 4AD label or held the appellate of “-gaze.” The problem is that their particular field never lacks for competition, and when a younger act like Wild Nothing or the Depreciation Guild puts their own stamp on this sound by stressing a winsome melodicism or electronic trickery, you get a weird disappointment from the fact that Fission is Film School’s most diverse album to date. In some ways, the diversity works against them. Rather than establishing their own identity or finally making the leap from good to great, they simply remind you of more bands than they did before” (pitchfork.com)

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22 octubre, 2010 Posted by | Film School | 1 comentario

Cool Devices: Cool Devices (Ep, 2010)

De vez en cuando en The JangleBox damos cuenta de alguna que otra entrega hipervitaminada, como ésta que nos ofrecen Cool Devices, un combo del área de Chicago liderado por Jason Fredrick que factura una suerte de Rock-Garajero con influencias Post-Grunge (o algo así). En cualquer caso, siete temas con vocación acelerada y bastante mala leche. Una especie de mezcla entre Dr.Feelgood, The Godfathers, Nirvana e Iggy Pop, adaptándolo a los tiempos que corren. El tema más destacado es Primitive, un temazo de auténtico revivalismo garajero con cierto toque Grunge. El disco está grabado por Kris Poulin en el estudio de Steve Albini, y corre a cuenta de Rock Proper, una discográfica que suele regalar todas sus referencias para descarga gratuita, así que ya estás tardando en hacerte con una copia del mismo…

Cool Devices – Cool Devices (Ep, 2010)

“The difference between zero and one is very subtle, one is zero and zero is one, there isn’t any difference. But in the end, it’s all we’ve got. When I asked to join the pirate ship called Cool Devices, my heart was in the gutter, my mind was clouded with chemicals and false expectations, my confusion was at an all-time high and my love for life was at its lowest.
Enter Jason Frederick.
Poet, painter, newlywed, freak, lover of life, speaker of mind, whistle blower, thirty-something angry teenager, ball-buster supreme.
Here’s a secret few people know…
[whispered]
Jason is truly a protector of all things living. I have seen the man go out of his way to assist a fruit fly through the billowing curtains of a cramped bed-stuy apartment, increasing its life expectancy exponentially. I was that fruit fly.
[regular voice]
What most people know is that Jason rages openly at all living things.
His claim to fame is his ability to scream into the microphones of small midwestern clubs. I’m not sure if you have had the luxury of staring down the dented globe of an SM-58 at an angry mob, but it was here that I learned “FUCK YOU!!” can sometimes mean “I love you” and vice versa” (rockproper.com)

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Oír / Hear: Primitive (Mp3)

http://vimeo.com/4304804

21 octubre, 2010 Posted by | Cool Devices | Deja un comentario

I Was a King: Old Friends (2010)

Cuando el año pasado destacamos el álbum de debut de I Was a King como el mejor disco del año, no lo hicimos por casualidad. Los noruegos eran una especie de mezcla entre lo mejor del Shoegaze, Teenage Fanclub y Dinosaur Jr., y su álbum homónimo no tenía tregua de ningún tipo: sus quince cortes eran temazos. Pues bien, Old Friends (2010) intenta ser una continuación del anterior álbum, pero distanciándose algo estéticamente de aquél. Si en el disco anterior no había preocupación por la longitud de los temas, o por los bucles sonoros a lo MBV, en Old Friends parece que se quiere ir directamente al grano: no hay prácticamente ningún tipo de pausa en sus doce temas. Creo que ha habido cambio en la batería, y en este disco, los ritmos son frenéticos, ejecutados por Kevin Shea, un virtuoso baterista de Free-Jazz, y desde el comienzo (Wylde Boys), los temas de Frode Stromstad y Anne Lise Frokedal se suceden frenéticos, sonando más Indie-Pop que nunca, acompañados por secciones completas de vientos, que compactan los temas de manera prodigiosa (Echoes). Tan sólo breves interludios como Learning to fly o Unreal son las transiciones sonoras entre los temas. La sensación que queda al final es la de que I Was a King han querido registrar su primer disco conceptual, tal es la semejanza temática y estética entre sus temas. Nightwalking vuelve a deslumbrar con una sección de vientos impresionante. Personalmente, su forma de emplearlos me recuerda al Arthur (1969), de The Kinks, y, por qué no, podríamos establecer algún tipo de relación entre aquél y Old Friends. Someone is waiting, Daybreak nos evocan en seguida a ciertos álbumes de gurús del Indie como The Apples in Stereo, por su mezcla entre Psicodelia y Ragga-Rock. Las influencias clásicas de IWAK aparecen de nuevo en temas como Forgive and Forget, impresionante canción de huellas a medias entre TFC y Dinosaur Jr. Por si no lo hemos dicho antes, el álbum se grabó en poco más de una semana en los estudios de Daniel Smith, quien lo ha producido: Familyre Studio, en Clarksboro, Nueva Jersey. Según cuentan, en el proceso, nada estaba planificado: se grabaron las bases rítmicas, y según iban avanzando las sesiones, los músicos iban entrando o saliendo, según necesidad, sin demasiado orden preestablecido. Algo así a como nos ha salido esta crítica, a salto de mata, o como salió, por ejemplo, Here to Stay, otro de los temas en los que la improvisación toma protagonismo. Old friends es el tema que cierra el álbum, un tema de Folk-Rock que supone un perfecto broche final a un disco intenso que, aunque no llega a las cotas creativas de I Was a King (2009), sí que es un digno sucesor de aquél. Muy recomendable.

I Was a King – Old Friends (2010)

“In all the many splendored forms that human relationship can take – husband to wife, parent to child, sibling to sibling, and so on – there is something singularly mysterious about friendship. It is neither biological, nor natural, nor instinctive, and as such, the existence of friendship is almost an oddity, but it is also sublime. Old Friends, the latest record from Norway’s I Was a King, touches on this phenomenon. A bizarre cross-section of musical backgrounds is represented by indie-music luminaries (Daniel Smith, John Ringhofer, Emil Nikolaisen), an avant-classical composer (Joshua Stamper), a free-jazz drummer (Kevin Shea), an electronic music diva (Anne Lise Frøkedal). Indeed, their work together would seem strange were it not for the compellingly simple songs and clarion melodies of Frode Strømstad that provide a sure anchor for such wildly disparate musical proclivities. The album was recorded in April 2010 as the inaugural project for Daniel Smith’s Familyre Studio in Clarksoro, NJ. Construction on the new facility had been completed just a few days earlier, and a very special excitement was in the air as musicians prepared to christen its walls with their contributions to Strømstad’s latest batch of songs. None of the musicians had heard any of the material prior to recording, which lent an on-the-edge-of-your-seat-ness to the proceedings. The sessions, which lasted a little less than a week, possessed the same character and vitality of sessions at the Brill Building and similar music factories in their hey-day. The speed and momentum of the work accomplished was often dizzying; while the rhythm section recorded in one room, vocal harmonies were rehearsed in another, and in still another room piano and organ parts were sketched and revised and solidified. The distance between idea and action was remarkably short. Lyrics were written and recorded by Strømstad and Frøkedal with breakneck speed, almost in one fluid motion. When it became clear that certain songs called for strings or winds, string and wind parts were written. When trombone or harmony guitar lines seemed necessary, trombone or harmony guitar lines were recorded. Musicians came and went, traveling across states and even continents to add their own special flavor to the mix. Magical moment after magical moment was faithfully captured on tape, as a net is dipped into the wind to capture butterflies. Old Friends is a record of excitement, managing a tension between control and chaos, harmony and discord, old and new; a tension that is always teetering, but never stumbling. There is also a comfortableness to the music – the same kind of comfort you feel when you’re with people you’ve known for a very long time; the comfort to risk, to stretch, to laugh. Old Friends is very special music. It is music not unlike the phenomenon of friendship itself: a sublime oddity” (insound.com)

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21 octubre, 2010 Posted by | I Was a King | 1 comentario

The Proper Ornaments: Recalling (Single, 2010)

 

Sin dejarme llevar por euforias, os podría decir que este Recalling, firmado por el dúo The Proper Ornaments es a mi juicio el mejor single de lo que llevamos de año. No sé que tipo de atmósfera contiene el tema o dónde reside su encanto, lo cierto es que Recalling me encantó desde que lo descubrí gracias al blog de Rubén Área 51 del Corazón (y su variante, El Baúl de Área 51 del Corazón, que es incluso mejor), en el que el buen gusto siempre es la nota predominante. Recalling es un tema de Pop-Hipnótico que viene a ser algo así a como sonarían The Dandy Warhols tras haber estado una noche entera escuchando los dos primeros discos de la Velvet Underground. Poco sé de ellos, la verdad, y el hecho es que en su MySpace aparecen otros dos temas, que son claramente inferiores a Recalling. En cualquier caso, me gustaría escuchar más material de este dúo londinense formado por James Hoare (Veronica Falls) y Max Claps, quienes van tan de sobrados que en sus influencias tan sólo citan a The Beatles y a Leni Riefensthal: Geniales!! Por cierto el single lo comparten en descarga legal y gratuita.

The Proper Ornaments – Recalling (Single, 2010)

“There’s a slight hypnotic trait hidden deep within the motorik grooves of ‘Recalling’, a subtle dose – as if you’ve just been peppered with diazepam but are somehow resisting the urge to let it take you over. It’s a short, three-minute measure, and once it’s over you’re not entirely sure where the time has gone. There’s nothing tangible to grasp, no instantly memorable lyrics, phrases or passages. Just that beat, over and over. Like a rabid dog it sinks its teeth deep into your psyche, and, with the volume high it causes your chest to rumble dramatically. And then, suddenly out of nowhere there’s a refrain that rings true and familiar – even though it feels like its the first time we’ve heard it: “recalling the good times, the good times I’ve had” – like a lost Ray Davies lyric, doused in nostalgia and warmth. This is something very special indeed. Putting the wax lyrical dictionary to one side for a moment, the finer details are as follows. The Proper Ornaments are London based duo James Hoare (from Veronica Falls) and Max Claps. ‘Recalling’ is their debut single and was released this week via the San Francisco based Make A Mess Records (thelineofbestfit.com)

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20 octubre, 2010 Posted by | The Proper Ornaments | 5 comentarios

Weed: DC Hope (Ep, 2010)

 

A estas alturas de temporada, hay mucha gente que comienza a estar ya hastiada de esta saturación de sonidos Lo-Fi que el curso nos ha deparado, pero en realidad a quien os habla le da igual. Ojalá esta hornada de nuevos grupos o de proyectos de artistas que preparan un estudio casero en su dormitorio nos continúe dando frutos como este Dc Hope, el debut de un dúo canadiense-norteamericano llamado Weed en el que la voz cantante la lleva Will Anderson. Según parece, a Mr. Anderson le encanta llenar el salón de su casa de micros y grabarse sus propias guitarras y el resto de instrumentación. Además, la plataforma elegida para su promoción es la nunca bien ponderada Bandcamp, en la que tantas y tantas alegrías estamos descubriendo en este último año, ya que es el medio ideal para promocionar de una forma sencilla tu música (MySpace debería ponerse las pilas, ya que la funcionalidad de Bandcamp es infinitamente superior). En cualquier caso, rescato este disco de la bandeja de entrada ya que fue editado en verano. La música de Weed epata desde el principio por la suciedad con la que están grabadas sus cinco canciones, dentro de los cánones del Lo-Fi de libro. En algunas el elemento sorpresa es doble, ya que nos encontramos con melodías que se salen algo de lo habitual, reiteraciones constantes (W.G.A.); en otras el ambiente Chillwave es el predominante (Run to cranes); en otras nos encontramos con un auténtico muro de distorsión (Quilt); en otras nos quedamos descolocados por su mezcolanza de géneros: Might as well, en mi opinión un temazo, genialidad a medias entre el Lo-Fi, el Indie y el Surf; todo ello adornado con unas guitarras realmente chirriantes. DC Hope se revela pues como un disquito de lo más variado y en el que seguro encontrarás algo que al menos te sorprenderá.

Weed – DC Hope (Ep, 2010)

“I think what originally caught my eye was that retro looking artwork you can see to the left, not to mention the name of the band – WEED. Yeah, Weed, but you could also call him Willy “Flip” Anderson, who happens to be main man behind the music. This is his first official release, and also the first release from the label putting it out, Moongadget. Mr. Anderson creates these severely bent, lo-fi “bedrock” jams that are increasingly fuzzy and mangled, and each one brings you to a place on a hazy Summer afternoon where there wasn’t much else to do but hang out in your bedroom and make some music. Parts of the songs sound electronic, while other parts sound more instrumental, but either way there are definitely some nods to the chillwave sound (like the trippy track “Run to Cranes”) that’s been storming the web. While this stuff does chillwave justice, I still hope in the long run that the fad is starting to die down a bit, because it’s beginning to show up everywhere. Like my G-mail inbox. I have two songs to share with you guys from the EP – the loose, easy going, bass-bumping jam “W.G.A.” and the twisted, gritty lo-fi madness of “Might as Well” which has enough fuzz to make your head explode, but at the same time it’s bound to make you smile. One last thing: this stuff WILL grow on you. But that’s all for today! Lots of new stuff coming in lately…stay tuned” (styrofoam.com)

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20 octubre, 2010 Posted by | Weed | 1 comentario

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