Zombies: Extraños juegos (1980)
Descansa en Paz, Bernardo, nos veremos en Groelandia o en los Anillos de Saturno
Para este fin de semana en el Retro-Visor hemos decidido volcarnos de nuevo en el panorama patrio. El disco que analizamos este sábado es el primer álbum de Zombies, Extraños juegos (1980), uno de los primeros discos de la llamada “movida” y que convirtió a Groelandia en una de las canciones de referencia de ese movimiento, llegándola a adoptar una conocida cadena musical como cortinilla. La cuestión es que su fundador y líder, Bernardo Bonezzi, fue algo así como un niño prodigio del Pop. Cuando tan sólo contaba con trece años incordiaba a Kaka de Luxe para integrarse en la banda, cosa que consiguió posteriormente, cercanos ya a su disolución, compaginando esta actividad con su grupo, ya consagrado como una de las revelaciones del nuevo sonido. Zombies fue algo así como unos Devo a la española, con elementos de la Nueva-Ola pero con ese característico sello patrio en sus letras, que en muchas ocasiones tenían también mucho de surrealista y de ingenioso. Sus sonoridades y arreglos eran de lo más variado, quizás por ese talento de Bernardo, que hizo beber a su banda igualmente de sonidos cercanos tanto al Glam como a la New-Wave o al Techno. Sus dos temas más impactantes fueron Groelandia, ya comentada, que les hizo ganarse una buena reputación como compositores de uno de los primeros himnos de la nueva ola, y Extraños juegos, un gran tema de ritmo Kraut con unas guitarras que suenan realmente crudas. Su contenido era una extraña mezcla de sadomasoquismo e inocencia: Incendiaria. Entre los componentes de Zombies se encontraba Álex de la Nuez, quien posteriormente se uniría a Tequila y mucho después formaría el dúo Álex y Cristina; y Juanma del Olmo, miembro de Los Elegantes. La llama de Zombies se extinguió tras la publicación de su segundo álbum, La muralla china (1982), y Bernardo Bonezzi se dedicaría a la música cinematográfica como su principal actividad, colaborando con gentes como Pedro Almodóvar.
Zombies – Extraños juegos (1980)
“Ya sabemos los elementos que identificarían este excelente primer trabajo de Zombies: ritmos sintéticos y desaforados, presencia de graves, letras surrealistas e imaginativas, todo ello revestido con un deje de robot amanerado en la voz de Bonezzi, que se erige como notoria característica propia. Si “Contacto en Zurich” es un viaje “retrofuturista” en el tiempo, en otro país, en otra ciudad, con otra identidad, en otro tiempo de la historia, “No puedo perder mi tiempo”, es la puesta en práctica, el movimiento, de las consignas nuevaoleras. Un dinamismo que contrasta con ese acento pausado y silábico ya mencionado y que culmina orgásmicamente en un grandioso estribillo en crescendo. La instrumental “La venganza de Tchulu” pone sonido (tecnológico y mecánico) a las novelas de H.P. Lovecraft y su magia negra, ocultismo y paranormalidad. Tiene un cierto regustillo al desasosiego logrado por el “Bacanal” de Parálisis Permanente años después, si bien es cierto se hace un poco larga. Por fin llega el gran e incuestionable hit. “Groenlandia”, con sus cajas chinas le da un toque personal a una canción tan sencilla como original, que busca el amor en los más recónditos recovecos, cráteres de Marte y anillos de Saturno incluídos. Canción imprescindible en cualquiera de los cansinos recopilatorios de La Movida, y que sería versionada por grupos tan dispares como La Honorable Sociedad o Bom Bom Chip. “Extraños juegos” es, increíblemente, aún más pintoresca: un tema naif absolutamente sadomasoquita. “Cleopatra y la serpiente”, con sabor pegamoide (lo es más aún “La energía de Plutón”), es la más poética del lote, inspirada en la muerte de Cleopatra, quien se cree que, tras haber sido acusada por Octavio de graves cargos como magia, incesto, lujuria o adoración de ídolos animales, elegía poner fin a su vida introduciendo su mano en un cesto de frutas en el que se hallaba un áspid. Nos encontramos en la parte más interesante del disco, al empalmar con la buenísima “Orquídeas marchitas”. Con ese bello título ya queda todo dicho. La seductora “Aloha” hubiera sido un broche perfecto a un album sorprendente y original que se erige como de los mejores de la época, pero la alocada “La rebelión de los objetos”, tampoco lo desmerece en demasía” (lafonoteca.net)
Airiel: Kid games (Shelflife, 2012)
It had been a long five years, waiting for any release from Airiel, and this has not been a disappointment. Would a full-length be preferable? Yes, but in this case, quality trumps quantity. Kid Games may not break new ground but it is a pleasure” (thebigtakeover.com)
Diiv: Oshin (Captured Tracks, 2012)
Sobredosis de Reverbs
No hace mucho estuve visionando una película que no había podido ver en su estreno: Very bad things. La conclusión que saqué al final de la misma fue que aún siendo una buena película, la mezcla (algo heterogénea) de estilos hay que saber dirigirla y guiarla con maestría si no se quiere caer en la autocomplacencia y en una cierta sensación de caos. Digo ésto porque una sensación parecida es la experimento al escuchar con detenimiento este debut discográfico de Diiv, la banda de Brooklyn capitaneada por Zachari Cole Smith, guitarrista también de Beach Fossils.
Introduje así el disco porque desde un punto de vista algo heterogéneo es como hay que tomarse la reflexión sobre el disco. Sus miras son algo elevadas en el sentido de que han querido hacer hueco a todas las influencias que hayan ido apareciendo en su música: Dream-Pop, Drone, Shoegaze, Pop de los ochenta al estilo The Cure, Pop-Surfero… El resultado final es, evidentemente, quizás demasiado semejante al sonido de Beach Fossils, la banda digamos “matriz” (si no queremos ponernos a buscarle semejanzas con Real Estate, Wild Nothing, The Smith Westerns…). Esa mezcla de Pop-Surfero con los devaneos etéreos del Dream-Pop son hoy ya una mezcla harto conocida, aunque en su momento desde luego sonara más que epatante. No digo que este Oshin no tenga su elemento sorpresa, pero una audición demasiado prolongada quizás nos lleve a una sobreexposición de reverbs, de voces demasiado ininteligibles, de ambientes algo cargados…
Una densidad que se palpa a lo largo de todo el disco como un elemento más que añadir al sonido del mismo. Evidentemente, viniendo de donde viene, el sonido de Diiv tiene momentos realmente memorables: How long have you known, Air conditioning, Earthboy, Sometime, los dos instrumentales Druun (part I, part II)… Aunque al final, como sugerí anteriormente, una cierta sensación de hartazgo de guitarras demasiado semejantes, de reverbs infinitas se apodere de mis oídos. Quizás haya que limitar su escucha.
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“I don’t think DIIV intend to be subversive; they’re a traditionally structured indie rock band with lyrics that are mostly unintelligible if they’re not in the song title. But Oshin isn’t just a gorgeous and unusually melodic dream-pop record; it’s an interesting experiment in whether a band based on voice/guitar/bass/drums can rely on the guitar to carry the song’s meaning. DIIV’s songs are built around verses and choruses but these are unusually fluid and intuitive, almost post-rock in miniature. And this album is more of a sensory experience than an emotional one. The original name of “Dive” was, according to leader Zachary Cole Smith, touring guitarist for Beach Fossils, a tribute to the Nirvana song and/or an acknowledgment of how each member has a “water” astrological sign. The instrumental tracks that bisect the record are titled “(Druun)”, perhaps a flubbed portmanteau of “drone” and “drown.” But all three invented words convey the elemental. Whereas someone like Phil Elverum or Wolves in the Throne Room attempt to conjure nature’s awesome unpredictability, DIIV capture the beauty and comfort of its foreseeable ebb and flow.
The pleasures of Oshin as a full-length are subtle. “Past Lives”, “How Long Have You Known”, and “Doused” aren’t just the most striking individual tracks; their smart spacing at the beginning, middle and end of Oshin has a trickle-down effect. Were “Earthboy” and “Sometime” to pop up on shuffle, not much about their rhythms or melodies would stand out. But within the album’s context, they become sensible interludes. On a smaller scale, Smith’s vocals are positively tidal, rising in confident and comforting intervals and resolving every bit as smoothly. The guitars bring to mind things like coins in a fountain, pebbles skipping across a lake, and small fish evoking silvery ink. Even the slowly overwhelming distortion of “Wait” incrementally seeps through the mix like a wave of cold, muddy sand, the only interruption the paradoxically arid “Air Conditioning”– the one track whose rigid, interlocking guitar patterns recall those of Beach Fossils.
The experience of Oshin is aqueous and amorphous in a way that makes using the term “rock” feel uncomfortable. The pliable yet sturdy intertwining of guitar and bass stretches across the songs like a hammock. And at its best, Oshin can feel like an ingenious distillation of the sonorous instrumental passages that took Disintegration‘s “Fascination Street” and “Pictures of You” toward arena-rock grandeur. The album is mostly parceled out in lines of three-to-five descending notes that become self-descriptive adjectives: “(Druun)” wordlessly projects resolution, confidence; “Past Lives”, wistful acceptance; “Oshin (Subsume)”, a kind of dead-eyed stoicism; “Doused”, white-knuckle tension. Oshin gives you hints and direction, but never tells you exactly how to feel. It reminds me that one of Neil Young‘s most desolate and gripping records was called On the Beach.
Oshin is notable for what it leaves to the imagination; not just about its own communicative aims, but about DIIV as well. Barely year ago, it was Smith’s solo project, a fairly standard dream-pop act. The impact of DIIV’s vibrant and muscular rhythm section makes all the difference. They might not rock, but Oshin always offers tactile resistance. And after the second “(Druun)”, Oshin starts to coil into a darker pose, emerging from the deep with the tension of early Interpol before turning post-Fugazi emo drunk on reverb.
“Doused” ends abruptly before the closing lullaby “Home”, giving the impression that if DIIV recorded any further at this stage, they’d be too far off from where they started for Oshin to cohere as beautifully as it does. It’s a snapshot and a potential pivot; DIIV appear to be at a place where bands like Real Estate and the War On Drugs were after their debut full-lengths; similarly good albums which blurred instrumentals and songcraft, evocation and statement. Of course, their next ones were great largely because they made you care about the people who created them. DIIV have made a compelling debut where what the band is actually about is fairly unimportant. But since Oshin deftly defines what they do, and what they donow, this mystery is likely a temporary stat” (pitchfork.com)
Father Sculptor: Singles (2012)
Como leí en una breve reseña de prensa que el NME les dedicaba a los escoceses Father Sculptor: ¿Quién necesita una jodida reunión de The Smiths cuando ya podemos disfrutar de una banda como Father Sculptor? Dos matizaciones. Una: los escoceses no son totalmente una fotocopia de los de Manchester. El tono de su vocalista y la forma de entonar sus canciones, su temática y sus rasgos épicos sí tienen algo en común; pero la musicalidad del grupo tiene poco que ver con el Jangle-Pop melodramático de las huestes de Morrisey.
Dos: evidentemente, la actitud (desinteresada y algo desenfadada) de FS dista mucho del distanciamiento endiosado de Morrisey y Marr. Father Sculptor han publicado su (hasta ahora) breve discografía, compuesta por un puñado de singles en su Bandcamp, desde donde puedes tener libre acceso a ella, además de poder descargártela en tu reproductor. Seguro que algún buen single encuentras.
Señalados como “Banda a seguir” en varias ocasiones por el periódico The Guardian, los escoceses a buen seguro tendrán algo que decir en el nuevo panorama musical británico, no demasiado renovado, pero desde luego inquieto.
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“There are quite a few tracks online, and they reveal a band with all the elements in place to cause a considerable stir. It’s immediately clear fromAristide that languor is their energy, the lyrics (“In between the sheets in which you sleep”, “Could you just part those thighs?”) taking a Moz-ish delight in the sensuous everyday, toying with sex even as they recoil from it. The singer’s voice is as mannered as you’d expect, veering from a mid-range yodel to a wilting falsetto, and the guitarist is quite Marr-vellous, achieving a range of textures, even if his tendency to break into a solo should probably be curtailed, being overly muscular and macho in this fey, winsome context – their catalogue so far comprises Smiths-ish ballads, not Queen Is Dead-style attacks. Frances finds a dark patch of middle ground between the Cult and the Smiths with its goth-lite miserablism. It’s shockingly traditional, and startlingly 1984 – the 1984 that saw a drift back towards rock-band convention, not the New Order or Frankie Goes to Hollywood version of 1984 as a signpost towards a melancholic or bombastic electronic future.” (theguardian.co.uk)
The Streams: My heart still wants you home (Video-Single, 2012)
Más ecos Folkies que también llegan desde el Norte de Europa. Desde Turku, Finlandia, The Streams facturan un sonido algo rayano al Pop más adulto, aderezado con numerosos elementos provenientes del Folk. Editan nuevo álbum este otoño, y este My heart still wants you home es el sencillo de adelanto.
Olgwi: Magic (Single, 2012)
Más sonidos de índole Folkie provienientes de Suecia. En esta ocasión pertenecen al cantautor sueco Olgwi, nativo de Uppsala (estos nombres de ciudades nórdicas me suenan gracias a la Copa de la Uefa. Bonito nombre para un disco: “Copa de la Uefa”). Olgwi está preparando su debut en disco grande para Octubre de este mismo año. Sus sonidos acústicos serán bien recibidos por seguidores de Bon Iver, Ben Howard o Aimee Mann. Con este single: “There’s a depth to OLGWIs vocals that takes you running down memory lane without ever being stuck in the past. It’s a joyful piece of art with dark edges. Please take a little time and listen to it and tell the world if you like it!” (Press)
Disfrútalo.
The Silver Factory: If words could kill (Mini Lp, 2012)
Evidentemente, a la hora de encarar el comentario musical, nos tenemos que hacer a la idea de que hay bandas que son, por razones obvias, rompedoras, innovadoras hasta el extremo de que en muchas ocasiones sus propuestas no nos resultan agradables de digerir en una primera escucha. Otro tipo de bandas son aquellas que se afanan en perpetuar un determinado tipo de sonido. Si he de seros sinceros, yo me encuentro más cercano a esta segunda opción que a la primera. No soy persona demasiado abierto (en principio) a las novedades más radicales, y me cuesta reconocerles su valía (en el caso, lógicamente, de que las tengan). Sirva todo ésto para introducir If words could kill, el último lanzamiento de The Silver Factory, banda británica de Leicester que, como decía al principio, desde luego no tienen reparo de demostrar sus raíces musicales: Jangle-Pop de guitarras arpegiadas y juguetonas, aires algo Retro y desde luego, amor por la melodía. Podríamos emparentarlos con cierta producción ochentera (C86), o con ciertas bandas del Oeste norteamericano de los sesenta, sorpresita final con sitar incluida. Lo cierto es que el sonido de The Silver Factory tiene mucho de cálido y sentimental. Su música tiene esa capacidad de retrotraernos a un tiempo pasado que, por supuesto, no tuvo por qué ser mejor.
Han fichado por Elefant y han publicado este If words could kill esta pasada primavera. Os dejo el enlace para conseguirlo.
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“The band fronted by Fran Feely formed in the summer of 2008 with the intention of showing off their shared love of music from the sixties and indie-pop. They named the group in homage to Andy Warhol’s work studio, where he had countless events and parties. After several changes in the group’s line-up, with even Fran’s brother, Peter Feely, forming part of the group at one point, THE SILVER FACTORY settled into their definitive line-up when lead vocals were handed over to Marc Johnston (formerly of THE JUNIPERS, he was also partially responsible for the same tasks on the songs of that delightful release, “The Sun Shines Over You”). Currently, alongside Fran (rhythm guitar) and Marc, the band’s line-up consists of Matt Vinall (lead guitar), Luke Headland (bass) and Paul Hobbs (drums).
“If Words Could Kill” is the Leicester band’s grand entrance into music society, with seven songs that offer a more complete and open image of a group that is loyal to its sound. Starting with that inevitable indie-pop hit full of precious arpeggios and guitar arrangements that is the title track, via that instrumental revisiting of their “The Sun Shines Over You” that stars a sitar (and there we have the Beatles connection), we arrive at a Mini-LP full of sunny melodies that prove them to be adoring fans of the best of indie classics, along the lines of bands like CLOSE LOBSTERS, THE CHESTERFIELDS, THE TRASH CAN SINATRAS and CHOO CHOO TRAIN. “Comedown Cherry” oozes vitality amidst the thrashings of puppy love, and “The World May Brings Us Down” is so addictive and marvelously dynamic, like the earliest and best of THE STONE ROSES. “I’m Alright” is probably the song that best shows their sixties leanings, with clear tendencies toward THE HOLLIES and THE KINKS. Meanwhile, we get back to the elegance, class, and romanticism with “Flowers on the Scene”, a cross between THE SMITHS and THE SEA URCHINS.
This release will be a mouthwatering delicacy for lovers of the genre – a genre in which we have already included THE SILVER FACTORY. The band possesses elegance and a magical perfection when it comes to rounding out songs and decorating them with crystalline guitars and delicious melodies” (elefant.com)
The Sometimes Family: Fun with heartbreak (Ep, 2012)
Liderados por la bella voz de Rebecca Sometimes, The Sometimes Family se presenta como un grupo de Soul blanco. Sin más ambages ni etiquetas a descubrir. Su música es decididamente Retro (It´s a wonder we don´t die from dancing), con la única concesión al Funky setentero (Stand up). Su sonido está igualmente establecido siguiendo los patrones clásicos: voz en primer término, pianos electrónicos, guitarras lo más limpias posibles, armonías vocales y una estructura clásica en los temas. Seis son los que conforman esta colección llamada Fun with heartbreak, la banda sonora ideal para pasar una noche perfecta a tu club de música en vivo. Con un poco de suerte caigan algunas versiones de Aretha o de las Shirelles y la velada habrá sido perfecta…
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“Chicago soul comes alive with the new sounds of The Sometimes Family. Their new EP entitled “Fun With Heartbreak” brings together six songs that transport you to the heart of the city with seventies sounding R&B.
Beginning with “Love,” the vocals of Rebecca Sometimes are so appealing that you instantly find yourself wrapped up in her lyrics. The mellowness of “It’s Slow But It Feels Alright” is balanced by the upbeat, dance floor feel of “It’s A Wonder We Don’t Die From Dancing.” The band performs too safe until the full-out funk of “Stand Up.” The EP closes with the lounge-feel of “If It’s Love” as the song seems to just drift on.
The Sometimes Family has some live dates scattered over the next couple months. For more information, please visit the sometimesfamily.com“ (jpmusicblog.blogspot.com)
Los Nerviosos: Estamos continuamente ardiendo (2012)
Arañas y Galgos Afganos
Si hubo un movimiento especialmente divertido en la música en español de los ochenta, fue el denominado como Las Hornadas Irritantes. Ya sabes, esos grupos que se dedicaban a escribir textos ingeniosos, irónicos y, desde luego, divertidos. Los Nikis, Glutamato Ye-Ye, Los Vegetales… eran bandas que, no exentas de calidad musical, basaban su sonido en ese agudo sentido del humor a veces tan irónico que no todo el mundo lo comprendía, de ahí la indiferencia con la que muchos los recibieron.
Los Nerviosos son un dúo venido desde Pamplona. Van por su tercer disco aunque su modestia les impida reconocer que tienen verdadero talento. Ellos se amparan en esa (falsa) modestia que les lleva a presentarse como un dúo que utiliza “un amplificador que distorsiona, una guitarra vieja y una antigua batería de un anciano que tocaba en bodas, es la mejor manera de definir nuestro sonido. Si nos influye alguien lo podreis oir vosotros. Pablo toca la guitarra y canta, Javi le pega a la batería y hace coros y los dos somos LOS NERVIOSOS”. Estamos continuamente ardiendo es su último trabajo. En él nos cuentan historias más o menos cotidianas, revestidas con imágenes surrealistas (El galgo afgano), costumbristas (Vacaciones en Italia), o las clásicas historias chico-chica (Tienes un problema).
Su sonido, quizás por aquello de la simpleza extrema en su presentación, es más bien cercano al del Pop garajero: guitarras distorsionadas, algúnos bajos, algunos sintes y una batería “de un anciano que tocaba en bodas”. Y suenan muy bien. Si ampliaran la instrumentación y sus canciones tuvieran más arreglos, dejarían de ser Los Nerviosos.
Puedes encontrar su disco en Bandcamp, al precio que consideres oportuno, o comprarlo en edición Digipack, a precio de paquete de cigarrillos.
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The Cripple and the Tramp: Deep in the dark (2012)
Como continuación lógica de aquel Don´t change for anybody, I won´t change for you, David Miranda (ex-Nouvelle Cuisine), ha elaborado esta segunda parte, acaso sin solución de continuidad con respecto a aquel disco. Un trabajo en el que la resonancia Folkie es la misma, si acaso aquí el disco adopta un carácter más unitario puesto que todos los temas tienen algo que ver con el género de las Murder Ballads, es decir, canciones que tienen que ver con asesinatos o misterios. El ambiente en el que se han registrado es el más apropiado para ello: Galicia y el País de Gales, donde reside en la actualidad. Todo parece haberse conjuntado para elaborar un trabajo íntimo y personal, donde los sentimientos, llevados al extremo a veces, cobran un papel protagonista, dejando un poco de lado el aspecto más melancólico de su primera entrega.
Las referencias musicales vuelven a estar más o menos claras: Johnny Cash (de quien realiza un cover: Folsom prison blues), Dylan, Nick Drake, Bert Jansch…
Un álbum que puedes encontrar en dos formatos: el tradicional, vía Discos Perdidos; o bien vía Bandcamp, donde puedes descargarlo y disfrutarlo gratuitamente.
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The Joy Formidable: The wolf´s law (Video-Single, 2012)
The Joy Formidable se han pasado al lado oscuro, y para celebrarlo, acaban de editar este tema, The wolf´s law, que no irá incluido en su próximo disco, pero que han querido compartir con todos. Puedes conseguir el Mp3 pinchando aquí o yendo al enlace de YouTube.
Uma: Wild at heart (Doc Daneeka Remix, 2012)
Un poquito de música electrónica para desengrasar este domingo. Nos llega de las manos de Uma, ese dúo de Pop electrónico de cuyo Wild at heart os presento esta Remix.
Charlie Big Time: Dishevelled Revellers (Ep, 2012)
Más de tardes de verano…
Eso de que el verano sea una época en la que no se trabaja o en la que, por ejemplo, no surjan novedades discográficas, es algo absolutamente incorrecto. En esta época, desde luego, el ritmo de novedades disminuye, pero para nada dejan de aparecer buenos discos.
Matinée Recordings es una de las encargadas de recordarnos que en verano también podemos escuchar buena música, y para ello ha preparado una serie de Ep´s de contenido eminentemente suave que pueden hacer las delicias de los oídos acostumbrados a su particular sello y forma de entender la música.
Charlie Big Time es un trío que comenzó su andadura como dúo. Son Matthew Pendlebury, Beth Arzy y Chris Tiplady. Anteriormente habían formado parte de Aberdeen y Trembling Blue Stars. Provienen de Bolton, Inglaterra, y curiosamente, en un pasado habían editado material con otra discográfica conocida en TJB: Series Two Records, cuando aún eran un dúo.
Su música, como decía, responde a ese característico “patrón” marca de la casa: Pop ciertamente delicado, guitarras jangle, dulces y algo distorsionadas; pasión por la melodía y un cierto regusto nostálgico emparentable con las huestes Morriseyanas. Este Dishevelled revellers es su primera referencia para Matinée y seguro que muchos de vosotros, oyendo estos cuatro temas estaréis clamando por un trabajo más extenso.
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“Britain has long had a history of crafting glowing guitar pop, though the more brash bands abroad have garnered more attention. That’s probably a good thing, with bands like Charlie Big Time quietly making their way to our ears. The group’s newest EP, Dishevelled Revellers is brief, but for those of you unfamiliar with the band it’s the perfect introduction to the group, now a proper trio.
The title track begins the four song affair, beginning casually for the most part. It’s a quieted pop approach allowing listener’s to get a full grip on the inherent harmonies present within the track, but that changes at the 1 minute mark. A chorus erupts with a more distorted guitar sound, giving a heavier touch to the softer melody working beneath the tune. It’s a familiar song, sonically speaking, but one that speaks volumes to the craftsmanship of Charlie Big Time.
You’ll find that the lead single “The Liberation of Love” provides the perfect “pleased to meet you” moment with the band’s newest member, Beth Arzy. Her effortlessly gentle voice provides the perfect juxtaposition to the deeper male vocal role, and gives a different level to the slower track. There’s’ a wandering jangling guitar noodling its way about the track, which is one of the reasons I find Dishevelled Revellers so enjoyable; it’s not here to beat you over the head with brilliant pop, only here to let you sit back and enjoy incredible songwriting.
Personally, I immediately fell in love with “Real Estate” from the moment that guitar line comes in. Strummed guitars are met with solid vocals and various other textures that demonstrates the creativity of the group–it even includes some light horn flourishes. Beth’s here again, but her voice is slightly understated, turning it into more of an instrument of lushness, rather than a counterpoint. The subject matter seems fairly dark, but you’d never really know by the emotional tug you’ll get when listening to the track, happily floating away with the tune in your heart.
Then it all comes to an end with sullen “Passion and Headaches,” the fourth and final track here. It seems like the perfect song for someone living on the British Isles, or even the Northwestern US. I find that there’s a bit of a cold haze that floats about the casual track; I picture the group crafting the song on their porch as the rain comes down. But, like all great pop, you cannot help but to feel a bit of an uplifting aura surrounding the track, much as you’ll find on the whole Dishevelled Revellers EP. Charlie Big Time have managed to quickly burst into the scene of great pop songwriting, and hopefully we’ll get to hear more from them soon” (austintownhall.com)
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Mmdelai: Mmdelai (Ep, 2012)
Surcando las aguas de diversos estilos de la música electrónica que personalmente reconozco que no los domino en absoluto, Mmdelai surge como una propuesta híbrida de ese Pop de veta experimental y la música electrónica menos danzable. Mmdelai surge como el proyecto más o menos unipersonal de Annemarie Duff (Miniatures), música y productora residente en el área de San Francisco. Su voz, personalísima, preside la mayor parte de los temas de este Ep que está editado por Bleeding Gold Records, una de las discográficas independientes más animosas y a la vez más variopintas del riquísimo panorama musical norteamericano. Por cierto, este disco de debut está disponible para escucha y disfrute en el Bandcamp de Mmdelai.
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“Christchurch based producer Annemarie Duff is also known as Mmdelai has has just released her debut self titled EP. Blending the cold edge of electronica with etherial ghostlike vocals, Annemarie weaves something rather special here within the seven tracks in just under 25 minutes. White World opens like something like a siren malfunction as the machines being self aware and take control – lone, her voice is surrounded by dry ice and back-light. Almost a minute later post-drum-n-bass rhythms skittle over a bass line that probably has killed something. All the while, like an estranged cousin of Kate Bush and/or the woman from The Knife – Annemarie’s vocals twist and turn like mist.
A song structure follows a more traditional trajectory in Sicily Sea; and is possibly more accessible for it – but things are still kept gorgeously weird – with a piercing keyboard line that goes to the edge of distortion in contrast to the sweet piano that drives the tune.
Elements of trance and dub filter through on tracks like Wall of Light and Solve For You respectively, which, while well executed just fail to connect with me personally. But closing number We Can’t Fade is haunting and mesmerizing – if someone had invented drum and bass in 1915, then 15 years later, having moved on, Marlene Dietrich would be making songs like this” (cheeseontoast.co.nz)
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Broken Water: Tempest (2012)
Camisas de Franela y Dr.Martens
¿Qué sería de mi vieja camisa de franela a cuadros? Me encantaba lucirla con mis Dr. Martens compradas en Gibraltar y mi larga melena cada vez que salíamos los sábados por la noche (porque antes se salía los sábados por la noche). De repente, oyendo este Tempest (2012), del trío de Olympia Broken Water, me han dado ganas de volver a ponérmela. Lástima que ya no esté conmigo. Ni mis botas con la punta de acero. Ni mi actitud… Bueno quizás esa sí. Algo aliviada, desde luego, pero muchos rasgos de entonces no se han olvidado. Ésos estarán siempre conmigo. Y más oyendo discos como éste: Me encanta. Me encantan sus temas. Me encanta su actitud. Me encanta su sencillez instrumental. Una vuelta al Indie noventero, que me retrotrae a los mejores momentos de mi juventud. Un disco enorme, lleno de guiños a Sonic Youth, a Mudhoney, a Nirvana, a My Bloody Valentine, a Pavement… En cuanto que lo escuches te sentirás reconocido en un mar de nerviosa inquietud Noise-Gazer. Un resumen sonoro de todas las músicas que devorábamos en nuestras dobles pletinas o en nuestros primeros Cd´s.
Es curioso, ahora que Thorston Moore ha grabado un disco mucho más atemperado y alejado de lo que todo el mundo relacionamos al oír su nombre, Abby, Jon y Tanako han elaborado un disco que contiene mucho de lo mejor de aquel momento. Pero como digo muchas veces: ojo, que nadie se piense que Broken Water son un grupo rendido al revivalismo más fácil. De eso nada: el trío tiene carácter, personalidad, canciones y actitud para ser uno de los referentes del actual Noise. Gran gran disco.
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“Olympia trio Broken Water has been swimming under choppy waters. Through a smattering of limited vinyl releases, the band has accumulated a small following and superfluous press clippings christening them as the next wave.
Tempest ushers it in with a maelstrom of tidal influence. Broken Water does not shy away from their no wave and shoegaze influences, creating a batch of songs saturated with recognizable cornerstones but no less inventive. There are few bands cranking out fuzz and sludge with the force and frequency of Jon, Kanako and Abby.
They have learned well in Olympia, distilling the Pacific Northwest’s two decades of musical relevance into a weather pattern as destructive and unpredictable as their album’s namesake. Tempest swells and bows with heaviness. There’s no mistaking Jon’s likeness to Thurston Moore when he grips the mic on “Underground” and “Coming Down,” both leaning toward Sonic Youth’s aggressive beginnings. The viscous mud and torrential drizzle of Washington adds a layer of skuzz that dries into a crust when the summer sun of “Some Thread to Connect” wakes and bakes Tempest to a heady crisp.
“Some Thread to Connect” and its ilk (“Yanka Dyagileva,” “River Under the River,” lead single “Drown”) are the backbone of Tempest. Though worthy comparisons to the past help place Broken Water’s sound, it doesn’t date it. “River Under the River” fashions quiet-loud in loud-louder at a leisurely pace. “Yanka Dyagileva” is melodious noise. The bridge a graveled rattling off garbled profanities, soothed by the bellicose sway of the verse; a ferry caught adrift in the angry Puget Sound.
“When You Said” best summarizes the splendor of Broken Water. It’s acoustic chime a lighthouse in the middle of the storm. Broken Water leaves us with one last deluge, Jon’s voice warbling in the calm before the vicious winds of the chorus sweep Tempest and its swollen barge into the Pacific.
Tempest is as weathered as it suggests. Broken Water has absorbed and funneled countless influences into their warped mien. As the first widespread gale the band’s delivered to the masses, Tempest treats old fans to a maturing band conjuring up stronger storms as it introduces the band to a new audience. The edge, the passion and the fury is still palpable. Get blown away with Tempest” (ssgmusic.com)
Bakers at Dawn: Don´t fall asleep (Ep, 2012) / Everyme scenery (Ep, 2012)
Nuestro amigo Marcus continúa enfrascado en su tarea de pequeña manufactura Folk-Pop desde el sótano de su casa en Malmö. Esas pequeñas obras tienen solución de continuidad este verano, donde ha editado dos epés, uno por cada mes de la canícula: Don´t fall asleep, que contiene dos temas: Lost in tolerance y Me and you, cortes ambos de carácter algo más acústicos, en esa onda de tímido intimismo y tonos Donovanescos que Bakers at Dawn se empeña en ofrecernos.
Everyme scenery es el Ep de Agosto, y se trata de un single en el que ese positivismo, del que hacíamos mención en su primera aparición en TJB, vuelve a hacer aparición, en forma de un tema contagiosamente bello: Who.
Estas dos referencias las puedes encontrar en el Bandcamp de Bakers at Dawn en descarga legal y gratuita. Sólo por el placer de escucharlas.
Satellite Stories: Sirens (Single, 2012)
Ese Pop contagioso al que nos referíamos en otras ocasiones en las que hablábamos de Satellite Stories en TJB vuelve a ser el protagonista en este nuevo sencillo que los suecos nos ofrecen en este calurosísimo mes de Agosto. Parece que sus pilas son inagotables, y esa energía alcalina les alcanza para ofrecernos este nuevo sencillo que, además, también aparece con su Remix correspondiente.
Blane Fonda: Sounds like static (Single, 2012)
¡No lo aguanto más! Este calor húmedo que estoy padeciendo en estos últimos días me está matando poco a poco. Me refugio delante del ordenador, pero su calor me destruye un poco más. Una solución posible: evadirme con la música. Una propuesta de evasión: Blane Fonda con su Pop bailable altamente contagioso y sus ecos ochenteros. Vienen desde Chicago, debutaron el año pasado con un Ep llamado Foolish croon y en este verano han editado este Sounds like static. Si no tienes vacaciones o no puedes viajar a Noruega…¡Menos es nada!
Echo Lake: Wild peace (2012)
Tardes de Agosto
Tarde calurosa de Agosto en el Sur. La canícula aprieta a más no poder. La hora de la sobremesa ha pasado, y ese adormecimiento que se presenta en forma de somnolencia comienza a invadir todo mi cuerpo. Es casi imposible resistirse. Para acompañar la tarde, retransmisiones deportivas en la televisión. No soy de documentales, me aburren supinamente. Y como último aderezo, música sonando en mis oídos a un volumen no demasiado elevado. Todo ésto confluye en una sensación de paz interior que desemboca en un leve letargo de unos breves minutos.
La banda sonora de ese instante: Echo Lake. Los londinenses han aligerado carga pesada y han presentado este álbum de debut como una de los grandes momentos en el panorama Dream-Pop. Un trabajo que rebosa belleza por todos sus poros. Un disco que nos devuelve a lo mejor de la escena post My Bloody Valentine pasados por el filtro de eso que han dado en llamar Pop-Ensoñador (algo así como tomar ciertas canciones de Brian Wilson bajo el paraguas de Galaxie 500). Personalmente, todo hay que decirlo, también me invade una cierta sensación de sopor en tanto que Wild Peace transcurre demasiado plano, sin ningún tipo de alteración o variación sonora. Una cosa está clara: hay un determinado tipo de música para cada ocasión o para ciertos momentos del día. Está claro que con la música de Echo Lake no vas a ir a tu club nocturno a pincharla buscando el acompañamiento danzante de los presentes. La música de Echo Lake se disfruta de otra forma, en las tardes de Agosto buscando la hora de la siesta.
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“Occasionally, an act existing beneath your radar spins suddenly into your world with something so full of joy, so full of unbridled creativity, and so encrusted with jewels of love and care that you’re simply glad its trajectory broke the surface ripples of your life. And thus it is with Echo Lake’s Wild Peace.
Formed from the South London art-school creative collision of Thom Hill and Linda Jarvis, the duo’s debut record shines with a sheen of belief that implies a deep affection for their creations, coupled with an iron will and confidence. In many bands, this combination can too often settle out as a sloppy, unfocused mass; masquerading as ‘experimental’. In the case ofWild Peace, the outcome reveals itself as something striking, singular and mercurial; stridently marking out Echo Lake as one of 2012’s most exciting breakthrough acts.
Oh sure, there are lines of influence here. Jarvis’s fallen-choirgirl-in-a-rainstorm vocals may hint at Bilinda Butcher’s softer moments, while the music swirls around with an M83/Beach House dream-state innocence, underscored by the treble and reverb-heavy crunches of Galaxie 500 and The Jesus and Mary Chain (also evident in their clear love of classic Phil Spector/Brian Wilson song arrangements). But that’s where the comparisons need to cease, as they serve little further purpose when considering an album that stands perfectly straight and tall upon its own bedrock. Because despite influences, Echo Lake have an approach that states that the song comes first, and the music complies and dances to the underlying tune. Take, for example, the stunning, standout ‘Last Song of the Year’, which having dazzled in its complex, dense, Sixties girl-band heaven for 90 seconds, suddenly explodes into the sort of neck-arching Les Paul riff that made Definitely Maybe seem so immediate and sky punching in 1994. See, anything goes with Wild Peace. And it is precisely that uniqueness of approach that makes it such a thrilling, individual and continuously rewarding suite of music.
There are so many ideas flitting around the record; so many different element of melody. Like an onion, each subsequent layer reveals more sweetness and succulence underneath, with chord changes abound under the drifting clouds of reverb, fuzz and distortion. But never does it become overwhelming: Hill and Jarvis are intelligent and judicious enough with their pruning to prevent their multitude of ideas strangling the underlying themes. The flowers and fronds bloom, yet the water still runs clear. And it is precisely this careful balance – pivoting between technical talent and the open heart of a songwriter – that compels you to discover more. They let the songs speak. And when they speak, they speak eloquently. The tumbling, swelling minor-chord progressions, cuts, and regretful sleeve-tugs of opener ‘Further Down’. The chiming, nursery-rhyme melodicism and explosive finale of ‘Another Day’. The magnificent title track’s alternate take on The Suburbs’ self-aware claim to the bigger stages. The sonic washing-machine whirl of ‘Monday Morning 5AM’. The post-coital comedown of ‘Swimmers’. And then finally, the jangling, slowly unfolding recollections of ‘Just Kids’, coyly holding back until it finally and gloriously explodes into life, carrying the album home in a supernova burst of guitar: as astounding a conclusion as it is fitting to what came before. These are songs for big stages, on bright days, for broken hearts and lovers alike. And the confidence that Echo Lake imbue them with allows them to soar when others would self-consciously crouch in the corner. They believe; the record repays in spades.
Wild Peace serves as a glorious realisation of when a band chooses to stride out and actually DO, rather than just saying ‘I should’, ‘I might’ or ‘I could’. It is brave, it is bold; it is sharply chiselled and dextrously moulded. And above everything else, it sounds profoundly effortless. In an age where so much is made of authenticity and ‘does it sound like this, or this?’, Echo Lake sidestep it all by simply having beautiful songs and concocting a sound so dense, heady and intoxicating that comparisons become irrelevant in the bigger picture.
Rarely in the past few years has mist and swirl seemed so gorgeously enticing, mystical and engaging. And as far as shoegaze, dream-pop, distortion and ambience goes, Echo Lake redefine what is possible by taking the simple approach: by which I mean, being a band whose primary motivation is the first-hand creation of real and joyful experiences, rather than simply festooning the bare walls with tacky, gaudy tapestries and waiting aimlessly for the partygoers to arrive and inject life into the sterile surroundings.
Wild Peace sighs and soars; melts and merges with you and ultimately, delivers many times more than the mere sum of its parts. Of its particular genre, it’s something truly magnificent and possibly boundary redefining. In any field, it can comfortably jostle for elbow-space with the finest records of 2012 thus far. Wonderfully accomplished in construction, devastatingly powerful in delivery, Echo Lake have just raised the bar one notch higher for everyone around them” (drownedinsound.com)
Celéstica: Viajes de verano (Ep, 2012)
Lejos del mundanal ruido…
Los Viajes de Verano que nos proponen Celéstica no tienen nada que ver con aquellas vacaciones infantiles de familia numerosa, equipaje en la baca del utilitario y playas multitudinarias. Antes bien, su Viaje tiene que ver con un concepto más escapista e idealista de la realidad. Con algo lejano con lo que cualquiera a menudo suele soñar. El sonido de Celéstica, el compañero perfecto para ese viaje soñado, se mueve a gusto en el Electropop suave, acompañado de guitarras saltarinas y arpegiadas, como dije en otro momento, de huellas smithianas. El dúo madrileño nos invita a pasar esas vacaciones lejos del mundanal ruido…
“Si con su primer trabajo, “Mil dolores y uno más” (enero 2012), ya apuntaban maneras, con esta segunda entrega, “Viajes de verano” (julio 2012), el grupo avanza con paso firme hacia un estilo más definido.
Tres temas autoeditados que conforman una propuesta sólida que nos invita a sumergirnos en un pop más luminoso y con un poso nostálgico (“Viajes de verano”), a corear pequeños momentos de épica contenida (“Donde ganen los buenos”), y a dejarnos llevar por la sutileza de su música instrumental de corte cinematográfico (“Inertes”) (Bandcamp)
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