La Sera: Music for listening to music to (Polivinyl, Hardly Art, 2016)
Replanteamientos
Siempre he sido muy benevolente con La Sera. Los anteriores trabajos de Katy Goodman siempre me han parecido tener un encanto especial que, en cualquier caso, desde su último disco (Hour of the dawn, 2014), creo que ha ido desapareciendo. Music for listening to music to (2016) es su última referencia. Ahora La Sera ejerce como dúo, añadiendo a Todd Wisenbaker a su formación habitual y además en tareas compositivas e instrumentales.
Los tres primeros cortes son, desgraciadamente, algo premonitorios de que algo malo va a ocurrir: reiteración, composiciones flojas y cierto aire de desgana. Por cierto, Wisenbaker tendrá otras virtudes, pero no la de entonar correctamente.
Otro de los inconvenientes del disco: ¿qué haría Goodman en este último disco para luchar contra ese mal que se le achaca en casi todos los anteriores? La inconsistencia. Si además a ello le unimos un cierto mimetismo con las guitarras Jangle de Jonny Marr (One true love, Time to go -es pura pura réplica-, Nineties), nos encontramos ante un trabajo ante el que hay que pararse a darle varias oídas y acercarte a temas como I need an angel o One true love para encontrarnos con algo de verdad, con canciones que tengan algo realmente digno de atención.
“Music For Listening to Music To opens on “High Notes,” where rollicking guitar and punk drums chugga-chugga beneath Goodman’s assured coo. Her lines deftly wrap the snark of Morrissey inside the sneer of Johnny Cash, and if you ask her what her favorite parts of the new album are, she’ll tell you it’s the scrappy stuff. “Time to Go,” which hurdles out the gate on a rocket of slide guitar and elastic bass, is another one aimed at settling old accounts — just ‘cause our heroine is happily married doesn’t mean she can’t take swings at those who came before.
For a glimpse at the album’s genesis, though, pull up duet “One True Love.” When it came time to write her fourth full-length, Goodman wasn’t sure where she wanted to take the music. One night she and Wisenbaker (a Jenny and Johnny touring alum who joined La Sera in 2012 and produced Hour of the Dawn) did something they’d shockingly never done before: wrote a song together. That upbeat jangle-pop cut was the result, and the rest poured out. Wisenbaker sings on two others as well — the coiffed malt shop blues of “I Need an Angel” and bittersweet rocker “Nineties,” which features synth by Adams and Greta Morgan (The Hush Sound, Gold Motel). Nate Lotz (Halsey, Madi Diaz) drummed for the weeklong PAX-AM studio sessions.
As a testament to the chemistry that happened in that space, Music For Listening to Music To spawned another fruitful relationship: Adams and Wisenbaker hit it off and decided to start their own band. Instead they wound up recording a bunch of Taylor Swift covers, which became the 1989 album. These days Wisenbaker’s doing double duty — you might’ve seen him backing Adams on Jimmy Kimmel or The Daily Show.
Goodman says Adams’ excitement about taking La Sera into the analog realm inspired her to embrace the back-to-basics approach. Considering that, it’s the slower, more spacious tracks — like the spare and moody “Begins to Rain” or the grunge-kissed closer, “Too Little Too Late” — that best illustrate how far La Sera’s come since 2011’s self-titled bedroom-pop debut and 2012’s brighter (if still emotionally overcast) Sees the Light. Goodman’s knack for swoon and gloom, first heard via Vivian Girls, is only enhanced by the addition of Wisenbaker’s voice. As she sings on “A Thousand Ways,” arguably Music For Listening to Music To’s dreamiest song, “Love can do all of these things.” Knowing Goodman there’s a sly wink in there, but it’s easy to imagine, if only for a beat, that the carefree flame of the oldies La Sera hold so dear still burns here” (Press-Bandcamp)
Invisible Harvey: La puerta giratoria (El Genio Equivocado, 2016)
El proyecto del polifacético Dimas Rodríguez toma forma en este 2016 en forma de disco. Se titula La puerta giratoria, y es un compendio de vivencias, de experiencias costumbristas más o menos personales que cobran vida gracias a una instrumentación exquisita y a una producción lujosa.
“Experto en mirar techos“, “La puerta giratoria“, “El hijo del Hombre Bala se va vacaciones” o “El año dormido” definen el disco “La puerta giratoria”, primer libro de canciones que Invisible Harvey ha grabado este año en el estudio Caballo Grande, producido por los músicos Cristian Pallejà y Ferran Resines. Historietas que mezclan sentido del humor, una pulsión romántica y personajes insólitos y que Pallejà y Resines han vestido con una atmosfera onírica y dulce, donde conviven melotrones con trompetas, cuerdas detallistas y guitarras empujadas por un hipnótico tremolo. Todo urdido en unas cuantas sesiones repartidas de manera aleatoria a lo largo de varios meses del 2015 y finalizadas justo cuando el verano comenzaba a colarse por la puerta del estudio de Les Corts con orgullosa, satisfecha, insistencia.
La idea era hacer un disco de cuentos inventados o de películas que nunca podrán realizarse (por falta de presupuesto de los interesados). Abrir una generosa ventana entre los guiones y las canciones y hacer la vista gorda cuando los personajes de ficción se colaran por las partituras. Así, el frontman visceral que defiende ante una fan su “credibilidad callejera” y le oculta su miedo real a vivir se mezcla con aquel cantautor rabiosamente político que no sabe cómo enamorar a esa chica que sólo escucha odas de folk encantado. Y qué decir del melancólico hijo del Hombre Bala que cruza los frondosos pantanos acompañado de un grupo de cazadores de caimanes. O del melómano que descubre confundido que su artista favorito ha colocado águilas en los versos de su nuevo single. ¿Y aquel noctámbulo que sintoniza por culpa del insomnio una extraña emisora, Lenina FM, donde la locutora se pone a llorar en directo….? Mientras, de fondo, se suceden numerosos discos, espejos a los que acudir para pedir consejo, rescatar algún acorde, apoyar la cabeza sin preocuparse de nada más: Jon Brion, Epic Soundtracks, Orange Juice, El Niño Gusano, los Clem Snide de “The Ghost of Fashion”, los Wilco del “Being There”, The Band… El diseño de la portada corresponde a Ari Fleck y la maquetación a cargo de Eugeni Vila. En fin, la primera página del cuento ya está abierta. Érase una vez, “La puerta giratoria”… (El Genio Equivocado)
Alondra Galopa: Perdí el hilo (Single, El Genio Equivocado, 2016)
Los granadinos Alondra Galopa acaban de publicar Perdí el hilo, un último sencillo de ambiente algo claustrofóbico, pero no por ello menos íntimo o lisérgico.
Tras Palabras sucias y El hombre desde las estrellas, significa un nuevo adelanto del que será su nuevo trabajo, a publicar en este 2016.
Hazel English: Fix (Single, 2015)
Viajes a través de las nubes con Hazel English… ¡Impresionante!
“Hazel’s new track “Fix” seems suited for the recollection and nostalgia brought about on life’s journeys, dreamily gazing around beautiful landscapes (and Tallinn had more than its fair share of those) and imagining how your life would be if you were somewhere different with an idyllic, pastel-coloured haze drenched all around you” (Just Music I Like)
Community Radio: Real transformation (Novella Records, Tenorio Cotobade, 2015)
Graban para un sello madrileño y vienen de Sidney. Community Radio se sienten a gusto cabalgando entre el Indie, el College Radio y en cortes como Real transformation, el Psych-Pop. Interesantes. Anuncian nuevo álbum en breve.
Chook Race + Community Radio at the Vic
Miners: Pala (Ep, 2015)
Miners también vienen de Sidney. Su Ep es un compendio de Shoegaze, Fuzz y Dreamgaze comprimido en tan sólo cinco cortes.
Salad Boys: Metalmania (Trouble in Mind, 2015)
Es inevitable cuando se habla de grupos neozelandeses relacionarlos con el sonido de Flyin Nun. Salad Boys parece que no van a ser una excepción. Suenan muy Pop, suenan a The Bats, a The Chills. Tienen las claras influencias Jangle de The Byrds, pero también tienen ese hilillo conductor del Folk-Pop de los ochenta que practicaban Rem o The Feelies.
“When Metalmania is good, it’s nearly transcendent, as much as a pop album can be. The melodic kick in the last minute of opener “Here’s No Use” is as bracing as sunlight slanting through dust-motes on a beautiful day, and “Dream Date”, the album’s first single, is driving, energetic, and charming. Later single “No Taste Bomber” is perfectly noisy, just so slightly psychedelic, one of those songs it’s impossible not to nod your head to on first listen (and it only gets further under one’s skin the more one listens). “I’m a Mountain” is crafted so tautly that the chanted lyric “I won’t let you fuck it up” takes on new dimensions with each repetition. “Hit Her and Run” takes a while to build: though it feels like initially it might grow into a Byrds-like California country song, it turns on its heel into a thick wall of distortion.
What Metalmania is slightly short on is the underlying grit present in much of the work of Salad Boys’ forebears, one of the elements that kept even the poppiest of the Flying Nun bands (the Bats, the Chills, Able Tasmans) from sounding too cloying. Existential sadness haunts so much of New Zealand’s indie pop but there are three or four tracks on Metalmania that feel like dreamy filler, tracks so airy that they never quite make the emotional impact they could or should. There isn’t quite enough dissonance to them, not enough low end, not enough movement, not enough curiosity. Having similar tempos and chord structures, these filler songs bleed into one another; their grounding is too stable, too comfortable.
Since the memorable tracks on Metalmania are so good, the tracks that don’t quite rise to the occasion feel all the more frustrating. Yes, this is a debut album for a relatively young band (they’ve been around less than three years), and to hold Salad Boys to such a standard might feel a little unfair, but they’ve proven themselves capable of holding their own with the best indie pop their country has to offer. The fact that they’ve set the bar so high for themselves is, in the end, a testament to how exquisite their songwriting at its best can be” (Pitchfork)
Facebook / Cómpralo-Purchase
Mistic Braves: Days of Yesteryear (Lollipop Records, 2015)
Los angelinos Mistic Braves tienen todo el encanto del Retropop sesentero de aromas psicodélicos y esencias lisérgicas. Su afinidad con bandas como The Brian Jonestown Massacre son más que evidentes…
May 29 with Brian Jonestown Massacre, Teragram Ballroom, Los Angeles, CA
May 30 with Brian Jonestown Massacre, Teragram Ballroom, Los Angeles, CA
Jun 9 Vissla Premiere, Don The Beachcomber, Huntington Beach, CA
Jun 10 Starline Social Club, Oakland, CA tickets
Jun 11 Huichica Music Festival, Sonoma, CA tickets
Jun 18 Pappy & Harriets, Pioneertown, CA tickets
Lecciones de Vuelo: Tenía que explotar (Vídeosingle, 2016)
El eterno dilema Chica-Chico / Amor-Desamor, analizado aquí por los madrileños Lecciones de Vuelo. Su primer vídeoclip con realización al uso propiamente dicha, a cargo de Fran Gas. El final, por cierto, el esperado: Tenía que explotar.
Por cierto, continuamos a la espera de su próximo trabajo…
TUYA inician campaña de Crowfunding para editar su próximo trabajo
Los madrileños Tuya inician campaña de Crowfunding para editar el que será su próximo trabajo: A war is coming. Amplitud de miras, espectros variados y paisajes diversos ilustran su música. Puedes obtener más información de la banda desde su Facebook y desde el enlace para participar en la campaña.
Os dejo con su último trabajo, el interesante Mountains moving, que apareció en 2014.
Facebook / Enlace Crowfunding
Mumblr: Microwave (Single, Fleeting Youth Records, 2016)
“Mumblr is back with a brand new song and a brand new full length album (out June 10th on Fleeting Youth Records)!”Microwave” finds the Philadelphia-based foursome in vintage form dishing out a catchy track with an infectious hook and a loud-quiet-loud dynamic while lead singer Nick Morrison reflects on memories of growing up and dealing with circumstances beyond his control” (Press)
Djustin: Stars (Single, Labrador, 2016)
“The debut single by Swedish/American duo Djustin premiered on SPIN today. The band filters lust, love and hurt through suggestive synths, whispers and soft soul, making ”Stars” arguably one of the most evocative electronic pop debuts in recent memory” (Labrador Recordings)
Nervous Twitch: Don´t take my Tv (Odd Box, 2016)
Me encantan este tipo de bandas como Nervous Twitch: frescura, humildad, conceptos simples, canciones efectivas de estrofa-verso-estrofa y estribillos pegajosos. Todo muy simple pero a la vez muy veraz. Vienen desde Leeds y hacen un Pop de actitud Punk y tonos garajeros.
“Inspired by a shared love of the Ramones and other 70s punk bands, 60s girl group such as the The Ronettes through to modern North American Garage acts such as Nobunny, Nervous Twitch create short sharp contagious pop songs crammed with hooks and memorable melodies” (Press)
Chook Race: At your door (Single, 2016) / About time (2015)
Acordes juguetones a medio camino entre el Jangle, el DIY y el Power-Pop. Australianos que llegan con vocación de grupo minoritario de cabecera. At your door es su último sencillo tras su arrebatador disco de 2015: About time.
The Stone Roses: All for one (Single, 2016)
Hombre, su lírica no es muy allá, y su mensaje no es muy universal, pero qué queréis que os diga: los ataques tan furibundos que he oído por aquí y por allá del último sencillo de The Stone Roses no son para tanto.
Desde luego, estos aires tan sesenteros del hook de guitarra son mucho más aprovechables que los continuos lamentos de, por ejemplo, esa gran banda de Oxfordshire (obvio su nombre) que con cada nuevo trabajo pretende descubrirnos los secretos del Pop. A mí ésto desde luego me emociona mucho más. ¿Qué os parece a vosotros?
Big Summer: Trigger (El Genio Equivocado, 2016)
Intimismo, ambientaciónes introspectivas, ruidismo, teclados y muchas guitarras. Big Summer son capaces de crear el clima adecuado para cada momento, para cada canción.
“Si el primer trabajo deBig Summer (Everything is going to be OK) nos aseguraba de que todo terminaría bien, su nuevo trabajo nos sugiere precisamente lo contrario. Con este disco, Big Summer discurre por un camino diferente, acercándose a una estética más recóndita y experimental, oscura y por momentos angustiante. Líricamente se sigue hablando de los mismos temas de antes, relaciones amorosas fallidas, amistades que se disipan, luchas interiores y tensión sexual, pero a nivel melódico se nota una nueva madurez en Big Summer, con un toque rock mucho más pronunciado y guitarras mucho más distorsionadas. Esta vez Vasco Batista se hace cargo de casi la totalidad de la grabación, contando con la ayuda de Petter Bengtsson (Case Conrad) a la batería. Para este disco Vasco ha usado más guitarras, más efectos y menos teclados que enEverything is going to be OK: otra indicación de que Big Summer se están haciendo rockeros. Grabado durante el verano de 2015 en Seaside Studios (Barcelona) y Drömfabriken (Malmö) y masterizado por Shorn Keld (Orto Grut). El disco se publicaba el 8 de abril con el sello barcelonés El Genio Equivocado. Puede ser que después de años escribiendo la banda sonora de nebulosos veranos hipsters, Big Summer se han relajado y han grabado un gran ‘jodete’ al mundo, en una manera verdaderamente punk” (Prensa)
School of Seven Bells: SVIIB (Vagrant, 2016)
Punto (y seguido…)
Como casi todos sabréis a estas alturas, el cuarto (y probablemente último) trabajo de School of Seven Bells, se compuso bajo circunstancias difíciles: la muerte de Benjamin Curtis dejó a la otra mitad del dúo, Alejandra Deheza, pareja dentro y fuera del ámbito artístico, huérfana creativamente. Pero ello no fue obstáculo para que retomara el proyecto y finalizara convirtiéndose en un buen disco.
Quizás se le pueda echar en falta algo del punch de los primeros trabajos, a SVIIB no se le puede reprochar en ningún momento ser un trabajo lleno de frescura, aunque el dolor por la pérdida surja en cualquier momento (This is our time, Confusion). Y así, los temazos surgen con la misma naturalidad: Ablaze, A thousand times more, Elias, Music takes me, Confusion…
Un bonito epitafio para una formación que ha marcado el camino del Electropop de ambientación Shoegazer.
“Friends, Benjamin and I wrote this record during a tour break in the summer of 2012. I can easily say that it was one of the most creative and inspired summers of our lives. What followed was the most tragic, soul shaking tidal wave that life could deliver, but even that wouldn’t stop the vision for this record from being realized. This is a love letter from start to finish. It’s the story of us starting from that first day we met in 2004, and that’s the story of School of Seven Bells. So much love to all of you. Thank you for being a constant light in our lives. This record is for you” (Alejandra)
Wild Nothing: Life of pause (Bella Union, 2016)
Me enveneno de Sintes
Si en el último post con el último lanzamiento de Ducktails presentábamos cómo el Dreamgaze continúa dando frutos interesantes, con Life of pause, el nuevo disco de Jack Tatum (aka. Wild Nothing), ocurre todo lo contrario. Life of pause es como una vuelta a los orígenes más primitivos. Una regresión a los sintetizadores analógicos de los setenta-ochenta para mostrar una sobresaturación de sonidos electrificados y una sensación de empalague general. Un disco un tanto errático, quizás mal concebido o quizás fruto de una maduración un tanto equivocada.
“Tatum admitted that he was listening to “a lot of Philly soul, sweet soul music” while working on the record. When these moments, particularly the notes of funk and disco, are pushed, it feels like a move in the right direction. This is the most PG-13 Wild Nothing has been on record yet: The steamy sax on “Whenever I” paired with Tatum’s silky drawl could be a track in a David Lynch nightclub; his voice on “A Woman’s Wisdom” is a husky plea for intimate insight. “Reichpop” is stunning, with the aforementioned marimba played by Peter Bjorn and John drummer John Eriksson.
It’s a high-bar statement of an opener, but the album rarely reaches that energy level again. “Japanese Alice” brings new life to the middle of the record with psych-pop guitars reminiscent ofDeerhunter, and the title track’s synth throbs have a hint of Neon Indian to them. Following these two, the stoned “Alien” feels like a setback, but the brief, noisy breakdowns save it from being a completely absurd outlier.
So why does Life of Pause not completely succeed? To begin with, the record is not emotionally accessible or relatable, which isn’t a huge surprise considering Tatum favors sound over lyrics. The trouble is that it’s unclear exactly what Life of Pause’s mood is intended to be. Tonally and instrumentally, the album is a change in style, but there is no moment of surprise; it still feels very predictable. There is nothing wrong with being formulaic; it worked for…well, pretty much everyone. But there is no moment that truly grabs you, no emotional climax, no reason to truly care. Life of Pause is a straight, albeit funky, line.
Life of Pause’s monotony is only heightened by its monochromatic songwriting. In a majority of the songs, Tatum asks some sort of question (“Can I learn to wait for my life?,” “Will I find a way to make sense of/ The way that you love me?,” “How can we want love?,” etc etc) only to conclude during “To Know You” that “There is no answer to the question.” All this amorous, existential pondering seems to prevent him from doing anything, from taking a risk, from making a statement that sticks. It doesn’t help that these questions are delivered in such an aloof manner that even if they pique interest for a second, they will melt away quickly. It seems like Tatum is living a lyric from “Reichpop:” “The less you say the less that you get wrong” (Pitchfork)
Ducktails: St. Catherine (Domino, 2015)
Mucho más que el proyecto paralelo de Real Estate, Ducktails se confirmaron el año pasado como una de las bandas alternativas que mejor expresión le dan al nuevo Dreamgaze. Cortes como Headbanging in the mirror, Disney afternoon, Into the sky, St. Catherine, The laughing woman… les confirman como una de las bandas con más expectativas de los últimos tiempos. Matt Mondanile continúa dando pasos firmes en busca de la belleza.
Ducktails Summer Tour:
Thu-Jun-23 Brooklyn, NY Celebrate Brooklyn at Prospect Park Bandshell
Fri-Jul-08 Seattle, WA Barboza
Sat-Jul-09 Vancouver, BC Cobalt
Sun-Jul-10 Portland, OR Mississippi Studios
Tue-Jul-12 Oakland, CA Starline Social
Wed-Jul-13 Felton, CA Don Quixote’s
Thu-Jul-14 San Francisco, CA Nightlife @ CAS
Fri-Jul-15 Los Angeles, CA Highland Park Ebell
Sat-Jul-16 San Diego, CA The Hideout
Sun-Jul-17 Santa Ana, CA Constellation Room
“Having shaken the once-fashionable lo-fi aesthetic that marked the project’s early work, Ducktails found its surest footing with 2013’s more varied The Flower Lane. But if that album found him expanding the Ducktails sound, fifth album St. Catherine finds Mondanile cautiously shuffling his way back into his comfort zone, churning out the kind of pretty, melancholic daydreamers he cut his teeth on. It’s hard to fault Mondanile for going back to basics, especially considering that he’s still one of the most unassuming but instantly recognizable guitar players in his respective orbit, and both his knack for cozy melodies and skills as an arranger are intact. But there’s a feeling of trepidation that hangs over the record as it favors familiarity over all else.
Fortunately, Rob Schnapf, who co-produced Elliot Smith’s Either/Orand XO, helped Mondanile get St. Catherine across the finish line. It’s an appealingly clean sounding piece of work with serious attention to detail, from the simple but perfectly EQ’d drums to brightly-lit acoustic guitars to those swooning string arrangements. The sound is there, but the songs on St. Catherine don’t have the substance to match. Having Julia Holter guest on “Church” is a good look, as her voice lends a needed extra dimension to Mondanile’s wiggy compositions, but even her contribution just kind of floats on by. This is Ducktails’ most discriminating and tasteful album, but the project is at its best when there’s a certain amount of exploration even within its narrow parameters” (Pitchfork)
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