Beachwood Sparks: Beachwood Sparks (2000), Sub Pop

 

 

Cuando Sub Pop fichó a Beachwood Sparks a finales de los noventa era porque la banda tenía algo que decir; el Grunge había dado sus últimos coletazos y en este grupo encontraron el filón de lo auténtico; un grupo revivalista pero con un poso de un buen hacer indudable. Éste es uno de esos discos a los que merece la pena revisitar cada cierto tiempo, y hoy le dedicamos el espacio de nuestro Retro-Visor. Según su propia definición: “indie rockers from Further, strictly ballroom, Lilys pick up where the Byrds left off on Notorious Byrd bros and make it their own… toured with the Shins, J. Mascis and the Fog, The Jayhawks, The Black Crowes, Red House Painters… made two full lengths and a digital ep …current staus …playing shows in the summer of 2008 and plan to record a new record real soon.” La idea del malogrado Gram Parsons de hacer de sus Flying Burrito Bros “Cosmic American music” la llevaron a cabo con la grabación de este su disco de debut homónimo, realizando un trabajo que navega constantemente entre el Country-Rock, las ensoñaciones psicodélicas, el Pop y el Folk. Un disco que, en mi opinión, merece el calificativo de obra maestra, y que cualquier buen aficionado debería escuchar o poseer.

El álbum se abre con Desert skies, una preciosa canción con impecable melodía adornada con Slide guitar y guitarra de doce cuerdas; impecable. Ballad of never rider es un pequeño interludio con reverses que anticipa el tono psicodélico del álbum. Silver morning after retoma el lado más country. Singing butterfly es otro pequeño retazo psicodélico. Sister rose es uno de los temas más animados en el que nos encontramos ante la reencarnación en este nuevo siglo de Gram Parsons, como nota discordante aparecen unos guitarrazos distorsionados que son respondidos por la guitarra de doce cuerdas de Chris Gunst. Continúa el disco con This is what it feels like, que suena más a Lilys con unos coros clásicos de la costa Oeste americana. Canyon ride es una balada a lo Neil Young de Harvest adornada con preciosas frases de Slide guitar y unos teclados impresionantes. The reminder es la pieza más calmada del disco, también en tonos countries. The calming seas nos recuerda a la última época de The Byrds en su comienzo de guitarra acústica si bien aparecen también toques country. New county es otra balada acústica que encuentra inmediata respuesta en la animada Something I don´t recognize, una de mis favoritas, un tema impresionante que posee todos los componentes del Ragga-Rock de la época Notorious Byrd Brothers, aderezada con elementos psicodélicos como el sonido de Rickenbacker-12 y los riffs que interpreta, que la convierten en un pedazo de tema. Old sea miner cierra ese círculo psicodélico partiendo de una simple canción más o menos Pop para acabar en una mini-suite hipnótica con guitarras psicodélicas y coros etéreos realmente impresionante. La calma vuelve con los dos últimos temas, See, oh three y Sleeping butterfly, de vuelta al Country-Rock. El disco fue grabado (seguramente en pocas tomas) en el Studio 45 y fue producido por Michael Deming y la propia banda. Un disco que nos proponía un viaje por todos esos sonidos de finales de los sesenta poniéndolos al día con verdadera frescura y pericia también en sus actuaciones en vivo. Posteriormente la banda editó Once we were trees (2001), su segundo álbum , algo más irregular; y Make the cowboy robots cry (Ep-2002), hasta ahora su último disco, todos en SubPop; y prometen un nuevo disco para este 2009.

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The Joy Formidable: A balloon called moaning (2009)

 

O mucho nos equivocamos, o este trío británico llamado The Joy Formidable formado por Ritzy Bryan, Rhydian Dafydd y Matt Thomas tienen toda la pinta de convertirse en un fenómeno musical para éste y varios años. Son originarios del País de Gales, pero toda su actividad musical la han realizado desde Londres, están avalados por NME, con todo lo que ello conlleva, tanto a nivel de promoción como en el de generar cierta desconfianza entre la crítica más aguerrida. Sea como fuere, lo cierto es que TJF es un trío de Dream-Pop enérgico que ha facturado un pedazo de disco de tan sólo ocho temas que resultan ser ocho joyitas de puro Dream-Pop y Shoegaze del mejor, enlazados con las nuevas tendencias que surgen especialmente desde Usa; en ellas no hay desperdicio, sino energía a raudales y guitarrazos que harán mover vuestras cabezas y oídos sin cesar desde el primer corte.

The greatest light is the greatest shade es un tema de medio tiempo con unas guitarras afiladas en la onda de My Bloody Valentine y dura algo más de cinco minutos, siendo el corte más largo del disco. Cradle se convierte en una de nuestras preferidas, por su energía desatada desde un principio y su sonido de guitarras, algo así como un redescubrimiento de la Nueva Ola desde el Indie. Austere es, junto con 9669, el tema más pausado del disco, aunque ello no quiera decir que aparezcan igualmente destellos de guitarras distorsionadas. While the flies va en una onda cercana al primer corte del álbum, con ecos de bandas como The Delgados, por su juego de voces femenino-masculino; Whirring es otro pildorazo de guitarras con reminiscencias nuevaoleras filtradas por el matiz Indie. The last drop nos puede recordar a todo aquel movimiento de principios de los ´90 en Gran Bretaña de bandas con chica al frente tipo The Primitives. Y el álbum se cierra con Ostrich, un tema quizás algo más flojo, con ciertas reminiscencias a Siouxsie y un bucle larguísimo, ideal para cerrar un disco. En fin, un disco más que interesante editado por una banda que, como decíamos al principio, puede tener un gran futuro por delante si no se trata de un hype más como los muchos que aparecen especialmente desde el Reino Unido, si bien el sonido de TJF no parece tener nada de pose sino más bien de enérgico optimismo.

La banda se ha autoeditado el álbum, y puedes descargarlo desde aquí, o haciendo click en la portada (click on the sleeve).

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Wake the President: You can´t change that boy (2009), Electric Honey

Después de varios singles y algun Ep, este You can´t change that boy representa el debut discográfico para esta banda escocesa que ha contado para la producción y grabación del álbum con el prolífico Paul Savage (The Delgados), disfrutando de sus estudios de Chemikal Underground para el registro del mismo. Fichados recientemente por Electric Honey y avalados por la BBC2, el sonido de la banda es un Pop alegre, algo saltarín y juguetón por momentos, más Jangle en otros. Es innegable su anclaje al sonido de bandas como The Smiths, Aztec Camera, Orange Juice, The Go-Betweens… lo cierto es que sus canciones suenan intemporales, como frescos soplos de aire fresco : Proffesor; Mail, Alice; Miss Tierney; You can´t change that boy; The security place; Just give two secs; y la que a mí particularmente más me gusta: Remember Fun? donde la guitarra suena más Jangle que nunca.

“Lead singer Erik Sandberg’s lyrics are inspired by the characters of Glasgow; to him the old men propping up bars or wandering the streets are the lifeblood of the city. The songs he sings, melancholy reminiscences of blonde girls from the past, tales of the deceit and debauchery of the West End, resonate with the slurred poetry of these men, philosophising over whisky water at the Ben Nevis. His songs of masturbatory melancholia move from optimism to despair, querying the existence of love but acknowledging the omnipresence of desire. Bjorn, his quieter twin, provides the parchment upon which Erik’s witty commentary is scrawled, his guitar-playing channelling the clang of C86, the fury of Josef K and the jangle of Johnny Marr. Underneath this thunder, Mark and Scott provide louche basslines and drums that sound like they could lead an army to battle (…) For comparison’s sake, imagine the whimsy of vintage Orange Juice but with the sordid, brutal honesty of Arab Strap.” ( Nota de prensa de su MySpace). Click en la portada.

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Sholi: Sholi (2009), Quarterstick

Álbum de debut para este trío multirracial afincado en San Francisco que se mueve en aguas densas, intrincadas, llamémosle Avant-Rock, Post-Rock o Emo, como queráis. Largos desarrollos instrumentales, medios tiempos, y ciertas deconstrucciones. Nos sobrepasa un poco este estilo, pero le damos espacio igualmente.
“With a delicate balance of intricate rhythms, impressive musicianship, and intimate, impressionistic lyrics, Sholi creates a unique blend of reposeful melody and turbulent measure unlike any other. The band has recently finished recording their debut self-titled LP with Greg Saunier of Deerhoof. Attention-getting musicianship, with a drummer that knows when to hold back and when to unleash a busy, all-encompassing percussive racket, a strong and versatile singer in guitarist Payam Bavafa, and overall, the taste to discern what to do and when…indie rock truisms, a la the Walkmen, and a traditional side to handle the ethnic material like Morricone might have, with a lot of instrumental flash and a noble, heads-up presence.” (Dusted Magazine)
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Butcher Boy: React or die (2009), How does it feel to be loved?

 

Tiempo hoy para encontrarnos con el segundo álbum de esta banda de Glasgow que nos plantea una propuesta muy en boga en estos últimos tiempos: Pop adornado con elementos acústicos y folkies. Cuidada producción para este React or die, un disco que guarda muchas similitudes con otra banda escocesa, Belle and Sebastian, aunque sin el brillo y el optimismo vital de éstos. Butcher Boy son más bien una banda más reflexiva, intimista, de letras muy curradas, costumbristas, más en la línea de The Smiths, y con un deje en la forma de cantar de John Blain Hunt que lo acerca a Arthur Lee y sus Love, más que clara en temas como You´re only crying for yourself o Sunday bells, en nuestra opinión, de lo mejorcito de un disco que resulta un tanto monótono una vez oídas las diez canciones que lo componen.

“The LP rewards with repeated plays much in the way that their début release did. Picking favourites is hard as the LP sits together as a complete whole. The most notable change is the way the production brings every nuance of the songs to the fore. This is classic indiepop – but this is no low budget recording. ‘React Or Die’ sounds like a labour of love and indeed it has taken a full year to realise. I fear protracted records as it can ultimately lead to an over egging of the cake where what was great about a band is stripped away. Thankfully this isn’t the case here, as every song sounds fully formed and effortlessly made.” (Lost Music). Click en la portada.

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Condo Fucks: Fuckbook (2009), Matador

Comenzamos la semana haciéndonos eco de la edición del álbum de debut del trío formado por Giorgia Condo, Kid Condo y James McNew, es decir: Georgia Hubley, Ira Kaplan y James McNew; Yo la Tengo. Paréntesis creativo en su ya dilatada carrera el que se han tomado el trío de Hoboken para editar este disco de versiones con el que no persiguen más que el entretenimiento y la diversión, premisa de la que se parte ya desde el título del trabajo, que es una parodia sobre el popular Facebook. Poco más de treinta minutos en los que caben once covers de gentes como The Troggs, The Small Faces, Richard Hell, Beach Boys, Electric Eels, Flaming Groovies o Slade.
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Los Negativos: Piknik caleidoscópico (1986), Victoria; Mushroom Pillows

 Esta es la primera vez que mirando al Retro-Visor descubrimos a un grupo español. Los Negativos fueron (o son) una banda de Barcelona que desde su perspectiva privilegiada, a mediados de los ´80 de alguna forma dinamitaron el panorama Indie español de la época, que empezaba a mostrar síntomas de agotamiento Post-Movida Madrileña. Su fórmula era sencilla y consistía en anclarse con fuerza a los sonidos de mediados de los ´60, a la Psicodelia, y al sonido ácido de la costa oeste americana. Hay que decir que su propuesta, lejos de ser una mera pose, se aposentó y ganó fuerza con los años, con lo que hay que encontrar un poso de autenticidad en la misma, ya que aún hoy en día el grupo todavía se mantiene más o menos vivo sobre los escenarios. Pero no es éste el tema que nos ocupa, sino fijarnos en el que fue su debut discográfico, este Piknik Caleidoscópico (1986), que nos mostró cómo este cuarteto barcelonés era capaz de tomar diversos elementos de un sonido característico antes mencionado (la psicodelia y el rock-ácido), agitarlos en su particular batidora y crear un disco que, aunque lanzado en 1986, todavía hoy se deja oír con bastante facilidad y que en el mercado del coleccionismo tiene un valor considerable, al no haberse reeditado hasta hace bien poco.
A mediados de los ´80, en el Diario Pop de Radio-3 empezaban a sonar maquetas y el primer sencillo de esta banda catalana: Moscas y arañas, el cual cayó en mis manos en formato Flexi-Disc que apareció en la revista Rock de Lux. Flechazo instantáneo y conversión a la causa Negativa. Un tema que en su sencillez reviste todo un bagaje musical tremendo: Rock, Psicodelia, ese sonido reiterativo del Farfisa que recuerda al clásico In a gadda da vida de Iron Butterfly. Un single tremendo que nos tuvo meses pinchándolo en el plato de nuestro tocadiscos a mí y a mis amigos de entonces. Sólo por él merecería la pena escuchar el resto del álbum. Visto con el paso del tiempo, quizás se haga algo largo, y no todos los temas merezcan la pena, aunque el esfuerzo de la banda por reflejar todo ese torbellino de ideas y el del productor, Enrique Lindo por plasmarlo en vinilo de la mejor forma posible, quizás hagan que se le perdonen los varios errores que aparecen en el mismo, en cuanto a sonido y mezclas se refieren.
Haciendo surf en mi mente era otra de mis preferidas, con ese sonido característico de xilófono; No soy yo (la psicoastenia), Graduado en underground son otros grandes temas, con esos riffs de guitarras que nos recuerdan la época del Rubber Soul de The Beatles. Viaje al norte sacaba la vena más californiana del grupo; Un día especial, El club del cerdo violeta, Stop… eran otros de los grandes temas de este álbum de debut que supuso un hito inesperado en la escena musical española de los ´80 en tanto que era el primer grupo que volvía la vista en este país hacia esos sonidos tan característicos de los ´60.
La trayectoria del grupo continuó con cuatro álbumes más, siempre liderados por Carles Estrada como miembro fijo de la banda, más varios acompañantes más o menos habituales. En 2005, con motivo de su vigésimo aniversario, se ha reeditado el álbum que nos ocupa por Mushroom Pillows; e incluso si visitas su MySpace, aparece nuevo material de la banda.
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Sibrydion: Campfire classics (2009), DellOrso Records

Como parece que en el País de Gales casi todos los músicos son bastante amiguetes, pues resulta que Sibrydion ha reclutado a Cian Ciaran de Superfurry Animals para que les produjera este Campfire Classics, el debut en lengua inglesa de la banda de Gales, que ya había editado anteriores trabajos en gaélico con buena fortuna. Lo cierto es que nos encontramos ante un buen trabajo, bien producido (se nota que la banda está muy rodada), con muchos truquitos sonoros que harán las delicias de vuestros ávidos oídos, y que nos presentan a un grupo de raíces evidentemente Pop, pero que abre sus horizontes sonoros a otros elementos tales como el Folk, el Spaguetti-Western con su principal exponente musical, Ennio Morricone; o el Twee-Pop. Lo que sí es cierto es que su título, Clásicos de campamento, es claramente ilustrativo de lo que nos vamos a encontrar durante toda la obra: una colección de temas más o menos intemporales pero altamente adictivos y pegadizos. Así ocurre durante toda la primera parte del álbum, hasta la pista ocho. God forgives, I don´t es un homenaje a una película de vaqueros del mismo título; Coupe de grace es un animado tema sobre cómo el amor puede cambiar a una persona, con una influencia clarísima tanto a nivel musical como interpretativo de Superfurry Animals, huella ésta que salpicará al resto del álbum. Continúa el mismo con Desperados (siguen con su obsesión por el Western, aquí el protagonista es otro vaquero), otro bonito tema en la onda SFA, con preciosos coros; Praying for rain continúa el tono Pop del álbum, comienzo con clavicordio, tipo Kinks de la época Face to Face; en Violent light, Shangri LA y Femme mental cambia algo el estilo del álbum, algo así como un viraje más retro, con toques de vodevil y ritmos a lo Bo Didley incluidos. A partir de Summer´s gone, el álbum da un giro hacia tintes más cercanos al Folk y a gentes como Donovan, la instrumentación se torna más acústica y hay dos temas particularmente interesantes: Bleeding heart, un medio tiempo con un aire setentero y Rosalynn, un tema que va en una onda parecida. En esta última parte del disco hay sitio también para acentos e instrumentaciones galesas. Un disco, en definitiva, interesante, muy ameno de escuchar y que nos hace mirar de nuevo hacia esas tierras del imperio británico, de donde están surgiendo nombres con bastante fuerza e inteligencia creativa, caso de El Goodo, reseñado aquí mismo no hace ni un mes, y en el que también ha colaborado Ciaran.
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Yeah yeah yeahs: Zero (Single-2009), DGC, Interscope

Nuevo single para el trío neoyorquino que verá la luz en formato digital el próximo 24 de Febrero, como anticipo a su nuevo trabajo discográfico, que se titulará It´s Blitz y se editará a mediados de Abril. En él parece que el grupo ha dado un cierto giro hacia propuestas más electrónicas, partiendo de su tradicional sonido de guitarras.
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Fanfarlo: Reservoir (2009), White Heat Recordings

Ya que parece que en toda la Blogsfera no se para de hablar de ellos, no vamos a resistirnos a la tentación de ser el único Blog musical que no haya comentado este álbum de debut de la formación británica Fanfarlo, liderada por el sueco Simon Balthazar, y avalada por gentes como David Bowie. Palabras mayores, me diréis. Pues sí, el grupo no está mal, pero yo creo que más bien lo tiros van por el lado del Hype, como ya se apuntaba en algún sitio musical. Es demasiada casualidad que todos los blogs y la prensa especializada hable de ti como ya uno de los discos del año cuando el tono de la banda es más bien un tono medio; no están mal, pero no para lanzar las campanas al vuelo. Buenas composiciones Pop bien adornadas, con buenos arreglos, teclados, violines, mandolinas, banjos, orquestaciones, trompetas, coros femeninos muy bien traídos… todo un arsenal de adornos para un grupo que graba su primer disco. En fin, como digo, un trabajo de un tono medio aceptable durante toda su escucha, con aires que recuerdan en su composición a David Byrne, con cuya voz guarda una semejanza tremenda, Calexico, The Go-Betweens, mezclando en ellas el Pop con tonos Folkies;y con buenos temas en él: I am a pilot, Luna, Fire Escape, The walls are coming down… El disco está grabado y producido en Conneticut por Peter Katis (Interpol). Click en la portada.

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Fleeting Joys: Occult Radiance (2009), Onlyforever Recordings

Es difícil encontrar en estos días un grupo o una banda tan fácil de etiquetar o comentar como lo son este dúo californiano llamado Fleeting Joys, que edita su segundo álbum, Occult Radiance. Si el otro día al comentar a The Allender Band decíamos que era un británico con un sonido más bien americano, con Fleeting Joys ocurre lo contrario, americanos con un sonido característicamente anglosajón, con matices, eso sí. Decimos esto porque nos hemos encontrado con una calcomanía de My Boody Valentine en pleno 2009; una dúo compuesto por John y Rorika Loring (son matrimonio) que realiza prácticamente un ejercicio de imitación-puesta-al-día del sonido de los británicos, de los que han bebido en su fuente hasta la saciedad. Todo en Occult Radiance nos recuerda a mi Valentín Sangriento: sonidos de guitarras, overdrives hasta decir basta, ecos, bucles, voces que se pierden en una nube de distorsión hasta hacerlas casi inaudibles. ¿Estamos entonces ante una mera copia actualizada de MBV? Que cada uno que escuche el disco saque sus propias conclusiones. Yo tengo la mía, y es que, bueno, de vez en cuando no está mal actualizar un determinado estilo, intentando aportarle ideas personales y una pizca de creatividad original. Las canciones de Fleeting Joys son quizás algo más duras que las de los británicos, y si acaso podemos encontrar ecos de otras bandas más ásperas, Dinosaur Jr., Sebadoh, Swervedriver, Jesus and Mary Chain… pero el resultado final es en mi opinión demasiado parecido al de MBV. Con todo, hay muy buenos momentos en el álbum y el oyente de Shoegaze se va a encontrar con un regalo agridulce más que recomendable. You are the darkness es su primer single, y acaso su tema más comercial. Cloudlike mercury, Lights underground, All release, A beautiful end, Closer to my world without pain, The good kind of tomorrow, Destroyer son todos temas en los que nos vamos a encontrar toda esa sinfonía de distorsiones. Tan sólo bajan algo el pie del overdrive en dos números, Don´t go y Luminous LA, en los que se acercan más bien a sonidos más calmados, tipo Velvet Underground en el primero y Sebadoh en el segundo.
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Gomez: Airstream driver-Single (2009)

Nuevo single para esta veterana banda británica que editará nuevo álbum en Marzo de este año, A new tide (2009), el que será su noveno trabajo discográfico. Puedes descargar este single gratuitamente desde su página web o en su MySpace.

The Candy Skins: Fun? (1993), Geffen

Nuestro vistazo semanal al Retro-Visor nos lleva hoy hasta la banda británica de Oxford The Candy Skins, cuarteto que se formó allá por finales de los ´80 y que llegó a publicar cuatro álbumes en el mercado, de los cuales este Fun? (1993) es el segundo de su carrera. La base del grupo la marcaban los hermanos Nick y Mark Cope junto con el guitarrista Nick Burton, compositores entre los tres de la mayor parte de los temas. Este disco resulta una pequeña joyita del Jangle-Pop que se hacía por aquellos tiempos en el panorama musical británico, que se agitaba como un hervidero de nuevas bandas y solistas por doquier, apareciendo nuevos nombres en su escena musical constantemente. Ello dio lugar a discos y trabajos memorables y a otros, como el caso que nos ocupa, que no gozaron de tanta popularidad ni aceptación pero no por ello están exentos de calidad. Fun? quizás no sea una obra maestra, eso es indudable, pero tiene momentos realmente memorables, como Dig it deep, que fue un pequeño himno del Brit-Pop, con unas guitarras y coros remarcables. Wembley es un tributo al que fuera mítico estadio, igualmente mencionable como himno generacional además de portar una melodía encantadora; You are here tiene unos arreglos de teclados que los emparentan con lo mejor del Shoegaze y bandas como Ride; Everybody loves you es otra de esas gemas que se ocultan en el disco, un precioso tema de medio tiempo con un sonido de guitarra realmente precioso; algo semejante a lo que suena en Everything just falls apart on me o en All over now, temas que tratan sobre relaciones más o menos frustradas pero que la banda adorna con un sonido para nada triste, sino antes más bien lo contrario. House at the top of the hill tiene un aire que nos recuerda a The Kinks; y para terminar, Tired of being happy y Land of love se rebelan como perfectas composiciones indie de un ritmo adictivo y acelerado. Un disco en definitiva aprovechable, que posee diversos registros, entretenido y que, personalmente, me trae unos recuerdos imborrables de momentos inolvidables en nuestra añorada Málaga de los años ´90.
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The Allender Band: Outer Dark (2009), Dreamboat Records

Nos hacemos eco hoy del que va a ser el tercer proyecto discográfico de este cantante compositor y guitarrista de Bristol, Robin Allender. El trabajo se llama Outer Dark, y es, como digo, su tercer trabajo tras The bird and the word (2007), editado con su nombre, Robin Allender; y In the grip of light-Ep (2008), éste ya bajo la etiqueta The Allender Band. Sea como fuere, nos encontramos ante un músico intimista, compositor de temas Pop adornados con largos desarrollos instrumentales en los que hace gala de una depurada técnica guitarrística, en la que realiza tanto arpegios delicados como sonidos folkies, riffs más poperos, o acercamientos jazzísticos. Hay quien lo ha querido emparentar con la escuela más Folk tradicionalista británica, léase Fairport Convention o revisionistas como Steeleye Span, quizás asomándose más a su obra anterior, pero lo cierto es que en mi opinión, hablaríamos más de un Lo-Fi melódico, o algo así, una música pausada, de largos desarrollos sonoros en los que la guitarra de Allender, intrincada pero de tonalidades limpias destaca siempre sobre cualquier otro elemento: Bude (10:29), I used to go off to brood alone in the mountains (6:21), Dusk (7:11), Nighttown (5:37). Os daréis cuenta por la duración de los temas de lo que decimos (el álbum contiene sólo siete temas). En cualquier caso hay temas más cercanos a texturas Pop más tradicionales con los que nos quedamos sin dudarlo: Riverrun es un perfecto tema Pop con un cierto aire a Teenage Fanclub que nos ha gustado bastante; The healing of a lunatic boy tiene un riff de guitarra de esos que engancha a la primera; y algo parecido podríamos decir de Leaves, un tema con aires más Folk. Un disco que puede resultar interesante para aquellos que tengáis un buen rato libre y queráis escuchar música relajadamente para pillar matices e influencias.
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Mascot Fight: Pantomime Hearse (2009), Snug Recording Co.

 En nuestro recorrido diario por las bandas y los lanzamientos que nos pueden interesar nos detenemos hoy ante el debut de estos británicos de Derby llamados Mascot Fight, un auténtico soplo de aire fresco al últimamente algo manido y apagadillo universo musical británico. Destacan Mascot Fight por ser un cruce de estilos dentro del Pop, más o menos Jangle, pero brillante por momentos: Terry is the Chicago sun, Danger man, Play the meathead anthem, Dalian shied away; Twee-Pop: Thinking in french, That´s a photocopier (not a chair); pero es a partir del corte 8 del álbum, Interval (como dice su nombre, un intervalo sonoro de transición), cuando el sonido del grupo se torna algo más oscuro, más Lo-Fi si queremos: Diego Barnes, Our skool daze, Fifty Kwacha, dándole a su trabajo un tono algo más sereno y relajado, más cercana a Pavement o Guvner. Lo que está claro es que en un futuro la banda podrá tomar alguno de esos caminos ya apuntados, aunque personalmente me quedo con la primera parte del álbum, más movida y popera, con ecos de muchas bandas favoritas: The Delgados, Belle and Sebastian, The Apples in Stereo, Weezer, incluso yo los emparentaría con el sonido que últimamente nos está llegando desde Brooklyn con bandas como The Pains of Being Pure at Heart, por ese concepto de la melodía distorsionada con tonos agridulces. Un disco interesante. Os dejo con un vídeo en el que aparecen con una apariencia de post-universitarios recatados trabajando en la office, y locos por la Retro-Informática, como queda reflejado en la foto que veis, que aparece en su MySpace, que simula el teclado de los famosísimos Spectrum 16K.
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The 1990´s: Kicks (2009), Rough Trade

Una de las tareas que nos habíamos impuesto para este fin de semana en el que hemos vuelto a ver el sol fue la de escuchar el que va a ser segundo disco de este trío escocés, The 1990´s, Kicks. A fe que lo hemos intentado en varias ocasiones, pero he de decir que en ninguna de ellas hemos logrado terminar una audición completa. Pues sí, he de decir que nos hemos llevado una pequeña decepción con este Kicks, un disco en nuestra opinión desvahído, pretencioso en su sonido y empalagoso en su producción. Las buenas sensaciones que nos habíamos hecho con su debut Cookies (2007) han quedado fulminadas de un plumazo a golpe de torpe producción y relajamiento sonoro. Por momentos su sonido nos recuerda a lo peorcito de los años ´80, escuchad si no me creéis 59, uno de los temas del mismo, en los que la banda recuerda a Duran Duran; o Kickstrasse, adornada con unos absurdos coros femeninos. La fuerza y la intensidad que apuntaban en sus comienzos ha quedado reducida a cenizas, en busca de un sonido más cercano al Glam y a la pista de baile, algo así como les ha ocurrido a sus compatriotas Franz Ferdinand (léase la reseña publicada en nuestro Blog de su último álbum). Por cierto, uno de los responsables de este desaguisado es Bernard Butler, quien fuera artífice de alguno de los mejores discos de los ´90 con Suede,y productor de este disco. Poco hay que destacar de este álbum, si acaso Vondelpark o Giddy up, dos temas en los que la banda recupera algo de su estilo primigenio. Click en la portada. Os dejo uno de sus temas antiguos.

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Cornershop: When I was born for the 7th time (1997), Luaka Bop, Everlasting

Mirando al Retro-Visor nos encontramos este fin de semana con el que fuera tercer disco de la banda multirracial británica Cornershop, When I was born for the 7th time. Un álbum tremendo, que supuso un éxito menor para la banda con su exitoso Brimful of Asha, o más bien gracias a la remezcla del tema que realizó en su día Norman Cook (aka Fatboy Slim, que ya empezaba a hacer de las suyas tras haber abandonado The Housemartins). El caso es que When I was born es un disco ingenioso y divertido, lo que pareciera un entretenimiento más o menos bailable de Tjinder Singh y Ben Ayres, compositores y artífices principales de la banda se convierte en un discazo, lleno de trucos, efectos, mezcla de elementos de Pop con música india, samplers, collages de Hip-Hop, electrónica, referencias multiculturales…
En una época de creatividad desmedida en el mundo del Pop con discos como Odelay de Beck, que había abierto las puertas del mundo de los samplers, se presentaba Cornershop con este disco irrumpiendo en el panorama del Brit-Pop con una fuerza desmedida. Se abría el álbum con Sleep on the left side y Brimful of Asha, que se convirtió en un minor hit gracias a la remezcla de Cook, como dijimos, dos estupendos singles. Butter the soul es un pastiche muy divertido, con reverses y truquitos. Chocolat es un retazo de música Funky. We´re in Yr corner es de mis favoritos, tema Pop con instrumentos indios, muy recomendable. La misma influencia oriental está en What´s happening?; When the light appears boy es un recitado de Allen Gingsberg; Good shit es otra de las más interesantes, con batería secuenciada y onda bailable como Brimful. Good to be on the road again es un medio tiempo de aires Countries con la colaboración de Paula Frazer. Candyman es otro de los buenos momentos, mezcla de Hip-Hop con Funky, referencias al mundo de las drogas (como en Good Shit); Indian tobacco my friend, State troopers son otros temas instrumentales con samplers; y se cierra el disco de la mejor manera posible: con una soberbia versión del Nowergian wood de Lennon-McCartney, uno de los primeros discos del Pop en utilizar el sitar, lógicamente aquí resaltado, transformando su letra inquietante a algún dialecto indistaní que sólo Singh podría traducirnos. Un disco que ningún buen aficionado a la música en general, y no sólo al Indie debería perderse. Posteriormente el dúo protagonista de la banda se dedicó a un proyecto paralelo llamado Clinton, más bailable, y en 2002 se editó su penúltima aventura discográfica, Handcream for a generation.
 

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Frontier Folk Nebraska: Pearls (2009), Shake It Records

 

Durante el pasado año tuvimos el inmenso placer de comprobar cómo iba resurgiendo un nuevo gusto por la música tradicional americana, numerosas bandas volvieron la vista de nuevo hacia el Folk más tradicional cuando no mezclándolo con elementos del Country. Bandas como The Grand Archives, Fleet Foxes o Dr. Dog así lo atestiguan. Pues bien, a comienzos de este año seguimos testando que bandas como Vetiver o Frontier Folk Nebraska siguen bebiendo de esas mismas fuentes, y el movimiento conocido como Americana seguramente nos deparará aún bandas muy interesantes.

En el caso que nos ocupa, este nuevo álbum de la banda de Cincinnati Frontier Folk Nebraska (hasta su nombre es indicativo de por dónde van los tiros), nos encontramos con una banda interesante, quizás no tan innovadora como Fleet Foxes, pero que saben combinar con habilidad tradición y modernidad. Sus fuentes están claramente enraizadas en el Folk-Rock y el Country más tradicional, pero van un pasito más allá, reinterpretando sus fuentes hasta darles un sonido personal más que aceptable, un tratamiento de las voces y las guitarras más cercanos al sonido de The Brian Jonestown Massacre o Jason & The Scorchers que al de Dylan o Neil Young, aunque en muchos de los temas hemos de reconocer que su cercanía a sus fuentes quizás les reste algo de originalidad. En su sonido aparecen toda la parafernalia de instrumentos tanto eléctricos como acústicos que el estilo requiere: guitarras eléctricas, acústicas, slides, harmónicas, fiddles…

Los mejores temas son aquellos en los que la banda se acerca más al sentimiento más electrificado de ese Folk-Rock: Help me through es un rendido homenaje a la trayectoria más campestre de Neil Young; City lights, Ballad of a dead man son temas en los que la banda derrocha su caudal eléctrico. En el resto del disco predominan aires más acústicos, aunque no menos interesantes, la mejor de este apartado sería Restless hearts, que me recuerda personalmente al álbum de reunión de The Byrds, por su tratamiento de las guitarras acústicas, al estilo de los primero´s años ´70.

Un disco aprovechable, muy en esa nueva onda Americana de la que hablábamos; que nadie espere grandes novedades, pero sí buenos temas e intensidad en su interpretación.

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Oír: Frontier Folk Nebraska-Help me through (Mp3)

Lotus Plaza: The Floodlight Collective (2009), Kranky

Al colectivo Deerhunter parece que les brotan las ideas a borbotones. ¿Por qué digo ésto? Porque al concepto inicial de Deerhunter se le van añadiendo nuevas formaciones como Atlas Sound y este nuevo: Lotus Plaza, el proyecto del guitarrista-multiinstrumentista y compositor de la banda Lockett Pundt, que ha compuesto un puñado de temas que nada tienen que envidiar a Deerhunter. El disco no va a resistir la comparación con la obra de su banda embrionaria, pero el trabajo de Pundt es un gran álbum en sí mismo, diez temas de Dream-Pop melódicos pero saturados de reverbs, teclados y arreglos que logran crear unas atmósferas sonoras en las que se ven envueltas hasta las voces, que casi se pierden como si de un instrumento más se trataran. Algo así como unos My Bloody Valentine desacelerados, un Shoegaze cansino con el punto justo de experimentación, en busca de un sonido más espiritual y un concepto más serio que el de sus coetáneos Animal Collective. Red Oak way, Quicksand, Different mirrors, What grows?, A threated needle son algunos de los mejores temas del álbum, aquellos en los que su sonido está algo más desnudo de experimentación y ambientes.

“Without the overhanging presence of Bradford Cox’s distinctive but occasionally overbearing persona, Pundt is able to unfold his songwriting skills on a more level surface. Awash in a foam of reverb and angelic vocal tones, lonesome guitars and the patter of hushed drums poke out as the only solid foothold to grab onto, but most times even they can’t hold strong amongst the shimmering waves of reflected tones. Pundt’s vocal delivery is much softer (if you can believe) than his co-worker Cox and as a result the record achieves a much dreamier quality than any of Pundt’s previous tunes. Pundt delves much further into ennui and longing in contrast Deerhunter’s anxious alienation. The album is warm and inviting while at the same time remaining somewhat beautifully sad”. (ravensingstheblues.blogspot.com)

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Oír: Lotus Plaza-Red oak way (Mp3)

Polara: Beekeeping (2008), Susstones

Pocas veces un disco logra llamar tanto nuestra atención y, sin embargo, es tan poca su relevancia e impacto no digo ya a nivel masivo, sino al nivel “B” del mundo de la música, ese del que tanto nos gusta oír nuevas bandas, comentar nuevos lanzamientos o criticar. Ese es el caso del quinto álbum de la banda de Minneapolis Polara, un grupo del que difícilmente encontrarás vídeos en YouTube, pero que a mí personalmente me cautivó desde las primeras escuchas de este ya su quinto álbum, Beekeeping(2008), que por una cuestión o por otra no hemos podido reseñar hasta hoy, pese a que ya lleva editado unos seis meses. Como digo, este quinto disco de la banda (y quinto contrato discográfico) es epatante desde el principio, ya no porque vaya a descubrir nuevos horizontes musicales, sino por la reinterpretación de diversos estilos ya existentes que nos llevan a mantener puesta la atención en él, y a la postre, a emocionarnos, que, en nuestra opinión, es el fin último de la música.

Polara es un grupo de Power-Pop con mayúsculas, un grupo de guitarras nerviosas, de riffs impactantes, y de melodías que te enganchan desde la primera escucha. Los once temas del disco están impregnados de una energía inusual para un grupo que factura ya su quinto trabajo, manteniendo la misma frescura que en sus comienzos: Longest day, Game over, Both ends burning, So long son buenos ejemplos en los que la banda recuerda los mejores momentos de The Posies, por su tratamiento de las melodías y el tempo de los temas, en los que añaden ligerísimos toques de metales. En otra serie de temas la banda deriva hacia tintes algo más psicodélicos, pero no menos enérgicos: E Flat, Another phase, Take me down, Happy ending, en los que se adornan con algunos teclados-retro más que interesantes, algo así como lo harían The Gripweeds, otra de nuestras bandas favoritas de los últimos tiempos. Hay también un guiño al Jangle-Pop en el tema que da título al disco, Beekeeping, en el que se recurre a la guitarra de doce cuerdas como acompañamiento perfecto para la misma. Y se cierra el álbum con Live and learn, un tema más pausado con acompañamiento de cuerdas, pausa obligada para un trabajo que, como decíamos, apenas si tiene pausa ni respiro. Una gozada de álbum que bebe de innumerables fuentes (rastread en su MySpace) y que espero que disfrutéis a la espera de saborear el segundo álbum de su lider, Ed Ackerson: Ackerson 2.
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