Inanidad – DAN AUERBACH: Waiting on a song (Nonesuch Records, 2017)

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Pues la verdad es que ni fu ni fa. El segundo trabajo en solitario de DAN AUERBACH no pasará a los anales de la historia del Pop, desde luego. Waiting on a song es un disco de oficio, de canciones correctas pero más bien recuerda a un disco de encargo de un buen compositor para una de esas estrellas vocales que no han escrito una línea en su vida. Un álbum para estar y aparecer en los charts más o menos Indies (si es que Auerbach continuase siendo una figura independiente) y poquito más. Muchos clichés sonoros remanentes del Pop sesentero, el Power-Pop setentero y alguna que otra influencia de la Americana más facilona.

“When Dan Auerbach released his debut solo album Keep It Hid in 2009, the Black Keys were on the verge of superstardom; so his solo album was a busman’s holiday, not the start of a career. Waiting on a Song, its 2017 sequel, arrives in the midst of an extended hiatus from the Black Keys, who took a breather after a run of blockbusters that coincided with Auerbach establishing himself as a producer of note. On these extracurricular projects, Auerbach broadened his sonic palette, working with everybody from Americana stalwart Ray LaMontagne to post-modern noir diva Lana Del Rey, and he brings this new bag of tricks to Waiting on a Song. Having more in common with the groovy classic soul moves of his 2015 side project the Arcs than the heavy-footed stomp of the Black Keys, Waiting on a Song‘s heart lies in the glimmering productions of Jeff Lynne in the late ’80s. “Shine on Me” glistens like an outtake from the Traveling Wilburys, and it’s not an isolated incident. Auerbach keeps circling back to this bright, cheerful sound, accentuating it with elements of Memphis soul and an undercurrent of classically constructed Americana. The title Waiting on a Song hints at such craftsmanship, and it was co-written by John Prine and Pat McLaughlin, whose presence suggests that Auerbach is adding “singer/songwriter” to his impressive résumé. The thing about this album is, it shows the power of craft across the board: Auerbach‘s become a vivid, imaginative producer and now he’s writing songs to match” (All Music)

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Mountains Guides – PIA FRAUS: Field ceremony (Shelflife Records, 2017)

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El retorno casi una década después de PIA FRAUS les mantiene como una de las mejores referencias Shoegazers de las que, en este caso, se mueven como pez en el agua en el ambiente Dreamgaze. Los estonios son una banda que, pese a registrar a todos sus componentes en los créditos utilizando instrumentos electrónicos o sintetizadores, no suena para nada a música electrónica. Dream-Pop de ambientación melancólica y tatiturna. Un disco equilibrado de canciones casi perfectas en los cánones del género que se pasa en un suspiro. Como el que se llevaría el viento que mueve los molinos de viento de su portada.

“Estonia’s Pia Fraus have been one of shoegaze’s best-kept secrets since they made their debut in 2001 with the elegant full-length Wonder What It’s Like. Their music has always been catchy, melodic, and chiming, and they’ve always hit the sweet spot between melancholy and upbeat. In addition to having a deliciously fuzzy guitar sound, they’ve always been keen with electronic elements, and have frequently been remixed by Ulrich Schnauss, Galaktlan, and other producers in the indie electronic realm. Field Ceremony is the group’s fifth proper album, following 2008’s After Summer by nearly a decade, with the retrospective Silmi Island and a few singles arriving in between. Right off the bat, the group hits a familiar stride with the cruising midtempo opener, “It’s Over Now,” which drowns gloomy yet content vocals in a wash of synths and corroded guitars. Even though most of the group’s members are credited with playing synthesizers or electronics of some sort, they enhance the guitars rather than overpower them, and the album ends up sounding a little less electronic overall than some of the band’s past releases (particularly the ones that contain remixes). The group’s music feels so autumnal that it almost seems necessary to be wearing a nice comfy jacket and walking among the fallen leaves while listening. In addition to sad new wave numbers like “Autumn Winds” and the splendid “Endless Clouds,” Pia Fraus indulge in their sticky-sweet side with the noise-pop bubblegum of “Sugar High of the Year.” Following this song, though, things quickly grow cold and somber, particularly with the bitter breakup lament “Brutal Truth of the World” (which nevertheless manages to find room for some handclaps). Field Ceremony isn’t a grand departure from what Pia Fraus have been doing all along, but there isn’t really any reason for them to do anything different — they’ve already proven themselves to be masters at updating the classic shoegaze sound without sounding trendy. At this point, they’re just waiting for the rest of the shoegaze world to discover them” (All Music)

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En San Juan – LÚA GRAMER: Día del Centro (Clifford Records, 2017)

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Las tres canciones que conforman el nuevo Ep de LÚA GRAMER son, como se intuye en la crítica de su discográfica, tres caramelos con una buena dosis de veneno Pop: “te golpean (ese pa-pa-pa alucinado de “Una vez más”) como si fueran el gancho de un viejo boxeador borracho que no ha olvidado la eficacia de sus puños”. Las deliciosas Día del centro y San Juan se contraponen a la rabia contenida de Una vez más, donde los pacenses le dan rienda suelta a las distorsiones y a unos teclados brillantes y nuevaoleros que son el contrapunto perfecto a las voces armónicas del grupo. Capítulo aparte para la personal voz de Susa (no me digáis por qué, pero me evoca en seguida la forma de entonar de Cristina Lliso). El Pop de guitarras de los noventa tiene dignos sucesores.

“Las tres canciones que se incluyen en Día Del Centro te golpean (ese pa-pa-pa alucinado de “Una vez más”) como si fueran el gancho de un viejo boxeador borracho que no ha olvidado la eficacia de sus puños. Vuelan en el aire enfermo del combate influencias de los años 90 tanto en el sonido como el espíritu valiente de los arreglos que aportan el necesario contrapunto al adorable ruido blanco de las guitarras. A estas alturas de la pelea, parece claro que las tres canciones están cosidas en carne viva con unos hilos finísimos: guitarras afiladas, base rítmica sutil y arreglos de sintetizadores en los que se mecen las voces con una lógica interna incontestable. La lona del ring empapada de electricidad y las luces girando sin que nadie sea capaz de parar la pelea, porque también parece claro que Lúa Gramer han trascendido sus influencias, superando sus límites y mejorando con cada uno de sus lanzamientos y nos han puesto a todos contra las cuerdas. Día Del Centro es, sin duda, la victoria definitiva de una banda que parece dispuesta a superarse a sí misma con cada nueva entrega componiendo canciones ambiciosas y emocionalmente audaces que no se acaban nunca” (Nota de Prensa, Clifford Records)

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Burn everything !! – Talking Heads – Burning Down The House (Rhythm Scholar & Apollo Zero Remix, 2017)

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Irresistible y tremendamente molona. Así es la nueva remezcla que Rhythm Scholar nos entrega, en este caso junto con Apollo Zero: el ya de por sí trepidante Burning down the house de Talking Heads. Un hitazo de 1983 convenientemente puesto al día y con la adición de varios cortes de las huestes de David Byrne.

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Jesus on Psychedelia – JESUS ON HEROINE: Ardhanarishvara (2017)

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Viajes tántricos y mantras psicodélicos para el segundo álbum de esta banda danesa de nombre provocativo y llamativo. Lo cierto es que abusan algo de ciertos patrones sonoros, pero aún así, el disco contiene cortes más que interesantes…

“Ardhanarishvara” is the third piece from Jesus on Heroine, a Copenhagen, Denmark-based band evolving around dream psychedelia and drone-based shoegaze. With each release JOH makes a shift in the project’s aesthetic equilibrium. A different atmosphere forcing a movement in the narrative – not beyond what have already been created – but searching for the new in the old.
The melodramatic slow-paced atmosphere and the analogue sound of the previous album is now abandoned to strive for a scene that feels as human as it is synthetic. A quiet future being evoked when the acoustic surfaces brush the electronic reflections with an understated sincerity.
The hypnotically, but bright and psychedelically-steeped “Ardhanarishvara” is the moment one meets the text and context potential and it is impossible for the interpreter to distinguish between what is hers and what is the authors. It’s the unthought thought in her thinking. Follow Jesus On Heroine along the mysterious sonic and mystical path…” (The Big Takeover)

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Evergreen Terrace – THE DARLING BUDS: Evergreen (Ep, Odd Box, 2017)

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Después de la gran cantidad de bandas y solistas que han reaparecido en estos últimos tiempos, THE DARLING BUDS se cuelan, casi sin avisar, por la puerta de Odd Box Records publicando un nuevo Ep, nada menos que veinticinco años después.
Y lo mejor de todo es que sónicamente parece que lo retoman justo donde lo dejaron, con la misma brillantez y luminosidad Pop que les caracterizó allá por finales de los ochenta. Uno de los mejores regresos de bandas de los ochenta/noventa que servidor haya tenido oportunidad de disfrutar en los últimos tiempos, mayormente porque no han abusado del formato y lo han reducido a cuatro cortes que son auténticas delicias de las que no te van a defraudar: nada de relleno.

“After a few years of occasional gigging just for fun, The Darling Buds are delighted to be releasing a new 4 track ep ‘Evergreen’ on Odd Box Records. This will be the first new material released by the Buds for over 25 years (back in the day they did 3 session for the much missed DJ John Peel) and these new recordings continue the musical evolution seen by the band from their indie pop debut Pop Said to their last release Erotica”

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Carismas – OVERLAKE: Fall (Bar None Records, 2017)

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Encontrarnos con este segundo álbum de OVERLAKE, banda que hasta el momento desconocía, me ha permitido descubrir una de esas bandas con poca imagen pero que se curten a base de ensayos y sesiones de local que conforman un corpus de canciones homogéneas, bien construidas y con un gran posicionamiento en el panorama Shoegazer actual. Dreamgaze a bajas revoluciones, Shoegaze melódico de guitarras… llámalo como quieras. Un gran disco.

“Overlake’s sound can only be described as massive, with Barrett’s delay-drenched guitar and whispery, laconic voice backed by the solid coupling of Opfer’s driving basslines and angelic backing vocals, along with D’Amore’s propulsive drum work. They’ve spent the last few years touring throughout the U.S., delighting audiences with their all-enveloping wall of sound, most of the time with their amplifiers draped in netted Christmas lights.
Their new record, Fall, was recorded and co-produced by Cheap Trick-obsessive Tom Beaujour (Nada Surf, Jennifer O’Connor). Unlike previous recordings, where Barrett would play all the drums, they went into the studio a well-oiled apparatus. What they left with was a more expansive collection of songs, their trademark sonics augmented by appearances of sparse piano and elegiac, mournful violin, courtesy of the incomparable Claudia Chopek.
Overlake’s sound can only be described as massive, with Barrett’s delay-drenched guitar and whispery, laconic voice backed by the solid coupling of Opfer’s driving basslines and angelic backing vocals, along with D’Amore’s propulsive drum work. They’ve spent the last few years touring throughout the U.S., delighting audiences with their all-enveloping wall of sound, most of the time with their amplifiers draped in netted Christmas lights.
Their new record, Fall, was recorded and co-produced by Cheap Trick-obsessive Tom Beaujour (Nada Surf, Jennifer O’Connor). Unlike previous recordings, where Barrett would play all the drums, they went into the studio a well-oiled apparatus. What they left with was a more expansive collection of songs, their trademark sonics augmented by appearances of sparse piano and elegiac, mournful violin, courtesy of the incomparable Claudia Chopek” (Press/Bar None)

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Ultra Lo-Fi – CLAIRO: Brains a bus station (2016)

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Supongo que CLAIRO será uno de esos fenómenos amparados en la globalidad de las redes sociales. Uno de esos casos de repercusión brutal a base de visualizaciones en YouTube (más de tres millones su último clip). Su música no va mucho más allá del Pop de dormitorio, sencillas composiciones con la frescura de quien empieza y no demasiado más. Sus vídeos no son menos. Puedes verlos en su canal de YouTube.

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Huidas – SUMMER FICTION: Since you´ve gone with that boy (Single, 2017)

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El último sencillo de SUMMER FICTION se titula Since you´ve gone with that boy, un corte de aires sesenteros con ciertos aromas del Pop francófono.

“Bill Ricchini who plays as Summer Fiction writes beautifully arranged songs that meet at intersection of The Beach Boys’ “Pet Sounds”, Elliot Smith’s “XO”, Big Star, and the best work of The Smiths” (Press)

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Pastelitos – LAST LEAVES: Others towns than ours (Matinée Recordings, 2017)

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El último lanzamiento de Matinée Recordings es este álbum de los australianos LAST LEAVES, banda que surge de las cenizas de The Luckimiths. Todo un ejercicio del mejor Pop con referencias al sonido de las antípodas, y al mejor C86 (las influencias de The Pastels son inevitables). Sonido fresco y de fácil asimilación hacen de este Others towns than ours, su álbum de debut, un disco sólido y de recomendada escucha.

“A few years after the break-up of much-loved Australian indie stalwarts The Lucksmiths, three quarters of the band quietly got together again as Last Leaves. With songwriter and guitarist Marty Donald assuming vocal duties alongside longtime collaborators Louis Richter (guitar) and Mark Monnone (bass), and joined by drummer extraordinaire Noah Symons (Great Earthquake), they began work on a body of songs that – a few years later again – finally finds release in their remarkable debut album ‘Other Towns Than Ours’.
It’s been worth the wait. The ten songs here showcase a band already at the top of its game, from the perfect fuzz pop of first single ‘The World We Had’ and the irrepressible jangle of ‘Something Falls’ to darker moments like mesmeric closer ‘Where I Lived and What I Lived For’ and the downbeat Silver Jews swagger of ‘The Nights You Drove Me Home’ (“the past is just a single-star motel/It’s nowhere you should dwell/A room to rest awhile”) (Press Note)

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Cinemática – DEATH AND VANILLA: Dioz delirium (Single, 2017; from The Tenant, 2018)

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Estos Retro-Technos suecos imaginan y nos ofrecen una recreación en vivo de la banda sonora de The Tenant, el film de Roman Polanski (1976). Intriga cinemática, aparatos de la época y sonido decididamente vintage.

“Originally scored by Philippe Sarde, this release sees Death And Vanilla reimagine the film’s soundtrack four decades on for a new audience. The haunting instrumental is a foreboding piece of dark and cinematic avant-garde music that’s alienated, lonely and melancholic. Moments of hallucination and delusion mirror the lead character Trelovsky.
Recorded in 2015 at Cinemascore festival in Spain alongside a two-hour performance and screening of psychological thriller ‘The Tenant’ (1976).  With the band at their most minimal, the accomplished musicians once again bring the dark narrative to life with their expansive and ethereal noir sound. The recording features them as a trio – Marleen Nilsson (Farfisa Compact), Anders Hansson (Hagstrom Kent, Roland SP-404 and Technics SL-1200) and Magnus Bodin (Moog Prodigy and Musser M55).
Directed by Polish filmmaker Roman Polanski and based on the novel Le Locataire by Roland Topor, ‘The Tenant’ is the finale in his acclaimed apartment triology which included “Repulsion” (1965) and “Rosemary’s Baby” (1968)” (Press)

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Escarceos – DAY WAVE: The days we have (Harvest, 2017)

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¿Os acordáis cuando por aquí hablamos de “Pop saltarín o de guitarras juguetonas” al hablar del sonido de bandas como Wild Nothing, Beach Fossils o The Drums? Pues Jackson Phillips es un gran convencido de ello, y con su The days we have nos muestra una preciosa muestra de ello. Proyecto unipersonal que aúna esos sonidos con los aires Post-Punk de The Cure o New Order tamizados y menos cargados de intensidad épica. Otros referentes como Bowie son obvios desde su portada. El debut de DAY WAVE es, en cualquier caso, un buen disco Pop, con momentos brillantes que hacen florecer la sonrisa de cualquier buen aficionado. Y como también hemos dicho en muchas ocasiones “… y eso, en los tiempos que corren, no es poco”

“After a couple of releases that established Day Wave‘s dreamy, reverb-dunked bedroom indie pop sound, the band’s owner/operator, Jackson Phillips, takes a bold step forward on The Days We Had. Previous Day Wave songs sounded like a glossy update of the kind of beachy ’80s-damaged pop Captured Tracks bands like Beach Fossils were known for; now Phillips has gone in for a larger, slicker, more pop-friendly approach. His vocals soar over the pristine layers of guitars and synths, the bass and drums have a driving power, and the melodies have an aching, melodramatic quality that would be the perfect soundtrack for a heartbroken montage scene from a lost John Hughes film. It’s not a million miles away from the sound of earlier Day Wave albums; it’s just a pumped-up version that’s meant to be heard by scores of people, not just isolated pockets of mopey bedroom pop enthusiasts. Unlike many times when artists make the leap from the bedroom to the big time and lose what made them good in the first place, Phillips managed to improve on what he was doing. The Days We Had takes advantage of the sonic upgrade and bumps everything up a notch, from songs to vocals and everything in between. In one easy step, Day Wave went from being a promising band to a fully realized project with an impressive album under its belt. It’s not the most unique sound ever created, and there are bands like Wild Nothing who do it better, but Phillips and Day Wave are close to the top of the class, and another couple records like this and they might be teaching it soon” (All Music)

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Metonimias – AUTOMATICS: Ruido Negro (Clifford, 2017)

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Tras la hecatombe interna que sobrevino con la grabación y edición de “Big Ear” (Clifford, 2015), este nuevo trabajo, “Ruido Negro” (Clifford, 2017), se convierte en el verdadero arranque de la segunda etapa de Automatics; la que inician con nuevo cantante, Raúl, una vez consumado el desencuentro del original, José, afincado en Murcia, con el resto de sus compañeros.
Se graba también en VillarMusic, los estudios situados en Guarromán (Jaén), como en la ocasión anterior, donde entraron en enero de 2017 con una maqueta bien preparada un par de meses antes. Estuvieron hasta febrero con la grabación y mezclas, compartiendo tareas de producción con Santiago Villar.
Comienzan con “Across the nation”, donde mantienen la pulsión eléctrica de siempre. Diriase además que la voz de Raúl no se esfuerza exageradamente en marcar distancias con respecto a la del sonido anterior de Automatics. Las melodías de “The sound of this town” confeccionan una versión más sofisticada quizás del mismo, sin querer romper con la que ha sido toda una marca y señal desde siempre.
Pueden sonar al Manchester Sound más guitarrizado (como en “Oceans”); como Black Rebel Motorcycle Club con las guitarras de “Ruido negro”, el tema que da nombre al disco y lo cierra, o como The Jesus and Mary Chain en su modo más remolón cuando tocan “Shine on”, la canción de igual título que aquella que interpretaban House of Love.
Atrapan cuando construyen tensión en sus canciones desde el principio. Grandes comienzos tras lo que, de repente, estalla todo, en una explosión de efectos y melodías. “Ninette” es un ejemplo de esa cascada sonora, en donde además cantan en español.
En las ocasiones en las que Raúl abandona el inglés (donde por cierto se gana en comprensión, una de las pequeñas asignaturas pendientes que arrastraban de siempre los de Linares) hay una inevitable deriva hacia el tono con el que canta J de Los Planetas. Es probable que con dicho giro sean muchos los que les comparen con los granadinos. “Sebastián” es quizás uno de los momentos en el que el símil sea más claro.
“Ruido Negro” contiene muy buena música por todos sus rincones, pero si hubiera que destacar alguna canción sobre el resto, me quedaría, sin dudar, con “El fin de los días”. Zonas muertas por los que dar vueltas, insignificancia de la devastada Nagasaki en comparación con los restos que dejaste para uno de los temas estrellas en la vuelta de los Automatics” (La Fonoteca)

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Every day is a sunny day – SLOWDIVE: Slowdive (Dead Oceans, 2017)

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Tras un larguísimo paréntesis de veinticinco años, SLOWDIVE volvieron a la escena Shoegaze de la mano de este álbum homónimo que ve cómo los británicos lo retoman prácticamente donde lo dejaron. Es decir: en la versión más reflexiva, sugerente y pausada del Shoegaze de manual. Siendo una de las bandas referentes del género, es de justicia que este nuevo disco de SLOWDIVE les devuelva de nuevo adonde bandas como My Bloody Valentine o Ride han retomado la actividad en los últimos tiempos. Y como aquéllas, lo hacen con un álbum glorioso donde las huestes de Neil Halstead ofrecen todo aquello de lo que son capaces: composiciones sin fisuras, un álbum donde no falta ni sobra nada y que, seguro, promete que no será el último.

“When they returned to the stage after two decades, the members of Slowdive had no intention of being a mere shoegaze nostalgia act, playing the old songs to death until there was nobody left save for the custodial crew. They almost instantly made plans to record new music, and after a few years of writing and recording, the 2017 album Slowdive is the result. Taking elements from the music each member has made in the time since the band’s demise and wrapping them in modern production techniques while still coating everything in a familiar velvety haze, the album is a worthy addition to their catalog.Slowdive may play it a bit conservative at times, sounding more like a follow-up to the poppy Souvlakithan the experimental Pygmalion, but the bandmembers don’t merely rest on their shoegaze bona fides. While the guitars are suitably drowned in FX and let loose to billow like clouds, there are looped samples running through the mix, some of the folky melodies Neil Halstead has been playing on his own come through, Rachel Goswell‘s vocals show much more power (there are a couple times she really belts it out), and there is the occasional bit of mixing trickery courtesy of the record’s mix engineerChris Coady. It all comes together very well, thanks to both the subtle hooks of the songwriting and the commitment shown by everyone to not just make an album of retreads. There is the occasional moment when the mix seems a little off, most notably on “No Longer Making Time,” which sounds like it’s using stock GarageBand drum sounds, but mostly the album delivers exactly what a Slowdive fan would want. Lots of songs to dream to (the ethereal, Cocteau Twins-sounding “Don’t Know Why,” the calming “Sugar for the Pill”), get lost in (the noisy “Go Get It”), and swoon along with (the positively dreamy pop song “Everyone Knows”). The group tosses in some surprises, too, with a couple songs having a bit more energy than vintage Slowdive may have felt comfortable displaying. “Star Roving” sounds like a Ride song dipped in honey; the closing “Falling Ashes” is a piano-led ballad that lasts a long time but never gets boring, feeling like the album’s one nod to the sparser, less guitar-driven direction they were heading in when they broke up after Pygmalion. Slowdive may not be a dramatic return that will blow people away; it’s far too peaceful and calm for that. It will comfort fans of the band, both those who loved them at the time and those who have discovered them in the intervening years, by being very much a Slowdive album. One that feels modern enough, but also very classic at the same time” (All Music)

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Esplendor en la Hierba – RHYTHM SCHOLAR: Grass (XTC Cover, Remixed, 2017)

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El Pop de XTC bajo la mirada remezcladora de Rhythm Scholar. Merece la pena una escucha…

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Imagine Dragons – THE BIRKINS: Aquí hay dragones (El Genio Equivocado, 2017)

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“Aquí hay dragones” es el cuarto trabajo de la banda canaria, que cuenta con una novedad importante, cantan en castellano aunque también incluye algunas canciones en francés. El título de este nuevo trabajo hace referencia a esos territorios inexplorados, a esas áreas oscuras en las cartas de navegación, al misterio de lo desconocido. Algo que no les es nada ajeno en esta nueva aventura musical, pues tras el cierre de etapa con su anterior publicación, “Souvenirs” (El Genio Equivocado 2015), han decidido dar un brusco viraje a su rumbo creativo y adentrarse en nuevos territorios. Un cambio en su sonido hacia una vertiente más oscura de lo que es habitual en ellos, aunque siguen apostando por melodías pegadizas y memorables, a lo que se une su característico cuidado por los arreglos” (Prensa)

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Twin Flames – KING BLACK ACID: Super beautiful magic (2017)

Psicodelia suave, ritmos pausados, “beautiful jams” y ambientes relajantes. Vienen desde Portland, Oregón.

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Madurez – LETTING UP DESPITE GREAT FAULTS: Alexander Devotion (Shelflife Records, Ep, 2017)

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LETTING UP DESPITE GREAT FAULTS se han convertido en este tiempo ya en una banda veterana, con cierto recorrido. Han evolucionado de un Pop de dormitorio con trazos Shoegazers y Electrónicos a un proyecto más centrado en el Electro-Pop de influencias más ochenteras y guitarras más disimuladas. Alexander Devotion es su última entrega, un Ep en el que la música de LUDGF no ha bajado el listón de su interés.

“With their Alexander Devotion EP, Letting Up Despite Great Faults enter a new stage of maturation and confidence. Through meticulous drum beats, catchy guitars, and those familiar bittersweet vocals, their brand of sonic pop is explored in a most beautiful way. Formed in Los Angeles, CA, they have now settled into their new home of Austin, TX with an even stronger grasp of energetic performances and live shows. There is a hint of 80s and 90s nostalgia but there is no question they are embracing the present.
Songwriter and lead vocalist Mike Lee describes the EP: “There’s a little more of an experimental feeling, or a freer approach to songwriting. I hadn’t written anything in maybe a year so I felt like there was a lot of rust to shake off but also I wanted to push myself to do new things. I think an EP was a great mindset for me to explore who I needed to be”  (Shelflife Records)

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Heartless – JULIANA HATFIELD: Pussycat (American Laundrymat, 2017)

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El último trabajo de nuestra musa Juliana Hatfield (esta vez sin sus “Three“), se titula Pussycat, y en él encontramos algunos rasgos distintos del resto de su discografía. En primer lugar, se trata de un disco en el que intencionadamente (ya desde su portada), se busca descaradamente un cierto “feísmo” en su concepción, e incluso registro (grabado en pocas tomas, pocos arreglos); y en segundo lugar, la aparición de un elemento discordante en su biografía: el actual presidente de su país, contra el que se centran la mayor parte de los dardos, más o menos envenenados de Pussycat (la cosificación a la que considera Juliana que somete aquél a las mujeres): Short fingered man, Kellyane, Rhinoceros, When you´re a star, Sunny somewhere…
Personalmente, no soy muy partidario de emplear y mezclar la actualidad y la política con el Pop, pero esa es la decisión de Juliana, y como tal hay que aceptarla. Por lo demás, y en terreno estrictamente sonoro y musical, Pussycat se mueve perfectamente a gusto por el suelo que mejor sabe pisar: el Pop alternativo en el que tan gloriosos frutos ha encontrado la Hatfield a lo largo de los años, bien en grupo (Black Babies, The Juliana Hatfield Three), o en solitario; adornando sus discos con gemas como You´re breaking my heart o Wonder why.

“Juliana Hatfield wasn’t the only American citizen to recoil in horror when Donald Trump was elected President of the United States in November of 2016, but she was the first to write an album about her disgust. Pussycat — its title a nod to Trump’s infamous Access Hollywood tape where he claimed he could grab any woman by their genitals — seethes with anger but her rage is focused. She chooses her targets with precision, taking dead aim at Trump’s insecurities (“Short Fingered Man”), wife (“Rhinoceros”), and associates (“Kellyanne”). Perhaps “Short Fingered Man” could be seen as a crass joke, but that’s where Hatfield‘s fury works in her favor. Even when the tempos are slightly slow or the guitar hooks charm, there’s a nerviness to the performance that’s bracing. And, beneath that kinetic energy lies a wealth of smart, barbed songs, the best of which may be “When You’re a Star,” an explicit exploration of Trump’s Access Hollywood tape. What impresses about “When You’re a Star” in particular and Pussycat overall is how there’s no separation between the personal and the political.Hatfield is protesting Trump because he offends her personally, and the specificity of her outrage makes Pussycat an unusually powerful protest album” (All Music)

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