The Hoa Hoa´s: Hoa Hoa´s Ep (2011)
No tenemos mucho tiempo hoy en TJB, así que le dedicamos el espacio a uno de esos discos que me voy encontrando en mis viajes internautas. Un Ep de una banda del área de Toronto de nombre muy hawaiano: The Hoa Hoa´s. Debutaron en 2008, no son noveles, y facturan un Pop con reminiscencias añejas pero algo hipervitaminado y energizado. Grabado en pocas tomas, me recuerda, en cierta manera, cierta producción del Pop-Independiente que oíamos en los noventa (Blue gumball), tipo Delgados o Bis, por la descarga directa de sus temas y esa falta de complejos a la hora de registrarlos; y ciertos tratamientos más ochenteros en temas como All the time. Puede ser una buena alternativa energética descollante en el panorama Pop actual. El disco está disponible para descarga directa desde su Bandcamp.
The Hoa Hoa´s: Hoa Hoa´s Ep (2011)
“Their newest and 4th official release – simply titled The Hoa Hoa’s EP – consists of 6 new tracks and comes with some good and even better news. The good part is that the band is releasing this EP knowing that an extended break awaits them all. Reason being? Femke is heading back home to Holland to pursue her photography degree at the world renowned Rietveld Academie. This is an amazing opportunity and she has the support of all of those close to her.
As in the past, the band recorded the songs themselves at their recording studio that has come to be known as The Mansion.
With their 60s-garage-psychedelic sound and seemingly effortless ingenuity, The Hoa Hoa’s are the crown jewel in the Optical Sounds label not just for their DIY studio work, but also thanks to their buzz-worthy live act that get crowds dancing to their fuzzy, reverb heavy sets typically at psych-inspired parties complete with trippy lighting by Toronto legend, Steve Lindsey” (General Chaos)
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Land Lovers: Confidants (2011)
En estos tiempos, concebir un disco bajo patrones de un Pop de escuela, del de antes, del Pop influenciado por gentes tan ilustres como Ray Davies o el mismo Elvis Costello, puede resultar una temeridad, viendo los movimientos musicales y sonoros que actualmente están en boga. Para los que las modas nos importan un pimiento, como a nosotros o a estos chicos irlandeses llamados Land Lovers, ésto no es un inconveniente, sino más bien un estímulo. Confidants es un disco de Pop luminoso, muy luminoso, si queremos. Un disco que rebosa positividad y buenas vibraciones por todos sus surcos (si los hubiera). Un álbum que no tiene reparos en mencionar explicitamente al genio Ray (Terry & Julie), o en hacer guiños a gentes más contemporáneas como a los Blur de Modern Life is Rubbish (Is nowhere far away anymore?) u Olivia Tremor Control o Neutral Milk Hotel. Como en su caso, Land Lovers son los artífices y los promotores del sello para el que graban, un colectivo llamado Popical Island. Les podéis echar un oído y disfrutar de este Confidants en su Bandcamp.
Land Lovers – Confidants (2011)
“On this album, Land Lovers find themselves a rich pop style. Pádraig Cooney had an idea to write tunes that could conceivably be heard at the family sing-songs that he was subjected to throughout life, i.e. Rogers & Hammerstein numbers and other popular sounds of the 50s and early 60s. The Kinks, Neutral Milk Hotel and Lionel Bart’s Oliver! songs got mixed up somewhere (Is Nowhere Far Away Anymore?). Some songs have residues of the clean twin-guitars of Television (Life’s Work, Terry & Julie, Born in Armour). Ciarán Canavan was probably listening to Phoenix and Blur along the way (The Cinema Bell). Mostly, the songs led the arrangements and they ended up in places of their own choosing: sticking to an idea is not valued highly by Land Lovers.
Death and secrecy are the major themes, and they intertwine throughout. In The Pocket Orchestra’s Death Song, the protagonist’s loneliness and guilt is brought into focus by the death of his grandmother. Terry & Julieis the story of a dying man with Waterloo Sunset stuck in his head, pondering the gulf he perceives between his wife (who confides in God) and himself (who, lacking a confidant, dreams about the happy couple). Meanwhile, an elderly curmudgeon imagines a wilderness where he can escape from the infernal youths of the civilised world to breathe his last in peace (Is Nowhere Far Away Anymore?). There is also time for the discovery of songs on childhood holidays (As Low as Possible); superhuman teachers (Born in Armour); the strange courting rituals of humans (Legion of Saps); and the decline of a relationship between a football nerd and a Pole (Gravedigger)” (Press)
Kramer: Kramer (Ep, 2011)
El debut de mis paisanos gaditanos Kramer es un mini álbum de cinco canciones. Cinco temas llenos de intensidad, de sentidos y sentimientos a flor de piel. Una forma intensa de ver la vida y de entender la música. Del sentimentalismo constumbrista de Mi faceta más cobarde, a la Harrisonniana Despierta (bueno, la segunda parte de Despierta), pasando por la intensidad guitarrera de LDF2 y el aire ochentero de Pienso que sí y De espaldas a mí; las cinco canciones de Kramer forman un todo coherente que la banda quiere compartir con todo el mundo, y podéis hacerlo y descargarlas desde su Bandcamp.
“Gente con gusto diverso y cierto camino recorrido decide echar a pelear su creatividad, acaso por puro amor al riesgo, y aparecen canciones en la palma de una mano.
El expresivo cuarteto gaditano Kramer autoproduce un notable álbum digital que conviene escuchar completo, cinco temas de buena factura que retratan una manera de ver la vida distorsionada, compleja y tan simple a la par.
Kramer contra el silencio, Kramer frente al tedio, casi un año de trabajo volcado en luces y oscuridades, guitarras y susurros, melodías y riffs, atmósferas intensas y progresión emocional, recuerdan a mucha gente también dispar, desde los grupos pop de los noventa al escándalo travieso, la división de la melancolía y el circo del ritmo. Se les entiende mejor que a otros. Poseen crudo encanto, manejan las claves del golpe al estómago y la dulce venganza.
Acaso aún por pulir, o todo lo contrario, los Kramer responden a la voz y guitarras de Manolo Muñoz, las guitarras y bajos de Ignacio Gutiérrez, el bajo y las guitarras de Fran Fritz y la batería de Manolo Cabrera. Manolo se muestra satisfecho con la segunda colección de composiciones de la banda, que lleva tres años en la brecha. “Despierta, ya salió el sol” (rosasymosquitos.com)
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Turntable Kitchen, the November Mix (2011)
Hace tiempo que no posteo recopilaciones los lunes, y para volver a retomar las costumbres, os dejo con la Mixtape que el maravilloso portal Musico-Culinario Turntable Kitchen ha preparado para cerrar este mes de Noviembre que nos deja a las puertas de la época navideña.
Pinchando en cada tema del Tracklist podréis escucharlo y evaluarlo. El enlace central, como siempre, para descarga directa.
Turntable Kitchen. The November Mixtape (2011)
Tracklist:
01. Grimes – Oblivion
02. Canyons – Apples & Pears
03. Washed Out – Call It Off
04. Thousand – The Fall
05. 1,2,3 – Some Kinda Hate (Misfits Cover)
06. Shy Mirrors – I’m Not Around
07. Tennis – Tell Her No (The Zombies Cover)
08. Cass McCombs – The Same Thing
09. Ava Carrere – Pas Pour Toi
10. ASAP Rocky – Peso
11. Jhameel – Sweet Dreams (Eurythmics Cover)
12. Keep Shelly in Athens – DIY
13. White Denim – No Real Reason
14. Giraffage – LUV
15. Zodiac Death Valley – La Razon
16. The Dirty Dishes – Deer in Headlights
17. Newtimers – Falling
18. James Vincent McMorrow – Wicked Games (Chris Isaak Cover)
19. Starlight Girls – The Hunch
20. Concept – Breakthrough (feat. John Robinson)
Sudden Death of Stars: Getting up, going down (2011)
Escuchar la música de estos chicos de Rennes, France, es algo desconcertante, porque realmente en el panorama Indie actual no existe prácticamente ninguna banda que se decante tan descaradamente por la vertiente Psicodélica del Pop más hipnótico y alucinógeno con tanta fruición como lo hace esta banda.
Hablar de influencias con ellos es demasiado obvio, porque más parece que el disco esté dictado al dedillo de los viejos vinilos de los sesenta con bandas de Garaje y Psicodelia. Si a ello además le unes la huella de, por ejemplo The Brian Jonestown Massacre, The Velvet Underground, The Beta Band… pues te sale finalmente este Getting up, going down (2011), un disco que, a mi parecer, queda algo lastrado por su exceso de similitud y concordancia con los clásicos del género (en su grabación habrán empleado instrumentos añejos y otros como sitare y tablas, así como amplis de la época), y al que un poco más de frescura le hubiera hecho bastante bien. Con todo, un ejercicio saludable de revivalismo musical en el que destacan temas como Supernovae, Free & easy, Two, o Song for Laika.
Sudden Death of Stars – Getting up, going down (2011)
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Record Chaser. TJB November Compilation (2011)
Otro mes que pasa, y en The JangleBox estamos de enhorabuena al anunciaros una nueva recopilación, que este mes viene preñada de pequeñas sorpresas en forma de versiones (Widowspeak versionean a Chris Isaak, Euro-Trash Girl a Ray Davies y Dave Depper a Paul McCartney), gotas Shoegazers, aderezos Kraut, pizcas de Folk, de Pop-Barroco y el toque final de Power-Pop. Una mezcla deliciosa que tiene como postre una serie de temas que harán las delicias de los paladares más exquisitos y exigentes. Seguro que os gusta. Como siempre, todos los temas han sido cedidos por los artistas para su distribución legal.
Record Chaser. TJB November Compilation (2011)
Tracklist
01-The Sunshine Factory – Dive Dive
02-A Place to Bury Strangers – So far away
03-We Need Secrets – Slow summer
04-Sight Seeing – Sight seeing
05-Bleached – You take time
06-Bleached – Searching through the past
07-Euro-Trash Girl – Stop your sobbing
08-Wavves – I wanna meet Dave Grohl
09-Best Friends – Surf bitches
10-Dum Dum Girls – Bedroom eyes
11-Slowdance – Cake
12-Walden Dos – La primera vez
13-Neil Halstead – Tennis for Dennis
14-Bikini Test Failure – Yes, we´re having a good time
15-Dave Depper – Dear boy
16-The Wind – Hathor
17-Hallelujah – Know no pain
18-Widowspeak – Wicked game
Juliana Hatfield: There´s always another girl (2011)
Juliana lo ha vuelto a hacer. Sé de sobras que con la Hatfield me puede la subjetividad y el afecto personal hacia una música que me lleva acompañando desde hace ya dos décadas. Podría decirse que hemos madurado juntos en estos últimos años. Y es que en este There´s always another girl (2011), Juliana Hatfield ha vuelto a saciar mi hambre de estar cerca de su voz susurrante, de sus cálidas melodías, de sus frases de guitarras descarnadas. Ha vuelto a componer otro puñado de canciones que sin duda pasarán desapercibidas para el gran público Indie, pero que a mí realmente me emocionan. Esas pequeñas píldoras dulzonas que Juliana lleva facturando desde aquellos lejanos tiempos de Juliana Hatfield 3 o las Black Babies tienen aquí su exponente en cortes como Someone else´s problems, Sex and drugs, Don´t wanna dance, Candy wrappers, Stray kids, Taxicab, There´s always another girl…
En este nuevo álbum, Juliana huye de la languidez algo cansisna de Peace and love (2010) para acercarse algo más a la soberbia altivez de discos más juveniles. Cualquiera de los temas antes citados podría ilustrárnoslo.
El único pero que le pondríamos al disco es su producción un tanto descuidada (hay un tema en el que se oye los ladridos de su perro de fondo, a ver si averiguais cuál), aunque éso, en estos tiempos, más que un defecto, podría pasar por ser una virtud. Por lo demás, disco absolutamente de madurez, Juliana canta como nunca, su forma de interpretar su música sigue siendo tan sencilla como su punto de vista sobre el Pop: compromiso tan sólo consigo misma y con los que la rodean.
Juliana Hatfield – There´s always another girl (2011)
“For Juliana Hatfield fans, the release of There’s Always Another Girl should feel like an accomplishment. The songwriter’s been in a near-daily conversation with them about the album’s recording process through her PledgeMusic website and raised money by selling unique items and experiences on the site. Things fans could “pledge” for through the site ranged from a personal Skype session with the singer to the downright-weird “certified” lock of hair. These die-hards got the VIP treatment right up until the album’s completion, hearing There’s Always Another Girl a month early, and now Hatfield will see what the rest of the world thinks of it this week.
With these pledges funding a lot of the project (Hatfield’s PledgeMusic site says 489 percent of her fundraising goal was met), Hatfield created an album that was truly hers, and there’s a lot of good (and bad) that is tied to that. Not surprisingly for Hatfield fans, the album leans heavily on guitar-based songs that include razor-thin guitar tones and acoustic-led tracks. The singer’s pristine voice shines through on the album’s best track, the quirky, bopping “Sex and Drugs,” which doesn’t quite turn out to be the party its title promises. Instead, the song slams the “sex, drugs and rock ‘n’ roll” culture and its effect on women in both its lyrics and an anti-guitar solo that puts buzzes and whirrs in the place of full-note string bends.
But There’s Always Another Girl abstains from the rock and roll spirit in another way that isn’t as beneficial to the music—the album’s rubbing alcohol-sterile production. Tracks like “Candy Wrappers” and “Taxicab” are perfect in all the wrong ways. With its corny synth parts and a straightforward rhythm, “Candy Wrappers” sounds like a Pinkerton-era Weezer track without all the charm—the dirtied-up downstroked guitars and fuzzy, almost-clipping drums. And whether Hatfield likes it or not, she has a piercing clarity to her voice that makes her harmonies either angelically smooth or too much to handle all at once.
But beyond these issues, there’s a songwriter who has been honing her craft over several decades. “Don’t Wanna Dance”’s wiry guitar intro is interrupted by Hatfield’s dog’s incredible timing (think “Been Caught Stealing” by Jane’s Addiction) before launching into a relaxed, timeless rock groove. “Batteries” builds and builds before introducing a heavily modulated synth that sounds like it was built to induce paranoia. It’s moments like these that show Hatfield’s ability to take advantage of her own intentional, focused ideas and meld them with spontaneous moments of creative opportunity. There’s Always Another Girl isn’t perfect, but it is an awfully focused effort coming from an artist that is doing it for the right reasons” (pastemagazine.com)
The Notes: Fearless (2011)
Un año después de ver la luz en la discográfica Bleeding Gold Records su último lanzamiento: Wishing well, The Notes, el trío de Southampton formado por Sam, Lauren, Aaron y “su vieja caja de ritmos” lanza al mercado este Fearless (2011). Una colección de temas en su mayor parte inéditos pero también instrumentales y otros regrabados ya aparecidos en su disco de debut: Songbook. El espíritu de The Notes continúa más o menos inalterado. Es decir, amor a los temas con pocos acordes, al Pop playero, al Pop electrónico, hedonismo y cierta libertad para componer sus temas. Personalmente, además de las influencias del C86 y Sarah Rcds. les encuentro ciertas semejanzas con algunos grupos de la primera mitad de la década de los ochenta en España, léase Derribos Arias, Glutamato Ye-Ye o Aviador Dro, por su forma de interpretar, el tratamiento de los ritmos y su espíritu libre a la hora de componer e incluir canciones en sus álbumes.
Una banda cuando menos interesante, de esas que nunca llegarán a los grandes números pero que sin duda te sacarán una sonrisa en el momento más inesperado.
“These 10 tracks are pleasant indie pop appearances obviously influenced by punk-ish straightforwardness, Sonic Youth-esque feedback admiration, shoegaze-ish sound massives, blonde hairy indie, C86, and the artists on Sarah Records and Slumberland. While the album can be considered more past than present it is a nice listening though. Moreover, many melomans do think that old school music (indie) allows more hedonistic units than nowadays combos” (Recent Music Heroes)
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The Very Most: Patricia (Ep, 2011)
The Very Most son una de esas bandas con las que merece la pena reencontrarse cada cierto tiempo. Algo así como ese viejo amigo que te traía una cassette rebobinada en ese tema en particular que te perforaba los tímpanos durante una semana. Su animosidad y su frescura les convierten en una banda “atemporal”, de esas que facturan un Pop luminoso y estéticamente bello que no pasa nunca de moda. Comparados con infinidad de bandas (Teenage Fanclub, Beach Boys, Camera Obscura, Belle and Sebastian…), The Very Most tienen personalidad propia y ya un largo recorrido en esto de la música como para ser comparados con nadie.
Este Patricia (Ep, 2011), es su última producción. Además de ser amiguetes y pasarse por nuestro mail para dejarnos una copia del disco (no os dejo el enlace por ésto), The Very Most tienen cierto aprecio por las versiones, y en este Ep nos dejan una de The Pixies, el clásico Here comes your man, con dos realizaciones diferentes del mismo.
Con todo, las mejores de la colección son la titular, Patricia, y un tema titulado Jonathan Ritchman, una especie de declaración (clara) de intenciones de por dónde van sus intereses musicales: Jangle-Pop que suena a gloria.
Puedes conseguir el disco a un precio de risa desde aquí.
The Very Most – Patricia (Ep, 2011)
Delay Trees: Before I go go (Ep, 2011)
El combo finlandés Delay Trees, ya conocido por TJB, acaba de editar este verano su último Ep: Before I go go. Se trata de un disco amable, sencillo, sin demasiadas pretensiones ni concesiones sonoras elevadas. Temas de andar por casa, mezclando ese Shoegaze discreto de Owls go (la mejor del disco) junto con composiciones más racionales y pausadas como Before I go, que titula el disco. La banda ha tenido el detalle de ofrecernos, además, el disco para su descarga gratuita directamente desde su Soundcloud.
Delay Trees – Before I go go (Ep, 2011)
“Delay Trees is one of my favourite bands from Finland (in the past months the list grew quite fast with the release of amazing songs/records/eps from bands like Big Wave Riders and French Films and, of course, Delay Trees).
The EP was recorded during a weekend last May and features more of the cinematic/atmospheric mixture of shoegaze, indie pop and emotional melodies.
About the idea of making the ep, the band says it is “…a THANK YOU to all you wonderful people for your constant support…”
Although it is a digital free release, a limited cassette edition is also available and you can get a copy directly with the band here“ (chaotischundcharmant.com)
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Evil Evans: La tragedia griega (2011)
Con esta tercera maqueta entregada por Evil Evans, el músico gaditano residente en Sevilla nos ofrece otra vuelta de tuerca de su diario íntimo y personal, poniendo énfasis en los aspectos más autobiográficos de quien los vive. Del intimismo de Eres lo más (escrita ex-profeso para los publicistas creadores de la portada y el arte gráfico del disco) a la experiencia cotidiana de Destesto la feria (curioso título para un residente en Sevilla que además no la odia realmente); la música de Evil Evans (“Pop para chicas“, según sus palabras), continúa evolucionando, tanto en lo musical como en el aspecto compositivo. Esta Tragedia Griega es una maqueta algo más trabajada, hay muchos más arreglos (“La instrumentación es cada vez más compleja. Las canciones del primer E.P. tenían 8 o 9 pistas y en éste último no creo que ninguna bajara de las 20. Esto lo veo como un aspecto más negativo que positivo. No creo que haya que complicar tanto la música. Las letras del primer E.P. eran más etéreas, más ubicuas y van evolucionando hacia letras más concretas, más de contar una historia“).
A Evil se le nota una mayor experiencia vital, una cierta maduración en su música y una evolución -lógica- en sus planteamientos (con Brain damage se atreve incluso con el inglés). Como hasta ahora, la grabación, la instrumentación y la producción corren de su cuenta. Los arreglos, minimalistas a veces, en la mejor tradición Indie-Popera en otras (Viendo Falcon Crest), sin tener en cuenta las opiniones ni los criterios ajenos para expresar sus sentimientos ni su música (“No me veo con un tío diciéndote que es lo que tienes que hacer, con la presión de no poder equivocarte, teniendo que acabar rápido porque cada día cuesta una pasta, sufriendo porque no soy capaz de explicarle lo que quiero a los músicos y al técnico del estudio…”).
Evil Evans es todo un personaje, enamorado de la música y ejemplo de cómo hacer ciertas cosas: con la honestidad por bandera y con libertad absoluta para desarrollar su obra como mejor le gusta.
Evil Evans – La Tragedia Griega (2011)
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Euro-Trash Girl: Afterhours (Ep, 2011)
Hacía tiempo que no me ocurría un ejercicio de confusión como el que me sucedió con Euro-Trash Girl recientemente cuando les he conocido. Inmediatamente me sonó a grupo norteamericano, de esos que sonaban en las College Radio allá por los noventa. Incluso un amigo me comentó en el Facebook que “hacen que Eurythmics suenen como The Lemonheads”. Ahí puede estar resumida de la mejor forma la idea y el concepto que desprenden esta banda valenciana con gusto por el sonido conocido actualmente como Americana: gusto por las buenas melodías, guitarras chirriantes y machaconas, ritmos contundentes, cierta aspereza y tono melancólico. Sería demasiado prolijo hablar de influencias y en las palabras que os dejo abajo, tomadas de su Facebook, el propio grupo habla de ellas, habla de sí mismo y habla de lo que en breve será el comienzo de su carrera discográfica. Este Afterhours (Ep, 2011) es el aperitivo-golosina de un disco de debut titulado Floating down memory lane, que verá la luz ya en el 2012. Esperamos lo mejor.
Euro-Trash Girl – Afterhours (Ep, 2011)
A través de los acordes de EURO-TRASH GIRL fluyen referencias que capturan la vitalidad de R.E.M y la delicadeza instrume…ntal de WILCO, sin dejar de sentir bien latente la presencia de clásicos como NEIL YOUNG o TOM PETTY.
Esta energía positiva tan característica de la banda se complementa a la perfección con la visión femenina de su vocalista, que le da ese toque personal y reconocible, endulzando la distorsión y aportando sentimientos a las canciones, tal y como lo harían AIMEE MANN o LUCINDA WILLIAMS.
Estamos ante una banda con las ideas claras, y esto se plasma en sus discos, dado que hasta la fecha cada uno de sus álbumes ha sido producido por ellos mismos.
Para el próximo 2.012, EURO-TRASH GIRL tiene preparado nuevo disco: FLOATING DOWN MEMORY LANE.
Como avance el EP 10″ ‘Afterhours’ verá la luz en Octubre 2011, donde EURO-TRASH GIRL nos volverán a sorprender con su nuevo material y nuevas y electrizantes versiones de sus grupos favoritos!!” (Facebook)
Sight Seeing: Y C (Ep, 2011)
Como todos sabéis, Brooklyn es una de las nuevas mecas del Indie más rabiosamente actual del momento. Uno de los movimientos surgidos desde el barrio neoyorquino es el resurgir del Shoegaze, con distintas variantes. Sight Seeing, anteriormente conocidos como Youth Castles, facturan esa suerte de Noise-Pop con ecos Shoegazers y guitarras chillonas y ansiosas que tanto gustan por TJB. Este disco es su primera referencia-maquetera y se trata de cuatro temas que conforman un bonito Ep con todos los elementos clásicos del género. Puedes echarle una escucha en su Bandcamp y de paso descargarte gratuitamente el disco.
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Sin Kitty: Wonder when (Ep, 2011)
A fuerza de ser sincero, el Ep de presentación de esta banda de Asheville, Carolina del Norte, es un disco que casi pasaría desapercibido si no fuera por el sensacional Addie, un temazo tremendo con un hook de guitarra de reminiscencias psicodélicas dignas de los mejores Tame Impala, letras casi recitadas, guitarras zumbonas y chirriantes, un cierto ambiente claustrofóbico y un resultado sobresaliente. El grupo factura algo así como una suerte de Shoegaze de influencias Psicodélicas. El resto de temas no llega a la altura de Addie, aunque quedan como buenos ejemplos del mejor Pop-Psicodélico que nos podemos encontrar en estos comienzos de década, como Only when (I´m lonely), que nos evoca a las No Joy más inspiradas. Seguro que en breve nos podremos encontrar con más buenos ejemplos.
Sin Kitty – Wonder when (Ep, 2011)
“Based out of Asheville, North Carolina, Sin Kitty is a fresh new act with a lot of potential that is definitely worth your time. So drugged-up and heavily psychedelic with hints of lo-fi punk that the short 12 mins of Wonder When suffice will seem shorter. However, it’s got some great songs and one that is particularly catchy as hell and the highlight of the EP, track #3, “Addie”. It echoes and whispers and walks you through a dreamy path and although the song is only 2.38min long it sticks with you for the rest of the day. The repetitive guitar riff (Tame Impalaish) is so addictive that you’ll find yourself wanting to listen to it over and over again, you’ll hum it while you shower and think about it while you inhale your cigarette and you may not truly realize what song you have looping in your mind. Other highlights are the opening song “Only When (I’m Lonely)” and “Dirty Rotten Kids”, but the truth is that if you like this kind of music, you’ll end up liking all of them and you’ll be addicted to them, they’re so short, they demand various listens. If you are the music lover of bands like James Ferraro, Wavves and Tame Impala and you like their cover art as much as I do, you’ll like this EP, if you don’t, then your ears may or may not be grateful, but I’m inclined to say they will. I’m really really looking forward to see how their sound evolves and for further releases, but meanwhile, download their debut EP for free and give it a couple listens, it’ll only take 24 mins of your day. I’m also posting 2 pretty cool videos of them, enjoy!” (theweirdfishes.com)
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Dog Day: Deformer (2011)
Dog Day no son una banda novel. Son un grupo ya de largo recorrido, y este Deformer (2011), su último álbum, es, además, el primero en el que Dog Day se presentan como un dúo, abandonando su formación de cuarteto clásico. Seguimos pensando que la fórmula marido-mujer continúa funcionando, como aseverábamos hace poco a propósito de All in the Golden Afternoon. Y es que desde que The Strokes hicieron acto de aparición, numerosos dúos han ido demostrando que esta fórmula da buenos resultados. En Dog Day funciona en el sentido de que tanto Seth Smith como Nancy Urich componen y cantan sus propios temas. Los temas de Seth son algo más agrestes mientras que los de Nancy son mucho más pausados y algo más reflexivos y delicados. Dog Day además, han evolucionado un tanto desde su sonido Garaje-Pop hacia un disco bastante más Pop que Garaje, lleno de emociones y mensajes directos. Un disco producido con pocos medios y menos arreglos, hecho a flor de piel y con instrumentaciones a veces básicas. No obstante, los amantes de los sonidos más rudos pueden estar de enhorabuena encontrándose con cortes como Positive, What she says, Eurozone, Scratches, Nothing to du…
“I have always liked a good song over fashion, fame, or finesse. This is the reason Dog Day have always had a special place in my heart and stereo. From the first glimpse of their potential on their Thank You EP, to the confirmation of greatness with their Night Group LP, they have yet to resort to tricks or gloss. You would be wasting your time searching for a band with more artistic integrity or creative quality. Deformer is their first record as a duo yet that seems to be an irrelevant point of interest with no sign of lacking musically or otherwise. The joy of hearing Deformer is hearing imagination rise up in the arrangements of a two piece band with hooks like Nancy’s LaLaLas on “in the woods” or the crunchy tom rolls on “Bluish Grey”.
There is an alchemy to Seth Smith’s songwriting, a crucible of dark pop and melodic heaviness. The lifting chorus in “Part Girl” and the timeless pop knitting of “Eurozone” demonstrate the muddy soaring anthems he is capable of penning. Nancy’s tracks “I wanna mix” and “Bluish Grey” prize themselves as some of the strongest on the album with her fragile vocals sitting perfectly in the mix. The vague resemblance to something punk or rock washes around the album without wetting the songs or carrying away the aesthetic. This album is a step closer toward Yo La Tengo and Eric’s Trip while maintaining the tone and feeling Dog Day fans are familiar with” (southernsouls.ca)
Wiretree: Make up (2011)
El tercer álbum de Wiretree, Make up (2011), representa un cierto cambio sonoro en sus planteamientos clásicos Powerpoperos. No es que cambien su idea de componer o de entender el Pop-Rock, sino que su concepto inicial torna hacia una cierta crudeza guitarrera algo más tradicional, en la línea de unos Jayhawks, Wilco o incluso cercana a Neil Young.
Con todo, Wiretree, en este álbum continúan tozudamente con su idea de desarrollar ese Power-Pop, aún a pesar de que sea un género poco empleado en estos tiempos e incluso denostado desde algunos sectores. Lo que no se puede negar es la competencia musical del combo de Kevin Peroni, alma mater y compositor principal de la banda. Make up es un disco muy tradicional, auténtico, algo así a lo que se programaba en las College Radios a comienzos de los noventa. Un disco eminentemente “de guitarras”, sin ninguna concesión estética a moda musical alguna. Un disco un tanto desfasado en ese aspecto, pero clásico en sí mismo, grabado además según unos patrones de producción conscientemente añejos, utilizando trucos y sonidos evidentemente “de otra época”. Registrado con mimo y ejecutado a la perfección, los cortes de Make up desfilan por el reproductor armoniosamente brincando entre melodías de Pop luminoso (Tiny hearts), de estribillos fácilmente recordables (Tonight), de guitarras crudas (The shore, Broken foot, Dakota) e incluso de reminiscencias claras (The shore es un claro homenaje a Iggy Pop). Un disco, amable, hermoso, que hará reencontrarse a los amantes del Power-Pop con las raíces más claras del género.
“Formed as a solo project by singer/songwriter Kevin Peroni, the indie rock band Wiretree comes to us from Austin, TX. After Peroni released his first full-length album, Bouldin, he decided to go out and recruit a few new band members. Kevin is now accompanied by Joshua Kaplan on guitar, Rachel Peroni on bass and drummer Daniel Blanchard. Wiretree’s new LP, Make Up, will be released on Sept. 6.
With sweet-sounding cymbal hits along with Rachel’s smooth bass line, “Make Up” gets the album off on a good foot. The following track, “Broken Foot,” is toned-down a little, but the electric guitars delivered by Joshua and Kevin certainly make this short tune stand out. “Tinyhearts” is more melodic than some of the other songs here as Kevin delivers a nice piano-driven melody in addition to mixing in an acoustic guitar. Describing a relationship, the emotional “Tonight” is one of the better songs.
Things start to get interesting with “The Shore.” The music sounds nearly identical to the Green Day hit “Holiday.” I don’t know if it was intentional or not, but I was really shocked to hear how much they sounded alike throughout all of the two and a half minutes. While singing about just wanting to be with that special person, “MTH” is arguably the best and most diverse track on the disc.
I was fairly impressed with the new album. From start to end it’s like going through a bunch of emotions while some very harmonious music is played. If you’re looking for a soft pop/rock album for easy listening, look no further than this one. In a word: pleasing” (theaquarian.com)
Tiger Waves: Only good bands have animal names (2011)
Fruto de sus largas horas de estudio e investigación en los laboratorios de Teoría de la física de la Nasa, uno de los dos miembros partícipes de Tiger Waves, James, comenzó a enviarle mails con retazos de canciones, con Mp3´s, con ritmos, secuencias… a Reid, el otro componente de la banda, estudiante de Filosofía de Chicago; hasta que comenzaron a dar forma a lo que ahora conocemos como Tiger Waves, ese proyecto un tanto caótico pero hermosamente armónico con sede en Austin, una de las nuevas Mecas de la escena musical independiente. El resultado es algo así como un cruce algo extraño entre The Beach Boys, The Beatles, The Olivia Tremor Control, The Lilys… todo ello producidos por Phil Spector (ya que Syd Barrett no podría hacerlo, al encontrarse indispuesto), en un día de bajón. Una propuesta imaginativa de Cosmic-Surf-Rock (en sus propias palabras), absolutamente arrebatadora que seguro que a nadie dejará indiferente. Por lo pronto, han autoeditado un álbum de debut, este Only good bands have animal names (2011), un Ep (God bless America the beautiful, 2011), y un par de singles que no aparecen en el álbum. Lo mejor: que lo comparten altruistamente con todo el mundo que quiera acercarse a su Bandcamp.
Tiger Waves – Only good bands have animal names (2011)
“Tiger Waves was birthed on the Internet in the spring of 2011. At that time James worked for NASA in the Department of Theoretical Cosmic Physics in Austin, TX and spent his days paying bills and playing with his little dog Pierre. Meanwhile, Reid studied continental philosophy in Chicago and avoided the cold weather whenever possible by staying inside and deconstructing his experience of the cold. After a freak shuttle accident, James was hit on the head and began believing that he was either Phil Spector (on a good day) or Syd Barrett (on a bad day). To play into these delusions, Reid went along with it claiming that he was in fact Brian Wilson. Then, on a whim, these two friends began emailing each other, in mp3 form, fragments of their songs: half written melodies, chord progressions, drum beats, and so forth. Slowly and surely—as the sonic layers were piled atop one other—the fragments began to take shape and look, each day, less and less like isolated bits of music and more and more like finished songs. Harmonies were added to melodies, distorted slide guitar solos were overdubbed on top of fuzzed out verses, Humphrey Bogart’s voice, dripping with delay, was inserted into the background of folksy funeral ballads, stream of consciousness lyrics were quietly sung in dark and sullen dorm rooms in desperate attempts not to wake the roommate. This went on and on, week after week—nearly ad infinitum it seemed. These songs, with all of their chaotic bedlam and wry humor, are the product of that secluded and protracted process. We, of course, hope you enjoy it” (Bandcamp)
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The Boombox Hearts: Crank it up (Single, 2011)
El Folk intimista y algodonoso de los daneses Boombox Hearts es el protagonista del espacio de este post. Crank it up es un tema compuesto este verano y que no está incluido en su Ep de debut Monte Carlo (2011).
The Tweeds: Goliath (2011)
Para ser sincero con una valoración de este disco de debut, Goliath, de la banda de Filadelfia The Tweeds, he de decir que me produce sensaciones encontradas, variadas e incluso, por qué no, desconcertantes. Su comienzo es impecable: Weekend guest es de esos temas pausados que te van calando poco a poco, a base de guitarras plomizas, un riff machacante y un ritmo pesado acompañado todo ello de una melodía impecable. Sin demasiadas estridencias, nos encontramos ante la antesala de un disco que promete mucho. Goliath, el segundo corte, no cambia mucho el registro, y nos encontramos ante algo así como unos Dandy Warhols igualmente parsimoniosos, creando un ambiente algo hipnótico con sus guitarras arrastradas. 90 in the afternoon, el siguiente tema sí que cambia el punto de vista. Ahora nos hallamos ante una canción mucho más alegre, en espíritu y en concepto, marcando los tiempos unos coros muy felices “Uhhh Uhhh” que te enganchan desde el comienzo.
A partir de aquí, el registro de Goliath cambia de un plumazo. Lo que eran grandes expectativas se convierten, de algún modo, en un viaje algo desnortado sin un rumbo demasiado fijo y algo falto de criterio, incluyendo incluso instrumentales (Spaceship, First signs of winter, Dreaming in distorsion), algún tema acústico (Linden trees) y alguno incluso de onda bailable (A party to celebrate the end of universe); junto con composiciones que no guardan el alto nivel de las tres primeras, aunque guardan entre ellas un cierto hilo conductor que podría ser el Shoegaze más melódico con influencias más o menos espaciales e incluso levemente alucinógenas (Shut in, dark; The red road).
Disco un tanto errático, en resumen, donde podemos encontrar, sin embargo algunos cortes de muy elevado y apreciable nivel Pop junto con otros que son mucho más prescindibles.
“The Tweeds are what taking drugs sounds like. Probably. A self-proclaimed act of “indie psychedelic shoegaze,” the band, fresh off the presses in Philly’s music scene, could do wonders scoring stoner flicks. But The Tweeds are also remarkably talented musicians—“Weakend Guest,” the opening track of their recently released debut, Goliath, is a catchy and melodious trip. In other tracks like closer “Shut in, Dark,” layers swell in and out, and vocals often sound like whispers from the back of a resonant, empty concert hall. It all comes together into a wonderfully numbing soundtrack for any activities the kids might want to just say no to” (avclub.com)
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The Flamin´Groovies: Shake some action (1976)
The Flamin´Groovies fueron una banda que nunca encontró su momento ni su lugar adecuado. ¿Por qué digo esto? Porque surgieron en USA, allá por los finales de los ´60 cuando el panorama que predominaba era el soleado de los Hippies y la Psicodelia y la música que ellos planteaban era un cruce entre el Rytmn´n´blues, el boogie y el Rock. Con el cambio de década, decidieron emigrar al Reino Unido planteando entonces un Pop más cercano a la oleada británica de los ´60 mezclado con elementos del Folk-Rock de los Byrds, cuando lo que se empezaba a estilar por entonces eran los sonidos progresivos y la nueva ola. Sea como fuere, la banda liderada por Ciryl Jordan, Roy A. Loney, George Alexander y posteriormente Chris Wilson dejó por el camino un buen puñado de Lp´s entre los que destaca este Shake some action. El grupo había decidido abandonar los USA para trasladarse al Reino Unido (en Europa tuvieron mucha más aceptación que en su país) y tras la marcha de Loney y guiados por Wilson grabaron este maravilloso disco producido por Dave Edmunds. En él, como decíamos anteriormente, el sonido de la banda torna hacia elementos más Pop, con la influencia de las bandas británicas de los ´60 y la musicalidad de The Byrds. Canciones como Shake some action, Sometimes, Yes it´s true, You tore me down, Please please girl, I´ll cry alone, I saw her, Teenage confidential, I can´t hide, Misery (cover de Lennon-McCartney) dan buena prueba de ello. Las melodías son irresistibles, y el tono meláncolico predomina en todo el álbum, unido a un sonido un tanto sucio fruto de la producción de Edmunds. Las acompañaban otros temas como St. Louis Blues, Let the boy Rock´n´roll, She said yeah, en las que el sonido de sus raíces se hace más presente. No andamos muy equivocados si decimos que quízás se trate del mejor álbum del grupo, una banda de culto a la que deberíamos prestar más atención como fuente de inspiración para muchas bandas posteriores. Si queréis saber algo más de ellos, pinchad aquí.
The Flamin´Groovies – Shake some action (1976)
“A lot had happened with the Flamin’ Groovies in the nearly five years that separated the epochal Teenage Head album and their return to American record racks with Shake Some Action. The Groovies lost their record deal with Buddah, lead singer Roy Loney had quit the band leaving Cyril Jordan as uncontested leader, and they had spent a lot of time in Europe, building a significant following in the United Kingdom. As a result, the Flamin’ Groovies on Shake Some Action almost sound like a different band, albeit one driven by a similar obsession with the utter coolness of pre-hippie rock & roll. (The fact that Jordan and bassist George Alexander were the only holdovers from the Teenage Head lineup probably had a lot to do with the different approach as well.) The rawer blues and rockabilly accents were gone from the Groovies’ sound, with the guitar-fueled cool of the British Invasion era taking their place. While this version of the Flamin’ Groovies didn’t rock out with the same manic fervor as they did on Flamingo or Teenage Head, they could indeed rock when they felt so inclined, as demonstrated by the glorious “Please Please Girl,” “I Can’t Hide,” and “Let the Boy Rock and Roll,” while the Brit-flavored take on “St. Louis Blues” showed that some shades of the old band were still visible. And the title cut was a stunner — a brilliant evocation of the adventurous side of British rock circa 1966, “Shake Some Action” was tough, moody, wounded, and gloriously melodic all at once, and by its lonesome served as a superb justification for the Groovies’ new creative direction. If Shake Some Action was the first salvo from the new and improved Flamin’ Groovies, it also demonstrated that this edition of the band had as much promise as the Loney-fronted group” (allmusicguide.com)
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