The Jimi Hendrix Experience: Live at the Monterey International Pop Festival

Fragmentos de la actuación incendiaria -nunca mejor dicho- del gran Jimi Hendrix en el Festival de Monterrey. En Hey Joe utiliza todos esos trucos de tocar con la boca o hacerlo de espaldas. Killing floor es otra gran interpretación, y para terminar, no podríamos dejar pasar la oportunidad de presentaros el momento antológico por antonomasia del festival, que fue cuando incendió su preciosa -¿o era una réplica?- Stratocaster. Antológico.
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Monterey International Pop Festival, Part-8/9

En esta penúltima entrega dedicada al Festival de Monterrey en el Retro-Visor de esta semana le vamos a prestar atención a las actuaciones de The Grateful Dead y de Jimi Hendrix. La banda liderada por el californiano Jerry Garcia se distinguió, básicamente, por su capacidad de mezclar estilos e influencias variadas en su música, prácticamente todos los géneros mayormente practicados en Norteamérica (Folk, Pop, Country, Jazz, Rythmn´n´Blues), abriéndose igualmente a las jam sessions y a las improvisaciones gracias al innegable talento de sus miembros; si bien su notoriedad les llegó gracias a su irrupción en medio de la escena Pre-Psicodélica, compartiendo escena con gentes como The Jefferson Airplane o The Lovin´ Spoonful.
“The Grateful Dead formed during the era when bands like The Beatles and The Rolling Stones were dominating the airwaves. “The Beatles were why we turned from a jug band into a rock ‘n’ roll band,” said Bob Weir. “What we saw them doing was impossibly attractive. I couldn’t think of anything else more worth doing” Former folk-scene star Bob Dylan had recently put out a couple of records featuring electric instrumentation. Grateful Dead members have said that it was after attending a concert by the touring New York City band The Lovin’ Spoonful that they decided to “go electric” and look for a dirtier sound. Gradually, many of the East-Coast American folk musicians, formerly luminaries of the coffee-house scene, were moving in the electric direction. It was natural for Jerry Garcia and Bob Weir, each of whom had been immersed in the American folk music revival of the late 1950s and early ’60s, to be open-minded toward electric guitars. But the new Dead music was also naturally different from bands like Dylan’s or the Spoonful, partly because their fellow musician Phil Lesh came out of a schooled classical and electronic music background, while Pigpen was a no-nonsense deep blues lover and drummer Bill Kreutzmann had a jazz and R&B background. For comparison purposes, their first LP (The Grateful Dead, Warner Brothers, 1967), was released in the same year that Pink Floyd released The Piper at the Gates of Dawn and the Beatles released Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. The Grateful Dead’s early music (in the mid 1960s) was part of the process of establishing what “psychedelic music” was, but theirs was essentially a “street party” form of it. They developed their “psychedelic” playing as a result of meeting Ken Kesey in Palo Alto, CA and subsequently becoming the house band to the Acid Tests he staged” (wikipedia.org)
Hablar de Jimi Hendrix a estas alturas resulta casi absurdo, en cuanto que está considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, así como de los más innovadores. Fue de los pioneros en introducir el concepto del Power-Trio, aunando las tareas de guitarrista rítmico y solista en una sola figura, gracias al empleo de pedales de feedback o los entonces novedosos wah-wahs. Partiendo de bases de Rythmn´n´Blues, su música derivó hacia el Ragga-Rock o el Rock Progresivo, siendo una influencia vital en bandas y guitarristas posteriores, especialmente en los setenta. Como curiosidad, os diré que ninguno de los tres miembros originales de The Jimi Hendrix Experience permanece con vida, detalle macabro donde los haya.
“Though initially conceived as Hendrix’s backing band, The Experience soon became much more than that. Following the lead of Cream, they were one of the first groups to popularise the “power trio” format, which essentially stripped a rock band line-up down to the essentials: guitar, bass and drums. This smaller format also encouraged more extroverted playing from the band members, often at very high volumes. In the case of The Experience, Hendrix mixed lead and rhythm guitar duties into one, while also making use of guitar effects such as feedback and later the wah-wah pedal to an extent that had never been heard before. Mitchell played hard-hitting jazz-influenced grooves that often served a melodic role as much as they did timekeeping. Redding played deceptively simple bass lines that helped to anchor the band’s sound. Visually, they set the trend in psychedelic clothes, and, following his band-mates’ Bob Dylan 1966-style hair-do’s, Mitchell got himself a permed copy. The group came to prominence in the US only after the June 1967 Monterey Pop Festival, one of the first major rock music festivals. The band’s performance ended with Hendrix famously setting his psychedelically painted Fender Stratocaster on fire. After the festival they were then asked to go on tour with The Monkees as the opening act. They left the tour after only a few dates – Chas Chandler later said that it was all a publicity stunt” (wikipedia.org)

Disc 8 (Sunday Night 18.06.1967)

GRATEFUL DEAD
1. Viola Lee Blues
2. Cold Rain and Snow

THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE
3. Killing Floor
4. Foxey Lady
5. Like A Rolling Stone
6. Rock Me Baby
7. Hey Joe
8. Can You See Me
9. The Wind Cries Mary
10. Purple Haze
11. Wild Thing
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Au: Versions (2009), Aagoo Records

Este Ep de siete temas del dúo de Portland Au es una especie de revisión de algunos de los temas incluidos en su anterior trabajo, Verbs, se ha editado este otoño siguiendo más o menos las mismas pautas de su antecesor, es decir, Pop-Experimental-Pseudo-Psicodélico y Free-Folk a mansalva, receta que está siendo utilizada por gentes como Devendra Banhart o Animal Collective con evidente aceptación por parte de mucha de la sesuda crítica musical norteamericana o británica. Como sabéis, la línea de The JangleBox no va mucho por aquí, pero bien, nos hemos propuesto catar un expectro amplio de sonoridades, y la propuesta que nos presenta Au es tan respetable como cualquier otra. Formados basicamente en torno al multiinstrumentista Luke Wyland y al percusionista-batería Dana Valatka, el dúo factura esa especie de Pop-Experimental/Free-Folk al que nos referíamos, dando rienda suelta sin complejos, ataduras ni esquemas más o menos tradicionales de la música popular a sus composiciones. De este disco, a destacar Ida walked away, especie de oda brianenoniana con cantidad de arreglitos incidentales y percusiones por aquí y por allá. El resto de los temas son ejemplos de esa experimentación y acercamientos al Free-Folk e incluso, por qué no, jazzísticos o étnicos. Disco de difícil digestión.
“Leader Luke Wyland and percussionist Dana Valatka have found a powerful symbiosis that casts them among some of the better fractured and noisy duos riding out on the distant periphery. Mention of Krautrock and Steve Reich gets tossed about in the company of Wyland, but his songs, despite their own auteur-like minimalism, travel well beyond those markers.
In a live setting the duo expands into what might be called a mini-orchestra, with up to 20 members. The lone new song here, “Ida Walked Away,” is a real nice find. It comes out swinging, and slowly makes its way toward a much more cacophonous and curmudgeonly Talking Heads track, or maybe an outtake from the noisy record the ‘Heads never released. “RR vs. D” dons My Morning Jacket apparel with a melody that’s all tangled up in blue. “All Myself” is slower, denser and even more emotionally complex and dank, coming closest to the experimental side of Soft Machine.
“Death” also hangs around with Jim James and the fellas for a spell, before falling apart altogether, and wandering around aimlessly like an oddly subdued Truman’s Water, or something equally oxymoronic. “Boute” even goes so far as to flirt with some of the bitter and caustic John Cale material circa mid-late 70s. Wyland has established that he can cop a sound from just about anywhere, reanimate the past and even rattle some cages. Now, can he produce the Masterpiece that will propel him to the heights of some of his compatriots? The next real album will tell us a lot. Versions is also available on ten-inch vinyl in a limited edition of 500″ (imposemagazine.com)
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Au: Versions (2009), Aagoo Records

El dúo de Portland Au acaba de editar este Ep de siete temas en el que nos presentan un cruce entre el Pop-Experimental-Pseudo-Psicodélico y el Free-Folk con algunos componentes jazzísticos o tribales. Disco de difícil digestión. Más información en The JangleBox.

Cerys Matthews: Arlington way (from Don´t look down, 2009, Rainbow City Records)

Cerys Matthews: Don´t look down (2009), Rainbow City Records

En la vida hay personas a las que se les presenta una nueva oportunidad cuando menos se lo esperan. En el mundo de la música suelen ocurrir esas segundas oportunidades a músicos que andaban más o menos perdidos o errantes y, de repente, se les aparece la oportunidad perdida en forma de canción inspirada, de álbum redondo o simplemente de campaña de marketing. En el caso de Cerys Matthews, el mundo de la música le ha ofrecido esa nueva oportunidad -aunque igual nunca ha desaparecido del todo-, para reaparecer con este tercer disco en solitario. Un disco en el que la cantante y compositora galesa hace gala de una cierta frescura que muchos habríamos dado ya por perdida. Una serie de temas que pueden coquetear tanto con la escena indepediente como con la masiva. Una especie de querer reclamar su sitio, ese espacio que nuevas cantantes como Duffy pareciera que le hayan querido arrebatar. Tras varios escarceos personales, avatares psicológicos, un divorcio, y un paso por la música Folkie, de pronto le surge la oportunidad de presentar un show radiofónico y de reengancharse al mundo de la música con este Don´t look down (Rainbow City Records, 2009), un disco que, sin sorprender sobremanera, sí que mantiene un tono medio de cierta cordialidad y frescura que hace que se deje escuchar con facilidad. En él, Cerys hace gala de un nivel compositivo más que aceptable, y de esa voz personalísima que sí que mantiene toda la frescura de los tiempos -grandes tiempos- de Catatonia, pese a que el número cuatro ya aparece en su matrícula. Desgraciadamente, no todos los temas tienen ese nivel notable y algunos están lastrados por una producción un tanto recargada: Oranges to Florida, Salutations, It´s was left (that makes it right), Heron. Afortunadamente hay otros donde sí aparece la inspiración: Arlington way, con un toque de distinción de banda sonora, es un gran single. Aeroplanes, que pasaría por cualquier tema de Pop adolescente, adornado con un aura de guitarras ensoñadoras y un crescendo instrumental que acaba con unos arreglos de cuerdas muy interesantes. Spider and the fly -nada que ver con el tema de Jagger-Richards– es un medio tiempo algo Retro en el que la voz de Cerys es un instrumento más y destaca sobremanera. Smash the glass es de inspiración Spector, con ese ritmo tan marcado y característico que tan de moda ha vuelto a ponerse este año, y que nos recuerda al Pop femenino de los sesenta mezclado con un aire a lo Saint Etienne. A captain needs a ship tiene un cierto parecido a algún tema de Beck tamizado por la sensibilidad femenina de Cerys. Evelyn es en mi opinión, un temazo, una preciosa balada en la que la voz sensual de Cerys nos desarma y conforma un tema absolutamente brillante y arrebatador en el que por medio nos encontramos con retazos psicodélicos. Disco con altibajos pero con en el que Cerys Matthews ha realizado una suerte de catarsis con su vuelta a Londres y a la escena musical, ha sido grabado entre Nashville, Seattle y Londres y editado tanto en inglés como en galés.
“Welsh songbird Cerys Matthews, once voted the Sexiest Female in Rock (Melody Maker 1999) must be cockahoop with her new album. Don’t Look Down is a drastic shift from her debut solo, Cockahoop and its follow-up Never Said Goodbye.
Her first album was deeply rooted in her then surroundings in America, when she was married. Her return to Wales (and now London) has brought a much bigger musical vision set in the 60s and occasional dips into her ex-band’s repertoire. There’s no attempt to become another Duffy however, though I’m sure she’s noticed what her compatriot has been up to.
After several ups-and-downs following her departure from Catatonia – a divorce from Nashville record producer Seth Riddle, a relocation to her beloved Wales and much publicised fling with an I’m A Celebrity…contestant, this album acts as a form of catharsis.
On the lush 60s Into The Blue she declares,” I’m not looking for trouble, trouble always finds me,” though her spirit remains upbeat.
In a recent showing on BBC 1’s The One Show, she admitted it was an album of positives, hence Don’t Look Down.
Broadening her musical horizons, Matthews includes some huge production values a la Phil Spector found on the cinematic sweep of Arlington Way, a strong single in the making. Those soundscapes are littered masterfully across the entire collection however.
Keeping the retro-feel, there’s also nod in the Motown direction on perky dance -bound Smash The Glass, while sweet filigree ballad Aeroplanes veers towards a ’68 mood, providing our Cerys with one of her best vocal performances ever.
There’s a grittier epic touch to the laidback Spider And The Fly whereas It’s What’s Left is mostly chaotic hi-octane pop proving the lady can still pack a punch.
Salutations takes the form of a desperately lonely mum noting a diary to a smooth and stylish sweep and hushed voice: the jewel in the crown. Then she goes all bold and brassy like some of her Catatonia days on punchy A Captain Needs A Ship, with edgy Heron hinting at 40s angst.
Matthews has written some great pop singles…but this is her best work to date, no question.The verdict – Very, very impressive” (allgigs.co.uk)
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Cerys Matthews: Don´t look down (2009), Rainbow City Records

Cerys Matthews, quien fuera cantante de Catatonia en los noventa, acaba de editar su tercer larga duración, Don´t look down (2009), buen disco grabado a caballo entre Londres, Nashville y Seattle en el que se mezclan varios estilos dentro del Pop, desde el más desenfadado hasta el más psicodélico, o el Retro-Spector, y que da como resultado un disco con una cierta frescura y que es fácil de oír. Más información en The Janglebox.

Ex Norwegian: Alternate Stand By (2009), Dying Van Gogh

Roger Houdaille, líder y compositor principal de Ex Norwegian, en vista de que muchas de sus canciones andaban rodando por la red en formato demo, decidió tomar el toro por los cuernos y editar este Alternate Stand By, utilizando la interesante plataforma BandCamp y así apuntarse a la moda de este año de editar un disco y una continuación más o menos inmediata, debido al éxito del primero. Lo cierto es que este Alternate Stand By no está nada mal, aunque sin duda desmerece a Stand By, uno de los mejores discos de Power-Pop del año, mucho más cuidado y arreglado, aunque así el grupo de Florida se mantiene en la actualidad musical y los seguidores sabemos cómo se gestionó el mismo. Interesante pero no imprescindible.

“Tracks from a supposed “alternate” Standby, Ex Norwegian’s debut album, have been floating around the net for a while now, which may be because such an album has been in the works for some time. Roger Houdaille, lead singer-songwriter of the band, has decided to release the alternate album – which consists primarily of his home demos – thru an innovative and well designed indie D.I.Y. retailer BandCamp Stream the album for free, or name-your-price downloads, entire album starting at $5.” (MySpace)

Tracklist:

1. Fujeira In My Dreams (demo) 02:44 info download
2. Sigur Ros Banana (demo) 03:25 info download
3. Something Unreal (demo) 02:07 info download
4. Fresh Pit (demo) 02:05 info download
5. Pow3rfull (alternate version) 02:17 info download
6. Sudeki Lover (original version) 02:50 info download
7. Sudeki Lover (demo) 02:37 info download
8. Add Vice (demo) 03:24 info download
9. Gross You (demo) 02:01 info download
10. Dance Trance Pants (demo) 02:58 info download
11. All Over Again (demo) 03:03 info download
12. My Name Is Paul (demo) 03:24 info download
13. Ginger, Baby (outtake) 02:54

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Afternoon Naps: Orange paw (2007)

Afternoon Naps: Parade (2009), Happy Happy Birthday To Me Records

Para inaugurar la semana vamos a hablar de uno de esos grupos que alegrarán los oídos de muchos de los que escribís Blogs de los que aparecen en la columna de la derecha bajo el nombre de Jangle-Roll: Afternoon Naps, dúo afincado en Cleveland, Ohio, que factura una suerte de Pop de plastilina, Twee-Pop lo llaman muchos, canciones deliciosas los que más. Inocencia cargada de sentimientos en sus letras, buen hacer melódico y… curiosamente, sin apenas distorsiones. Los amantes del C86, de sonidos de Pop-Barroco tipo Left Banke o de las delicias de Brian Wilson, estáis de enhorabuena, pues con este Parade (HHBTM, 2009) os vais a relamer degustando los diez estupendos manjares que la banda liderada por Thomas Dechristofaro y Leia Hohenfeld nos ha preparado para este segundo álbum de la banda. El disco contiene auténticos platos del más exquisito Pop: Plum city fight song, que es una especie de oda-homenaje a Morrisey. Beach bum es otro tema arrebatador, con clásicos sonidos de teclados-retro y ritmos que recuerdan a la factoría de Phil Spector, mezclados con las melodías de Orange Juice o Shop Assistans. Algo semejante a la siguiente: The day we started, canción de desamores juveniles y preciosa guitarra jangle. Mitten fingers es algo más taciturna y reflexiva, también con buenos arreglos de teclas y ecos de Bowie. Seasons may change es claramente afín al C86 y las guitarras de The Pastels. Catholic school tiene ese mismo deje retro de The day we started, con cuitas sentimentales entonadas por la protagonista femenina y un teclado muy enloquecido que tiene mucho que ver igualmente con los grupos de Bubblegum y las bandas de chicas de los sesenta. Bubblegum 45 es una clara rendición a ese tipo de sonido que hemos mencionado anteriormente, y tiene algo también de la música francesa de los sesenta. Se cierra Parade con Digitally altered sunset, tema más acústico que se aleja algo del concepto general del álbum, y va más en una onda Left Banke, pero que sirve para que comprobemos hasta qué punto tiene el dúo afinadas sus voces. Disco, en definitiva, altamente adictivo y que sin duda repetiréis en vuestro reproductor los más aficionados al Pop más intemporal y menos pretencioso. Recomendable.
“The first three tracks of Parade provide the perfect introduction to Afternoon Naps, a rust belt pop band that has been bringing sunshine pop to their gloomy post-industrial climes since 2006. “Plum City Fight Song,” the band’s homage to their hometown, begins the album with a healthy dose of guitarist Tom Dechristofaro’s Moz-lite vocals, while the third tune, “The Day We Started,” provides a crash course in the moonstruck glee of keyboardist Leia Hohenfeld. Sandwiched between these songs, “Beach Bums” finds the duo sharing the vocal burden more equally, a combination as blissful as it is an accurate foreshadowing of the album’s additional seven tracks. Though several nuances exist song to song, the overall album is a notable for the consistency of its joyful, simple, and smart music. In a word, Afternoon Naps-style pop is perfect.
Though not intended as anything remotely like a concept album, Parade might reasonably be considered one, as it is a jangly, jumbly bit of songs about relationships in various stages. From first moments and late night kisses to break-ups and longing, the album could quite aptly be the non-linear soundtrack of the rise and fall of a lost love. For every track like “Beach Bums,” which references frustration with a relationship that resists resuscitation, and “Seasons May Change,” about the confusion and unanswered questions that accompany every failed relationship, there is a song like “The Day We Started” and its ode to first encounters or “Mitten Fingers,” a song that accompanies the tale of one simple tender moment with a slight Cardigans vibe.
Throughout the record, the listener faces a constant battle in determining whether the best part of any given song is found in the music or the lyrics. Both Hohenfeld and Dechristofaro are sublime songwriters, but are both equally proficient at their respective instruments (as are drummer Craig Ramsey and bassist Mike Allan). For example, in my favorite track (”Beach Bums”), one is torn between more strongly loving the flying bass and uber-danceable closing organ jam or the many killer lines, from “you’re written like an apology/and put the blame on cartography” and “at the point of our happenstance/I find myself indifferent.” Indeed, Dechristofaro’s delivery is the only imaginable version that could rhyme “happenstance” with “indifferent” and not make my eyes roll. Instead, it makes me think … “awesome.” Similarly, on “The Day We Started” I’m equally taken with the vintage croon of “si-i-i-gn” as I am the organ’s delightful lilt, while on “Catholic School” I’ll never know whether a line like “but they can’t teach a schoolgirl how to kiss to a song” is better than the revved-up 50s girl group instrumentals paired miced-down vocal mix, or vice versa. Overall, I’m inclined to go with the vocals – you can’t beat the 70s pop “bah bah bahs” on “Bubblegum 45,” the pitch-perfect duet on “Discoverse,” and Dechristofaro’s wise plea for a new lover to “stay my dear/I see magic here” on “Plum City Fight Song” – but the band operates so lightly and tightly any forgotten compliment seems like a critical betrayal.
It is when I try to decide who Afternoon Naps remind me of, I’m fully struck by their contribution and potential. While Dechristofaro’s vocals frequently call to mind a leaner Morrisey, there are other moments (particularly on “Mitten Fingers”) when I find myself thinking Bowie, the band moves fluidly from disco-pop (”Discoverse”) to songs that call to mind acts as disparate as The Turtles (”Bubblegum 45″), The Monkees (”The Fall Companion”), and The Sundays (”Digitally Altered Sunset,” the album’s closing track that shows off arrangement skills in a way the rest of the album, however brilliant, does not). Whatever the reference you find as you listen, I think you’ll agree that on Parade, the band does an excellent job of putting the listener back in key moments in the romantic development of their youth and, for some, the tender and vulnerable moments of adulthood” (citizendick.org)
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Oír/Hear – Afternoon Naps: Bech bums

Afternoon Naps: Parade (2009), Happy Happy Birthday To Me Records

La banda de Cleveland Afternoon Naps acaba de editar el que es su segundo larga duración, Parade. En él, encontramos el mejor Twee-Pop con el que nos podamos deleitar, con influencias del Pop de siempre, desde Brian Wilson hasta Left Banke, Shop Assistans, Phil Spector o el C86. Muy recomendable. Más información en The JangleBox.

Monterey International Pop Festival, Part-7/9

Fragmentos de la actuación incendiaria que The Who ofrecieron en el festival de Monterrey en Junio de 1967. Tened en cuenta que la banda no era del todo conocida en territorio norteamericano y que éste fue su escaparate para serlo. La apoteosis ruidoso-destructiva del final del concierto con My generation es absolutamente demoledora.

Monterey International Pop Festival, Part-7/9

Para este fin de semana en el Retro-Visor le toca el turno a la séptima entrega del Monterey International Pop Festival. En ella aparecieron como grupos estrella Buffalo Springfield y The Who. Para Buffalo Springfield fue una de las pocas apariciones ante una audiencia tan enorme, ya que su corta existencia haría que en breve el grupo se disolviera y dejara un legado tan importante como el que la misma banda había generado. De ella surgieron grupos tan interesantes como Crosby, Stills, Nash and Young; Manassas; Poco; Loggins & Messina; Souther, Hillman, Furay Band. Está claro que la existencia de Buffalo Springfield estuvo permanentemente salpicada de una lucha de egos tan enorme que su mejor salida fue la disolución. Baste decir que en Monterey no actuó Neil Young con la banda, apareciendo el inefable David Crosby en su lugar. Enmedio, tres discos espectaculares de los que hablaremos en The JangleBox.

The Who tuvieron una existencia más longeva si bien la época más brillante fue justamente la que les llevó hacia la costa oeste norteamericana, el período post-mod y pre-psicodélico, y desde luego anterior a su época más megalómana de sus Operas-Rock. El festival supuso también la mejor manera de introducirse comercialmente en el mercado norteamericano una vez editados los que quizás sean sus dos mejores álbums: A Quick one (1966) y The who sell out (1967). Disfrutad ahora con algunos vídeos de los grupos en el festival.

Disc 7 (Sunday Night 18.06.1967)

THE BLUES PROJECT
1. The Flute Thing

JANIS JOPLIN AND BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY
2. Combination of Two

BUFFALO SPRINGFIELD
3. Introduction
4. For What It’s Worth
5. Nowday’s Clancy Can’t Even Sing
6. Rock & Roll Woman
7. Bluebird

THE WHO
8. Substitute
9. Summertime Blues
10. Pictures Of Lily
11. A Quick One
12. Happy Jack
13. My Generation
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Beck: Songs of Leonard Cohen (2009), XL

Pues sí, amigos, está ya entre nosotros el enésimo proyecto musical de Beck Hansen, y el disco número…?? del inquieto músico norteamericano. Y ante ello, personalmente he de decir que me niego a prestarle más atención de la necesaria. Como ya expuse en su momento en The JangleBox, la sobreexposición y el saturamiento pueden llegar al hastío. Pues para el que escribe, ese cansancio ya ha llegado, y considero que tanta producción en un breve espacio de tiempo lleva ineludiblemente al tedio. El segundo volumen de su “Record Club” (esa reunión de amiguetes que se juntan para versionear en un día un determinado clásico de la música), acaba de editarse. En esta ocasión han elegido un recopilatorio de Leonard Cohen: Songs of Leonard Cohen, y el resultado, pues al estilo Beck, bueno, en esta ocasión algo más edulcoradete, facilón y algo Lounge. Los amiguetes, pues los de casi siempre: Nigel Goodrich, Devendra Banhart, MGMT, Jeff Tweedy… En definitiva, (y me duele decir ésto sobre Beck), que no va a pasar nada si te lo pierdes. Por cierto, Beck ya anuncia un tercer volumen, esta vez dedicado al músico Skip Spence. Esperemos por lo menos que comience el año para editarlo. Puedes conseguir el disco y los vídeos desde su página oficial Beck.com o buscando el enlace en el post, como siempre.
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The Mary Onettes: Puzzles (Live performing, from Islands, 2009, Labrador)

The Mary Onettes: Islands (2009), Labrador

The Mary Onettes están de enhorabuena. Acaban de editar su segundo larga duración y su tema Puzzles es candidato a estar entre los lugares privilegiados de muchas plataformas musicales como Elbo, blogs musicales, revistas, etc. Alguna de sus canciones seguro que aparecerán en breve en series tipo Lost, Anatomía de Grey… No seremos demasiado prolijos en hablar de este Islands. Tan sólo deciros que si os gusta la onda sonora cercana a los ochenta más ampulosa, recargada, de producción grandilocuente y arreglos de teclados-metales inverosímiles… éste es sin duda vuestro disco. Si aberráis de todo lo dicho anteriormente y pensáis que gentes como Duran Duran o lo más comercial de The Cure le hicieron un daño irreparable a la música, pues entonces no se os ocurra oírlo más de dos veces, como nos ha ocurrido a nosotros. Conservaremos nuestras energías para producciones más saludables para nuestros oídos.
“When we last left the Mary Onettes, the Swedish quartet was diligently channeling the sounds of the 1980s without a lick of the irony that often imbues such revivalism. Their retro moves seemed less about building upon the decade’s musical legacy as encapsulating its finer points for consumption by a new generation. Which, hey, was a perfectly cool way to go about things. At their best, the band positively nailed the bruised romanticism and exquisite melancholy that marked a certain strain of that decade’s best pop, and besides, most of the signature propagators of said pop were by then long gone or, worse yet, distant shadows of their former selves. Plus it’s not like you’ll catch any of the old guard in the tiny-ish clubs and early-afternoon festival slots the Mary Onettes are used to playing, so for those seeking stadium-sized grandeur in parlor-intimate spaces, the band has something relatively unique to offer. The self-titled The Mary Onettes from 2007, in fact, turned out not unlike many records from the era it emulated: several excellent singles or would-be singles (“Lost”, “Slow”, “Void”, “Under the Guillotine”), the token slow jam (“The Laughter”), an effective opener and closer (“Pleasure Songs” and “Still”, respectively), and, well, some not terribly memorable stuff in between. All of which makes Islands, the Mary Onettes’ follow-up, an at once enchanting and frustrating listen. Yes, the high points of the previous record are duplicated here– but so too are the same problems that occasionally bogged down that record.
Opener “Puzzles” actually betters The Mary Onettes’ lead track, the great-tune-with-questionable-lyrics “Pleasure Songs”, galloping along on a spritely keyboard riff and setting an appropriate tone for the nine tracks to follow. “Let’s talk about what feels strange on the inside,” vocalist Philip Ekström offers, an apt enough invitation to the scores of disaffected youngsters with which this sort of music has always resonated best. “Dare”, “Symmetry”, and “The Disappearance of My Youth”, then, are the hot singlez here, and each has the band showing off a few new tricks. “Symmetry” gets extra sentimental with the strings, “Dare” soars near the heights of “Lost” on the strength of plenty of “ooohs” and “ahhhs”, and “Disappearance” features– what else?– a children’s choir joining in to sing the title line. Their brief major label dalliance a half decade behind them, it’s clear the Mary Onettes’ ambitions haven’t wavered in the least. Elsewhere, a few numbers– notably the slow jam (“Cry for Love”) and the closer (“Bricks”)– fall short of their counterparts on LP1. The former lacks the poise and grace of “The Laughter”, while the latter generally sounds like a limp rehash of several earlier tracks on Islands, very much in want of a distinguishing feature. At least “Still” settled on a strident march beat that evoked a spirited departure off into the sunset (or, better yet, the rain); “Bricks” just kind of meanders off in a mid-tempo haze.
Indeed, distinction would serve the rest of the tracks on Islands well; as on The Mary Onettes, the stuff in between here tends to drift by largely unnoticed. Ekström has stated that the title Islands refers to how “every song is like a record of its very own,” and ironically this is perhaps the biggest snare this time around: without a sonic story arc of sorts to create continuity across Islands, we’re encouraged to hold the tracks against one another (hence the partitioning above into “great” and “just okay” camps) rather than consider them in relation to the whole of the album. In short, somebody needs to introduce these guys to transitions, interludes, intros, outros, deliberate sketches, ambience, that sort of thing (although, in fairness, Islands does open with a nice bit of panoramic, cloud-parting feedbackery)– a means to more effectively tie all these so-called “islands” together. The otherwise unremarkable “Century” includes a telling line: “I’ve never been good at holding back,” Ekström declares there. Until he is, the Mary Onettes will likely remain a killer singles band that makes just pretty good albums” (pitchfork.com)
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The Mary Onettes: Islands (2009), Labrador

Se acaba de editar el segundo trabajo de los suecos The Mary Onettes. Si te gusta la onda sonora cercana a los ochenta más recargada, ampulosa, llena de arreglos de teclados-metales inverosímiles, amanerada… éste es tu disco. Si por el contrario piensas que gentes como Duran Duran o lo más comercial de The Cure le hicieron un daño irreparable a la música, pues entonces ni se te ocurra oír este Islands más de dos veces como hemos hecho nosotros. Guarda tus energías para producciones menos nocivas para tus oídos. Más información en The JangleBox.

Wild Honey: Epic handshakes and a bear hug (2009), Lazy Recordings

 

Para comenzar la semana hemos preparado un plato muy especial en nuestra gran cocina musical. Celebramos la edición de Epic handshakes and a bear hug, el disco de debut de Guillermo Farré, bajista igualmente de Mittens y ante todo músico inquieto. Su debut llegó a nuestras manos gracias a Claudia Ortiz (mil gracias desde aquí) y tan sólo el empeño que han tenido en que el disco navegara por los principales blogs de música es tan loable que sólo por eso merecería la pena hacerle una reseña. Pero es que el contenido destila una elegancia tal y un gusto por el buen hacer que no hemos podido resistirnos a la tentación de oírlo detenidamente para emitir el buen juicio que en nuestra opinión merece. El álbum es, como acertadamente mencionan en la nota de prensa que nos adjuntaron, un homenaje a la música, algo así como la realización del sueño de cualquier buen aficionado de la música del siglo veinte y lo que llevamos de esta nueva centuria. Un conglomerado de influencias, detalles, sonoridades, un puzzle elaborado con los mejores ingredientes que se pudieran encontrar en las estanterías de cualquier buen melómano. El disco comienza de forma relajada, con Whistlisting, un medio tiempo de aires nostálgicos y acústicos que en seguida comienza a acumular instrumentaciones y esos detallitos a los que antes nos referíamos, pequeños destellos sonoros que en ocasiones duran segundos pero que contribuyen a realzar la belleza de los temas de Farré. El siguiente tema continúa en la misma línea a medio camino entre intimista y acústica: 1918-1920, acentuando la melancolía en sus letras. To steal a piece of art es ya un tema más animoso, muy en la línea de Pop-Sofisticado que realizan gentes como BMX Bandits en sus últimos tiempos o cantautores eléctricos como Sufjan Stevens. The big parade es una especie de nana-vals en la que el intimismo vuelve a tomar el protagonismo. Sería prolijo mencionar influencias y huellas sonoras puesto que todas ellas han tomado un cuerpo homogéneo en todos sus temas. Por hablar de algunas, mencionadas por el mismo Farré, tomariamos el espíritu del White Album, los Beach Boys más conceptuales (el nombre del grupo proviene del de un álbum de los californianos), Carpenters, Mancini… Gold leaf es una bossa-nova que además posee todo el aura de sofisticación y elegancia de cualquier película con la banda sonora de Mancini y Audrey Hepburn como protagonista. La voz femenina contribuye a crear esa huella absolutamente irresistible. Hal Blaine´s beat (que era un batería de estudio de las décadas de los ´60 y ´70, según cuenta su nota de prensa), es un tema absolutamente redondo de principio a fin, tiene una sonoridad increíble, sus teclados tipo mellotron son impecables, sus voces angelicales, en fin, la mejor elección como primer single. Brand new hairdo repite los esquemas de la nana-vals acústica anterior. Isabella es tema pegadizo con sones folkies y norteamericanos. No en vano el disco, pese a estar grabado en un estudio casero, está mezclado y producido en Nashville, junto con Brad Jones, responsable del sonido de gentes como Ron Sexmith, Josh Rouse, Steve Earle o Matthew Sweet, plana mayor e influencias sonoras del disco. My bride in black gloves tiene también aires countries, pero mezclados hábilmente con el Lo-Fi-Pop de los Pavement de su época intermedia-final. Kings of tomorrow es otra de las mejores del disco, también con ese aire algo arrastrado que la banda de Stephen Malkmus solía realizar. One word prayer es un tema que va de menos a más, a manera de banda sonora, a las que nuestro protagonista es también aficionado. La suma de instrumentos acaba en un bonito dos por tres orquestado que ha quedado muy coqueto. Done it forever es un corto tema que sirve de epílogo sonoro y cierre a este disco de debut que, en contra de lo habitual, es un disco estudiado, absolutamente brillante y con una producción que en ningún momento resulta pesada o aplastante, sino más bien todo lo contrario, todos los detallitos de los que hemos ido hablando se adjuntan y van apareciendo y desapareciendo dejando la huella necesaria y embellecedora. Gran disco absolutamente recomendable. Como curiosidad, aparecerá en formato de vinilo, adjuntándose el Cd. Os aconsejo que lo consigáis. Igualmente se puede descargar en alta calidad desde aquí. Este 20 de noviembre actúan en La Riviera de Madrid, y el 18 de diciembre en Neu! Club, también de la capital.

 

“El disco se mezcló en siete días, en el estudio de Brad Jones, “Alex The Great”. Desde el primer día, la sintonía con Brad Jones fue total, que bautizó la música de Wild Honey como “cosmic bedroom music”. A primera hora de la mañana los dos hablaban de las canciones con las que iban a trabajar ese día, Guillermo se iba a dar una vuelta por la ciudad hasta la hora de comer y, tras una comida relajada, repasaban juntos el trabajo realizado (…)El resultado es un disco que rezuma amor por la música. Se pueden escuchar ecos del Brill Building, The Zombies, el primer Scott Walker, las bandas sonoras de Sherman Brothers para Disney, Michel Legrand, Curt Boettcher, música Bubblegum, toda la línea que va de la música sentimental y alegre de la América de primera mitad del siglo XX a un Sufjan Stevens de bolsillo o Jens Lekman con mirada y voz inocentes. Pop arreglado que pretende ser bonito y lo es, canciones redondas, arreglos cuidados y homenajes.
La canción de adelanto ha sido “Hal Blaine’s Beat”, sobre el famoso ritmo del “Be My Baby” de las Ronettes. Hal Blaine era el batería del que fue el mejor grupo de sesión de la historia: The Wrecking Crew (les puedes escuchar en los discos de los Byrds, Sonny and Cher, Nancy Sinatra, Simon & Garfunkel, The Association, The Ronettes o, otra vez, los Beach Boys)” (Nota de prensa)

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Headlights: Wildlife (2009), Polyvinyl Records

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Intimistas, poéticos, acústicos, poperos… cualquiera de estas etiquetas valdría para encuadrar la música y el sonido de este combo norteamericano de Illinois, poco amante, sin embargo, de utilizarlas. A medio caballo entre el Pop-Folk y el Pop con reminiscencias ambientales, a lo Fanfarlo, el tercer álbum de la banda sí que está dominado por una nota en común: el intimismo (Wiscosin beaches, We are all animals), y los medios tiempos con ambientes acústicos ambientados por una tenue red de sonidos de teclados que hacen de este disco, como ellos mismos reconocen, una perfecta transición del verano al otoño, una bonita reflexión sobre las relaciones humanas, no sólo las amorosas. Los juegos de voces chica-chico son también otra de las constantes positivas durante todo el disco (Teenage wonder, Slow down town). Las canciones que más nos han agradado son aquellas más animadas, en los que la banda saca a relucir su influencia más Dream-Pop: Telephones, precioso tema en el que podríamos confundir su sonoridad con la de grupos de los países nórdicos, tal es la belleza de su sonido, sencillo y vagamente aderezado por algunos teclados. You and eye y Dead ends presentan semejante sonido, aquí con unos medios tiempos (ritmo en el que mejor se maneja el grupo adornados por un sonido más ambient). Get going tiene un aura algo más feliz, veraniega y soleada, y podría encajar, por ejemplo, en Songs from Northern Britain de Teenage Fanclub. El sonido se vuelve más taciturno para entonar Love song for Buddy, especie de nana adornada con tecladitos a lo Velvet: Gran tema. Y la que es para quien escribe, la mejor canción del álbum: I don´t mind at all, el corte más animoso de la colección y en la que aparecen las guitarras más mordientes -su solo es sumamente parecido al de alguno de Yo la Tengo-, arropado por un ritmo muy machacón. Disco, en definitiva, para disfrutar con calma, melancólico, pensativo e intimista, del que nos gusta más su primera parte, pero en cualquier caso, perfecto para disfrutarlo en una tarde otoñal como las que se avecinan.
“The first track on Headlights’ newest album is called “Telephones”, but there are a half-dozen other songs on Wildlife that could’ve feasibly been titled the same. Phones are all over the indie pop band’s third full-length effort: they ring with no one to answer them; calls are short and only reinforce the distance, both literal and emotional, between yourself and the ones you love. The telephone serves as the great motif and most pernicious tool in reinforcing the album’s overriding theme, which is how frail, fraught, and difficult to maintain the connections are between family, lovers, and friends.
You may be thinking this synopsis sounds pretty heady for an indie-pop record, especially coming from a band that rather guilelessly trumpets itself as “Indie Rock for People Who Love Pop” on its web site, and that made its biggest splash to date with a politely infectious single called “Cherry Tulips”. It’s actually quite easy to listen to Wildlife as a breezily low-key indie pop record if that’s what you’d prefer, though that short-sells the group’s admirable conceptual accomplishments. Musically, the album is largely loose-limbed and friendly, from the ringing, melodic guitar lines of “Telephones” to the easy sun-kissed vibes of “Get Going” to the almost cheekily hollow trashcan drumbeats of “Love Song for Buddy”. “I Don’t Mind at All” approximates the tense propulsion of Broken Social Scene, but that’s about as sonically pensive as it gets. Even the group’s purposefully moody musical bum trips are mostly too benign to really sting, and the album’s generally undemonstrative character makes it ripe for an ignorable listen assuming you’re not feeling inclined to really dig beneath its placidly shimmering surfaces.
So Wildlife isn’t exactly bursting at the seams with earworms, but it’s a worthy achievement for taking a poignant, powerful emotional state and carrying its thread for 42 minutes. The band’s bio admits Wildlife was a difficult album to make, the recording process marked by a near-total scrapping of material at one point as well as the eventual departure of guitarist John Owen. It seems this tumultuous experience– along with other, unspecified personal hardships– deeply affected the outlooks of songwriting principals Tristan Wraight and Erin Fein. More than anything, emphasis seems to be placed on how difficult it is to maintain friendships throughout the passage of time– maybe it’s something as simple as the fact that you’re “so far from home” (“Telephones”), or maybe your friends are physically close, but are just “too busy growing old” (“Dead Ends”). Fein in particular tries desperately to break through, pratically breathless in her desire on “Secrets” to know another’s darkest moments and deepest agonies. By the end of Wildlife, it’s almost as if the effort of trying to connect and understand has left everyone emotionally exhausted– without wallowing in nostalgia, the closing “Slow Down Town” muses on “Easier times/ When your friends were around/ And they called you on the weekend/ And you knew where all the people hung out.” If you’ve stayed with Headlights this long, chances are when the record ends you yourself will be grabbing a phone and making a call, and hoping you don’t get sent to voice mail” (pitchfork.com)
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Monterey International Pop Festival, Part-6/9

El Retro-Visor de este fin de semana continúa vislumbrando la Mega-Retrospectiva al Festival Internacional de Monterrey celebrado en Julio de 1967. En esta ocasión, la parada nos conduce a detenernos en el disco dedicado al músico hindú Ravi Shankar, quien se había convertido por entonces en una especie de icono de la contracultura o en cualquier caso en un personaje que encarnaba a la perfección el gusto por los sonidos desconocidos por entonces del sitar y la tabla, instrumentos propios de la cultura y la música india. Ni que decir tiene que el gran introductor del personaje en el mundo del Pop fue George Harrison gracias a The Byrds, si bien Shankar ya tenía un bagaje anterior fructífero y había actuado previamente en Europa y Estados Unidos.

“Since 1961, he toured Europe, the United States, and Australia, and became the first Indian to compose music for non-Indian films. Chatur Lal accompanied Shankar on tabla until 1962, when Alla Rakha assumed the role.
Shankar befriended Richard Bock, founder of World Pacific Records, on his first American tour and recorded most of his albums in the 1950s and 1960s for Bock’s label. The Byrds recorded at the same studio and heard Shankar’s music, which led them to incorporate some of its elements in theirs, introducing the genre to their friend George Harrison of The Beatles. Harrison became interested in Indian classical music, bought a sitar and used it to record the song “Norwegian Wood (This Bird Has Flown)”. This led to Indian music being used by other musicians and created the raga rock trend. Harrison met Shankar in London in 1966 and visited India for six weeks to study sitar under Shankar in Srinagar. During the visit, a documentary film about Shankar named Raga was shot by Howard Worth, and released in 1971. Shankar’s association with Harrison greatly increased Shankar’s popularity and Ken Hunt of Allmusic would state that Shankar had become “the most famous Indian musician on the planet” by 1966. In 1967, he performed at the Monterey Pop Festival and won a Grammy Award for Best Chamber Music Performance for West Meets East, a collaboration with Yehudi Menuhin. The same year, the Beatles won the Grammy Award for Album of the Year for Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band which included “Within You Without You” by Harrison, a song that was influenced by Indian classical music. Shankar opened the Kinnara School of Music in Los Angeles, California, in May 1967, and published a best-selling autobiography, My Music, My Life, in 1969. He performed at the Woodstock Festival in August 1969, and found he disliked the venue. In the 1970s Shankar distanced himself from the hippie movement” (wikipedia.org)

Disc 6 (Sunday Afternoon 18.06.1967)
RAVI SHANKAR
1. Raga Bhimpalasi
2. Tabla Solo In Ektal
3. Dhun (Dadra and Fast Teental)
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Ravi Shankar: Dhun (Dadra and fast teental, part-1)