Dream Diary: You are the beat (2011)
Las sensaciones que sentimos al escuchar por primera vez este You are the beat, el álbum de debut de Dream Diary son de auténtica sensación de estar delante de algo que ya nos suena pero que una vez más vuelve a emocionarnos. La vieja fórmula del C86 y de los grupos de Sarah Records sigue funcionando como el primer día. Oyendo las guitarras cristalinas que inundan todo el disco de estos neoyorquinos uno no puede menos que rozar la emoción. Las guitarras jangle florecen durante todo el álbum, haciendo de este You are the beat uno de los discos nostálgicamente más bellos de los últimos tiempos. Shoegaze descafeinado, C86, Retro-Pop… ponle las etiquetas que quieras, cuando te encuentras delante de un disco que apenas tiene desperdicio sabes que está aquí para quedarse. Cuando esta música, aun habiendo pasado dos décadas, nos sigue gustando emocionando, es que algo tendrá.
Se les ha querido emparentar con sus paisanos The Pains of Being Pure at Heart, y algo de razón no falta a quien así opine. Realmente hay ciertos vínculos de unión en tanto que influencias comunes (gusto por las melodías a lo Field Mice), aunque realmente el sonido de los Pains tiene algo más de agreste que el de Dream Diary. Éstos hacen usar sus guitarras sin apenas distorsión, recordándonos los primeros discos de The Smiths. Por cierto, bonita la anécdota que he leído sobre cómo se conocieron Jacob Sloan y Madison Farmer y esa “coincidencia” en plena calle oyendo el Queen is dead de los de Morrisey. Casualidad o no, la influencia de los de Manchester está ahí, al igual que está la de los Byrds si mencionamos las guitarras jangle; pero también están The Pastels, Big Star, Jonathan Ritchman, Elvis Costello, The Velvet Underground, el primer álbum de Primal Scream… el abanico sería tan amplio que mejor dejarlo así.
Lo que sí que está claro es que You are the beat es un discazo. Temas como Is he really mine, Something tells her, Bird in my garden, Forever, El Lissitzky, She has a way, o Audrey of spirits nos han hecho retroceder hacia territorios muy conocidos pero que, como dijimos, no dejan nunca de emocionarnos. Lo malo de todo esto es que han dejado el nivel demasiado alto para futuros discos, pero por lo pronto, disfrutaremos como niños de You are the beat.
Dream Diary – You are the beat (2011)
“Listening to the ten songs on Dream Diary’s debut album, You Are the Beat, isn’t quite like taking a trip back in time, even though their ultra-sweet, C-86-loving indie pop sounds like it could have been released somewhere between Sarah 25 and 30. The guitars have the kind of rich, jangling sound Sarah bands strove for, the bass and drums have some bounce but never get loud, the production is wonderfully full and gauzy, and most of all, vocalist Jacob Stern has the kind of intimate and soft voice that you pretty much had to have in 1990 if you were fronting a proper indie pop band. Pioneered by Bobby Gillespie on Primal Scream’s “Velocity Girl” and perfected by the guy in the Orchids, it’s a sound that can go horribly astray, but in the right hands — like Stern’s — you can convey all kinds of wounded, hopelessly romantic soul with just a few breathy words. The reason listening to You Are the Beat isn’t merely an exercise in pointless nostalgia is that, unlike a lot of bands from the era Dream Diary idolize, these kids are able to put it all together in one brilliant package. Too many early-’90s indie pop bands had the sound but weak songs or vice versa; only a few like the Field Mice and the Orchids managed to get it completely right. Add Dream Diary to that short list. Just about every track on the album could have been a Sarah A-side. From the rocking (for them) heartbreaker “El Lissitzky” to the Byrdsy “Is He Really Mine,” and from the achingly pretty ballad “Bird in My Garden” to the big-hearted dancefloor-ready “She Has a Way,” the album is made up of thoughtful lyrics, big hooks, variable dynamics, and songs that you’ll find yourself humming at odd times for days. It’s an impressive debut from a band that seemingly arrived on the scene fully formed and ready to break hearts with a cruel ease — while at the same time filling said hearts with warmth and the kind of joy that well-played, deeply felt indie pop can bring” (allmusicguide.com)
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Filardo: Enter the edit suite (2011)
En su último mail, Christian me habló también de su hermano, Tom Filardo, que es el auténtico protagonista del post, ya que acaba de publicar Enter the edit suite (2011), un disco de auténtica orfebrería musical que navega sutilmente entre las ondas del mejor Pop-Barroco (It´s alwawys a good time, In the shadows of), meciéndose armoniosamente con influencias Folkies (The wind winds a prayer, I can love you more), Psicodélicas (Banana cream picture suite, A dog wearing glasses), e incluso electrónicas (We start in tango). Todo un crisol de huellas sonoras que le acercarían al Pop de Brian Wilson o a los arreglos de The Left Banke, Todd Rundgren o The Zombies. Un disco con un gran trabajo de producción y que podéis degustar poco a poco. En él encontraremos verdaderas joyitas a poco que le pongamos un poco de atención. Su voz tiene un deje muy parecido al de Gruff Rhys, lo cual nos hace por momentos confundirnos si estamos ante alguno de los trabajos más elaborados de los Animales Superfurry, lo cual nos da un toque de cercanía aún mayor a todo el conjunto. Además, su disco está disponible para que cualquiera pueda disfrutarlo y descargarlo gratuita y legalmente desde su Bandcamp. Os dejo los enlaces.
Filardo – Enter the edit suite (2011)
“Tapping a wide range of influences, (Tom) Filardo incorporates the warmth and innocence of Brian Wilson, a skillful Zombies-esque chord style, and hectic production attempts of early krautrockers. Sometimes bold, other times introspective, the lyrics, melodies, and production of “Enter The Edit Suite” runs the gamut from ecstatic and energized to despondent and minimalist.
Tom Filardo’s previous musical efforts (Asleep In The Sea, and Total Noise) garnered modest critical attention and tour spots. By staying true to his pop origins while integrating multiple influences from diverse music scenes (Phoenix, AZ and Portland, OR) Filardo has emerged from the “Edit Suite” with a thoughtful and intruiging debut record” (bandcamp.com)
“Awhile back I posted some demos from a band called The Naked Uh. It’s safe to say I fell in love with their sound and after hearing them I found myself looking forward to the release of their album In the Edit Suite. Well two days ago the album was released on bandcamp, and all I can say is that it pretty much lived up to expectations (and maybe even exceeded them). (Since then The Naked Uh has become Filardo, the surname of sole member Tom Filardo. If you keep up with my blog the name should be somewhat familiar to you. I told you about younger brother Christian Filardo and all his artistic exploits.)
This album is just begging to be heard if for no other reason than Tom’s painstaking attention to songwriting detail. Under his watchful eye, numerous instruments breathe colorful life into this album of indie pop gems. On top of that there is a variety of influences here that serve to give the album just enough diversity to keep you smiling.
I really can’t say enough good things about this album. For proof of its greatness check out the track I posted below. Hopefully it will entice you to download the whole thing (which is yours for free)” (cactus-mouth.tumblr.com)
HolyPage Records
Hace tiempo me llegaron a mi bandeja de entrada algunos correos de Christian Filardo, un artista inquieto y de tendencias digamos que “multimedia” en los que me hablaba de sus proyectos de música electrónica y en particular de Vladee Divacc, su último proyecto. Christian Filardo se ha embarcado en crear un sello discográfico en el que todas las portadas de los artistas serán obra suya, amén de dirigir vídeos o elaborar música. Su ámbito de influencia: todo el mundo. ¿Por qué? Porque el sello sólo existe en internet, y cualquier interesado sólo tiene que ponerse en contacto con Christian. El netlabel se llama HolyPage Records, y os dejo el enlace porque podréis encontrar algunas referencias interesantes. La podéis encontrar también en la columna de la derecha.
Daily Life: Daily life (Ep, 2011)
Que la sombra de Pavement y del Lo-Fi es muy alargada es un hecho más que constatable. Que el influjo de los chicos de Stephen Malkmus es enorme ya lo habíamos comprobado hace mucho tiempo. Daily Life es un trío de Manchester de los que apenas tengo información (sí, que se llaman Nick, Nova y Luke) y con nombre que evoca a portal de vídeos. Supongo que lo del influjo del Lo-Fi será una influencia, aunque, por qué negarlo, sus temas tienen el encanto del Pop arrastrado y perezoso. Puedes descubrirlos pinchando en el enlace, el cual te llevará a su Bandcamp. Esperaremos más temas de ellos.
Daily Life – Daily life (Ep, 2011)
“Slacker rock bands are like building blocks – you can take them apart and reassemble them in any order and they’ll still click together, solid and unshowered. Daily Life come along as if to prove the point – encompassing members of Manchester DIY scene fixtures Hyacinth Girl and Cargo Cult, the trio seem to have got together and gone about knocking out some tracks that sound like dirty, lazy pop songs. And they’re good, too, one to file alongside the many other acts who’ve spent too mcuh time listening to Pavement and watching pre-School of Rock Richard Linklater films. It’s all done at a comfortable canter, presumably in checked shirts. Feel your youth slip away” (thepidgeonpost.wordpress.com)
Bandcamp /Descarga legal gratuita-Free legal download
Zachary Gray: Montreal I/II
Zachary Gray es la mitad creativa del dúo Indie-Pop de Montreal Cinéma Vérité. Para desmarcarse un poco de su grupo habitual, el chico acaba de editar este Montreal I/II, un disco dedicado a la ciudad de Montreal, donde se mudó el año pasado. Visto desde un doble punto de vista, en sus reflexiones nos ofrece los puntos de vista positivos y los negativos de una ciudad como la canadiense. Evidentemente el disco no tiene nada que ver con la música de su banda, y es una producción derivada completamente hacia la música Electrónica, el Drum´n´Bass, el Chillwave o el Ambient. Os dejo con una reseña más versada en temas electrónicos para que podáis degustar convenientemente el álbum, que puedes descargar total o parcialmente desde la página del sello que lo edita, Camomille Music.
“Here’s another proof that Montreal breeds some serious musical talent. Zachary Gray (from lo-fi indie pop duo Cinéma Vérité) recently released Montréal I/II, his latest solo album, as a free download via Camomille Music. The album is a true electronic treat, going from simple dreamy ambient tracks to drum & bass infused melodies to narrative driven downtempo; Gray makes it all blend seemlessly. You’ll find a lot of interesting samples from all sorts of backgrounds throughout the album, reflecting the artist’s various arts and film influences. Montréal I/II is completed by two remixes by Vancouver’s JDH and Cinéma Vérité’s basist Tristan Johnston aka Blue City Project. You can download each track individually in the Soundcloud player or spare the trouble by downloading the zip file HERE. Checkout more goodies after the jump including videos, the back cover of the LP and a download link for Gray’s remix of California Swag District’s “Teach Me How to Dougie” (whatsfordinner.net)
thisiszacharygray.com / Descarga legal gratuita-Free legal download / Camomille Music
We Are Trees: I don´t believe in love (Single, 2011)
El proyecto como banda de James Nee se llama We are Trees. Su segundo Ep se llama Girlfriend. Se trata de un disco de cinco temas de los que se ha escogido este I don´t believe in love como anticipo. Su sonido se mueve con soltura Indie entre guitarras distorsionadas grabadas en pocas tomas. Sus riffs son precisos y armonizan todo un temazo. De alguna manera me recuerdan lo mejorcito de la producción de Lou Barlow y su Folk Implosion, aunque con dejes más folkies, que puedes apreciar en el resto del disco. Puedes descargar el tema pinchando en el enlace.
We are Trees – I don´t believe in love (Single, 2011)
“Earlier this month we previewed the track “Colorado” from We Are Trees‘ sophomore EP: Girlfriend. It was a gorgeous teaser and I made note of We Are Trees mastermind James Nee’s effective-use of orchestral songwriting, leathery percussion, crisply reverbating guitar and billowy, smoke-light vocals. Well, the rest of the EP is now available and like the track that introduced us to his the new release, Nee’s lush instrumentation, thoughtful songwriting and sincere lyrics are in full effect. Although Girlfriend is an obvious continuation of the themes and palette that Nee utilized on Boyfriend, he has also explored some of the directions in which he could expand that overall sound. The beautiful, hand-picked melody on “You” is minimal, shimmering and evocative. The melodically upbeat, but lyrically plaintive closer, “I Don’t Believe In Love,” is drenched in thick, bleeding reverb, crashing percussion and shredding guitar riffs and definitely sounds the least like anything we’ve heard from We Are Trees yet. Which is not to say that Nee jetisoned the elements that made us love the Boyfriend EP. Far from it, and in fact, the opener “Teenage Heartbreak” is a perfect bridge between Boyfriend and Girlfriend retaining the same clean, resonant earthiness and crisp ambiance that marked Boyfriend. You can (and should) get it via digital download from iTunes. No official release date yet, but it will be available on vinyl from Collective Crowd Records“ (turntablekitchen.com)
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Hunt. The JangleBox March Compilation (2011)
En este fin de semana en que ha dado comienzo el Mundial de Fórmula1, en TJB aparece el tradicional recopilatorio de cada mes, este mes dedicado a una de nuestras mayores pasiones y a uno de esos personajes “malditos” del mundo de la máxima competición automovilística del motor: el piloto británico una vez campeón del mundo James Hunt. Catorce temas previamente regalados por sus autores para el disfrute de todo el mundo. Seguro que vosotros también lo haréis. Os dejo el Tracklist y el enlace.
Hunt. The JangleBox March Compilation (2011)
01-Brown Recluse – Impressions of a city morning
02-We Are Trees – I don´t believe in love
03-Motel Beds – Obey your lunch
04-Oregon Bike Trails – High school lover
05-Male Pattern Band – Raining
06-Elvis Costello-You belong to me
07-Mr.Dream – Holy name
08-Two Tears – Eat people
09-Ringo Deathstarr – So high
10-Parts & Labor – Rest
11-Bliss.City-East – Lady luck
12-Youth Castles – Feel
13-Grossmagic – Sweetest touch
14-Raw Thrills – So you want to be a Rock´n´Roll Star
Nacha Pop: El Sueño / Atrás (Single, 1982)
En el intervalo que fue desde la publicación de Nacha Pop (1980), su álbum homónimo de debut y su segundo disco: Buena Disposición (1982), la discográfica Hispavox editó este single, El sueño/Atrás, en el año 1981, para de alguna manera cubrir el intervalo entre uno y otro álbum. El resultado no pudo ser más satisfactorio, ya que tanto El Sueño como Atrás son para muchos de los seguidores de Nacha Pop dos de las mejores canciones del repertorio de los primos Vega. Efectivamente, El Sueño es una reflexión de Antonio sobre la creación y la composición musical, todo ello recreado con muchas de las personales imágenes del repertorio lírico de uno de los mejores compositores en lengua castellana (“unas teclas de goma que no pueden sonar”, “viejos acordes se le vuelven a escapar cuando sus manos dejan de vibrar”). Una canción en definitiva con uno de los estribillos más recordados de la época, y con una interpretación que resulta magistral, con pocas tomas y con un sonido que reflejaba fielmente cómo era su directo.
En cuanto a Atrás, poco que decir: una de las grandes canciones de Buena Disposición y otras de las estrofas más recordadas del repertorio musical de la España de los ochenta. “La intensidad y la melancolía convertidas en canción, afilados acordes para recordándonos que “su amigo se ha echado atrás”, como se dice en La Fonoteca. Una canción de desengaño y sentimientos a flor de piel: temazo.
Evidentemente, no os puedo ocultar que Nacha Pop fueron uno de mis grupos españoles favoritos durante la década de los ochenta, y este repaso a su discografía que vamos realizando en TJB cada cierto tiempo se lo merece. Espero que quienes no conozcan estos temas los disfruten como yo lo hice en su momento, ya que lo mejor de ellos es que han resistido muy bien el paso del tiempo, al menos los de sus primeros discos.
Os dejo los vídeos de El Sueño original y la versión en vivo que realizaron Cooper. Atrás, el tercer vídeo, está precedido por otro temazo de Nacho: Visiones.
Nacha Pop – El Sueño/Atrás (Single, 1981)
Me You Us Them/Bloody Knives: Research/I was talking to your ghost (Split Single, 2011)
El mes pasado nos llegó un mail de la discográfica Triple Down invitándonos a conocer el single compartido que Me You Us Them y Bloody Knives acaban de editar. Se trata de un esfuerzo conjunto por aunar sonoridades más o menos afines. Los primeros partiendo desde presupuestos Shoegazers y los segundos desde un punto de vista más Electro-Punk. Lo cierto es que el sencillo tiene mucha unidad de contenido en tanto que MYUT como BK han endurecido su sonido hasta límites Proto-Grunge en el caso de los primeros y hasta el Noise en el caso de los segundos. Tanto una banda como otra ya han aparecido en TJB y este single conjunto no iba a ser menos. Personalmente me quedo con el tema de Me You Us Them, pero es sólo cuestión de gustos. Puedes oír el sencillo pinchando aquí, desde donde puedes comprarlo igualmente, si es que la limitadísima edición no se ha agotado ya.
Me You Us Them/Bloody Knives: Research/I was talking to your ghost (Split Single, 2011)
“Who is this band?!? Loving this blissed-out, warped, bendy, post-weirdo music… Highly recommended.”–eMusic
“…no shortage of hauntingly searing guitars, driving bass licks, and beastly drumming.”–XLR8R Magazine
“Me You Us Them meld an intense blend of distorted, off-kilter guitar riffs with searing vocals melodies, rendering them one of the most memorable groups in recent memory.”–Paste Magazine NYC
“This band’s impressive wall of guitars rivals in “My-Bloody-Valentine-ness” that of Asobi Seksu’s first album – I’d recommend any follower of the toe staring sonic cult to check out these guys’ tunes.”–The Deli Magazine
“…the best new band out of NYC… have taken the sound developed in the mid to late 80’s by bands like The Jesus and Mary Chain, The Cocteau Twins, and My Bloody Valentine and blended it with 90’s alt-rock and the resurgent sound of dancerock and Britpop to create a fresh new take on a genre that hasn’t had a spotlight shown on it in well over a decade.”–ThePaintedMan.com
“The contrast between buttery vocals and squelching, guitar bends seems perfectly engineered to send a shockwave of sonic pleasure through your body, standing all hair at attention.”–AudioCurrent
“New York City continues to churn out a zillion bandsthatpitchforkloves every day. So when we tell you that Me You Us Them is our favorite new band from the NYC, we recognize the magnitude of the compliment.”TheDumbingofAmerica.net
Bandcamp / Cómpralo-Get it
Guards: Cover songs (Ep, 2011)
Guards editaron uno de los Ep´s de debut más prometedores de todo el año pasado (TJB, Agosto 2010). Para este curso, han decidido editar un siete pulgadas de versiones, incluyendo tres digamos que “recreaciones” libres de otros tantos originales de Metallica, Vampire Weekend y M.I.A.; es decir, tres grupos de sonidos dispares y diferentes puntos de vista sobre la música. Si he de seros sincero, la verdad es que el disco es absolutamente prescindible, en tanto que aunque se trata de recreaciones y no versiones fieles a las originales, pues la verdad, a mí no me dicen absolutamente nada ninguna de las tres covers; y además porque las originales en sí mismas no nos llaman en absoluto la atención. Si acaso la de Vampire Weekend, con ese Pop arrastrado que Guards llevan a un terreno más sombrío. Pero poco más. Podemos esperar mucho más de los autores de Resolution of one.
Guards – Cover songs (Ep, 2011)
“Guards are giving away a digital copy of their 7″ for free on their bandcamp; it has three covers on it, of Metallica, Vampire Weekend, and M.I.A. They’ve managed to make three very different-sounding songs/artists sound coherent like a single stream of thought and if we may be so bold, create covers that are better than the originals. Download here and tell us what you think!” (themorningafterpills.com)
Bandcamp / Descarga legal gratuita-Free legal download
Air Waves: Lightning / An interview
Nos hacemos eco hoy de un mail que ayer mismo nos enviaron los responsables del blog QuitMumbling, un proyecto de vídeo-blog/portal multimedia con un montón de contenidos de interes. Además de para hacernos llegar su página -que hemos agregado a nuestra lista de favoritos inmediatamente-, nos remitieron al vídeo que han grabado con Air Waves, el grupo de Nicole Schneit que apareció en TJB este mes de Enero. Les han grabado una entrevista muy amena, donde hablan de sus orígenes y de sus objetivos como grupo; y una actuación en un set cuasi-acústico del tema Lightning. Os dejo con los vídeos y con los enlaces a la página.
http://quitmumbling.com/2011/03/qmtv-air-waves-lightning-with-interview/
Secret Colours: Follow the drone (Single, 2011)
El último single del combo de Chicago Secret Colours se llama Follow the drone. Para fans de The Lilys, The Rain Parade o incluso The Brian Jonestown Massacre, el sonido de Secret Colours no les será desconocido, en tanto que estarán acostumbrados a ese Pop-Psicodélico de medios tiempos capaz de insinuar ensoñaciones y teletransportarnos hacia atmósferas distintas a las que normalmente habitamos. No vamos a desbarrar más y sí os presento este maravilloso single, continuación de otros como el que han registrado con la versión de Tomorrow never knows, del Revolver de The Beatles. Más que recomendables, como dijimos, para oídos sensibles a la Psicodelia.
Secret Colours – Follow the drone (Single, 2011)
“Secret Colours have only been together about a year, but their catalog is quickly growing. Since summer, the psych-rock act released a debut full-length and two singles and has been playing shows like crazy all around Chicago. Well, they’ve recently released yet another single, “Follow the Drone,” along with a B-side, “Lust (Slow).” As its title implies, “Follow the Drone” is a heavy, drone groove with an an upbeat tempo lingering in its hazy textures. Woozy vocals sing soothing, indistinguishable lyrics beside hard rock guitar riffs and pounding, crashing drums. The B-side track, “Lust (Slow),” is also suitably titled. It opens gently with acoustic guitar and aching vocals that sing lyrics like, “Can’t I love so much. Desperate for your touch,” before the song gains momentum and unleashes with a dreamy haze of whirring guitar, passionate vocals, and vibrant, constant tambourine. You can pick up “Follow the Drone” and “Lust (Slow)” for free at Secret Colours’ Bandcamp, where the rest of their collection is also available for purchase” (radiofreechicago.com)
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Bliss.City.East: Lady luck (Single, 2011)
Kim Welsh y Perry Pelonero forman Bliss.City.East, un dúo de California que factura un Shoegaze/Dream-Pop floreado lleno de todas las influencias del género que podemos reconocer enseguida pero que no tenemos rubor a la hora de aceptarlas. Este Lady Luck, que puedes descargar desde el enlace, es el anticipo de un próximo disco para el sello Patetico Recordings, que suele ofrecer sus referencias en descarga gratuita. Lo cierto es que tiene mucha frescura y el tema es muy agraciado.
Bliss.City.East: Lady luck (Single, 2011)
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The Joy Formidable: The big roar (2011)
Sensaciones encontradas hemos sentido al escuchar atentamente este -por fin- álbum de debut del combo galés The Joy Formidable. Digo encontradas porque por un lado el grupo parece que ha decidido abandonar la senda del Dream-Pop enérgico que tan buenos resultados les dio en su primera entrega, A balloon called moaning (2009) (TJB, Febrero 2009), para entregarse a manos de un Indie-Rock de dimensiones épicas al estilo de Arcade Fire. Ésto es observable desde el primer tema del álbum, The everchanging spectrum of a lie, que tiene un inicio esperanzador, preñado de guitarras muy distorsionadas, pero que se va diluyendo conforme avanza, para terminar en un bucle sin demasiado sentido animado por las voces de una Ritzy Brian transmutada en una moderna Siouxie.
Otro de los puntos débiles del álbum es el hecho de que hayan decidido retomar todo su arsenal de temas anteriores para volver a incluirlos en esta nueva entrega: Austere, Cradle, I don´t want to see you like this, Whirring, The greatest light is the greatest shade. ¿Qué significado tiene ésto? ¿Que la banda tiene un repertorio limitado y no sabe cómo exprimir los nuevos temas? ¿Qué prefieren apostar por lo seguro regrabando en algunos casos estos temas añadiéndoles desarrollos instrumentales absurdos para prolongarles su duración, como en el caso de Austere? Desde luego, si ésta es la explicación, considero que se trata de un infantilismo evidente, porque esos temas ya funcionaron perfectamente en su anterior disco y era absurdo volver a incluirlos en un nuevo álbum que, además, presenta una línea estilística diferente a la de aquél.
Por lo demás, The big roar es un disco que se pierde en trucos de producción como el de la voz de Ritzy, que a veces suena demasiado superficial y distante. Trucos de grabación de guitarras que emulan a lo más pelmazo de los Smashing Pumpkins de mediados de los noventa. El único tema que salvo del desastre es The magnifying glass, que sin ser ninguna maravilla, en tanto que émulo de la banda de Billy Corgan, es salvable por su intensidad sonora y la fuerza de sus guitarras. El resto… me temo que no puedo ser demasiado benévolo con los temas, que me parecen demasiado ansiosos y épicos. Unir esta nueva colección con canciones que habían funcionado a las mil maravillas anteriormente me parece una temeridad y un desperdicio de tiempo. Me quedo con A balloon called moaning; ése sí era un gran disco.
The Joy Formidable – The big roar (2011)
“A man much wiser than me once said “All we have to decide, is what to do with the time that is given to us.”
And in an age where musical trends can change in the blink of an eye and fan loyalties can be swayed by the lightest of breezes, it seems little other than worrying that Welsh trio The Joy Formidable have waited over three years before putting out their debut proper.
It’s not like we’ve gone all this time without any spoils though – in early 2009 we were treated to the band’s mini album, A Balloon Called Moaning. Recorded in the shared bedroom of singer and guitarist Ritzy Bryan and her bassist boyfriend Rhydian Dafydd, it surged with the searing energy that makes the band such a tenacious live prospect.
So then, one has to wonder exactly why it’s taken them so long to get The Big Roar together. Especially since four of the eight tracks from their previous release have been recycled here, most of them reappearing in an unradically altered state.
Previous singles ‘Austere’ and ‘Cradle’ remain intact and are all the better for it; the former an anthemic Pixies-channelling garage stomp, the latter an ebullient rocket-ride that could be a Blood Red Shoes track. Similarly, the biggest palpable modification to ‘The Greatest Light is the Greatest Shade’ is Ritzy’s newly recorded vocal, still breathy and ethereal, only now intelligible – you can actually distinguish her intonation “This dream is, in a telescope now.” While the track is still a stunner: a juddering bassline beneath swirling blasts of shimmering electro-guitar, it’s now been stripped of the otherworldly quality it wielded when Bryan’s Emily Haines-esque purr was enveloped in swathes of shoe-gaze nuance.
But if anything was going to catch the attention of a Joe Public with a waning interest in guitar music, it was always going to be the soaring, giddy heights of ‘Whirring’. With this in mind, the appearance of previous material is less a surprise, more a logical inclusion – quite simply the best stuff in The Joy Formidable’s arsenal was written prior to sessions for The Big Roar.
Despite all this, as a complete body of work, the album stumbles in very few places. Volume is no substitute for heart- something The Joy Formidable are well aware of – but ‘Chapter 2’, despite being cranked to the max, manages to feel underwhelming as does the Rhydian – led ‘Llaw = Wall’. Both are akin to trying to smash a guitar, deep-down hoping it stays in one piece with the knowledge that in the morning you’ll have to pay to replace it.
But for the most part, these tracks burn with anthemic vivacity. ‘The Magnifying Glass’ is brilliant, a short burst of turbulence that shrieks as it twists turns and pounds round myriad sharp corners. Similarly ‘A Heavy Abacus’ features another apocalyptic chorus aimed firmly skyward amid waves of buzzing guitar while ‘Buoy’, a slow-burning seething beast, takes the pace off but not the muscle.
Recently someone on these very boards commented that ‘the most emotionally difficult job in music must be being a member of The Joy Formidable in which you forever teeter on the edge of mainstream acceptance.’ And The Big Roar’s eventual release was always going to pose more new questions about the band’s future than it was ever going to put old ones to bed. After all, it can’t have gone unnoticed by the band that they’ve found themselves consistently tipped for great things since their inception in 2007, yet haven’t quite managed to achieve popular acknowledgement.
But the real heart of TJF has always been captured on stage, where energy levels can run rabid. Undoubtedly The Big Roar is an album written with the live arena in mind. The epic, feedback-laden climaxes of ‘The Everchanging Spectrum of A Lie’ and especially ‘Whirring’ – here lengthened awesomely by over three frenetic minutes of reverb and dense riffs that build and swell toward a newly constructed apex – are enough to tell us that. And in an age where live prowess can be more profitable than record sales, maybe the way The Joy Formidable chose to spend their time was less misguided than shrewd decision” (drownedinsound.com)
Implodes: Marker (Single, 2011)
La banda de Chicago Implodes acaba de publicar su primer disco grande: Black earth. Implodes son un grupo de Rock digamos que de atmósferas cargadas, espesas, de desarrollos instrumentales largos. No os confundáis, no son una banda de Post-Rock. Son un grupo Drone que le gusta recrearse en el detalle. Trazas de Psicodelia, de Space-Rock… Mejor escuchas y descargas el tema pinchando en el enlace.
Implodes – Marker (Single, 2011)
“Chicago crew Implodes’ first official full-length Black Earth’s a 43-minute collection of densely atmospheric star-melting guitar scrawl, acoustic interludes, and gentler drone. It’s the kind of heady nighttime psychedelia that has a way of feeling truly space-stretching and mind-altering, like how Flying Saucer Attack could create and then maintain those private shadowy landscapes. At times these songs feels more dire or dirge-like — the beautiful riverside sunset on the cover comes with a woman wielding a knife — but each of the 11 tracks is beautifully melodic. Most are patiently catchy, darkly propulsive. Others oddly upbeat. There’s a fragility even when the lite cascade of “White Window”’s eclipsed by the distorted echo of “Screech Owl” or harsher half-speed sludge of “Song For Fucking Damon II (Trap Door).” It’s pop music buried in shimmering murk and it feels way more refined than a “debut” should sound. It’s a record that gets stronger on repeat listens” (stereogum.com)
Telekinesis: 12 Desperate straight lines (2011)
Tras el bajón creativo experimentado con su anterior Ep, el fallido Paralell seismic conspiracies (2010), confieso que me detuve ante este nuevo álbum de Telekinesis (aka Michael Benjamin Lerner, y ya sin el signo de admiración en su nombre) con cierta desazón, auténticamente receloso de un cierto retroceso creativo. Lejos del desánimo, con cada tema de este 12 Desperate straight lines, la sensación de estar a gusto conmigo mismo se fue apoderando de mis oídos y mi subconsciente. Escrito y concebido tras una ruptura sentimental, Lerner se encuentra a sí mismo sin pareja y además sin banda. En vez de presentarnos una colección de canciones teñidas de melancolía y sentimentalismo barato, el tipo se saca un disco de la manga en la que las únicas concesiones a los sentimientos menos positivos están en la primera parte del disco. A partir de Car crash, el disco se torna en una colección de temazos del mejor Power-Pop, sin concesiones de ningún tipo. Las melodías se adueñan del álbum, las guitarras se afilan más que nunca (la colaboración del guitarrista Cody Votolato es fundamental), y los temas de Lerner se aferran a la mejor tradición Power-Popera, no sin ciertos elementos de influencia provenientes del Folk-Rock e incluso del Punk-Pop. Otro de los elementos que han ayudado a dar cohesión a este segundo álbum de Telekinesis es la producción de Chris Walla, al igual que en su disco de debut, lo que ha contribuido a darle una cierta sensación continuista, aunque en esta entrega su sonido ciertamente se ha “endurecido” de alguna manera, descubriendo Lerner a los Weezer más macarras (Ask for help, Car crash, Palm of your hand, I got you), siempre partiendo de los presupuestos musicales de un grande del género como como es Matthew Sweet. Otra de las influencias que al menos personalmente aprecio en algún que otro de los temas del álbum es la del sonido de guitarras cercano al de ciertos grupos de la onda “oscura” de los años ochenta: ello se refleja en los riffs de cortes como Ask for help (un clarísimo préstamo de The Cure hábilmente camuflado) o Car crash. El disco tiene sus puntos débiles (Patterns, Country lane, 50 Ways), que se salen un tanto del patrón claramente establecido del Power-Pop intenso; pero son pequeñas lagunillas en un álbum que no sólo mantiene el nivel compositivo/instrumental del álbum de debut, sino que por momentos, nos atreveríamos a insinuar que incluso lo supera, en tanto que este disco es un trabajo mucho más reflexivo y arreglado que aquél, donde un aura de cierta inocencia post-adolescente era la protagonista en muchos de sus cortes. Juzgad vosotros mismos.
Telekinesis – 12 Desperate straight lanes (2011)
“Talk about a peculiar turn of events. Just last month, I was lamenting the failure of would-be grunge rock revivalists to effectively pick up the threads of the 90s Seattle scene and refashion them into something culturally relevant to this cold, sleek, Steve Jobs-designed dystopia of the twenty-teens. Suddenly, as if in answer to my challenge, what falls into my lap but 12 Desperate Straight Lines. Those astute scholars of indie rock may recall Telekinesis, a.k.a. Michael Benjamin Lerner, from his 2009 self-titled debut, a bright, jangly dose of pure pop charm that, for my tastes, was too cutesy for its own good. But the intervening years, marred by anxiety over the potential sophomore slump, as well as a variety of minor personal crises, have given Lerner a more sober perspective, causing him to dial back some of the preciousness of his previous effort and push his sound into harder-rocking (dare I drop the g-word?) grunge territory. The most satisfying fruits of Lerner’s newfound love of the distortion pedal show up in the album’s middle portion. “Car Crash” does an excellent job of marrying a tuneful chorus of “whoa-oh-ohs” with grunge dynamics, while “Palm of Your Hand” injects a shot of punk energy into his power-pop formula. “Fever Chill” provides a satisfying throwback to the flannel age by bookending a surly slow-build with a fleeting, rough-shod acoustic intro and coda. The only song that really steps over the line is “50 Ways,” Learner’s bitter, Paul Simon-inspired rumination on the inescapability of a lost lover. Banking too heavily on the LOUDquietLOUD shtick, he doesn’t really put enough of his own stamp on it, and the end result is a somewhat bland homage in the vein of Blood Red Shoes. Much more effective are “Please Ask for Help” and “Country Lane,” two songs that manage to channel the lovelorn wistfulness of The Cure better than any other indie band I’ve heard make the attempt in the past year (Blank Dogs, Asobi Seksu — I’m looking in your directions). The primary impetus behind these songs is purportedly the dissolution of the relationship that inspired Telekinesis’ debut, so it’s no surprise that 12 Desperate Lines talks an awful lot about breaking up. Any reflective person with some experience in the dating scene knows that it only takes one person to torpedo a bad relationship, but dismantling one that’s truly meaningful? That’s a job for two. Therefore, any breakup album worth its salt needs to dilute its “bitch-done-me-wrongs” with a healthy dose of introspection. Lerner peppers the album liberally with admissions of his own culpability (”Let’s start all over/ Let’s go back to square one/ I never loved you/ I never loved anyone”; ”I fell fast and/ You fell faster/ It wasn’t true love/ just like that it/ was a disaster”), but for the most part he lacks the depth of insight to really stick his fingers down the throat of love and come up with the kind of squirm-inducing revelations that The Afghan Whigs or Local H (That’s right, Local. Fucking. H.) have done on similar efforts. 12 Desperate Lines takes tried-and-true radio rock tropes and imbues them with enough life to make them feel fresh. The slightly jaded perspective and raucous impulses Lerner brings to the record provides a much-needed counterbalance to the lightness and breeziness of his songwriting style. If this is the kind of work that a bitter breakup elicits from him, then I hope that Mr. Lerner will forgive me for saying that I hope he gets dumped on a regular basis for many years to come” (tinymixtapes.com)
Telekinesis – Car Crash (Mp3)
Male Pattern Band: Raining (Single, 2011)
Hubo un tiempo en que en Escocia se facturaba el mejor Pop que se realizaba prácticamente en el universo Indie. Teenage Fanclub, Eugenius, BMX Bandits, Primal Scream, The Pastels, The Delgados… eran tan sólo unos pocos de los muchísimos grupos que despuntaron en la década de los noventa. Male Pattern Band provienen también de Escocia. No digo que vayan a tomar el relevo de aquellas bandas, pero tienen algo que apunta a banda de futuro: producción sencilla, buenas melodías, canciones compactas… Raining es su tema estrella, una canción a medias entre el Lo-Fi de Pavement y esa mezcla tan peculiar de Folk-Rock que tienen muchas bandas de la tierra del whisky. Puedes descargar el tema pinchando en el enlace.
Male Pattern Band: Raining (Single, 2011)
“It seems like there are quality bands popping up in Scotland at an alarming rate at the moment, and what makes it so exciting is that they aren’t all tied to a single sound, or movement, they are spread across the musical landscape evenly. So for every 16-year old Dubstep producer like Hangman you get a band as simple, melodic and perfectly formed as Male Pattern Band. To date they have self-released two EPs of their self-proclaimed “Junkyard Pop”. Their trademark song, “Raining”, encapsulates everything that’s great about the band: ramshackle production, big simple melodies and heartfelt and well-observed lyrics. They are young, and seem to have that ability to be able to toss off great little ditties at will. Have a listen below to a band that surely have a good future ahead of them. Unfortunately, there isn’t much in the way of info online about these guys so I can’t tell you much more, but we’ll keep an eye out and keep you updated with any future releases” (listenbeforeyoubuy.com)
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Turntable Kitchen March 2011 Mix
El portal Turntable Kitchen ha cocinado otra nueva Mixtape para este mes de Marzo (en TJB preparamos una para el final de mes). En esta ocasión, la mezcla es de lo más variopinta y diversa, alguna que otra Remix, algún clásico (Elvis Costello), algún que otro temazo (Motel Beds) y algo de electrónica (TuneYards, Radiohead). Aprovechable.
Turntable Kitchen March 2011 Mix (2011)
“Here it is, the Turntable Kitchen March 2011 mix. It came together surprisingly quickly, and yet I feel like it is one of my favorite mixes I’ve put together in awhile. It is certainly eclectic, but that undoubtedly reflects the fact that my mind has been suffering from musical attention deficit disorder. I’ve been listening to more than my usual share of underground hip hop recently (because I’ve been exposed to a lot of good underground hip hop recently) which is reflected on the mix below with great tracks by Mainframe, Johnson & Jonson (which is Blu + Mainframe), Shabazz Palaces, Phred Diamond, and Das Racist. But I also can’t quit listening to the latest albums by Radiohead and Motel Beds, and the same goes for the latest tracks from Work Drugs. Also, I’ve been receiving some great new finds in the inbox including the tracks featured here by Hong Kong in The 60s, Alexander and the Eureka Birds. And I’ve spent a lot of time going through old used vinyl records having recently scored a number of great records by David Bowie, Elvis Costello and The Miracles. So eclectic this may be, but it definitely is a snapshot of what has been filling the space between my ears this month. And you may also notice that it is a relatively upbeat mix. And why shouldn’t it be? After all, things have been good for Turntable Kitchen recently: we partnered with our favorite print magazine (Wired) for a podcast, we co-hosted two nights of culinary and musical tribute (and our first physical events) for Noise Pop, and this past weekend we finished filming our TV debut with a segment for the Cooking Channel (we’ll be on (Food)ography!). Sure, I’m growing a little impatient waiting for that email from Radiohead offering us the exclusive on their next album, but I’m sure it will come any day now” (turntablekitchen.com)
Los Pasos: La moto / Los amos (Single, 1966)
Este fin de semana en el Retro-Visor vamos a mirar de nuevo hacia la trayectoria musical de uno de nuestros grupos favoritos españoles de los años sesenta, Los Pasos, de los que estamos repasando todos sus singles. La Moto fue el polémico tercer sencillo en su prolífica carrera en Hispavox.
¿Por qué decimos lo de polémico? Porque Los Pasos iban a ser, en un principio, el proyecto del productor francés Allain Milhaud para desbancar en popularidad a Los Brincos. En medio se cruzaron Los Sonor y Mike and The Runaways, cuyo cantante, un rubiales holandés llamado Mikel Volgel Koger -aka Mike Kennedy-, causó impresión en el francés, quien desvió su punto de mira hacia la fusión de esos dos conjuntos, que en un futuro se llamarían Los Bravos.
Pero el centro de nuestra historia son Los Pasos. El tema era original de Manolo Díaz, un ex-Sonor que se había comprometido con Milhaud a lanzar a Los Bravos. Curiosamente, en 1966, y aunque originalmente estaba compuesto para Los Pasos, Milhaud presionó a Díaz para que los intérpretes fueran Los Bravos, y lo consiguió valiéndose de la legislación vigente entonces, que permitía a un autor vetar la primera publicación de cualquier tema. Aunque Los Pasos la habían grabado antes, no pudieron publicarla, y se quedaron, pues sin moto a la que montarse. Desgraciadamente para ellos, el single alcanzó el número uno de las listas y Los Pasos sólo pudieron publicarla posteriormente. Si me preguntáis mi opinión, tampoco creo que el tema fuera para tanto. Los Pasos la convierten en un número Beat bastante potente, según el portal PopThing la guitarra de Joaquín Torres es una Gretsch Country Gentleman; Los Bravos le dan un toque algo más cosmopolita y arreglado. Quizás las voces de Kennedy queden algo sobreactuadas, como en la mayoría de sus discos, dicho sea de paso. Como dato curioso, daos cuenta de que la estructura de grupo de Los Bravos era casi idéntica a la de Los Pasos, con la salvedad de que José Luis Díaz, el teclista era a la vez el vocalista de Los Pasos, quienes contaban con un segundo guitarrista. Musicalmente hablando, y para quien no lo sepa, os diré que Los Bravos originales prácticamente no grabaron nada en sus primeros discos salvo las voces y los coros, en su lugar lo hicieron músicos profesionales contratados en Inglaterra por Milhaud para que ningún hilo quedara suelto.
La cara B del single fue Los Amos, un original de Los Pasos que responde mejor al patrón musical de la banda: como dicen en La Fonoteca, “un arrogante medio tiempo garajero” con el teclado de José Luis Díaz en un primerísimo plano y con protagonismo absoluto.
Los Pasos – La moto / Los amos (Single, 1966)
Carnivores: Chandelier (Ep, 2011)
Hace poco descubríamos uno de esos sellos que nos merecen todo nuestro respeto, en tanto que apoyan a la música de forma casi desinteresada y editan nuevas referencias con evidentes limitaciones presupuestarias. Se trata de Double Phantom Records, que tiene en su plantilla, además de a Mood Rings, protagonistas del post anterior, a la banda de Atlanta Carnivores. Un combo mixto que elabora un Pop un tanto bizarro, combinando elementos Lo-Fi con el Pop más extravagante. Acaban de editar Chandelier, un Ep de cuatro temas que tiene también su referencia física que puedes encontrar en el sello. Os dejo los enlaces para que puedas encontrar ambas maneras de hacerte con el disco.
Carnivores – Chandelier (Ep, 2011)
“Hey, Double Phantom digital fans! Next up we’ve got a new exclusive release by long time Double Phantom band, Carnivores. The Atlanta band’s new EP is a compact distillation of their sound: a combination of dark atmospheres, guy/girl harmonies, punchy drums and realized pop songwriting. You can download the EP free through out bandcamp site, or through this mediafire link“ (doublephantom.com)
carnivores.com / Descarga legal gratuita / Double Phantom Records
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