The JangleBox

Indie, Noise, Shoegaze… Music

Peopling: Bulbout (2013)

BULBOUT cover artCaótica, inestable, agitadora, bizarra, vanguardista… la música de Peopling puede ser de todo menos convencional. Partiendo de unas premisas experimentales y absolutamente deconstructivas, Bulbout se configura como el segundo trabajo de Ronnie Gonzalez, un personaje neoyorquino absolutamente al margen de las reglas convencionales del juego.
Puedes echarle un oído a su música acercándote a su Bandcamp y poniendo el precio que consideres oportuno.

Coinciding perfectly with my latest industrial phase, Ronnie from Peopling hit me up with some of his latest tunes.  Visited his music a while back in the form of his S/T CD EP and was blown away back then, so finding out he had released some more, was a pleasant surprise. As of right now this one is just digital, you can hear it (and the other stylings) at his Bandcamp. Word from Ronnie though, is that this will be released as a 7″ when $$$ and time permit.  You can also find Peopling at Facebook,Twitter and a Myspace. The tags on Bandcamp include “experimental”, “industrial”, and “noise”, which of course is accurate.  This guy at Droning Earth didn’t dig it but he has every right to be fucking wrong…hahaha. Just kidding (sort of), this music is not for everyone, not so much like a song as as a speech, no verse/chorus here. The energy is cool, kind of edgy and agitated, chaotic yet somewhat rhythmic.  There’s variety in the sameness of it all.  Hands down the best tune for me is the one below, but go to the Bandcamp to give all their stuff a listen…” (Mustard Relics)

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30 junio, 2013 Posted by | Peopling | Deja un comentario

Esterhazy: Enola (Single, 2013)

Enola cover art

Un escueto email, unas pocas líneas para introducir a su banda y un single digital recién editado, este Enola/Holland. En palabras de sus protagonistas, dos canciones inspiradas por dos grandes novelas de dos insignes: Dublineses, de James Joyce y El Gran Gatsby, de Scott Fitzgerald (ahora revisada en el cine, por cierto).
Musicalmente hablando, el sonido de este dúo neoyorquino se mueve entre el Folk virtuoso y algunas notas de sabor incluso jazzístico, construyendo un par de temas de intensidad y de ambiente intimista-lírico. Recomendable.
Puedes disfrutarlo en su Bandcamp, poniendo el precio que consideres oportuno.

Damon Korf (vocals, guitar, bass) and Eli Rojas (drums) are Esterhazy, a NYC based indie duo with a penchant for acoustic guitar driven melodic pop songs. Their new single Holland b/w Enola touches base with Big Star and Scritti Polliti. They throw in a few jazz licks, which make it a dead ringer for your local hip diner to play it during lunch hour” (Paperblog)

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29 junio, 2013 Posted by | Esterhazy | Deja un comentario

Shishi: Eternal bliss (Patetico Recordings, 2013)

Eternal Bliss cover art

El dúo de Filadelfia Shishi (TJB, Sept. 2012), acaban de publicar Eternal Bliss, su álbum de debut. Un disco que, como comentamos entonces, representa un cruce de caminos entre el Shoegaze-Electrónico y ciertas tendencias más Noise. Aunque personalmente pienso que se les va algo más la mano en el lado más electrónico y el sonido de teclados y sintes es más predominante durante casi todos los temas.
Si a ello le añades un cierto grado de épica y un tono algo grandilocuente, el resultado es Eternal Bliss, un álbum un tanto irregular en el que vas a encontrar momentos y fraseos memorables (Anything for you) con otros en los que pierden algo el norte. Puedes escucharlo íntegramente en su Bandcamp y adquirirlo a un precio irrisorio.

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Shishi is a husband and wife indiepop group formed in 2012 hailing from the the suburbs of Philadelphia. They blend stylish beats, pop synths, shoegaze guitars, and lovely female vocals to create a refreshing and unique approach to indie electropop songwriting.
Tom is also the owner of record label Patetico Recordings and is in the Philadelphia shoegaze-indierock band Stellarscope, as well as several other projects like Panophonic, Super Toys, Drowning Dreams.
Check out the latest Patetico Recordings’ news on signings, releases, watch videos, and more. The best indiepop-shoegaze from around the world! Follow us everywhere!” (Bandcamp)

pateticorecordings.wordpress.com 
www.patetico-recordings.com 
twitter.com/pateticorecords 
soundcloud.com/pateticorecordings/sets/patetico-recording-artists 
www.facebook.com/groups/pateticorecordings/ 
www.facebook.com/pages/Patetico-Recordings/219018488119479

29 junio, 2013 Posted by | ShiShi | Deja un comentario

The Besnard Lakes: Until in excess, imperceptible ufo (Jagjaguwar, 2013)

National Geographic

Tenía ganas de escuchar a este grupo desconocido hasta ahora para mí, sólo por referencias me he topado con el que resulta que es ya su cuarto trabajo. He de reconocer que tras varias escuchas mi opinión es algo más positiva que tras las dos primeras. Me explico: Su idea del Pop ampuloso, hiperproducido y algo  sesteante no me epata demasiado. No es que muestre rechazo hacia cosas que suenen a los Pink Floyd menos interesantes, pero no es el tipo de sonidos que suele emocionarme.
Pero he de reconocer que ese puntito a medias entre Space Rock, Post Rock, Dream Pop e incluso ramalazos Shoegazers a día de hoy no me hastía tanto como en sus primeras escuchas.
Estoy del todo de acuerdo con la crítica de Playground en la que se señala que Until in excess… no es un disco de canciones sino de sonidos. Y algo de éso debe de haber. Jace Lasek no en vano es productor de numerosísimas bandas, y la conjunción con los temas más “poéticos” surgidos del talento de su esposa, Olga Goreas, dan lugar a este disco parsimonioso, algo plúmbeo y desde luego espeso. Os dejo con otra cita textual de su crítica porque no puedo estar más de acuerdo:

El matrimonio sigue trabajando en encontrar el punto personalísimo donde se cruzan sus amores e influencias, dibujando un mapa que quedaría de la siguiente manera. Al norte, el grupo comparte territorio con el muro de sonido de Spector, los Beach Boys, los coros y los arreglos orquestales. Al sur, con los paisajes amplios del post-rock y el mareante vaivén de la música espacial, y de ahí a los vendavales típicos del shoegaze y el dream-pop: metan aquí desde sus queridos Swervedriver y Ride a Spiritualized y Sigur Ros. Al oeste, comparten frontera con los excesos de la ELO, Fleetwood Mac, The Alan Parsons Project y, sí, los Bee Gees, con ese notable falsete de Lasek tan marca de la casa. Y al este sobreviven algunos recursos de la psicodélica, que es lo que lamentablemente el grupo ha ido matizando desde que debutaron con “Volume 1” (PlayGround)

Amen. Sólo añadir una última reflexión sobre Until in excess… Aún en esta última escucha, he de reconocer que lo que en un principìo identifiqué como sonido “cinemático”, conforme avanza su audición, lamentablemente (al menos para quien escribe), se torna en ese sopor que todos asociamos con los reportajes de animalitos que todos dicen que los ven pero que en realidad nadie lo hace. Con ese cierto sopor amodorrante que nos tumba en esos momentos de la sobremesa.
Mi opinión final: más cercanos a los grupos de finales de los setenta-ochenta que a bandas mucho más recomendables del tipo Flaming Lips, Neutral Milk Hotel, en los que habrían encontrado un gran referente. Con todo, como (casi) siempre digo, podemos encontrar momentos destacables: 46 Satires, And her eyes were painted gold, People of the sticks, At midnight

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Begun in 2011 at the Montreal dream pop act’s own Breakglass Studios, Until in Excess, Imperceptible UFO is The Besnard Lakes‘ fourth full-length and keeps to their habit of releasing a dense, lovingly crafted album awash with crunching guitars and hazy strings every three to four years. Led and formed by the husband/wife duo of Jace Lasek and Olga Goreas, it’s clear that Breakglass is the key instrument when defining the Besnards‘ sound. While 2007’s The Besnard Lakes are the Dark Horse was a step up both sonically and commercially from their Smashing Pumpkins-influenced low-key 2004 debut, Vol. 1, each subsequent release has in turn seen the band steadily broaden its palette. Released in 2010, the aptly titled The Besnard Lakes Are the Roaring Night saw them accentuate both their progressive and soft rock sensibilities, and these are most certainly retained for Until in Excess, Imperceptible UFO. The band has classified writing and recording as being much the same process for quite some time, an approach that sets its indie rock apart from the many “verse/chorus/verse” worshiping acts that pervade the field. Although the dramatic “People of the Sticks” is the closest thing to a traditionally structured track on this release, even at the point when the verse edges into a chorus, it feels like you’re listening to a subtle and natural mood change. While it could easily have sat on the revered Roaring Night, it’s the material here such as “And Her Eyes Were Painted Gold” and “Catalina” that effectively hints at a new chapter for the band. Both betray a foggier take on that string-laden, psychedelic stage musical sound that Dave Fridmann found for Mercury Rev in the late ’90s. Elsewhere, “46 Satires” — the beautiful and pulsingSpiritualized-nod that opens the album — floats from section to section before presenting a tastefully brief, but blistering, guitar solo from Lasek and eventually drifting into an almost gospel-like coda. WhileGoreas‘ father sadly passed away during the sessions for this album, you can’t help but think that she has him in mind when tenderly ending the song with the line “Three rainbows arched over the valley where you lay.” There is also a sense of reassurance and understanding from her husband that permeates the ghostly, Beach Boys-inspired track “The Specter.” Here, when Lasek sings the equally tender refrain “Close your eyes,” he invokes the same sentiment as the classic Wilson/Asher composition “Don’t Talk (Put Your Head on My Shoulder).” Touching moments such as these can be found across the album, offering a glimpse of pure heartfelt emotion that was sometimes lost amongst the abstract imagery of spies and soldiers that dominated previous albums. All in all, UFO is another valuable addition to their canon, completed with skill and affection in equal measure” (All Music)

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28 junio, 2013 Posted by | The Besnard Lakes | Deja un comentario

Juan Wauters (from The Beets): Sanity (7″, 2013)

Sanity 7" cover art

Animoso corte de LoFi-Pop con tintes playeros y estribillos juguetones.

“Montevideo, Uruguay, 1997. In a red brick building–in a modest fourth floor apartment with a view straight to the ocean–Juan Wauters bangs on a neighbor’s piano and notices the good feeling. The piano machine becomes emotion when Juan lays his knowledge on the keys. Juan calls these casual and unique occasions “The Wauters Symphonies.” Later, on a borrowed guitar, these concerns are witness to thick tears cried through songs that smiled once they realized existence. Time brought strength to Juan Wauters’ muscles. These are the tools that he uses to craft pieces that are his evolving search for that specific sound that will never come to be. The search is never ending and the crafting just adds layers to a skin that thickens. Life becomes the mere existence of those sounds that last forever. Follow the piano crafted symphonies from a head that wanders lonely”

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28 junio, 2013 Posted by | Juan Wauters, The Beets | Deja un comentario

The Everywheres: Slow friends (2013)

Slow Friends cover art

Continuamos dando cancha a bandas independientes y generalmente desconocidas para un gran público. Gentes que apuestan por la autoedición o por el lanzamiento en pequeñas compañías.
En este caso, hablamos de The Everywheres. Lo que comenzó como un proyecto de dormitorio a cargo de Samuel Hill ha ido tomando forma con el tiempo y convirtiéndose en una entidad con vida propia y buenas canciones.
El sonido de estos canadienses de Halifax (qué bonito nombre) bebe del LoFi de los noventa y del Pop de Garaje. Tiene mucho de sonido directo y de ese Pop algo alucinógeno que nos remite a cierta producción musical de los sesenta.
En este año The Everywheres van a ver publicados dos trabajos. Éste que nos ocupa: Slow friends, autoproducido; y su debut con una compañía: Father/Daughter Records, que les va a distribuir el que será su primer disco, que aparecerá a finales de este mismo mes de Junio: The Everywheres. Os dejo con el enlace de aquel (de distribución gratuita) y con el que será el primer sencillo de éste, también descargable.

The self-titled debut from songwriter Samuel Hill’s The Everywheres summons scrappy yet masterful psych-pop. Glowing garlands take shape from a cocktail of Davies odes, Brian Jonestown candidness and nomadic adventures. Swirling guitar wanes smooth to build a delicate, jewel-toned backbone from which peyote induced tambourines and blissed-out harmonies stem. Hill started making music as The Everywheres in the summer of 2012. The notorious drifter found himself back in his native Halifax, Nova Scotia, more specifically in the basement of his childhood home. It was there (along with time spent along the ocean shores in LaHave) that Hill was inspired to recount his journeys thru the power of song. He shacked up with his Tascam 4-track and every instrument he could get his hands on, laying down what would become The Everywheres’ debut” (Soundcloud)

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26 junio, 2013 Posted by | The Everywheres | Deja un comentario

Panda Riot: Northern automatic music (Saint Marie Records, 2013)

Northern Automatic Music cover art

Panda Riot son viejos conocidos en The JangleBox (Julio 201o). Desde entonces, algunas vicisitudes han pasado principalmente por su formación e incluso por su sonido. Mudanza a Chicago, cambios de formación que han desembocado en un cierto cambio de sonido. Incorporación de un batería -aunque no participa en todos los cortes-, lo que indudablemente dota a su música de una calidez, contundencia e inmediatez de la quizás antes careciera (Good night, rich kids).
Pero principalmente, Panda Riot han madurado hacia un sonido decididamente más cercano al Dream-Pop más Shoegazer (Amanda in the clouds, In the forest, Encrypted wilderness, Camdem line…), trazando un puente ideal (como señala la reseña de All Music) entre la distorsión de My Bloody Valentine y los ambientes y los juegos vocales de Cocteau Twins (Serious radical girls, Northern automatic music, MTWN Glass -regrabación de un tema de su Ep de 2010-, Black pyramids).
Un disco aprovechable pero en el que echo a faltar algo de la calidez de sus primeras grabaciones así como un más alto nivel compositivo en sus temas, que quizás pequen de una cierta uniformidad en su sonido y lastren algo una escucha y una valoración general más positiva.

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One listen to the first song (“Amanda in the Clouds”) on Chicago shoegaze combo Panda Riot‘s debut album, Northern Automatic Music, is enough to see that they studied their My Bloody Valentine records very closely, with time thrown in to absorb some lessons from the Cocteau Twins as well. From the Valentines they took the glide guitars and basic songwriting techniques, from the Twins they took glittering atmospheres. Though the template is well worn and many bands have used it to make really lousy records, the quartet does a fine job of creating a wall of sound that is impressively enveloping, but also bolstered by dynamic shifts and livened up by the occasional surprise (like piano dropping in here and there). They show an impressive level of craft and imagination within the tight shoegaze format, never allowing themselves to sound stale or merely nostalgic. Songs like “Black Pyramids” and “Mtwn Glass” have a surging beauty that a band just looking to rip off a sound couldn’t easily knock off. The one place the record stumbles a little is in the vocal department, not that Rebecca Scott‘s vocals are bad; the opposite is true. She sounds perfectly fine, but she needs to be buried deeper in the mix. Otherwise, it’s terribly hard to be swept away by the undulating guitars and woozy tempos when you can hear exactly what Scott is saying. Fix this on the next record and everything will be better, maybe even great. As it is,Northern Automatic Music is a fine debut that fans of shoegaze music should find quite enjoyable” (All Music)

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25 junio, 2013 Posted by | Panda Riot | Deja un comentario

Panda Riot: An interview to The Dumbing of America

Todd: The new record is brilliant. How long did it take you to write the songs on this album?

Brian: Thanks! The basic composition (voice, guitar, drum machine) for these songs came pretty quickly. The parts for ‘In the forest’ were written in about 30 minutes for example. But the whole album from start to finish took about 2 years. Most of the time was spent on getting the sounds right, adding little parts, taking stuff out, recording and re-recording guitars and drums, etc.

Todd: When we interviewed you back in 2010 (!) you indicated that you eschewed using a drummer because you didn’t want to be a “rock band in the traditional sense”. What made you change your mind?

Brian: I realize now that I was talking about the approach to the rhythms and drumming style. The addition of real drums was intended to give the songs a more powerful feel. As we started experimenting with José we found that a less is more approach is best with the live drums. He stands up and only plays a floor tom, a snare and a ride. Sonically, we spent a long time playing around and seeing how the electronic and acoustic drums could compliment each other. I always hated the sound of a real kick drum, so the album is all drum machine kicks, where as the tom sits above that frequency in a nice way.
Obviously replacing a drum machine with a real drummer makes a difference in the sound of the band, but how did it impact the songwriting approach on the new record?
The songs still have a hybrid of programmed drums and real drums. All of the songs still start with a guitar track and a drum machine. Songs like Serious Radical Girls and Amanda in the Clouds are a really good example of having drum machines and real drums playing off of each other. In the Forest is actually a blend of programmed drums and real drums as well, although you would never really know that by how it sounds.
The most exciting thing that we started doing on this album was treating live drums the same way we’d treat a drum machine. For a lot of the songs, José would listen to an unfinished song, play various drum parts for about 10 minutes and then we’d sit back and cut them up and essentially sample and re-arrange them. We both found it interesting to work that way because it allowed us to come up with parts that we would have never thought of if we just did straight takes. We like to take elements of electronic music and try to pull them off in a more organic way. The song “Someday” for example has José playing 2 different drum fills that we then sped up and layered over a 3 drum track. Rhythmically it gives it that real/unreal feeling.

Todd: Where’d you record the new album and what were you trying to accomplish sonically?

Brian: We recorded this album in a warehouse by ourselves. Its a pretty raw, totally acoustically untreated space. I recorded everything and then mixed it all on a laptop in Logic Pro. Because of this, we were free to experiment and do whatever we wanted. Sonically, I wanted everything to be as clear as possible. I didn’t want that smoke and mirrors vibe of a lo-fi recording. Because it was me alone recording everyone and mixing it did take some time, but it was necessary for the way we worked. A lot of the songs evolved and were written as we were recording. There was no plan or projected date of when something was going to be done. A lot of the demos for these songs in no way resemble the final versions. We’d maybe start with a guitar and a drum machine part, record real drums over top, cut them up, drop the original drum machine and add a new one, etc. So songs we’re being built up and stripped away throughout the whole process.
We spent a lot of time on the details–what tambourine sounds better on this part, where the mics should be and which ones sound the best on an amp. Everything was recorded with multiple mics. For one guitar part there’d be 8 mics on 2 or 3 different amps. The same is true for everything else, handclaps tambourine, shakers etc would be mic’d and recorded with at least 4-8 mics.

Todd: You’ve brought the vocals up in the mix for this record. Would you rather explain why you were burying the beauty before or just explain the decision to bring it to the front, now?

Brian: I think our approach to vocals varies from song to song. Maybe it’s just the way the songs are composed this time that make them feel this way. There was nothing conscious about that. Sometimes we treat them more like an instrument and sometimes they pop out of the mix because of the nature of the song.

Todd: Your videos have always been a great artistic vehicle for the band. Can you talk about the Black Pyramids video?

Brian: Rebecca and I started out making films. We don’t really have time to do that much anymore, but when we get the chance we’re all for it. We shot that video in the same warehouse where we recorded the album. We used this discontinued Fisher Price toy camera from the 80’s. It records these really pixelated, ghostly, noir-ish kind of images. I modified the camera so we could record it onto flash memory. The lack of detail of the image makes it very interesting to work with. Once you get used to working with what the camera is showing and not whats actually there its pretty fun. For example, in the video Rebecca is singing into a lightbulb! But the camera makes it look like some kind of awesome glowing microphone.

Todd: You did a split single with SPC ECO with Dean Garcia. Did you get to meet/talk to Dean?

Brian: We were briefly on a label called XD, and Dean’s band SPC ECO was also on that label. We had heard that Dean really liked our stuff and since we are fans of Curve, we asked if he would take a listen to a track, Serious Radical Girls, and do a remix for it. Thankfully, he said yes, and the remix he did was so spot on, everything we thought it should be. He’s a genius.

(An interview to The Dumbing of America)

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25 junio, 2013 Posted by | Panda Riot | Deja un comentario

Antu Saltor: El paseo de los tristes (2013), Entrevista al blog J.Musind

El Paseo de los tristes cover artCatalán afincado en Madrid, Antu Saltor es uno de esos tipos que van por libre y que no tienen reparo ninguno en saltar al escenario con una guitarra en la mano para ofrecer recitales íntimos y esporádicamente recibir ayudas de amigos que se presten a ello.
Su música tiene mucho de esa cotidianeidad que marca mucha de la música producida en España en los últimos tiempos. Grabado con pocos medios pero con mucha imaginación, su Pop de manual es delicado a la par que efectivo y cercano.
En este segundo Ep Antu abandona el inglés para centrarse en componer en castellano y catalán. Está producido por Javier Carrasco (Templeton, Betacam, Rusos Blancos)

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-¿Cómo empezó todo? En Barcelona toqué en un par de bandas y lo pasé de lujo y cuando me vine a vivir a Madrid me apeteció arrancar esto,  todo a mi ritmo, tranquilo, sin estrés  ni presión de ningún tipo
Dos EPS, dos propuestas bien posicionas ¿Qué podemos esperar del siguiente trabajo? Pues la verdad es que no lo se, acostumbro a componer en casa con guitarra y voz y luego, si me meto en el estudio todo es una sorpresa, depende de quien aparezca por ahí
Siempre has estado rodeado (Brian Hunt, Templeton, Javier Carrasco ¿Cómo es trabajar con ellos? Son buenos amigos y tienen un gran talento y creatividad, trabajar con ellos es maravilloso
Veo que tu música tira de tu tierra aunque vivas en Madrid ¿Hay influencias de los dos lados? Imagino lo dices por el idioma, me gusta cantar en catalán.
-Influencias: Muchas, no se, David Bazan, Locomía, Pantera
5 temas que te encanten
De lo que más escucho ahora:
El mató a un policía motorizado à Chica de oro
Deerhunter à Dream Captain
Pep Laguarda à Cims I abismes
Modelo de Respuesta Polar à La Guerra y las faltas
C. Tangana (Agorazein) à V
Anécdotas de los conciertos y de  la grabación del disco.
De la grabación cuando a Javi se le ocurrió meter unas castañuelas para “El bosc”, es algo altamente provocativo y parece que nadie le haya prestado atención. Unas castañuelas en una canción cantada en catalán, no se si alguien lo habrá hecho antes, seguro que sí.
Una vez en el nasti a mitad de un tema me subió un gas y me provocó un eructo. Tuve que parar la canción, no fue desagradable, quedó como una anécdota.
-¿Qué expectativas tienes del EP? Pocas, la verdad no me lo he planteado
-¿Notas la evolución tras grabar? He aprendido a convivir con la claqueta, algo que hace unos años me llevaba por el camino de la amargura
Háblame de este álbum ¿Cómo ha sido el proceso de creación? Elegí 3 temas al azar, quería hacerlo con Javi para darle otra perspectiva al asunto, más cercana al pop. Lo paso muy mal con las letras, son bastante evidentes, mi neurona no llega a metaforizar mucho
-¿Cómo defiendes estos trabajos en el directo? Habitualmente voy solo con la guitarra, me quiero comprar alguna movida cuando ahorre, un gigadelay o un loopeador para darle más gracia al asunto, pero estas cosas van despacio. A veces me ayudan amigos con percusiones, segundas guitarras, etc
-¿Llamarás a amigos para los conciertos? No, no hay que dar la brasa, esto es cosa mía no de mis amigos
Tocar con grandes ¿Ha supuesto algún cambio? No se a que te refieres. Compartir cartel con gente como TUYA o Betacam o Eric Fuentes o Me and the bees o OSO es un gusto, no supone un cambio, solo que te pueda ver algo de gente y sobretodo pasar un buen rato, algunos son buenos amigos de hace ya muchos años.
-¿Ha cambiado algo dentro de tu mentalidad? Yo solo percibo es que a cada año que pasa soy más insoportable
-Planes para el 2013
Arreglar el tema de la crisis
-¿Qué opinas del mundo 2.0 dentro de la música?
Esto es un debate que da para mucho. No me gusta el concepto del todo gratis pero creo que la industria se ha de adaptar a los tiempos. De hecho es algo que están haciendo algunos artistas y existen algunas plataformas para que el asunto sea algo más sostenible.
-¿Qué prima más los discos o el directo? Todo tiene su momento
Un concierto perfecto (lugar y junto a quien compartiríais escenario vivo o muerto) Joder, no lo se, antes de que caiga un mito prefiero compartir cartel con amigos
-Grandes festivales o miniconciertos: para tocar, nunca he tocado en un festi con mi proyecto. Tocar en salas pequeñas es lo que más me gusta.
-¿Cómo ves la escena nacional?
Hay millones de cosas muy interesantes
-¿Qué no puede faltar en un día en el local? ¿Y en la furgo?
No voy mucho al local, lo hago todo en casa, en casa tengo de todo. Si salgo a tocar por ahí, no puede faltar la FM, no puedo con los discos para conducir, necesito a gente peleando, debates, susurros
-¿Rituales preconcierto?
Sumial y Whiskey con Sprite
-Próximas fechas
El 4 de Julio hay una movida muy chula que se llama Madera. Son unos microconciertos acústicos, es la segunda que se hace y la primera funcionó muy bien. Esta vez seremos unos 13 (Brian Hunt, Betacam, Martí de Mucho, Owl Captain, Carolain, Willy Tornado, TUYA y tantos otros), cada uno tocamos 2 temas, interactuamos, todo fluye muy bien y luego nos tomamos unas copas por ahí, todo muy sano.
-¿Donde podemos encontraros?
Te refieres en la red? http://facebook.com/antusaltormusica.
UK/USA o España para crecer musicalmente
Yo estoy muy a gusto donde estoy
La mayor locura en un escenario
Joder lo del eructo me ha marcado bastante
(Entrevista concedida al blog J.Musind)

24 junio, 2013 Posted by | Antu Saltor | Deja un comentario

Mons: Hokkaido (2013)

Hokkaido cover artGracias a nuestro amigo Pepe, de Musicadeptos, vamos conociendo bandas emergentes del panorama nacional que tienen relación con Musicadeptos. Si la semana pasada os pusimos en la pista de Rosy Finch, en esta semana os presento a Mons, una banda de Alicante ya algo curtida que tiene en la mezcolanza de estilos su principal seña de identidad. Rock Progresivo, Rock Ácido, Psicodelia, y como ellos mismos afirman en su Bandcamp: “para qué negar las huellas del Jazz, de la Electrónica o la pura fusión de estilos”
Hokkaido es su segundo trabajo, autoproducido, y en él nos podemos encontrar pizcas de todo eso de lo que hablamos, pues cada uno de sus temas rezuma esas influencias. Un disco recomendable si te gusta el sonido endurecido y, como os dije, la pura fusión de estilos.

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24 junio, 2013 Posted by | Mons | Deja un comentario

Hanky Panky: A precious bitch (Ep, 2013), “Burned” Cover´s Game

Tenemos una bandeja de entrada al mail con infinidad de material pendiente al que vamos atendiendo convenientemente como se merece realizando entradas en The JangleBox o en nuestro blog hermano The JangleDrop. La verdad es que ha llegado un punto en el que casi todo el material que nos llega es recomendable y merece la pena que aparezca en el blog. Evidentemente, nuestras carencias en tanto en cuanto editamos el blog en solitario y sin ayuda, nos impiden ser más rápidos y poder tener reseñas en un tiempo más breve. Con todo, os agradezco a todos los que escribís enviando vuestra música o vuestros enlaces vuestra colaboración para que TJB sea un poquito más grande cada día.

Burned (Buffalo Springfield Cover) cover art

Hanky Panky es una banda francesa proveniente de Nantes. Acaban de editar su primer trabajo discográfico y se trata de este Ep llamado A precious bitch. En él, además de encontrarnos con una bonita foto de la que (supongo) es su vocalista, nos encontramos con material de primera. En primer lugar, la titular: A precious bitch, un bonito tema de Retro-Pop y temática algo vanidosa.
Posteriormente dos versiones: una de un grupo francés de Garaje llamado The Batmen y para finalizar el plato fuerte, una versión del Burned de Buffalo Springfield, una de mis bandas favoritas de finales de los sesenta en la que militaron parte de la plana mayor del Rock de la Costa Oeste, léanse Stephen Stills, Neil Young o Richie Furay. Una versión animosa que tiene poco que envidiar a la que realizaron otra de mis bandas fetiche: Teenage Fanclub o los mismísimos Wilco.
¿Qué más se puede pedir?

Hanky Panky” are a relatively new band so there is not an awful lot I can tell you about them at the moment, other than that they are one of the bands that are starting to put France on the musical map again, along with bands like “Crusaders of Love” and “Fuzzy Vox,” in fact I can’t even tell you who does what in the band, but, one of the members of the band Gianni Tremolo tells me that they use Rickenbacker guitars, Fender Rhodes and  a Hammond organ to get their sixties styled sounds and that they are influenced by some of my very own favourite bands, Teenage Fanclub, The Prisoners, Apples in Stereo and The Muffs to name but a few.
The three tracks on the EP are “Precious Bitch” followed by two excellent cover songs, “Bubble Skies” by Batmen and the best cover version of Buffalo Springfields “Burned” since Teenage Fanclub covered it!  This is certainly a band to keep you eye on” (Ice Cream Man Power Pop)

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23 junio, 2013 Posted by | Hanky Panky | Deja un comentario

Top Surprise: Klouds (Ep, 2013)

Klouds EP cover art

Radio Days

Está claro que la nueva ola brasileña está dando varios nombres que son de nuestro interés. Top Surprise son otra de esas bandas que pueden llamar tu atención a las primeras escuchas si te gusta la época de las College Radios, del LoFi y en general del Indie de los noventa.
Así de sencillo: todo se resume en Ready for the haze, uno de los tres cortes que conforman este breve Ep que el sello Pug Records editó a finales de este invierno. Toda una delicia que suena tanto a Lemonheads como a Sebadoh o Dinosaur Jr.
Creo que son buenas referencias…

Top Surprise is one of the most promising names to emerge from the new wave of Brazilian bands dedicated to home recordings and short, concise pop songs. Formed in the lazy college town of Juiz de Fora, Minas Gerais, the four-piece first appeared in 2010 with the cassette Everything Must Go, attracting some critical attention and building a reputation at home with chaotic live performances. Klouds is the first set of new material since the debut — a tiny appetizer for their first full-length, to be out this year.
Clocking in at seven minutes, this odd EP is composed of three pieces. “K-Complex” is a perfect example of the succinct Brazilian style, with a solid backbeat and sweet verses about sleep and restless legs syndrome. Second song is “Ready for the Haze”, a push into the limits of so-called noise pop and/or a folk-punk miracle, with shouted off-key vocals and everything else bursting with unseemly amounts of lo-fi blizz. On the delicate closing “Klein Blues” (which rhymes “heart” with “fart”), guitarist Andre’s voice is naked, no distortion nor effects, revealing a soft Minas Gerais accent. The wordplay fumbles gracefully over the bass riff and primal 2-piece drumbeat, all sprinkled with Bruna’s feedbacks.
Klouds was recorded some time ago at home (not in a studio) in Juiz de Fora with the blessings of lo-fi hero and head of Transfusao Noise Records, Lê Almeida; some vocals and scrawls taped in Rio. Mastered for best noise results by Paulo Casaes. The band is Daniel Medeiros (bass), Bruna Provazi (guitar, vocals), Andre Medeiros (guitar, vocals) and new member Walner Del Ducca — who replaced Fred Mendes, the drummer on this EP. A limited handmade CD-R, with surprise bonus tracks (!),  is available for pre-order on Pug Records and Transfusao Noise” (Pug Records)

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21 junio, 2013 Posted by | Top Surprise | Deja un comentario

Loomer: Ceiling (Lost Race, 2013)

Ceiling 12" cover art

Material inflamable para abrir el día de hoy. El debut de esta banda de Brisbane (Australia) se llama Ceiling. Hablamos de (prácticamente) Post-Rock teñido de capas de distorsión e incluso de ínflulas Post-Punk o incluso experimentales. Digo lo de prácticamente porque intentar interpretar las letras de sus temas sería misión imposible. Sonido impactante y directo. Quizás demasiado arduo para oírlo de un tirón, pero que a pequeñas dosis puede ser muy de tu agrado.
Aunque en realidad se trata de una reedición en vinilo realizada por Lost Race (el original es de 2010), el disco tiene bastante vigencia por su sonido más que actual. Por cierto, nada que ver con los Loomer brasileños, también reseñados en TJB. El Loomer de MBV tuvo su efecto…

There are some bands who are completely unsuccessful at translating the essense of their music to record. Loomer are not one of these bands. This is music of frustration and elation. Ceiling, their debut longplayer is imbued with a heavy atonal romanticism thumping and grinding it’s way through your body when played loud enough. Music that has a predisposition to the more experimental sides of Sonic Youth, or bands you’d find playing The Smell in LA.
The opening track, ‘Ride’, booms at you with persistence, singer Brea Stanbridge’s vocals trickling with ethereality while the guitars’ off kilter rhythm brings the unease needed to complete the song. Highlights include the title track, ‘Ceiling’; a sardonic hymn, and ‘Saving Daylight’ which pulses with an energy of it’s own. The real success of the record is that all instruments come to the fore – it’s not just another wrangling mess of guitars” (thethousands.com.au)

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21 junio, 2013 Posted by | Loomer | Deja un comentario

Ducktails: The flower lane (Domino, 2013)

Ivy House

El comienzo de este cuarto álbum de Ducktails: Ivy covered  house es realmente memorable. Referencias inevitables a Mojave 3, Jangle-Pop de lujo.
Su continuación es el corte que da título al álbum: The flower lane, un tema en el que la banda da un pequeño giro hacia el sonido que nos vamos a encontrar en el resto del álbum: Pop ambiental, floreado, cálido e inofensivo. Juegos de guitarras y vocales que destilan algo de lo que la banda originaria de Matt Mondaline (Real Estate) es capaz de ofrecer. La influencia se torna hacia gentes como Aztec Camera, Prefab Spraut o incluso de sonidos más limpios aún (aparecen saxos, sintes analógicos), y hablo de bandas como por ejemplo 10 CC (Under cover, Planet phrom, Assistant director, Sedan magic, Letter or intent -con colaboración de Madelline FollinCults-)…
Si he de ser completamente sincero, prefiero su vertiente más Jangle con Real Estate. Otra cosa es que Ducktails sea una banda que, evidentemente, nada tenga que ver con aquella. Como Ducktails, Matt Mondanile ha editado ya su cuarto trabajo. Estamos ante una entidad propia que ha alcanzado ya un grado de madurez que no poseía en sus inicios cuando registró sus primeros trabajos como un proyecto Bedroom-Pop.
Aquí las colaboraciones, aparte de la mencionada de Madelline Follin, corren a cargo de, por ejemplo, Big Troubles, quien ha contribuido con su equipo para la grabación del álbum; Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) o Joel Ford (Ford + Lopatin).

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DucktailsOriginally the solo outlet of Real Estate’s Matt Mondanile, Ducktails has, over time, become less of a bedroom project and more a collaborative venture. Mondanile’s drafted in a whole band, Big Troubles, to back him on this fourth album.
And The Flower Lane sounds like an album that its contributors had a good time making. Its pace is predominantly gentle, its music full, sunny and generally unabrasive.
Opener Ivy Covered House brings a softly nostalgic feel and a warm jangle, also found in International Date Line and Academy Avenue. Guitars are slightly more animated in the occasional middle eight or solo (Timothy Shy, Assistant Director), but never put their heads so far over the parapet as to dominate.
The sense of harking back is emphasised in the smooth 80s echoes of the production and generous use of slick synths and piano; International Date Line’s mellow blend of instrumentation and suggestion of a 60s-style sitar, and the glossy sax break on Under Cover add to the retrospective mood. That song’s couplet – “Imagine all the people / Walkin’ out the door” – could perhaps be a sly backward reference to Lennon’s best-known moment of the 70s.
Elsewhere, lyrics mainly keep to the slightly goofy, love-struck likes of The Flower Lane’s “So now she’s gone again / And I feel a mess” or Assistant Director’s “I can’t think of anything now / Looking into your eyes”.
Lovely cover version Planet Phrom (originally by Peter Gutteridge, of The Clean and The Chills) again highlights Mondanile’s thrall to romance, while Under Cover gets seductive, in an subtle, slightly-cheesy way befitting the band.
Mondanile’s singing is underplayed and undemonstrative throughout. Its qualities fit, yet are thrown into relief by the contribution of Cults’ Madeline Follin, her lush vocal elevating Sedan Magic to a highlight as she wistfully pleads, “Won’t you stay?”
Right to its end, in the calm flurry of acoustic guitar notes that form the coda to closing track Academy Avenue, this album sees Mondanile opting for subtlety over showmanship. In choosing to do so he has created a work of insidious beauty: creeping, pervasive and better for it” (bbc.co.uk)

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20 junio, 2013 Posted by | Ducktails | Deja un comentario

Bleached: Ride your heart (Dead Oceans, 2013)

La verdad es que el sonido de Bleached está más que relacionado con bastantes referentes más que cercanos (Vivian Girls) incluso no tan próximos en el tiempo (Blondie); aunque creo que éso a las chicas les importa más bien poco. Las hermanas Clavin (Jessica y Jennifer) han facturado un disco en el que han limado asperezas anteriores (Mika Miko, su anterior formación), han dejado algo de lado el Riot Grrrl y se acercan algo más al sonido de Beach Coast con una colección de canciones que es algo así como el repertorio actualizado de las Shangri-Las añadiéndole una ración justa de distorsión y  de entonación Ramoniana (Dreaming without you).
BleachedEn cualquier caso, esos nuevos bríos de su música le han sentado más que bien a su sonido, y ahora facturan temas más que interesantes, como Next stop, Looking for a fight, Waiting by the telephone, Love spells, Searching through the past, Dead boy, When I was yours
No me gusta mucho utilizar esta coletilla tan usada de “no inventan nada nuevo”, pero, aunque realmente es así, el sonido de Bleached es hijo de su tiempo como el que más, y no está en absoluto exento de interés.

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The Clavins are best known as veterans of the beloved, now-defunct L.A. punk band Mika Miko, where they both cut more colorful figures than they do in Bleached: Jessica set the pace for the band’s manic, pogoing, sped-up surf-rock rhythm section, while Jennifer’s (better known then by her Dracula-esque stage name, Victor Fandgore) signature move was singing (though more often, screaming) into a rotary telephone rigged up like a mic. Three years after their break-up, Mika Miko’s legend is established yet ephemeral; like so many underground heroes, they never made a record that quite captured the caterwauling craziness of their live show. Not that they cared: “I think we come off better live than we do recorded,” Jessica said in a 2009 interview, “It’s better to have that impact as a live band though, isn’t it?” The rest of the band nodded in agreement.
It’s kind of ironic, then, that Ride Your Heart succeeds precisely where the final Mika Miko album– the spirited but thin-sounding We Be Xuxa— failed: it manages to capture some of the infectious energy of the Clavins’ live show. The difference is all in the production: Ride Your Heart is lush but still maintains a certain loose, inviting sloppiness, which suits the more upbeat songs particularly well. Opener “Looking For a Fight” lurches forward with a grumbling, belligerent swagger, while Jennifer’s whiplashed howl on “Next Stop” (“Until next tiiiiiime”) makes the song feel like an adrenaline rush: It sounds like she’s shouting the whole thing out of a convertible as it zips around a tight corner. Jennifer’s vocals sound comparatively stiff and uninspired on “Dreaming Without You” (she doesn’t find much emotion in the repeated refrain “Baby, don’t cry/ Baby, don’t cry”), but the stomping percussion and guitar solo (which sounds straight out of a Flamin’ Groovies track and cuts through like a beam of California sunshine) shakes the song out of its stupor.
Not every song on Ride Your Heart is so lucky. Bleached’s songcraft often feels bland and unimaginative, relying on familiar, pop-worn imagery (“Waiting by the Telephone”) and generic declarations of love. (The inert “Outta My Mind” doesn’t move far beyond its girl-group-revival-by-numbers hook, “Get out of my mind, boy/ You know I think about you all of the time.”) Though there’s an electric current coursing through Ride Your Heart, it’s too often wasted on mundane material– which is especially disappointing given how zany and lyrically imaginative their previous band was. Hopefully more of that signature flair will creep into future Bleached releases: It’s hard to be content with them waiting by the telephone when we’ve seen them scream into it” (Pitchfork)

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18 junio, 2013 Posted by | Bleached | Deja un comentario

Rosy Finch: Wolves waiting (2013)

Wolves Waiting cover art

Rosy Finch, además de ser una raza de pájaro ubicada en Nuevo Méjico, son un Power-Trío proveniente de Alicante. Surgidos de las cenizas de Milton, Elena, Mireia y Lluis se han dedicado a reestructurar su antiguo sonido, hormigonándolo, pisando el overdrive al máximo y dejádose influir por las huellas del Pop más bestia, del Grunge, del Riot Grrrl, el Stoner
El primer resultado: Wolves waiting (2013), un disco de sonido apabullante, largos y distorsionados desarrollos y lo que intuyo que se convertirá en un directo demoledor.
Las huellas (admitidas) por la banda son evidentes: PJ Harvey, Babes in Toyland, Nirvana, Mudhoney, Melvins, L7… imagínate el cóctel arrebatador que ha surgido en torno a Wolves waiting, un disco que, como el canto del Rosy Finch: “suena como el masticar

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rosyfinchfoto3

Rosy Finch es la nueva incorporación al roster de Musicadeptos. La primera referencia discográfica de este grupo 

alicantino lleva por título “Wolves Waiting”, un EP de cuatro canciones donde convergen estilos como el indie rock, el grunge y el stoner, y en donde tienen cabida diversas atmósferas sonoras. “Wolves Waiting” ha sido grabado y masterizado a finales de abril en La Cala dels Somnis y mezclado en Oriental Desert Studio Audio.

La banda está formada por Mireia Porto (voz, guitarra), Elena García (voz, bajo) y Lluís Mas (batería, percusión). Los tres músicos formaban parte de Milton, grupo que decidió poner punto y final a su trayectoria hace varios meses.
Rosy Finch tienen previsto estrenarse en directo en el mes de julio. Mientras, continúan ensayando y componiendo canciones para un futuro trabajo discográfico y de cara a próximos conciertos” (Musicadeptos)

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17 junio, 2013 Posted by | Rosy Finch | Deja un comentario

BtheFake: Simulación (Vídeo-Single, 2013)

Primer videoclip de Bosco Valero aka BTheFAKE, dirigido por el premiado cortometrista Enrique Carnicero. Jose Manuel Poga y Elías Pelayo (Grupo 7, El Mundo es Nuestro) protagonizan esta pieza visual con guión del propio Carnicero. Con apariencia de cortometraje, la historia nos presenta al protagonista (Poga), una especie de Stripper-Ninja armado y con malas pulgas, dispuesto a todo por recuperar algo que le pertenece y le ha sido arrebatado por el malvado Elías Pelayo… “Simulación” pertenece originalmente a “RE” (Taliban Music 2012), el primer Ep del artista sevillano, y ha sido remezclado y adaptado para la ocasión

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17 junio, 2013 Posted by | BtheFake | Deja un comentario

Tapes Waves: Tape Waves (2013)

Tape Waves cover artDe la mano de Tape Waves inmediatamente nos teletransportamos a ese paraje tan conocido para nosotros, habitantes del sur de Andalucía: las playas cálidas, el remanso de paz estampado aquí en forma de dos temas tremendos que componen el debut de este dúo de Charleston, Carolina del Sur: Kim Hart y Jarod Weldin. Un oasis de Dream-Pop e instrumentación limpia y cristalina en las que puedes encontrar tanto las huellas (recientes) de Real Estate como las de los Yo la Tengo más ensoñadores. Canciones que te pueden hacer fantasear las veces que decidas oírlas y reproducirlas en tu reproductor si es que no decides bajártelas a tu pc pues tienen la opción en su Bandcamp de hacerlo al precio que consideres oportuno.
Para este mes de Julio tienen preparado el que será su Ep de debut, en el sello Box Bedroom Rebels.

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Tape Waves is a duo from Charleston, SC (yep, I had to look up where the heck this place is).  You can listen to Tape Waves sun-dappled pop via their bandcamp page, whilst picturing a shiny deserted beach, with crystalline sea and good-looking surfers, waves dying on the beach. *sighs looking at the gloomy cloudy sky* Tape Waves 4 song 7″ is coming out this summer on UK label Box Bedroom Rebels” (Just Another Diy Music Blog)

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16 junio, 2013 Posted by | Tape Waves | 1 comentario

Shape Breaker: Eyes wide (2013)

Eyes Wide cover artAun siendo poca la información que tenemos de Shape Breaker, sí os puedo decir que este Eyes wide (2013) es su segundo trabajo. En él, se deciden a tirar definitivamente por la senda del Pop más garajero y ciertamente sucio (la grabación carece de cualquier brillo de producción) que el mostrado en No fun (2011), su primera referencia.
Los riffs poderosos son los protagonistas de todo el disco, y una cierta huella de Mc5 o del Iggy Pop más reposado (por supuesto sin tener nada que ver con el del anuncio de tónica) son fácilmente identificables en temas como Climb down o Drowned out.

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Building on and progressing from the scuzz-fi-mired EP No Fun, Shape Breaker has carved out a warm, feedback-soaked little niche for themselves somewhere between the Stooges and MBV.
The former reference is due to the singer. He does a knockdown splendid job of sounding like Iggy at his soberest (is/was Iggy ever sober? The gods know). That means that he sounds like the lewd, crude, quite rude drunk leering at you as you feebly pass out in a puddle of your own puke on another wasted Saturday night. He only has the right to jeer at you because he’s able to stand on two feet, and you, well, you’re a feeble no-legged cripple at this particular moment. 
Shape Breaker decided on a guitar sound for this LP, and followed it out to the absolute limit. Instrumentally, the record sounds like a mine shaft: it’s all sorta the same, rocks ‘n’ dirts ‘n’ sounds like The Band in Heaven ‘n’ whatnot, but each level you bore into yields more weirdo enjoyment” (Drug Punk)

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15 junio, 2013 Posted by | Shape Breaker | Deja un comentario

Splashh: Comfort (Kanine Records, 2013)

cover

Freshness

Splashh suenan a onomatopeya acuática. A mí me suena a frescura. Y Comfort (Kanine, 2013), tiene ese punto de frescor. El combo británico-neozelandés se ha marcado uno de esos debuts reconfortantes e ingeniosamente creativos.
Partiendo de presupuestos simples, los chicos han construido un álbum que podría haber sido de notable muy alto si la distribución de las canciones hubiera sido algo más acertada. Porque Comfort comienza con tres temas absolutamente infartantes.splashh
Headspins es algo así como la reencarnación de los Pixies en brazos de Nirvana (eran una de las bandas favoritas de Kurdt Cobain).
La Psicodelia suave (dominante en todo eldisco) de All I wanna do (sencillo que Splashh ya había dado a conocer) nos deja extasiados con esa batería de guitarras bajadas de tono (huella MBV) y su impronta sonor deudora de gentes tan importantes como The Apples in Stereo o The Boo Radleys. Ese mismo tono aparecerá posteriormente también en Lemonade.
Y la fiesta continúa con el que a mi parecer es de los mejores temas del disco: Need it, un himno enérgico de lisergia acelerada y sintetizadores mágicos que bien podría haber sido tutelada por Creation Records.
“I need a long vacation, some place to clear my mind” es la frase más repetida de Vacation, otro de esos cortes absolutamente imprescindibles de este debut. Por cierto, me gustaría hacer reseñar que la banda se formó hace apenas un año, con lo que podemos estar seguros de su talento compositor.
Esa terna de composiciones hacen que Comfort se convierta, como dije, en uno de los debuts del año. Aunque todavía aparecen momentos memorables: Feels like you, la mencionada Lemonade, Wahed up, Strange fruit
La nueva onda Psicodélica surgida al amparo de bandas como Tame Impala, tiene en Comfort una vía de escape absolutamente irresistible. La puerta está abierta.
Por cierto, Splashh serán unos de los protagonistas de los escenarios del Fib, el 18 de Julio.

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They’re somewhat mistakenly described as grunge revivalists in some quarters; granted,Comfort opener ‘Headspins’ owes a small debt of gratitude to Nirvana’s ‘Sliver’ in the same way Feeder’s ‘We Can’t Rewind’ does for example. But that’s precisely where any similarity ends. Sure, there’s little doubt a lot of Splashh’s influences come from what many perceive to be the halcyon era of independent guitar music: 1987-1992. But rather than simply ape the obvious, there’s a hell of a lot more thought gone into this record. So much more in fact. Listen again to ‘Headspins’ and there’s middle eights Britpop stalwarts Elastica and Sleeper would be proud of. Meanwhile debut single ‘All I Wanna Do’ – re-recorded here in a haze of widescreen echo-laden fury – recalls Creation Records at its (pardon the pun) most creative juncture. And by that we’re thinking The Boo Radleys Everything’s Alright Forever or Adorable’s Fade, possibly themost understated record to bear Alan McGee and co.’s names.
Take a trawl through Comfort’s ten songs and there’s a whole list of indiscriminate influences waiting to be pointed out. However, bearing in mind the members of Splashh are still only in their early twenties, such gesticulative like-for-like comparisons would not only be doing the band a disservice, but in many ways also an inaccurate source of reference. Take ‘Lemonade’ for example, a song which for all the life of it could fit like hand in glove onto The Wonder Stuff’s 1988 debut The Eight Legged Groove Machine. Nevertheless, even with a Black Country reared member of the band, it would be highly unlikely to imagine any of Splashh being aware of the ‘grebo’ or ‘fraggle’ subcultures, let alone its later London offspring ‘the Camden lurch’.
Instead, it would be more appropriate to focus on what Splashh bring to the table. And asComfort consistently demonstrates, they’re a sugary bundle of youthful exuberance wrapped in delicious halos of intoxicating reverb, ear-shredding fuzz and occasionally, pensive melancholia. Each song displays anthemic tendencies in its own right. ‘Green & Blue’ does trippy, kaleidoscope and downright infectious all in one four-and-a-half minutes sitting. Imagine what Pet Sounds would have sounded like had Brian Wilson discovered the art of de-tuning guitars through a multitude of effects pedals 20 years before Kevin Shields and there’s your answer. “Where have you gone?” asks Carlson over a woozy concoction of atmospheric guitars and riffs blended in shades of candy apple grey.
Elsewhere, former b-side ‘So Young’ bounces around with the enthusiasm of a five year old that’s discovered its first bouncy castle. “I don’t want to waste your time, ‘cos your time is so sublime”, declares Carlson. Likewise with its then-flipside ‘Need It’, again bathed in a pool of Lamacq-endorsed splatterpunk that wouldn’t have felt out of place in Deptford’s New Cross two decades ago.
Unsurprisingly, Splashh’s real dynamic lies within their live performances, so it is to the band’s credit that they’ve managed to capture all the energy and excitement of one of their shows into an aural adrenaline rush lasting little over 33 minutes. Indeed, there’s little filler here, which for a band that barely existed twelve months ago and has chosen to omit recent online giveaway and live favourite ‘Sun Kissed Bliss’ is a truly remarkable feat.
By the time reflective closer ‘Lost Your Cool’ brings Comfort to a close the only feasible option is to return to the beginning and repeat the listening process all over again. Now how records can you honestly say that about in recent years? Exactly. A hidden gem in a murky quagmire of landfill non-entities” (Drowned in Sound)

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14 junio, 2013 Posted by | Splashh | Deja un comentario

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