Alligator Indian: The spring I´m in (2012)
Con la llegada de la primavera, las hormonas musicales de Alligator Indian se han reactivado y retoman la actividad donde lo dejaron hará unos ocho meses. Aunque ahora se han vuelto algo más viscerales e incluso coquetean con la experimentación sonora más que en su Ep predecesor, Football (2011). La música de Alligator Indian oscila y se balancea, como decimos entre un Pop más o menos barroco (I gave myself a science lecture, Gamesss); un Pop digamos que más experimental (Dark fruit, +Vibes, Ice & asteroids, A clean clown); o directamente inclasificable (Gnarwhal). Lo que es cierto desde luego es que han decidido tomar un camino algo divergente al de Football, orientándose hacia un tipo de música algo menos asequible, aunque por momentos retomen ecos de aquél (Our love was a crime, Ectocooler). Desde luego, como banda, son realmente difíciles de encasillar o de clasificar. Lo bueno de su música es que es absolutamente rompedora y para nada comprometida con ningún tipo de etiqueta. La decisión final está en tus oídos.
Para comprobar cómo suenan, sólo tienes que visitar su Bandcamp o el de su discográfica, Bleeding Gold Records y poner el precio que consideres oportuno.
Alligator Indian – The spring I´m in (2012)
“This isn’t exactly your standard tribal-infused, synth-soaring ordeal. First of all, it’s better than that. I believe that people too often forget that sheer high-quality can be a way to stake out originality. As in, just sounding good — polished, self-assured, harmonious — can set an album apart from the overcrowded brood out of which it levitates, aglow. Such is the principle that marks Alligator Indian’s most immediate draw. Spring I’m In demands no test of patience to listen to from front to end, unlike some of even today’s best band’s efforts. If you’re reading this website, you’ve most likely discovered for yourself that there exists a sweet-spot between music that plucks your frontal lobe and music that taps into pure aural pleasure — or, in other words, music that combines musicianship with ideas. Aligator Indian happily mines that middle ground, and, doing justice to their label’s cause, they strike at least a little aesthetic gold” (tinymixtapes.com)
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Young Prisms: In between (2012)
Con el título de In between parece que Young Prisms hubieran querido reflejar algunos cambios que se han experimentado en su música en el lapso de tiempo que les ha llevado desde su disco de debut a este segundo álbum. Un tiempo en el que han podido incorporar un nuevo guitarra y vocalista (Ashley Thomas). El otro, según confirman en Pitchfork, se da en su sonido: Young Prisms amplían su espectro musical hacia melodías algo más asequibles, hacia un Noise-Pop cercano a gentes como The Pains of Being Pure at Heart (Gone, Dead flowers, Runner, Better days, Sunshine…), endulzando algo el sonido anterior de Friends for now (2011), mucho más crudo y distorsionado.
Aunque donde más a gusto se siguen encontrando estos californianos es en esa mezcla de Shoegaze con capas y capas de distorsión, reverbs y ecos. En esa melancólica y sosegada belleza normalmente guiada por la voz de Stefanie Hodapp: Floating in blue, Fours hours (away), Outside, To touch you...
Entre esa digamos que dualidad se mueve este In between, un disco en el que los Jóvenes Prismas hayan conseguido definir su sonido definitivo y que probablemente consiga consagrar a este quinteto californiano que, si no lo consigue, os aseguro que seguirá sin importarles. Lo realmente importante es el valor de tu música. Y Young Prisms lo tienen.
Young Prisms – In between (2012)
“It was only a year ago when San Francisco’s Young Prisms issued their debut full-length, Friends For Now, a now arguably fascinating sonic take on and manifestation of the marriage between that somewhat hard-to-place bleakness and melancholia unique to California/West Coast psychedelic/surf/dream rock and the early, seemingly exclusively British and Northeast American shoegaze sound. As one of the band’s songwriters, Gio Betteo, had pointed out, Friends was also meant to document or capture the ephemeral, fleeting, blissful urgency of irresponsible young adulthood, and it did so quite successfully (and succinctly) with its coy, indie pop-inspired first half, which then devolved into a multiple-song finale of walls of noise, fitted to the brim with a sincerely boisterous, youthful energy and spirit. While that very spirit is to some lesser degree present on the Prisms’ sophomore effort, In Between, the new album finds the band honing their chops at composition, or, if anything, letting the instrumentation behind their arrangements have room to breathe, sans those inundations of sound that seemed to so effortlessly serve to help conjure up the carelessness of late — or very stubbornly late — adolescence.
For one, In Between’s opener, titled “Floating In Blue,” plays at a slower tempo than anything on Friends, and co-vocalist Stefanie Hodapp’s singing has a peaceful and calming effect not unlike Belinda Butcher or Rachel Goswell’s. Indeed, “Blue” could almost be mistaken for a sleepy demo or outtake from Isn’t Anything. On the following track, “Dead Flowers,” the percussion picks up, but only a little bit, and those dirty, corrosive slabs of guitar still manage to sound compact and distinct, having not fully melded into any sonic deluge the band seemed to be so fond of using before. This isn’t to say that any ‘walls’ or ‘deluges’ have been done away with altogether; they’re still present on pretty much every song, providing an indiscernible background underlayer to the more prominent and distinctly audible instrumentation. For the album’s fourth track, “Four Hours (Away),” which plays like a 50s slow dance prom tune (or something thereabouts), those layers partially merge into dense currents of sound/noise that build up when Hodapp sings “People keep letting me know/ I should be letting you go/ But I don’t care what they say, anyway” in subdued resignation. In much the same fashion, ninth track “To Touch You” trudges defiantly on with grinding guitars, accompanied by minimal synthesizers that add an appropriate dramatic effect to the song’s overall desperately romantic and fatalistic tone.
Even despite the many minor but notable transitions Young Prisms have undergone from their first album, In Between still contains its predecessor’s youthful spirit, if not exactly matching its energy. It’s evident that replacing those muddling walls of noise with a cleaner, distinct, and more organized approach to songwriting hasn’t affected the band’s knack for capturing the melody and feel of early shoegaze. And while the album isn’t any more originalin offering than Friends was, this seems to be all that really matters, for the time being” (tinymixtapes.com)
Some Candy Sweet, TJB May 2012 Compilation (2012)
La nueva recopilación de The JangleBox se llama Some Candy Sweet. Como todos los meses, hemos ido tomando de aquí y de allí temas que los artistas han cedido para su libre distribución y reproducción. Nuestro ánimo es darles una oportunidad más para promocionarlos. Si os interesa, como siempre, sólo tenéis que pinchar en el enlace central para conseguir una copia del mismo. O visitar sus Facebooks, Bandcamps, Soundclouds o demás herramientas de promoción y descarga. Os dejo el enlace y el Tracklist. Espero que os guste.
Some Candy Sweet, TJB May 2012 Compilation (2012)
Tracklist
01-The Labelmates-Pretty girls make waves
02-Palmz-Stay this way forever
03-The Candy Stripers-Hymn the girl
04-The Proctors-Perfect world
05-Jaill-Perfect ten
06-Whitejacket-Medinah
07-Crocodiles-Endless flowers
08-Lead Stones-Heaven
09-Grushenka-Ese gran lunar de tu espalda
10-The Young-Livin´free
11-Apollo Ghosts-What are your influences
12-Fidlar-Got no money
13-Eternal Summers-Millions
14-Lightouts-Push (The Cure cover)
Noiseland: Aquí yace Noiseland (2012)
Pues hasta aquí llegó Noiseland. Un ente ilusionante modelado a base de buen Power-Pop, de guitarras, de melodías impecables, de letras llenas de ingenio, de talento. Un proyecto absolutamente unipersonal, muy acorde con el signo.
Para este décimo disco, Aquí yace Noiseland (2012), su epitafio musical, Noiseland ha preparado un trabajo que rompe con las guitarras distorsionadas y con el Noise-Pop de discos anteriores y se acerca más al sonido más tradicionalmente Folkie de la Costa Oeste de los años sesenta. Acercamientos a sonidos algo añejos y para nada en boga que sirven para crear una suerte de álbum conceptual en torno a “el final de las cosas. Un canto a las últimas veces, a la ausencia de futuro y al conformismo existencial. A la asunción de los errores propios y al gris panorama que nos envuelve cuando nos damos cuenta de que hemos llegado a un punto en el que ya no nos queda casi nada más por hacer”.
Un disco sin demasiados aditivos, sin añadiduras ni elementos extraños, un álbum que rebosa honestidad y buen hacer. A fin de cuentas, y más o menos, lo que Noiseland siempre ha querido elaborar:
“al mejorar la calidad lírica y de interpretación, el proyecto perdió el escaso favor prestado por el público indi español, siempre ávido de propuestas musicales minoritarias, y a ser posibles, dañinas al oído. Y en ese punto, el creador del proyecto decidió que era la hora de destruirlo. Y a otra cosa…”
Por cierto, y por primera vez, este álbum se puede encontrar en formato físico, acompañado de un libreto con el relato corto original Reptando bajo la lluvia.
Noiseland – Aquí yace Noiseland (2012)
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Grushenka: Ese gran lunar de tu espalda (Vídeo-Single, 2012)
Grushenka, una de las promesas más firmes del panorama Indie patrio, tienen preparado el que será su debut en formato largo, que llevará el título de Tecnicas subversivas (2012). Por lo pronto, os presento el que será su adelanto en forma de sencillo acompañado de Vídeo-Clip: Ese gran lunar de tu espalda, que también puedes descargar pinchando aquí. Afortunadamente, el Noise-Pop sigue siendo el gran protagonista.
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Bigott: Turkey moon (Vídeo-Single, 2012)
Noticias de Bigott, recién llegadas desde su madriguera de Grabaciones en el Mar. En primer lugar, las fechas de sus bolos para esta primavera-verano, en España y parte del extranjero:
Y por último, dejaros su último vídeo-clip: Turkey moon.
Thieving Irons: Poison in my head (Single, 2012)
Un nuevo sencillo para Thieving Irons, el proyecto liderado por Nate Martinez, músico de Brooklyn quien en Junio publica su nuevo álbum: Behold, this dreamer (2012). Un bonito tema de Chamber-Pop con reflexión incluida:
“Much of the album lies within personal exploration, and the track “Poison” fortifies that narrative. During the song, Martinez repeats the lyrics, “I’ve got poison in my head” and “I’ll lift you up when we fall down into the bottom of the sound,” lending a glimmer of hope that makes the song far less daunting than originally perceived. Instead, the metaphor reveals how human nature deals with submersion” (pastemagazine.com)
Thieving Irons – Poison in my head (Single, 2012)
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Sailor and I: Tough love (Monde Idéal Remix, 2012), Tough love (Wize remix, 2012)
Hace poco posteamos en TJB el último single de los suecos Sailor and I, este Though love. Recientemente, se pusieron de nuevo en contacto con nosotros para presentarnos el remix que Monde Idéal han realizado del tema. Una bonita recreación que puedes disfrutar y descargar desde aquí.
Facebook-Sailor and I / Facebook-Monde Idéal
Nuevas noticias de los suecos, que nos presentan otra nueva remix de su sencillo. La verdad es que el tema da mucho de sí para este tipo de tareas. En esta ocasión la remezcla corre a cargo de Wize. Os dejo el Soundcloud, donde podéis descargarla gratuitamente.
The Centerfolds: Sex feet under (Single, 2012)
No todo lo que nos llega desde Suecia es Pop delicado y alambicado. También tenemos, por ejemplo, sonidos de Power-Pop como el que nos proponen estos chicos llamados The Centerfolds. Lo suyo es la urgencia y el ritmo acelerado, muy al estilo de finales de los setenta. No se andan con ambages, y su último single, adelanto de su nuevo disco, que aparecerá en Agosto, se llama Six feet under. No digo nada sobre su traducción y sentido, no vaya a ser que…
Post Modern Team: By the sea/Anorak city (Single, 2012)
El tercer sencillo de Post Modern Team es este By the sea, un tema de semejante ascendencia playera con riff de guitarra altamente adictivo. Y la sorpresa viene en este caso de su cara B, donde incluyen una versión del Anorak city, el que fuera el primer tema editado por Another Sunny Day para Sarah Records en flexidisc allá por 1988. Una versión que, por cierto, y como ocurriera con la de los Smiths, no puede ser más fiel a la original, respetando en todo momento el espíritu Post-Adoslescente y altamente energético de la original.
Como ocurría con su primer single, también puedes descargarlo desde su Bandcamp.
Post Modern Team – By the sea/Anorak city (Single, 2012)
Post Modern Team: Forget me not (Single, 2012)
El segundo single digital de Post Modern Team es este ruidoso Forget me not, un tema en el que dan rienda suelta a muchos de los vatios de sus amplificadores previo paso por sus pedales de distorsión. Lo cierto es que el tema tiene una producción que no deja oír con cierta nitidez las voces pero no nos importa. El resultado es muy interesante y puedes descargarlo gratuitamente desde su Bandcamp.
Post Modern Team – Forget me not (Single, 2011)
Post Modern Team: Never let you down (Ep, 2012)
Día de pequeñas sorpresas en TJB. Post Modern Team son un proyecto curioso. Curioso porque su sonido no puede ser más característicamente norteamericano ya que mezclan con buena fortuna aires playeros que tanto gustan últimamente con ciertos rasgos Shoegazers. La sorpresa viene cuando te enteras de que vienen de Osaka, Japón. No tengo más información de ellos puesto que no he localizado un Facebook ni un MySpace ni cosa parecida. Lo cierto es que Never let you down es una canción muy muy resultona y de estribillo fácilmente adherible. Si además acompañan este primer single con una cover del There is a light that never goes out de Morrisey/Smiths, el resultado es de notable.
Por cierto, puedes descargar su música gratuitamente desde su Bandcamp.
Post Modern Team – Never let you down (Ep, 2012)
Sennen: Lost harmony (2012)
Es un hecho que las bandas suelen evolucionar a lo largo de su trayectoria vital. Es un hecho que su sonido suele sufrir transformaciones para bien o para mal. Las más suelen desarrollar éste y hacerlo más adulto, más elaborado. Otras suelen sufrir un bajón creativo y quedarse por el camino. Sennen van ya por su tercer disco y su sonido ha evolucionado no sé si para mejor o no, pero en cualquier caso, sí que han limado ciertas asperezas, han limpiado su música de distorsiones y se han centrado en darle un aspecto bruñido y más que aseado a este Lost harmony (2012). Uno de los artífices de este cambio ha sido su productor, David Allen, responsable de algunos álbumes de The Cure, entre otros trabajos. Su música se ha establecido ahora en una especie de Rock-Adulto, demasiado relajado ycalmado; con algunos momentos de emoción cercanos a gentes como Mojave 3 (Colder, Learn to love the dark). O los instantes más plausibles del disco, cuando cambian el registro y les sale algo de rabia (contenida) en esos ramalazos que tienen más que ver con el Kraut: Vulture, que tiene un ritmo machacón y un riff muy interesante; y Our lost history, sin duda, el mejor tema de la colección, aunque suene a Neu! que tire para atrás.
Lost harmony no pasará a la historia, y de él salvamos tan sólo un par o tres de buenos momentos. No es mucho para el tercer disco de una banda.
“They say a change is as good as a rest, and where Sennen are concerned the proof of such an adage lies in the pudding. Having formed a decade ago, putting out their first record three years later, subsequent line-up changes and relocations have seen them return to the drawing board, ultimately resulting in their most personal collection of songs to date, Lost Harmonydoesn’t continue the tone of its predecessor, 2010’s Age Of Denial. Instead, it represents the turning of a new chapter, albeit one that finds the band in a more reflective, observational and occasionally self-critical mood.
Having spent their formative years in the slightly unrock’n’roll surroundings of Norwich, the band’s decision to up sticks and move to London seems to have brought a change in musical focus along for the ride. Recruiting new bass player Tim Kelleway – brother of guitarist and singer Richard – in the process, the familiar soundscapes of old now replaced with a more mature, laid back sound that leans heavily on both Americana and Krautrock.
It’s also worth noting the involvement of celebrated producer David Allen here, whose previous credits include such landmarks as The Head On The Door, First And Last And Alwaysand Disintegration. Rather than build the expansive wall of sound that’s punctuated their earlier releases, Allen has given Sennen the freedom to manoeuvre, employing a less is more doctrine, allowing each of the 11 songs that make up Lost Harmony a chance to breathe. Indeed, the widescreen post-rock of first release Widows could almost be a different band entirely, such is the contrast between the Sennen of then to the one responsible for Lost Harmony. What it does highlight is Sennen’s development as fluent songwriters, even if the subject matter does become a little too disparaging at times.
Whereas atmospheric opener ‘Colder’ delves its toes into countrified territories once occupied by Mojave 3, the chilled reflective sighs of ‘Learn To Love The Dark’ coupled with ‘Wasted Heart’s pensive strains echo sentiments previously aired on Ride’s swansong Tarantula, a band always close to Sennen’s hearts. The hypnotic buzz of lead single ‘Vultures’ is possibly the closest Sennen veer towards their earlier works, its dizzying squall of reverb fuelled harmonies building into cacophonous rush at the outset.
Interestingly, one of the main influences for the record fellow guitarist and vocalist Larry Holmes recently declared was The Carpenters, and on sombre mid-point ‘Not Coming Back’ their spectre looms ominously. Indeed there is a concern that at times Sennen become too embroiled in their innermost thoughts, the static ‘No Love Song’ and tawdry ballad ‘St Jude’ being two points in question. However, when Lost Harmony glistens it shines like a thousand stars in the clear night sky. ‘Standing Still’ may carry a prophetic air of winsomeness (“Everybody’s telling me it’s time to go”) yet buried beneath its semi-acoustic melody lies a song feted wordsmiths such as Guy Garvey and Johnny Bramwell wouldn’t be ashamed to call their own. Penultimate number ‘Our Lost History’ borrows the motorik beat pioneered by the likes of Neu! 40 years ago before locking horns with Power, Corruption & Lies era New Order amidst a synth-induced wave of hedonistic pop.
While the distinctive harmonies of Holmes and Kelleway senior ensure Sennen’s new identity doesn’t become too detached from their past, Lost Harmony carries an inventive and often revealing blend of subtlety and lucidity throughout. Whether it accentuates a change in the band’s fortunes from peripheral outsiders remains to be seen, but for now this is a welcome diversion for a band no longer set in its ways” (drownedinsound.com)
Moonbell: Paralell (Ep, 2011)
Por la forma de presentar su nuevo Ep, pareciera que el trío californiano Moonbell quisiera cerrar, de alguna manera, un círculo iniciado con su Ep de debut: Figurine (2011). Las similitudes estéticas y sonoras son tan evidentes que sin lugar a dudas podríamos pensar que Paralell no es más que la continuación lógica de aquél. Su evidente relación con los gurús del género, léanse Ride, Swervedriver o incluso los psicodélicos Spacemen 3 se hace aquí igual de cristalina. Sus ambientes etéreos, sus muros de distorsión, sus lánguidos riffs de guitarras, sus ritmos medios, la magnificencia distorsionada de todo el disco nos evocan, sin remedio, lo mejor del género.
Hay muchos que consideran ya saturada la escena Neo-Shoegazer. Allá ellos. Con discos como este Paralell, sería muy arriesgada tal afirmación. Yo me continúo emocionando al oír temas como Paralell o Just like waking up.
Moonbell – Paralell (Ep, 2012)
“San Francisco’s Moonbell have been crafting spacey rock since 2010, releasing their debut EP ‘Figurine’ to much praise. The trio are following it up with the ‘Parallel’ EP, available April 3 via Grid Sector. If you can’t wait for that, stream the whole EP here. Moonbell are like the trippy alter ego of Ride, Swervedriver or Spacemen 3 but with more synthesizers and swagger…” (soundsbetterwithreverb.com)
Tucán: Tucán (Ep, 2012)
El trío valenciano Tucán van a convertirse en el nuevo fichaje del sello del cerdo con alas, es decir, de Sonido Muchacho, ese colectivo, grupo, compañía de discos… llámalo como desees “¿Qué es Sonido Muchacho? La pregunta es difícil, complicada. Ni nosotros lo entendemos. Lo que sí que sabemos es que tenemos un nombre raro, peculiar, extravagante; un cerdo azul con alas como logo, y utilizamos la tipografía Calibri para darle nombre. También podemos decir que somos un grupo de amigos que nos hemos juntado en un momento complicado para hacer lo que nos gusta, y sí, tiene que ver con la música” (Facebook)
Lo que sí es un hecho es que Tucán (Raúl, Jona y Nick) van a ser su “fichaje estrella” de lo que va de temporada. Tucán son una especie de Power-Trio de esos de los que se dejan la piel sobre los escenarios. Su música es incendiaria, provocativa (juegan tanto con el sonido como con el humor en los títulos y las letras). Hay mucho de inspiración Punk en su sonido y en su pose. Pero también hay sonidos industriales, hay grandes dosis de humor y, desde luego, muchas muchas ganas de pasárselo bien: “Para la banda los arreglos y las florituras no son un problema, ya que sus canciones tienen como objetivo quemar la pista de baile a base de Punk, Rock´n´Roll y mucha Psicodelia. Según dice la banda, “fabricamos música para la rubia y el moreno para que siempre bailen con un pie levantado del suelo” (Dossier Prensa).
Éso es toda una declaración de intenciones. Y no hacen música de baile…
Facebook-Tucán / Sonido Muchacho / Sonido Muchacho-Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download
La Catedral Sumergida: Demasiado humano (Ep, 2012)
Nos llegó hace poco un mail con la información de este grupo sevillano llamado La Catedral Sumergida. Como siempre que nos interesa escribir sobre algo, recopilamos información vía internet, claro está, y entre otras cosas nos encontramos conque la inspiración del nombre de la banda proviene de un preludio de Claude Debussy, que “Hace referencia a la leyenda bretona de la ciudad de Ys, que se había construido por debajo del nivel del mar y cuyas puertas debían permanecer cerradas en marea alta. Hay un santurrón por medio que advierte de los pecados, que si el señor os castigará y esas cosas, terminando la cuestión con la obvia destrucción de la ciudad por el mar. Se dice que las campanas de su catedral se pueden escuchar cuando baja la marea, con el balanceo de las olas. Esta bella historia recibió de Claude Debussy la mejor “pintura sonora” que pudieramos imaginar” (megustaestamúsica.wordpress.com).
De alguna manera, la música de La Catedral Sumergida tiene algo que ver con ésto de lo que hablamos, ya que su sonido es elaborado, barroco, lleno de arreglos de cuerdas:
“La banda trasmite una pintura sonora que logra producir sensaciones cercanas a las impresiones pictóricas a través de colores tonales y tímbricos, de melodías fragmentadas que sugieren texturas y de sutiles armonías. Prueba de ello es su EP “Demasiado Humano“ (proyectochapa.com)
El grupo está formado en torno a Jordi Gil (Señor Chinarro), quien se ha hecho rodear de una serie de músicos solventes como Adolfo Langa (Amor Silábico), Joaquín Calderón (Anfiobiótico), Rafael Torres (La Mala Reputación), Ara García y Jose Manuel Gil “OC” (proyectoele).
Su primer Ep se titula Demasiado humano, llevan trabajando en él desde su formación en 2010 pero es en Marzo de este año cuando ha aparecido en formato físico. En breve van a entrar en el estudio para dar forma a su segundo disco. Por lo pronto, puedes escuchar su disco desde su enlace Spotify o desde su página.
La Catedral Sumergida – Demasiado humano (2012)
Escúchalos en SPOTIFY – La Catedral Sumergida, página oficial-Escuchar disco – Facebook
Sky Parade: Leave them all behind (Ride cover, 2011)
Los californianos Sky Parade editaron esta majestuosa versión impecablemente fiel de uno de los mejores temas de la historia del Shoegaze. Os dejo el Soundcloud así como un adelanto del que será su nuevo disco: Broken hearts will kill us, que aparecerá en breve.
Songs for Walter: Meet me at the Empire (Ep, 2012)
Más nuevos discos de Bleeding Gold Records. Songs for Walter son un dúo de Manchester dedicados a componer tiernas composiciones del mejor Pop-Folk bajo estrictas directrices Lo-Fi. Su música está tan influenciada tanto por Guided by Voices o Sebadoh como por Smog, Bill Calahan, Nick Drake o Bonnie “Prince” Billy.
El concepto del disco está claramente influenciado por el Songs for Drella de Lou Reed y John Cale, y Walter es un personaje real, en concreto el abuelo de uno de los miembros. Canciones absolutamente radiantes, positivas y sin ningún tipo de compromiso. La nostalgia se mezcla con el presente creando polaroids en blanco y negro que apuntan a un futuro esperanzador.
Meet me at the Empire se acaba de editar en Bleeding Gold Records, a un precio (como siempre) anti-crisis.
Songs for Walter – Meet me at the Empire (Ep, 2012)
“When it comes to family, many of us keep things close to our chests. But rather than keeping his kin hidden in an old dusty photo album, Songs For Walter’s Laurie Hulme is more likely to befound making a song about them. In particular his late grandfather Walter. One listen to the Meet Me At The Empire EP and what you’ll hear is a stunning memoir of one extraordinary fellow and his strangely wonderful world.
You could call this EP the perfect tribute. Walter was a living, breathing story himself. From his much-loved caravan holidays in Scotland and Wales brilliantly depicted by Ukulele song’Tin Can’, to the bittersweet romance of lead-track ‘Meet Me At The Empire’ – a tale of Laurie’s grandparents’ first date to the Empire theatre – each song is like a yellowing polaroid taking you further into another chapter of Walter’s life.
But make no mistake; this is not simply a nostalgia trip. Equally inspired by Lou Reed and John Cale’s “SongsFor Drella” the two releases of the EP is a personal musical anecdote exuding the kind of rawness to only come from a self-produced release. “I really love lo-fi stuff, there’s something so much more honest about it,”explains Laurie. “What you lose in quality you gain in character.”
And that’s what really sets Songs For Walter apart. This EP has bags of character. Each song stands up on its own but together creates a legacy reflecting a Bill Callahan/Smog-like balance of sincerity and absurdity, The Spinto Band in reflective mode, or perhaps new kid on the blogs, fellow one-man bedroom outfit Youth Lagoon.
After the debut single ‘Merry GoRound’ released on The Drums’ Holiday Records imprint, what’s next on the agenda? “Lots more songs… I’ve got loads of tunes written and half of themrecorded,” says Laurie. “I’ve put together a great band and playedsome exciting shows supporting acts like Big Deal and Cloud Control.”
Whatever is around the corner, Songs For Walter reminds usthat essentially, life is sweet; but not your bog-standard Werther’s Original” (Bleeding Gold Records)
Harpoon Forever: Life-Size Cut-Out (Ep, 2012)
Formados en 2010 en torno a Alex Goldstein y Tom Malach, esta banda de New Jersey factura un sonido clásico, una especie de Lo-Fi-Pop de influencias tardo sesenteras y de la década de los setenta. Gentes tan diversas como Neil Young, The Verlaines, The Replacements, Guided by Voices o Pavement han hecho mella en su sonido. Son un grupo que tan pronto pulsa el pedal de distorsión para ofrecernos temas que son reencarnaciones de Stephen Malkmus y Cia. (Blue jay, Cruel story of youth) como se muestran en faceta más pausada y calmada: Divine (la mejor del disco o You+me.
Graban para Bleeding Gold Records y acaban de publicar un Ep que la compañía os ofrece a precio de mercadillo.
Harpoon Forever – Life-Size Cut-Out (2012)
“I formed Harpoon Forever in Rutherford, New Jersey in the spring of 2010 with my friend Tom Malach, though he and I had been playing music together since high school. I had written a short set of five songs (plus a cover of the Verlaines’ “Death and the Maiden”) over the course of a couple months, and my idea was to make a simplistic/sparse-sounding band where I would play guitar and sing and Tom would play drums. However, a collected love of classic rock (i.e. Boston, Steely Dan, Neil Young/Crazy Horse) and communal 60s/70s English folk-rock/psych (i.e. Fairport Convention, Steeleye Span, Jan Dukes de Grey) made the creation of a full-on-rock-n-roll band nearly inevitable.
One year later and two digital singles later, we see the band’s line up consisting of myself on vocals and guitar, Tom on lead guitar, Danny Arakaki on bass guitar, and Derek Spaldo on drums. I wrote another set of songs that the band had begun to play live, and we had some great times playing shows with Hackamore Brick, Home Blitz, Pujol, and Royal Headache, amongst a slew of other fine groups. We also had the opportunity to collaborate with our favorite Japanese hip-hop plunderphonic-ers Satanicpornocultshop, Orionza, and Hotentot Apron who provided us with krazy remix/dub versions of our tracks “Maya Angelou” and “Summer Vacation.”
However, when it came to recording these songs… we found trouble in broken computers, faulty mics, and mismatched schedules. I had an overall concept figured out for the record, figuring it out with the aid of visual artist/musician/guru Umman Turkoglu, who supplied the cover image for the 7″. It would be a short collection of songs that provided, in a way, a critique of music that only went as far as its image & brand (sorry, can’t name names) while taking an aural journey through the landscape of the Eastern coast of the United States. I had no idea what to call the record, and silly names like “Electrictramp Newman,” “Clovered in a New Room,” and “Folded Jeffrey” became etched into my mind. Carrying the “Folded Jeffrey” title with me, I sheepishly contacted my hero, D.C. Berman, once of the Silver Jews, who very wisely convinced me not to use that goofy selection of words and instead provided me with the support to create the title “Life-Size Cut-Out,” which seemed to tie the cover art, individual songs, and overall theme of the record together. The H.F. ally Kim Tran then put together a simple but sleek back cover, and we were off to the presses!
Spring 2012. The Harpoon Forever Convention has aged two years, but still feels like a newborn, psyched’n’spanked to have an official vinyl release of “Life-Size Cut-Out” on Bleeding Gold Records!” (Bleeding Gold Records)
The Labelmates: Pretty girls make waves (Demo, 2012)
Chicos y chicas, he de consfesaros mi admiración por la música de Laz McCluskey, y esta misma tarde, después de un agotador y desafortunado día de trabajo he descubierto una luz con su nuevo proyecto: The Labelmates. La verdad es que me encanta su perfecto sentido de la armonía, su capacidad innata para construir melodías imborrables y perdurables. The Labelmates surge como un proyecto en el que fundir su sensibilidad Pop con el sonido Surf que tan buenos réditos está dando últimamente (Triptides, Best Coast…):
“With The Labelmates, I am planning on creating some mellow Surf tunes with lots of tremelo guitar strums, reverbed bongos and vocal harmonies”.
Por ahora Laz sólo ha subido este precioso tema a Soundcloud, su sonido es maquetero pero absolutamente arrebatador. Por alguna razón, siempre he tenido afinidad con el Pop realizado en Escocia. Y la música de The Labelmates me sigue haciendo amarla.
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