Sourpatch: You knew / Let´s be educated (Wiaiwya, 2013)
El día de hoy va de singles. Y de singles pegajosos cual goma de mascar. Temas tremendos de los que no te puedes despegar durante un buen rato.
El primero de ellos es de Sourpatch, una banda de San Diego, California, que resume en estos dos temas (casi) toda la esencia del Fuzz-Pop que tanto nos gusta, aderezándolo con gotitas del C86 y de Indie noventero dando como resultado en You knew una mezcla absolutamente deliciosa. Auténtica gominola de fresa ácida.
Let´s be educated es un tema más pausado que de alguna forma me evoca como os decía a bandas de los noventa tipo The Delgados (“Sourpatch endorses a gender freeing, queer positive, feminist thinking, body positive, crush worthy lifestyle!“)
En esa frase queda resumida toda la esencia que este quinteto puede ofrecer. Puedes descargarte el tema por lo que te cuesta un billete de autobús desde el Bandcamp de su compañía, otra clásica en TJB: Wiaiwya (Where is at is Where you are), que ha editado este sencillo también en vinilo de 7 pulgadas.
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“Sourpatch is a four piece 90’s pop-worship ensemble from San Jose, Ca—-whose songs talk of (but aren’t limited to) crushes painfully hopeless, awkwardly awesome and feelings of the like. Formed from a mutual love of songs about unbearably impossible romances, Sourpatch channels the 90’s Northwest sound and in vein of bands like Velocity Girl, Tiger Trap, Rocketship, Boyracer, Cub, Heavenly, Go Sailor, Black Tambourine, and so many 90’s west coast babes! or any number of female/queer punk groups on the roster of Spin Art, Slumberland, Chainsaw & K records in the ’90s” (Facebook)
“you will fall in love with Sourpatch; completely, joyously, unconditionally, justifiably, eternally, and imminently…
Sourpatch have a new single, the double A-side “You Knew” and “Let’s Get Educated”
Sourpatch is a four piece pop-worshiping ensemble from San Jose, Ca.
Sourpatch endorse a gender freeing, queer positive, feminist thinking, body positive, crush worthy lifestyle!
Sourpatch is a band, a gang, a movement, a resource, a PARTY, an inspiration, a TOUR DE FORCE.
Sourpatch love you as much as you love them, sometimes more so
Sourpatch have TUNES… so, so many tunes
Sourpatch embrace the ethics of Dischord, the attitude of Kill Rock Stars, the geography of Beserkley, the tunes of Lookout!, the patronage of Happy Happy Birthday To Me, and the records they have all released
Sourpatch have CHORUSES… such great, sing-along, choruses.
Sourpatch’s record collection includes (but is not limited to) C86 bands, Pacific-Northwest riot grrrl, pop and indie, grind and ’90s hardcore… and this week’s top 40.
Sourpatch is best enjoyed LOUD… no… LOUDER!
Sourpatch thank you, and ask that you tidy up after yourself ” (Wiaiwya)
Facebook / Cómpralo-Purchase / Sourpatch Official / Wiaiwya
The Primitives: Lose the reason (Single, 2013)
La fuerza de las canciones
Cuando esa fuerza y ese sentimiento aparece, no hay nada que pueda anteponerse. Me explico: The Primitives son una banda que había dejado de interesarme hacía mucho mucho tiempo. Su último trabajo fue un disco de versiones (Echoes and Rhymes), y lo último que me esperaría del ahora dúo sería un single tan absolutamente rotundo como este Lose the reason. Un auténtico cañonazo de Twee-Pop agridulce, con guitarras punzantes y unas frases de órgano que van marcando armoniosamente las fases de este pedazo de canción cantada a dúo (buscadle las influencias que queráis) por la increíblemente bella Tracy Tracy y Paul Court.
Producido por Elefant Records, este sencillo apareció hace un par de meses (ya me conocéis…) pero merecería estar no sólo en los anales de The Primitives como una de sus canciones más destacadas, sino entre el elenco de mejores sencillos del año.
“After the unique and much praised covers album, “Echoes and Rhymes”, THE PRIMITIVES are releasing a new single, a limited-edition 45 featuring two new, original songs. On one side, the title track, “Lose The Reason” goes back to THE PRIMITIVES at their most hyper, most urgent, mixing addictive choruses, with accelerated guitars, and a vocal duel between Paul and Tracy Tracy that, like a dispirited Sonny and Cher, moves ambiguously between provocative and spiteful mocking to bitterness over love lost. On the other side, we have “Always Coming Back,” a song that gives way to their more sixties-styled leanings, as if Nancy Sinatra or Bobbie Gentry had joined THE VELVET UNDERGROUND to do a cover of a BEATLES’ song, while Tracy sings of some mysterious force from the past holding sway once again.
This is proof that the group is still fully charged and full of inspiration, and these songs make us dream of a new and magnificent album of fresh material. We are waiting impatiently” (Press)
Girls Names: The new life (Captured Tracks, Slumberland; 2013)
Como si de una referencia directa se tratara, el título de este nuevo trabajo de Girls Names: The new life (2013), anticipa todo lo que nos vamos a encontrar en el mismo. Nuevo sonido, nueva actitud, nuevo envoltorio, nuevas estructuras…
Sin que su anterior trabajo, el irregular Dead to me (2011) fuera una maravilla (por cierto, la banda ha renegado de él recientemente), en este The new life, los de Belfast, se han marcado un disco mucho más oscuro, mucho más claustrofóbico, mucho más angustiante. Si en aquel destacábamos incluso su sentido del humor y su positivismo en temazos como Bury me, Nothing more to say o Cut up; en The new life todo esto es (casi) imposible de encontrar. Todo ello se ha borrado de un plumazo y en él nos encontramos más bien con paredes oscuras, con riffs reiterativos y muy machacones. Algo así a las influencias de las que hablábamos ayer para Beach Fossils pero llevadas al extremo. Personalmente, prefiero su sonido primigenio al exhibido en este nuevo trabajo, pero supongo que se trata de la evolución lógica de un grupo que si hay algo que no ha perdido es ese sentido de la grabación en pocas tomas y de cierto carácter amateurista en su grabación, con muchísimos aspectos mejorables, aunque tal y como les ha quedado tiene su encanto, muy ochentero (el pedal chorus es protagonista absoluto), si bien las influencias joydivisianas se les notan a la legua: Drawing lines, The new life… que pasan, por cierto, por ser las que considero las mejores del lote, dos temazos que tan sólo por su linealidad y su desarrollo progresivo merecen la pena ser destacadas.
Mención aparte para Projektion, un corte en el que aparece reflejada algo así a lo que deben entender unos chicos de Belfast de la música española. Al menos a mí me ha sonado una cadencia muy española. Mi chica me daba la clave esta mañana: Suenan a Héroes del Silencio… (??) Y no le falta algo de razón, aunque yo iría más por una cierta semejanza con muchos sonidos de una banda que hoy por hoy sería una influencia de Girls Names, y hablo de Parálisis Permanente, unos visionarios en el territorio hispano de todo lo que se iba cociendo en el sonido británico de comienzos de los ochenta. ¿Cómo lo veis…?
En definitiva, un disco más que ameno, con momentos interesantes que interesará sin duda a seguidores del Post-Punk y que a los que no lo son, aunque no lo incluirán en su lista de favoritos, sin duda les hará pasar un buen rato, pues es un trabajo que se deja oír muy bien.
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“Girls Names‘ 2011 debut LP was called Dead to Me, with songs that possessed such happy-go-lucky titles as “Bury Me”, “I Could Die”, and “No More Words”. The album’s closing song referenced a movie about a psychic dealing with the death of her dead son, so in case you haven’t caught on yet, the Belfast outfit possesses a bit of a morbid streak. Frontman Cathal Cully’s wavering, accent-flecked baritone drew immediate comparisons to Brad Hargett of fellow death-obsessed Slumberland labelmates Crystal Stilts— as did Dead to Me’s rollicking garage-pop sound, which resembled what you might hear if you played the Stilts’ Alight of Night at 45 RPM. On that album’s highlight, the sulking “I Lose”, Cully intoned with a touch of dour misery, “I don’t miss my old life,” a curiously anti-nostalgic statement on a record that so dutifully mined the C86 era’s darker corners.
Dead to Me was a perfectly fine genre exercise of an album, but given the arguable creative zenith reached by the C86 micro-revival of three years prior, it didn’t do much to create a lasting impact– and as it turns out, Cully wouldn’t have it any other way. He recently toldBowlegs that positive reviews of the album weren’t “wholly justifiable,” and in press materials for Girls Names’ new album, The New Life, he claims that “Dead to Me literally was dead to us by the time it was committed to wax”. He’s not kidding: true to its title, The New Life finds Girls Names ripping it up and starting again, turning their replicative talents towards post-punk’s dreamier, more spectral corners. They throw in some faintly chugging motorik andEcho and the Bunnymen-sized romance along the way, without ever straying from the type of spiky stuff that turned the word “angular” into one of rock criticism’s greatest clichés.
Girls Names sound like a new band on The New Life, and at times, they are– the group’s expanded (for now) from a trio to a quartet, thanks to Philip Quinn’s synth work on a few album cuts. The greatest noticeable change is in the production quality, which is greatly removed from the tin can trappings of Dead to Me and the 2010 mini-LP You Should Know By Now; Cully produced the album himself, and more bands working in this vein would be smart to hire him behind the boards. Although his hand occasionally tips the scales of self-indulgence, there’s a remarkable sense of space on The New Life, a bright whiteness that, ironically, only increases these songs’ claustrophobic mood. Even when there’s only two or three instruments in the mix, as on the winding opening minutes of “Drawing Lines”, the atmosphere is dense.
The instrumentation on The New Life is evenly spaced and more varied than Girls Names’ previous efforts– but, really, it’s all about the guitars on this one. Cully handles six-string duties on his own here, and in terms of writing clean and expressive melodic lines, he proves as adept as the guitarists in Brooklyn’s DIIV, another group that’s largely able to get by on the strength of their instrumental interplay. At points, he creates expressive layers of interplay, as dubby stabs and walkabout solos sit atop the distant jangle of “Hypnotic Regression”; elsewhere, as on the darkly shaded “A Second Skin”, Cully needs only one guitar to spin something melodically sticky, before doubling over in complicated, tangled figures. He’s the kind of guitarist that renders indie purists’ worries about their genre’s abolishment of the instrument as foolishness, plain and simple.
Much of The New Life’s pleasures are found in its instrumentation, a factor which turns out to be the record’s defining flaw. Cully’s voice worked well as a heavy anchor steadying the relative chaos of Girls Names’ previous work, but with a few exceptions– his floaty high register on “Drawing Lines”, the considerable swagger possessed on the album’s eight-minute leg-stretcher of a title-track– he sounds almost too removed on this album, his voice acting as merely another element in Girls Names’ cloudy-sky mindset. (This atmospheric presence means that the lyrics don’t make themselves readily available to the naked ear either– then again, with song titles like “Occultation”, you don’t need a decoder ring to figure out what he’strying to say.)
Granted, grousing about a lack of distinctive male vocals in 2013 is not a novel pursuit, but what adds insult to The New Life’s moaned injury is that many singers from the musical era mined here– the Cure’s Robert Smith, Echo and the Bunnymen’s Ian McCulloch, Joy Division’s Ian Curtis, just to name the ones who immediately stand out– stood out for sounding bold and, often, weird, regardless of how accessible the music surrounding them was. For now, Cully’s another voice in the crowd in that regard, but his promising talent displayed elsewhere on The New Life suggests that he’s one to keep your ears perked up for nonetheless” (Pitchfork)
Beach Fossils: Clash the truth (Captured Tracks, 2013)
Algo ha cambiado desde que Beach Fossils editara su disco de debut allá por 2010. El primigenio proyecto DiY se convirtió en banda, y ésta prácticamente se desmembró en este breve período de tiempo. Además, y aquí está lo importante, el sonido y la música de Beach Fossils han evolucionado desde aquel candor primigenio (sonidos playeros incluidos) a un cierto caos y un cierto sentido del desnorte, que les ha llevado a editar un disco algo errático, en el que si es cierto que se incide en aquel sonido algo saltarín preñado de influencias Post-Punk, éstas parecen que han tomado las riendas del nuevo sonido de la banda. Algo más de claustrofobia y de oscuridad asalta este segundo disco: Shallow, Clash the truth, Generational syntetic, Taking off, Burn you down, In vertigo…
Luego está el tema de los interludios musicales que aparecen a lo largo del álbum, intentando otorgarle una imagen de unidad que sólo se consigue al pensarlo, porque son absolutamente prescindibles, aunque sí que consiguen el objetivo de no saturarnos demasiado con las voces (dobladas, en su mayor parte) de Dustin a lo largo del disco así como la sonoridad de la mayor parte de los temas, demasiado semejantes entre sí (al oírlo varias veces del tirón acabarás absolutamente zumbado de ecos y guitarras reverberadas). Quién sabe si estos interludios no serán acaso un avance del posible nuevo rumbo de la música de BF…
Personalmente, me quedo con dos temas que se alejan algo de su trayectoria más conocida: la ensoñación Dream-Pop de Sleep apnea y la rabia contenida Noise de Birthday. Y me quedo con estos cortes porque representan, precisamente, ese punto de alejamiento que probablemente le exigirán a Dustin Payseur en breve, puesto que su fórmula Lo-Fi/DiY/Post-Punk es más que posible que no le llegue para un tercer trabajo.
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“After recording the first Beach Fossils album in decidedly lo-fi fashion and mostly by himself, Dustin Payseur decided to make a change for the group’s second album, 2013’s Clash the Truth. First, he teamed up with producer Ben Greenberg (of the Men) and headed to a real studio (then another after the first one flooded during Hurricane Sandy). He also replaced the drum machine he’d been using with a real drummer, Tommy Gardner, and recorded the bass and drums live together. For many bands that start out as intimate bedroom recording projects, this kind of shift signals the beginning of the end as the very things that made them interesting (intimacy, weirdness, and immediacy) are discarded in favor of fidelity and some degree of professionalism. In Beach Fossils‘ case, moving to a studio with better sound has served to strengthen the impact of the music. Payseur and Greenberg don’t change the basic reverb-heavy sound or the surf-riding guitars or the general feel of the music; instead they make it a little clearer and more punchy, which helps the songs hit harder. The live bass and drums, too, give the songs a raw energy that their previous recordings didn’t have. Gardner turns out to be an ideal addition to the sound, never just playing the beat robotically but coloring it in with crisp fills and strong cymbal work. Payseursings a little louder and with more force too, delivering some aggression on the uptempo tracks and giving the slower, more introspective ones some extra depth. There’s a nice bit of variety, as well, with quite a few songs that stretch the Fossils‘ range. While most of them fall right into the sweet spot of hard-charging, underwater indie pop — with a couple (“Careless,” “Shallow”) sounding like modern reverb-pop classics — there are diversions into acoustic balladry (on the absolutely beautiful “Sleep Apnea,”) jittery post-punk (“Caustic Cross”), and best of all, a wonderfully atmospheric shoegaze dreamer that featuresPayseur sharing wistful vocals with Blonde Redhead‘s Kazu Makino. All in all, Clash the Truth is exactly the record Beach Fossils should have made at this point, reinforcing all the things that made them good while adding some excellent new wrinkles and boosting the production values” (All Music)
Joaquín Pascual: La frontera scores (Grabaciones en el Mar, 2013)
La Frontera Scores es mi primer disco instrumental. Un disco de Joaquín Pascual y la Orquesta Descacharrada, que son, a saber: Joaquín Pascual: guitarra, piano, vibráfono, órgano, sintetizadores, bajo y percusiones. Pacoloco: guitarras y órganos. Ángela Pascual: guitarras. Rafa Estrela: baterías y percusiones. Esteban Perles: Baterías y percusiones. José María Castillo: sintetizadores. Muni Camón: coros. Ana Galletero: violín. José Manuel Badía: violín. María Pilar Jiménez: violín. Miguel Muñoz: violín. Ana María López: violín. Alina Voicu: viola. Emiliano Avilés: viola. Eva Badía: violonchelo. Diego Rodríguez: violonchelo. Carlos Almero: contrabajo. Juan Luís Sáez: trompa. Jesús López Espín: flauta.
Grabado y mezclado con Pacoloco entre diciembre de 2012 y febrero de 2013 en su estudio de El Puerto de Santa María.
Los arreglos orquestales se grabaron en Perdido Studios de Albacete en febrero de 2013, con Miguel Gascón y Pepe Cifuentes como técnicos de sonido.
Masterizado por Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering.
Las ilustraciones y el diseño de la portada son de Juan Azaña.
Todas las canciones compuestas por Joaquín Pascual.
Telephunken: Used Funk (2013)
Tras casi tres años editando singles en los sellos más importantes del mundo, Telephunken vuelve con un nuevo trabajo de estudio “Used Funk”, el quinto ya en su carrera.Telephunken estará girando por España y Europa durante los próximos meses presentando “Used Funk” (Press)
Algora: Verbena (El Genio Equivocado, 2013)
‘Verbena‘ es el tercer disco de estudio de Algora, el proyecto del vocalista y compositorVíctor Algora y que completan Javier Castellanos a la guitarra, Natxo Carpejo a los teclados y Rafael Casquel al bajo. Fue grabado en Madrid, en el estudio casero de Algora y mezclado y masterizado en Valencia por el productor Jose Luis Macías. Ha sido producido durante casi todo un año por la propia banda, a ratos, y en medio de grandes cambios internos en el grupo, como la salida de su anterior discográfica, la incertidumbre de no saber que ocurriría con este nuevo material y el posterior fichaje por El Genio Equivocado. El sonido, quizás, sigue la estela de ‘Galimatías‘, su anterior trabajo, aunque introduce nuevos elementos, y quizás estén más presentes esos toques electrónicos del primer álbum, ‘Planes de verano‘. ‘Verbena’, pues, reivindica la fiesta y el baile, pero desde lo reflexivo unas veces y lo evasivo otras. En su discurso encontramos quizás la mayor novedad del conjunto, y es que las letras tienden más hacia lo cotidiano, encuentran una mayor empatía con el oyente, algo que se parecía evitar hasta el extremo en ‘Galimatías’. Ecos a New Order, Hidrogenesse, The Cure o Mecano se funden en historias sobre dependientes de un Mc Donald’s que sueñan con ser estrellas del pop (Big Mac Drama), perdedores aplastados por gogós pasados de rosca en una discoteca (Aplastado por el gogó), personajes de Jim Henson venidos a menos (Mi vida con Triki), fetos que cantan desde el vientre de su madre que no quieren nacer (Nutrias) o fantasmas amándose incluso más allá de la muerte (El nogal). El imaginario “algoriano” sigue intacto, y aquí se fortalece en un disco de consolidación y transición a partes iguales. La portada de “Verbena” ha sido realizada por el ilustrador José Manuel Hortelano-Pi.
Algora nace como el proyecto personal de Víctor Algora en el verano de 2004. Sus dos primeras maquetas, «Planes de verano» y «Cosas del Star System» resultan ganadoras y finalistas de de algunos concursos de maquetas (Foc & Sound, Proyecto Demo,Contempopranea) y tras varios meses de conciertos ve la luz su primer trabajo: Un EP promocional producido por J. Luis Macías, que ya incluiría las versiones de dos de sus temas más aclamados: «Planes de verano» y «Mr High Heels». En 2006 ficha definitivamente con la discográfica Dress For Excess, que es la encargada de editar y promocionar sus dos siguientes trabajos, el larga duración «Planes de verano»(DFE Records, 2007) en el que colabora entre otros Florent Muñoz (Los Planetas) y «Nubes blancas, sueños raros»(DFE Records/PIAS, 2008) , un CD de remezclas y versiones en el que participa gente comoHidrogenesse, HD Substance, DJ Supermarkt o Nacho Canut. En 2010 se incorporan al proyecto Javier Castellanos, Nacho Carpejo y Rafa Casquel, y se edita su tercer disco,‘Galimatías’, un álbum basado en las guitarras, donde la electrónica pasa a un plano más ornamental, y las letras se hacen más herméticas e intimistas, aunque siguen destacando singles potenciales como ‘50 estrellas, ‘Escornabois’ o ‘Cocodrilo’. Para 2012, ya como grupo, preparan un disco al que denominan de rarezas. Lo llaman ‘El cadáver copulador’, y se trata, como ellos definen, de una recopilación de instrumentales nacidos de la experimentación y total libertad creativa del principiante. La masterización corrió a cargo de Raúl Querido. Mientras, durante 2012, y como ya hemos dicho, han estado preparado las canciones de “Verbena“, su disco para el 2013 que se edita en mayo con su nueva discográfica, El Genio Equivocado. (Press)
17 Pygmies: Isabel (Daria Records, 2013)
Sutileza, delicadeza, sensibilidad… substantivos que podrían encuadrarnos todos para hablar de la música de 17 Pygmies, una banda algo inusual y con ya largo recorrido, que acaban de publicar The Book of Isabel, Part I, la continuación de Celestina, su disco de 2008.
Su música es algo así como un cruce de caminos entre Fairport Convention, The Incredible String Band, el Folk de los sesenta y el Ambient o los sonidos más vanguardistas.
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“Keeping in mind that we are talking about a band with a 30+ year history, 17 Pygmies are a band that has admittedly undertaken many personnel changes (the only original member is Jackson Del Rey) and diverged in any number of musical directions finally decided to “play it straight” or at least “play it as straight” as such a band can. In 2008 Jackson put together the now referred to as the “Celestina” era of the band featuring core members Meg Maryatt on vocals, Jeff Brenneman on guitar and Dirk Doucette on drums to undertake an ambitious 331/3 song 3 CD set concept trilogy about a rather odd feminine robot growing up in outer space a somewhat innocent, childlike manner intermittently interrupted by acts of incredible violence (she has a bad habit of trying to snap a human neck every now and then.)
In 2012 the last CD, entitled “Even Celestina Gets the Blues” not only ended the Celestina trilogy, but also left the story line at such a point that it was only logical to continue the story and further explore the cosmic space operatic poppy space soundtrack music terrain already previously established. Isabel is the first part of another three part concept CD in the vein of Celestina, but following the exploits of Dr. Amelia Isabel, one of the other passengers of the Celestina (the ship and the main character share the same name). The music is at times pensive, brooding, introspective, poppy, proggy, jazzy and orchestral.
There are many musical “touchstones” to Isabel, the most obvious being Pink Floyd, Kate Bush, Harold Budd, Brian Eno, John Foxx, The Incredible String Band, “Lamb” era Genesis, Samuel Barber, Arvo Part, Jerry Goldsmith and Christopher Young.
Interestingly, 2013 also found the re-release of a 2 CD retrospective containing three remastered versions of the bands’ early works Hatikva (1983) Jedda By The sea (1984) and Captured in Ice (1985). So when we say 2013 is the year of the Pygmy, we ain’t kidding!
Over a 30 year period, there is obviously more to discuss, but let’s leave it at that for now. All we know is that we are all present in the here and now. Buy the ticket and take the ride.
So for those of you who are already onboard, as well as those who are about to enter into our world, thank you for coming along on this part of the voyage. We could not have done it without you, whoever you may be” (Sonicbids.com)
The Kobra Kicks: Krokodil (Single, 2013)
Así, todas con K: Kobra, Kicks, Krocodil… TKK son un joven combo procedente de esa pequeña ciudad finlandesa llamada Turku (sí, también con K). Su sonido está algo trilladete, pero hay que reconocer que tienen ese encanto del Pop curtido y saltarín. Sus hooks de guitarra son divertidos y su pose tiene esa altanería que hacen que escuchemos su música con oídos abiertos, sin preocuparnos demasiado de si suenan a Strokes, Libertines, o a Blondie, a quienes citan en su Facebook. Échales un oído en su Soundcloud. Prometen más…
Sulk: Graceless (Perfect Sound Forever, 2013)
Mierda de la Buena
Está claro que cuando oigáis el disco de debut de Sulk (gracias, Jose Campos), el combo londinense, todos me vais a decir (incluidos los Pitchforkistas o Nmistas) que ésto no se trata más que de un calco del sonido Madchester, que ya está más que inventado, que no dicen nada nuevo… Y todos llevaréis razón: Graceless es un álbum que podría haberse grabado perfectamente en el año noventa y pocos, que podría haber registrado el mismo John Squire. Pero a mí me ha alegrado enormemente reencontrarme con un grupo de jóvenes empeñados en revivir el espíritu Stone Roses, la chulería de los Happy Mondays o el ingenio de los Soup Dragons.
Cuando escucho Sleeping beauty, Diamond in ashes, Marianne Shrine, Wishes, Down, Back in bloom y por supuesto, la magnífica Flowers, de lejos la mejor del disco… sinceramente, me vuelvo a emocionar como hacía veinte años. Es algo irreprimible. Disfruté mucho entonces de aquel momento, de aquella música, de aquellas sensaciones, y Sulk me las han hecho revivir. No en vano, los chicos han trabajado junto con Ed Buller (Blur, Suede, Pulp, White Lies…) Al oír Graceless recuerdo el There´s no other way del primer trabajo de Blur y me dan ganas de dejarme de nuevo el pelo largo y taparme los ojos con él. Y no me importan nada otros criterios musicales. A mí me gusta. Y mucho: Mierda de la buena.
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“How often do you go to a gig early to catch the support act? Do you ever expect to come away loving them? I often approach support acts with a cautious optimism. I never expect to particularly take to them. That changed when I saw Sulk, a London-based five piece band, supporting the Dandy Warhols. They made me stand up and take note and since that moment I’ve followed their progress, eagerly awaiting their debut album. That debut has now arrived in the shape of 10-track long‘Graceless’.
Sulk are a band unafraid to wear their influences on their sleeves. It would be impossible to walk away from listening to this album and not think of The Stone Roses, Oasis and Suede. It’s not at all surprising to learn the album is produced by Ed Buller, who has previously worked with Suede, Blur and White Lies. From the hopeful psychedelic-indie guitar pop riffs to lead singer Jon Sutcliffe’s whimsical voice, Sulk sound like they could have been formed in the early nineties. They take their lead from all the best material of those bands, which is no bad thing and brings exciting results.
Listeners are spoilt for choice of standout tracks here. ‘Wishes’, ‘Sleeping Beauty’, ‘Flowers’, ‘Diamond in Ashes’ and ‘Marian Shine’ all sound good enough to have appeared on any Stone Roses or Suede album. Early single ‘Wishes’ is easily the best track here. Its euphoric tones are reminiscent of Suede’s ‘Animal Nitrate’ and with its catchy chorus it is destined to play over and over in your head for just as long.
As a collection, ‘Graceless’ does have its slower moments but it is at its best during the uplifting, upbeat tracks. That first time I saw Sulk live I said they had ‘ready-for-festival’ tunes, this album does little to disprove that theory. This kind of music is meant to be listened to late afternoon at a summer festival while enjoying an ice cold beer and swaying along with your mates. The ONLY way to listen to ‘Graceless’ is very loudly while the sun is shining, any other environment wouldn’t do it justice.
What works about Sulk is that they manage to tie-in blasts from the past and add a current edge. They manage to make the old sound fresh again and that is no easy task. Debut album ‘Graceless’ may not be uniquely groundbreaking but it marks a solid arrival onto the indie-pop scene. Undoubtedly this is one that will appeal to Britpop fans, especially with the current trend for those old bands reuniting, but there are enough catchy and fun moments to provide a few opportunities for crossover appeal to a mainstream audience. Give it a try, this may well be your album for the summer of 2013 (if that summer ever arrives) (45 Magazine)
Woodsman Orphan: My name is Ishmael Ali (Obscure Me Records, 2013)
Woodsman Orphan son un dúo (J. Adirondack y Doug Stram) de New Haven, Conneticut, anteriormente conocidos como My Name Is Ishmael Ali, que es, precisamente, el título de su último trabajo.Confusiones aparte, incluida la utilización de alguno de sus antiguos temas (Rhinestone), Woodsman Orphan facturan una suerte de Freak-Folk al que últimamente han limado ciertas asperezas y le han dado forma en este My name is Ishmael Ali, un disco en el que, amén de rendir tributo a la que fuera su antigua denominación, homenajean igualmente a la música de Neil Young, ese gran pionero, a la que John Mascis le dotó de esa alma aún más electrificada y ese carácter ciertamente más indómito (The barn, Bethel cop, StonesHead), siempre desde un punto de vista más Lo-Fi (el disco está grabado en un cuatro pistas). Pero nos podemos encontrar con tributos sonoros a otras bandas como, por ejemplo, los Pavement más pacíficos (Dandelion wine). Sus temas resultan algo así como los esbozos dylanianos de los sesenta a los que bandas como The Byrds dotaban de una maravillosa alma musical (“making terrible impressions of good music“).
Puedes rastrearles la pista en el sello Obscure Me Records.
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“Woodsman Orphan is a freak-folk collaborative with the uncanny ability to call together the visceral and the psychical muses into one unearthly choir. Press play and one is instantly stirred up by catchy pop hooks, psychedelic guitars, and acoustic rambling of disjointed folk mind dump. But the discerning listener soon finds that the pop elements mingle with a mysterious and protean ethic involving strategic elements of surprise, dissonance and harmonization. In the spirit of influences like the Beach Boys and Neil Young, Woodsman Orphan is concerned with leaving the listeners in a different place from where they start.
Hailing from Connecticut, Woodsman Orphan’s sound can only be described as psychotic folk. It is what you wanted Neil Young’s music to eventually become. The band was featured on CTIndie.com’s Mixtape. My Name Is Ishmael Ali is a lo-fi masterpiece; in the spirit of The Microphone’s the Glow Pt2, MNIIA utilizes a 4 track to record lush freak-folk songs, which will haunt your mind for days after listening. Woodsman Orphan attempts to capture Connecticut legend and lore of the Leatherman, an historical meandering vagabond,and life in suburbia. Woodsman Orphan is Jean ‘J’ Adirondack and Dug ‘geo’ Stram” (Elm City Beat)
High Pop: Loner (Single, 2013)
Lo-Fi-Pop arrastrado y cadencioso. Sonoridades sucias y absolutamente arrebatadoras. Ecos noventeros escritos a mano en una libreta de papel.
Aunque aparecido en su álbum de debut, Hip Hip Hooray, este sencillo acaba de ser publicado en Obscure Me Records.
Local Qua4tro: Bucles sin alcohol (Vídeo-Single, 2013)
Al final como sabréis, este año 2013 hemos sacado al mercado nuestro ansiado primer LP. La gravedad de Júpiter. (http://localqua4tro.bandcamp.com )
Ahora queremos presentaros nuestro primer vídeo del disco.
Es un vídeoclip “reality” realizado por Manuel de Andrés con imágenes grabadas a lo largo de todo un año (una imagen cada día) de su vida cotidiana. Un proyecto personal que acabó convirtiéndose en el primer video clip de nuestro LP.
el tems elegido, bucles sin Alcohol, ya que al fin y al cabo el Video Reality sirve para ilustrar como la gente normal (common people) siempre podrán sentirse especiales.
Un video original y entrañable que esperamos guste tanto como nos ha gustado a nosotros. (Press)
Lori Meyers: Impronta (Stream, 2013)
“Lori Meyers llegan a su quinto disco con el público completamente dividido entre quienes pensamos que ‘Mi realidad’ era una canción más fea que pegar a un padre y los que pensaron que era una canción tan bonita como para casarse con ella. Al final ganaron por goleada estos últimos y el primer single de ‘Cuando el destino nos alcance‘ es la canción más escuchada del grupo de los últimos 6 meses en Last.fm, lo que se traduce en que la banda afronta el lanzamiento de este álbum con un merecido estatus de (casi) súper estrellas, después de tantos años creciendo desde la nada.
No había motivo, pues, para grandes cambios e ‘Impronta’ está producido de nuevo por Sebastian Krys y también por Ricky Falkner (Standstill, Love Of Lesbian) y el propio grupo. Vuelven los estribillos claros (como el de ‘Planilandia’, a pesar de desarrollarse casi en silencio, o quizá por ello), las letras adolescentes con citas abiertas a la obsesión con WhatsApp de ‘Emborracharme’ (dicen en los mentideros que curiosamente suenan más adolescentes cuanto mayores son), y también esos teclados a lo Oreja de Van Gogh (‘Huracán’) que incluso han inspirado el título autoparódico ‘A-sinte-odio’ (humor no les falta, la verdad). Algo curioso, lo del parecido tan claro con LODVG, cuando son capaces de crear con sintetizadores algo tan evocador e irresistible como la ambientación de ‘El tiempo pasará’.
En muchos sentidos, y aunque sólo sea por la proximidad de su lanzamiento en el tiempo y su probable top 1 en la lista de ventas, Lori Meyers son los Fangoria heteros. Ambos tienen en común unas letras absolutamente autocomplacientes, el empeño en co-producir ellos mismos junto a alguien que adoran en lugar de encargar las labores a alguien que les obligue fríamente a pulir sus defectos, y, en su consecuencia, no ser siempre capaces de rematar melodías excelentes con las ideas adecuadas. Realmente hay fragmentos en ‘Impronta’ (la canción), ‘Tengo un plan’ o ‘Zen’ que me hacen pensar en el mejor pop clásico en castellano de CRAG, Hilario Camacho o Los Brincos. Pero todas ellas terminan evolucionando hacia terrenos algo comunes en el indie de hoy o tropiezan en su desarrollo (efectos vocales en ‘Tengo un plan’).
No siempre sucede así y el disco sabe cerrarse con una delicia de canción melódica llamada ‘Despedirse’, además emparentada con otros momentos del álbum como ‘Deshielo’, según ellos la mejor balada que les ha salido. Entre que su lado más clásico queda satisfecho con estas pistas y que el tracklist es generoso en triunfos asegurados para sus directos como la synthpopera ‘Una señal’, no hay mala noticia posible en ‘Impronta’: el grupo seguirá arañando seguidores de aquí y de allá y ejerciendo esa labor de puente entre indie y mainstream que tanto se ha necesitado en este país en el que cuando empezaban -recordemos- la gente no conocía más que el huracán latino” (Jenesaispop)
Por cierto, y para los que queráis mi opinión, os diré que yo soy de los que piensan que Mi realidad era más fea que pegarle a un padre y, para mi pesar, Lori Meyers dejaron de interesarme hace ya bastante tiempo. No les dejo de reconocer, sin embargo su “mérito” y les felicito por haber alcanzado ese status, aunque desgraciadamente para ellos, conseguirlo ha repercutido directamente en la calidad de su música.
Wiggum: La guerra mundial (El Genio Equivocado, 2013)
‘Sintón Nisón ama a Nifú Nifá’, el debut deWiggum, pasó algo desapercibido cuando se publicó hace dos años. Los cuidados arreglos a lo Brincos de canciones como ‘La chica imaginaria’ y ‘Algún día’ o el potencial comercial de ‘Jacques Cousteau’ y ‘Cuentos azules’ se diluían en cierta ortodoxia indie que no les hacía destacar especialmente. Pero su nuevo álbum ‘La guerra mundial’ se adivina como un punto de inflexión en su suerte, un cambio de rumbo decidido y rotundo que expresa a la perfección la diferencia entre las portadas de ambas obras. Si nos fijamos en ellas, ese precioso retrato realista que ilustra lo nuevo invita a pensar que estos Wiggum son más fieles a sí mismos.
‘La guerra mundial’, producido por Marco Morgionne del grupo Linn Youki, es un disco contundente y rocoso, coherente de principio a fin, que además está protagonizado por unas melodías muy directas capaces de instalarse en nuestra mente de forma instantánea. Con la clara influencia del rock alternativo noventero como bandera, de Smashing Pumpkins al hardcore pop de Green Day y Offspring (los homenajes a la banda de Billy Corgan en ‘Naufragio’ o a Pixies en ‘Camino al edén’ son más que evidentes), Julio (hermano de Cacho, de Extraperlo), Marc, Dani y Halldór (un islandés, catalán de adopción) apuestan todo a un fabuloso sonido de guitarras y a las armonías vocales. Con ellos por bandera, nos ofrecen una notable serie de himnos directos y muy bien elaborados, que aunque no sean lo más original que hayamos oido (‘Laureles’ es a Wiggum lo que ‘Pesadilla en el parque de atracciones’ o ‘Vas a verme por la tele’ a Los Planetas), resultan irresistibles. Decir lo contrario, es #postureo.
Además, ‘La guerra mundial’ tiene un calado emocional superior a la media gracias a sus muy acertadas letras. Además de estar bien escritas, sobrevuela en estas canciones un espíritu de reacción positiva a la negra situación económica y social, una especie de cucharada de miel que nos quiere reanimar ante el oscuro panorama, algo muy de agradecer. Wiggum, como si se hubieran sacudido de encima algún tipo de contención o límite, estallan con temas de un fantástico pop poderoso como el single ‘Amarillo‘, ‘El día de tu muerte’, ‘La guerra mundial’, ‘El caminar’ o ‘Eterna juventud’, seguramente la canción que más lejos podrá llevarles y que quizá, como dice su propia letra, podamos “bailar en la plaza central de la ciudad”. Creo que no me equivoco mucho si digo que estas nueve canciones les llevarán a llenar salas como hacen Lori Meyers, Love of lesbian o Dorian” (jenesaispop.com)
Ilsen: La constante huida (2013)
Abrimos el panorama Indie patrio de este lunes con este Mini-Álbum de la banda barcelonesa Ilsen, una banda que “nació en el año 2003 y desde entonces no han parado de crear y de tocar, no siempre de cara al público, pero sí en un continuo movimiento. Utilizando como base el rock en toda su amplitud, han acariciado diferentes estilos y sonoridades hasta dar con una forma propia de entender la música y expresarse a través de ella” (Bandcamp)
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Be the Bear: Bump (Single, 2013)
Como he dicho en otras muchas ocasiones, el Electropop es un género que en absoluto me motiva. Pero de vez en cuando uno se encuentra con pequeñas joyitas como este Bump, del dúo sueco Be the Bear formado por la vocalista anglo-danesa Christina Wehage y el músico y productor sueco Mattias Balin. Y a fe que tengo que, de alguna manera, arrepentirme de mis prejuicios.
Porque Bump es un tema absolutamente arrebatador, preñado de buenas intenciones y de un espíritu que me recuerda a lo mejor del género en los ochenta.
Os acompaño el lote con otros dos sencillos aparecidos anteriormente, el excitante Coffee kids y el más electrónico Bad things.
““Following on from the super alt-pop of last single ‘Bad Things’ are Swedish/Danish/English duo (work that one out) Be The Bear who are somehow hiding under the radar of much of the UK’s music press, when really they’re producing the exact sort of music we should be doing our damnedest to promote and bring decent pop back to the forefront of our insipid commercial music scene. Surely it’s only a matter of time until NME Magazine, BBC Radio 1 and all the other outlets currently playing it remarkably safe take a leap of faith and embrace what this pair are doing. It’s time to give yourselves a slap in the face and venture beyond the usual suspects.”
– The Sound Of Confusion, UK
Wallenberg: Walking with your shadow (Single, 2013)
“Wallenberg, is an ongoing collaboration between Nosslo-Grebnellaw Aniluap and creators from different fields generating images, music and performing art with a mixture of childlike and surreal aesthetics. The force behind Wallenberg is to explore the synthesis capabilities of images and performances using and working within the format of pop songs.
Wallenberg currently operates out of Stockholm“
“Wandering into the shadows, to squalid and desolate places, and into the deep violent night. My only friend a flickering abstract pattern and a frantic figure on the wall. My feet crossing the cold humid floors. A descent into the underworld and dead lovers buried in the snow. A memory of my most beautiful days” (Bandcamp)
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Alone with Everybody: Isolation row (2013)
Camille y Louisa Bénâtre forman Alone with Everybody, un dúo de Toulousse que en esto de la música va de cara: Pop delicado, de tintes acústicos e intimistas. Ni más ni menos. Ningún aditamento extra ni concesión alguna a arreglos de producción.
Sus referentes los expresan igual de claros: Beatles, CSNY, Smiths, Lee Hazlewood, Beach Boys, Josh Rouse, Eels, Richard Hawley… Y lo cierto es que les ha salido un trabajo de debut que, si eres amante de este tipo de sonoridades, vas a tener que echarle un oído. Supongo que no querrán ser los nuevos She and Him (y más viniendo desde Francia), pero les podrían hacer algo de sombra por momentos…
Por cierto, su álbum se estrenó el mismo día que el Please Please Me de los de Liverpool. ¿Casualidad?
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“Brother & sister duo (Camille & Louisa Bénâtre), Alone With Everybody is more than a family history. It’s about long years devoted to pop music through the first cds they bought and the vinyls their parents listened to. They grew up with the Beatles & Crosby Stills and Nash then wrote the first songs in Paul McCartney’s tongue altough living in south France.
Their debut album – Isolation Row, to be released on March the 22nd – is a collection of delicate pop songs with elements of midwest folk and americana. Everything’s built around the lead vocal melody; the heart of the song. Then comes acoustic guitars, synth arrangements and sometimes a piano. Discrete percussions can be heard, but no drums.
Compared to Gerry Rafferty by Mike Coykendall (M. Ward, She & Him, Blitzen Trapper), Alone With Everybody oscillates between american and english folk songwriting, between London & Portland folk scenes, between Lennon & McCartney or just… between minor & major chords. They idolize Nashville hero Josh Rouse as much as Sheffield crooner Richard Hawley. And Woody Allen” (Facebook)
Ex Cops: True hallucinations (Other Music, Fat Possum, 2013)
En este debut de Ex Cops, True Hallucinations (Other Music, 2013), el dúo de Brooklyn parece que han querido abarcar una pequeña parte de su (sin duda) extensa discografía-cultura musical, poniendo en práctica varios estilos, que irían, desde por ejemplo, el Pop más “neozelandés” de You are a lion, I am a lamb o Separator, a los ecos Velvetianos de Broken chinese chainz. De los susurros Poppies a lo Teenage Fanclub de Ken o James a la vena más Spacemen 3 de Jazz & Information. De los ecos playeros de Spring break (Birthday song) a la vena Kinksiana de Billy Pressly o Nico Beast.
A este cierto estrabismo sonoro Ex Cops consiguen darle un tono de unidad facturando un álbum muy personal. Por momentos, me recuerdan a The Fellies, pero también, por qué no, a Teenage Fanclub o a ese Pop suave teñido de caricias electrónicas con que acompañan a sus temas unos contemporáneos como Letting Up Despite Great Faults.
Pero pienso que mejor que dedicarnos a buscar más referencias, lo lógico sería centrarnos en sus temas. True Hallucinations es una colección de once temas que se devoran de una sentada. Bueno, mejor que devorar diría que se degustan. El buen gusto por el Pop creo que es ese pegamento del que hablaba antes a la hora de unificar estilos y criterios. El amor por el Pop y por las buenas canciones.
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“Judging from the way they weave together sounds and styles from various eras into one tuneful, dreamily sweet package on their debut album True Hallucinations, one can only assume Ex Cops are head-of-the-class-level students of pop music history. A casual trip through the record’s 11 songs reveals influences taken from some of the most inspired and inspiring music of the past 50 years, from the jaunty punch of the Velvet Underground at their poppiest and the choppy strum of Flying Nun bands likethe Bats, to the gauzy haze of ’90s shoegaze and synthy atmospheres of Factory Records — they only borrow from the best. Along with these classic touchstones of modern indie rock, the group throws in some nice bits of ’50s pop (on the utterly charming “Spring Break (Birthday Song)”) some grittySpacemen 3 style psych (“Jazz & Information”), and early Feelies-sounding jangle (“Billy Pressley”) to keep the trainspotters on their toes. On paper, all these influences might seem overwhelming, but the group, and especially chief songwriter Brian Harding and producer John Siket, weave them into a sound that is more informed by the past than it is beholden to it. Basically, they are able to rise above their influences by writing songs so catchy and so nice sounding that it wouldn’t matter much if they copiedthe Chills‘ (for one example) songbook note for note. The recording of the songs is so warm and enveloping, Harding and Amalie Bruun‘s vocal harmonies are so rich, and the songs are so darn upbeat (and memorable on first listen) that the album hits you in the gut, heart, and brain like only the best pop music can. Listeners who like a little darkness mixed into their sound may come away with a sugar-induced toothache, but for anyone who likes their pop music delivered with a honey smacked smile, heaven! True Hallucinations is an impressive debut and one of the purest, most innocent-sounding pop records anyone is likely to make in the ironic, convoluted era in which they exist” (All Music)
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