Kurt Vile: Wakin on a pretty daze (Matador, 2013)
El quinto trabajo de Kurt Vile es un discazo. Dejando a un lado cualquier connotación ruidista, LoFi o incluso feísta, la música de Kurt transcurre por un sendero de calma iniciado en Smoke Ring For My Halo, su último trabajo hasta la fecha.
Vile ha reclutado a sus Violators, se ha puesto manos a la obra y se ha tomado este Wakin on a pretty daze con toda la tranquilidad de la que el de Philadelphia es capaz. Se toma su tiempo y no le importa extender hasta la extenuación sus temas (Wakin on a pretty daze, Was a talk, Air bud, Goldtone, Girl called Alex…), moviéndose grácilmente entre las aguas de un renovado Rock de autor, un sonido del que podemos pensar que rastrea sus huellas en el Folk más tradicional (Father John Misty) o en el más clásico sonido rockista de siempre (Tom Petty, Bruce Springsteen). La cuestión es que Wakin on a pretty daze es un disco tremendo, de esos que te entran suave y te calan hasta los tuétanos.
Y, además, no está exento de hitazos momentáneos: KV Crimes (con un aire muy a lo Dream Syndicate), Never run away.
Con un (nuevo) transfondo en el que Vile se aparta de cualquier tipo de sustancias y se convierte en un cantautor responsable y hasta casi familiar (uno de sus hijos aparece en uno de sus vídeos), el sonido de la música de Kurt Vile es absolutamente arrebatador y puesto al día. Muy recomendable.
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“The concept of samsara, one of the Buddha’s four noble truths, holds that all beings are trapped in a self-perpetuating cycle of birth, death and rebirth. Fueled by internal struggle, we turn along an endless wheel of suffering, passing through untold lives in our never-ending quest for enlightenment. Some meditate upon this truth for years; Kurt Vile, on “Life’s a Beach“, nailed it for us in two mumbled words: “Life’s awhile.”
Vile’s music has exuded this unique stoner-Yoda wisdom from the very beginning, even if you weren’t searching for it. His sound– warm, unhurried, and spacious– doesn’t demand close focus, but one of the joys of being pulled into Vile’s lonely, contented universe is in discovering that he is muttering sharply self-aware things to himself. It adds another layer to Vile’s appeal; seduced by the soothing, watery-blue glimmer of that sound, which promised to make you feel like the only human in the universe, you slowly realized there’s actually one other guy here, and he’s kind of a wiseass.
Wakin on a Pretty Daze is Vile’s most spacious, becalmed record yet, and it contains some of his best-ever brand of cosmic stand-up. It opens, literally, with a stretch and a yawn: On the (almost) title track “Wakin on a Pretty Day“, a wah’ed guitar rubs the grit out of its eyes while Vile beholds his furiously ringing phone with clinical detachment: “Phone ringing off the shelf/ I guess somebody has something they really wanna prove to us today,” he notes. Unperturbed, he moves along, concerned with something far more pressing: “I gotta figure out what kind of wisecrack I’m gonna drop along the way — today.” The music quickens for a beat or two at this prospect, but settles back down. In Vile’s universe, there is time enough for everything.
Accordingly, Wakin on a Pretty Daze moves at its own stately pace and with its own serene logic and time. Songs unfurl for six, or seven, or eight minutes without peaking dynamically or changing; the tangle of finger-picked guitars on “Was All Talk” queue up like synth presets that Vile just lets roll. On most songs, four or five chords cycle for minutes on end, echoing upward into the record’s warm room tone. “Pure Pain” shifts between stomping, hard acoustic chording and two wide-open billowing finger-picked chords that simply hang while Vile muses: “Every time I look out my window/ All my emotions they are speeding/ Zip through the highways in my head.” It can be occasionally frustrating to interact with a piece of music so fundamentally unconcerned with interaction, but like anything worth truly loving, Wakin on a Pretty Daze opens up slowly. The music, and the act of loving it, are exercises in patience. Or, as Vile puts it sagely on “Too Hard”: “Take your time, so they say, and that’s probably the best way to be.”
Vile’s releases are small variations on each other, and discerning the differences between them comes down to intangibles, things that are difficult to point to: The fact that he only yelps his little “Woo!” twice on “Shame Chamber” the first time around, for instance, indicating his bone-deep understanding that two “woos,” for now, are plenty. Or the way the silvery guitar leads snake through the album without ever assuming the foreground, murmuring things that reward attention in the same way Vile’s lyrics do. The way the drums nudge gently into the title refrain on “Girl Called Alex”, and how Vile’s “I wanna-” is abruptly cut off by a stinging guitar; these details, small by themselves, offer accumulated testimony to Vile’s mastery of his world. Wakin on a Pretty Daze breezes past like a Klonopin dream, and radiates an easy confidence that is as rewarding to return to as a melody.
“Sometimes when I get in my zone, you’d think I was stoned, but I never as they say ‘touch that stuff,’ ” Vile sings, with a hint of mockery, on Wakin‘s closer “Goldtone.” The song is stunning, a desert island of Kurt Viledom. Ever since Vile signed to Matador, his music has grown warmer and more expansive as he receded further into the privacy of his own mind: On Smoke Ring for My Halo‘s “Ghost Town,” he crooned gently, “I think I’m never gonna leave my couch again/ Cuz when I’m out, I’m only in my mind.” “Goldtone,” and all ofWakin on a Pretty Daze, feels like the culmination of Vile’s quest to get away from people, noises, civilization and find somewhere to sit and whistle his own tune. If Kurt Vile could paint a storybook Heaven, it would look like “Goldtone”, and he signs it with his most poetic, self-aware koan ever: “I might be adrift but I’m still alert/ Concentrate my hurt into a gold tone.” A guitar pushes a wispy cirrus cloud across the sky, sea-blue chimes glitter, and Vile mumbles his way into the sunset” (Pitchfork)
So Sexual: This is where the story ends (Single, Bleeding Gold Records, 2013)
Otra banda que rastrea su inspiración en los sonidos Post-Punk. Se trata de los liverpoolianos So Sexual, un grupo que cita entre sus influencias a The Cure, White Lies, Interpol, Artery… Sonidos ya clásicos pero que continúan teniendo su encanto. En los últimos tiempos, de hecho ha vuelto una nueva ola de grupos (especialmente venidos desde la Federación Rusa) anclados a estos sonidos influenciados por gentes como New Order o Joy Division.
Prometen nuevo Ep (que de hecho ya hemos oído) para el próximo 30 de septiembre. Como se trata de un streaming privado, en cuanto que aparezca el disco, lo publicaré en The JangleBox.
“Formed over a few beers in a pub in Liverpool, England, So Sexual is an escape from the mundane trappings of everyday life. Caught somewhere between the naive optimism of a not too distant past and the turning wheel of the constant present, here is a sound reminiscent of lost youth striving for a sense of affirmation. The band have spent the last 12 months creating a distinct, contemporary sound that is unmistakably their own yet bears proudly the echo of their influences. A healthy work ethic saw So Sexual self-release 2 demos and notch up a considerable number of performances in their first year together. Carrying forth and building momentum into 2013, So Sexual are extremely pleased and excited to announce the first digital single “This Is Where The Story Ends” b/w ‘Santa Carla” available from Bleeding Gold Records on 18th March, 2013” (Bleeding Gold)
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Dylan Ewen: Lead me on (Single, 2013)
¿Se puede hacer un sencillo acompañado de un videoclip para un tema de tan sólo 50 segundos? Pues sí, y el tejano Dylan Ewen se encarga de demostrarlo.
Winter: Alligator (Single, 2013)
El nuevo sencillo de mi amiga Samira Winter se llama Alligator. Es todo un compendio de sentimientos, verano y calidez en un envoltorio de caramelo Indie.
“Amazing friendships, beach times, sunshine happiness”
The Tranq: Dissident (Single, 2013)
Nuevo material sonoro procedente de The Tranq, en este caso con cierta carga política implícita en su contenido. Se trata del segundo sencillo extraído de su álbum Loss is for the masses, que aparecerá el próximo 18 de septiembre.
Birds Will Sing for You Enterprises
Sweet Smell Of Shining: Beyond waterfalls (2013)
Desde Italia nos llegan últimamente bastantes bandas que facturan sonidos cercanos al Shoegaze, bien sea por la vertiente más ambiental o bien por la vertiente más Noise, como en este caso. Sweet Smell of Shining son un trío de transalpinos (Marco Ciardelli (voces), Masimiliano Piccagli (guitarras, voces, programación y cajas de ritmos), y Alessio Osculati (bajo, programación). Acaban de facturar el que es su disco de debut, este Beyond waterfalls, un disco un tanto irregular, que lo mismo tiene trazas sonoras de Glasvegas que de los denostados Oasis más melódicos. Ellos se definen como “indie rock/dreampop/shoegaze trio“. Quizás sea abarcar demasiado, porque el tono general del álbum no sea precisamente ni muy Shoegaze ni muy Dream-Pop. Yo hablaría de ellos como un grupo más arrimado al Indie más convencional, una especie de reencarnación melosa del combo de los hermanos Gallagher.
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Ty Segall: Sleeper (Drag City, 2013)
California Sound
El prolífico Ty Segall nos deja otro artefacto sonoro para este año en curso. Sleeper es un disco que de alguna manera rompe con su imagen más transgresora y LoFi. Es un álbum acústico, en la mejor tradición californiana, un trabajo en el que se exploran cualquier faceta posible de los sonidos acústicos. Y dentro de esta clasificiación, podemos rastrear huellas de los sesenta y el Folk Psicodélico de Donovan o Tim Buckley: Sleeper, The keepers, The man man, Come outside, Queen Lullaby). Trazos finos de T. Rex, Bowie o incluso Lennon: Sleeper, She don´t care. E incluso nos hallamos algún ramalazo de Blues rural (Sweet C.C., 6th. Street) o el Folk más tradicional (The west).
Un trabajo con esa variedad sonora registrado con un elenco de instrumentos realmente reducido (y que por cierto, el propio Segall se ha encargado de registrar casi en su totalidad), forzosamente tiene que tener su encanto. Y efectivamente, así es. Sleeper es un buen trabajo. Un álbum que el californiano ha engendrado a partir de una serie de momentos personales traumáticos, utilizando unas sencillas demos y al que ha sabido darle cuerpo hasta conformar lo que es: un hermoso cancionero fácilmente identificable pero no por ello menos gozoso y ameno.
“As a recent promotional tour video pointed out, Sleeper‘s title can be seen as a comment onTy Segall‘s own prolificacy. But it also has a deeper resonance. Last December, the singer and guitarist’s adopted father died after a long battle with cancer, and shortly after, Segall stopped speaking to his mother. (He doesn’t go into detail in interviews, saying only “she did some bad stuff.”) Speaking to NPR, he called this period of his life a “weird, intense time,” and Sleeper is a document of what came out of him in that moment. “It was kind of a purge, to be honest,” he said.
Gone is the brazen, screaming Segall behind Slaughterhouse, Melted, and Twins. Even the relatively sedate Goodbye Bread, with its exploding heads and angry California commercials, featured a more intense Segall than the one who made Sleeper. “When I was making [Sleeper], I couldn’t have written a loud, heavy song if somebody had paid me to,” he said. Instead, he picked up his acoustic guitar and made something that owes less to Sabbath and more to Tyrannosaurus Rex-era Marc Bolan or early Bert Jansch. The title track opens quietly with a whistle, and slowly, he strums a minor chord progression louder and louder. “Oh sleeper/ My dreamer/ I dream a dream for you,” he sings. It’s a gentle track that Segall said was initially written for his slumbering girlfriend, but Sleeper‘s much weightier symbolic connotations of sleeping and dreaming hang heavy over the album.
While the album’s tone and pacing seem to reflect its initial inspiration, the lyrics are rarely confessional in the most explicit sense– any references to Segall’s personal life are cloaked in more broadly relatable terms. Occasionally specific details pop out (“He packed his bags this morning/ He bought his ticket today/ Don’t you go away/ Not today,” he sings on “She Don’t Care”), and he gets slightly more blunt with “Crazy”, which is sung to a “little one,” offering comfort because “He’s here/ He’s still here/ Though she is crazy.” Segall said that “Crazy” was written spontaneously the moment he recorded it– something he’s never done before– about his mother. “It’s kind of that thing where a person crosses a line and you just snap,” he said. “You hit a point where you don’t care how it affects that person because you just have to say it so you can move on.” The way he talks about the song, it’s easy to imagine a diatribe, but it’s a catchy, sweet, two-and-a-half minute song with a lyrical twist. For all its personal significance, “Crazy” is as open-ended as Segall’s best songs.
So after all his shrieking, shredding, and psychedelic freakouts last year, Sleeper offers a welcome sonic respite. It’s easily his most stripped down effort to date, full of elegantly simple, catchy, well-crafted songs. And although everything’s acoustic, aside from one well-placed electric solo near the end of “The Man Man”, the album’s packed with subtle diversity. While “6th Street” recalls the more psychedelic-leaning folk he made with Tim Presley on Hair, “The West” could’ve been plucked from the rambling Carter Family songbook. Then there’s “Queen Lullabye”, with its distant-sounding falsetto, sludgy guitar, droning low-end, and trudging-through-molasses pace.
But even when he’s switching things up on Sleeper, the album never feels as scatterbrained as his previous work. Goodbye Bread opened with a sing-songy ballad and went straight into a shout. Twins featured psychedelia and garage pop. Melted had acoustic-driven catchiness and blown-out fuzz. Those albums could pull off a scattershot of styles with well-placed transitions, but Sleeper is something else. Everything here easily lives in the same universe– 10 tracks of similarly hued songs, all of a piece. It’s his most focused album, with every song’s tone easily flowing into the next, and it’s also one of his best.” (Pitchfork)
Cold Country: Missing the muse (2013)
Ingeniero de sonido de día y trobador folkie de noche, Sean McConnell es el responsable de Cold Country, un proyecto unipersonal que bebe de las raíces más profundas de la Americana más nostálgica y meditabunda.
Inspirada por autores como Neil Young o bandas como Wilco, la música de Cold Country es un remanso de sonidos acústicos y canciones melancólicas que a todos nos gustaría oír a bordo de un muscle car lleno de polvo en una de esas carreteras interminables que los europeos hemos visualizado (e imaginado) en tantas y tantas películas.
Aunque con cortes como el inaugural: What it takes, no podríamos encajarlo fácilmente en esos moldes, y habría que buscar un acomodo en las década de los sesenta para localizar su sonido, algo así como un cruce entre el Country y el Pop más psicodélico.
Para registrar su disco (producido por él mismo), se ha hecho acompañar de amigos: Anna Holmquist, Jayson Homyak, John Nugent y Chris Jesurun. Puedes escuchar y disfrutar de su disco por el precio que desees oportuno.
“a collection of stories and characters about his time in the midwest, a place he always heard his father refer to as “the cold country” growing up in Arizona”
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Buffalo Tales: Roadtrip confessions (2013)
Sonidos folkies para el día de hoy. Buffalo Tales es el proyecto unipersonal del cantautor y bardo australiano Wes Carr. Su sonido es absolutamente deudor de la mejor tradición Folk norteamericana de raíces europeas. Su sonido es limpio y más que descarnado. Su instrumentación, parca. Lo interesante en la música de Buffalo Tales son las narraciones de sentimientos en primera persona.
Evidentemente, en los últimos tiempos, el neorenacer del Folk personalizado en bandas como Fleet Foxes o Bon Iver ha decaído un tanto, pero ejemplos como el de Buffalo Tales o el que os presentaremos a continuación son representaciones claras de que el Folk no es una música que se ancle a ninguna moda, sino un género musical con entidad propia que cada cierto tiempo pasa por un renacer que le hace reverdecer laureles.
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“With his new album Roadtrip Confessions Wes Carr returns to his first love: honest, acoustic music. No flash. No tricks. Nothing but the voice, and the songs. Deeply personal, much of the album was written in the last year as Carr experienced one of the greatest life changes of all. “Most of it was written when I knew my wife was pregnant,” he laughs. “That’s been the secret link: that this new being was coming and joining us forever, and I had no time to waste. I want to say all this to the world before my son grows up and says ‘hey Dad, why didn’t you do all this?’” So it’s somewhat ironic that the most personal, heartfelt material Carr has ever made is coming out under a different name. With Roadtrip Confessions it’s goodbye Wes Carr, hello Buffalo Tales.
The space and openness of the album recall the landscape where Carr grew up: the bare scrubland north of South Australia’s capital, Adelaide. “It’s funny you say that because that’s where three of the songs were written: ‘Please’, ‘Waiting for You’ and ‘Tricks to Magik’ were all written when I was younger,” he explains. “That was my first explosion of songwriting: mum gave me a John Lennon anthology boxset and I got inspired by all of his home recordings. It did something to my brain: I just went RAAA!”
These were the songs he took with him to Sydney, after unexpectedly moving with his father as his parents marriage dissolved (“I went to school on the Friday and was told I was boarding a plane on Monday morning and moving to Sydney for the rest of my life”). These were the songs that he played around his first gigs, that scored him a publishing deal before turning 20, and drew the attention of industry heavyweights like manager John Watson. Why didn’t they come out until now?
“They kept telling me I was too young,” he laughs. “They said ‘you don’t know anything about getting your heart broken’ and all this sort of stuff. They said I needed to go and play 150,000 gigs and come back when I was thirty. And I think they were right, in some ways. Those songs are more true to me now than when I wrote them. It’s almost like I predicted what life was all about before I’d even experienced half of it” (Planetary Group)
Said the Whale: I love you (Single, 2013)
En alguna ocasión ya habíamos hablado de Said the Whale, pero este tema es un auténtico trallazo, mezcla del mejor Rock y algo del petardeo más cautivador de la Elo. Anuncian disco para finales de este verano, aunque ya puedes realizar un preorder. Como sea todo como ésto… ¡¡Vaya estribillo!!
Puedes encontrar la descarga del tema en su página oficial.
En su momento ya posteé este sencillo, aunque hoy vuelvo a la carga para ofreceros su divertido vídeoclip.
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Barbiturates: Look what the internet did to us (Lost Race Records, 2013)
Nuevo sencillo de los australianos Barbiturates (me encanta este nombre, con todo lo que ello implica: Barbitúricos…). Tema de Pop a medias entre ambiental y electrónico. En cualquier caso, ambiente claustrofóbico y algo axfisiante para ilustrar estos efectos de lo que internet pudo hacer en el trío de Brisbane.
Está incluido en el que hasta ahora es el último disco de la banda: Shades (Lost Race, 2013), un álbum en el que los australianos hacen gala de ese gusto por la oscuridad, por los reverbs imposibles, por la electrónica y por el amor a ese Pop experimental que a más de uno puede hacer perder la cabeza (en ambos sentidos, se entiende…)
“Music for aliens. Made from the bottom of the ocean“
Facebook / Cómpralo-Purchase / Lost Race Records
Homeless: Sinestesia (Discos del Rollo, 2013)
Tras tres años de silencio, los gaditanos Homeless vuelven a la escena musical con este Ep editado por el sello Discos del Rollo. Homeless no son nuevos en esto: cuatro años de carrera, tres discos, apariciones en medios especializados, giras, para dejarlo en 2010.
Su música es deudora del Noise más melódico, del Brit más elegante. Sonidos de trazo fino y guitarras agridulces, letras ingeniosas (que combinan el inglés y el castellano) y melodías cálidas.
Cinco temas especialmente dedicados a ese “1% de la población que pueda oír los colores o ver los sonidos“.
Puedes encontrar una versión digital desde su Bandcamp (que acompaño), y una edición física limitada a cien copias editada por Discos del Rollo, con un precioso envase y edición artesanal. Todo un lujo para los tiempos que corren.
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“Habían colgado las guitarras en el 2010 tras cuatro años de muchas luces (y alguna sombra) en los que habían parido tres trabajos: “Teoría de la conspiración” (2006), “Defendiendo el flanco débil” (2007)y “La mala suerte” (2008).
Grabaciones que les habían servido para sonar en Radio3, haber sido declarados Mejor grupo Indie-Rock en los premios PopEye 2008 y participar en recopilatorios del sello Bon Vivant. Y cuando todo parecía ir encaminado hacia el éxito, por esas cosas que solo puede entender quien tiene una banda, deciden frenar y buscar nuevos proyectos.
El crítico musical Enrique Alcina los definía así antes de la ruptura:
“ fijan su ecléctico repertorio entre el punk primigenio, la nueva ola británica y el rock alternativo de los años noventa, sin olvidar los grandes nombres de la escena hispana. Entre Pulp y Los Planetas, los Flaming Lips y la Habitación Roja. Suenan de categoría, ofrecen directos interesantes y crecen a cada paso que dan.” Con la llegada del 2013 Diego Pozo, alma mater de la banda, decide llevar a los estudios de La Factoría (Los hermanos Dalton) las nuevas composiciones que hay ido grabando en su Ipad para ponerlas en común con Josema Dalton (bajo) y Pedro Misas (batería) y hacer que pasen a la posteridad bajo el título de Sinestesia.
Siete cortes en los que Homeless alterna el castellano con el inglés. Pero no se asusten, no es necesario dominar el idioma anglosajón, basta con dejar a sus sentidos trabajar para poder sentir que este disco habla del espacio, los viajes en el tiempo y, sobre todo, de la sinestesia. Un don o quizás una condena, que hace que un 1% de la población pueda oír los colores o ver los sonidos.
El sello que ha apostado por el regreso de Homeless no es otro que Discosdelrollo, para quienes Sinestesia es su décima referencia y edición tras edición intentan superarse con el artwork de sus discos. Publicarán una edición limitada de 100 copias manufacturadas y con un diseño muy especial que podrá adquirirse desde la web del sello (www.discosdelrollo.info). El formato digital podrá ser descargado desde el bandcamp de la banda http://www.homelessnoise.bandcamp.com a partir del 15/08/2013, fecha del lanzamiento” (Nota de Prensa)
Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download / Discos del Rollo–Edición física
Són Boom: Fuente (2013)
Con este curioso nombre se presenta este combo llegado desde Brooklyn, nueva meca del sonido más cosmopolita, mayormente en tanto en cuanto a variedad sonora y musical se refiere. Són Boom son un grupo de miras eclécticas, tanto le dan al Folk-Pop como al Pop más sentimental con bases de Reggae, Hip Hop o al Pop de raíces más Soul.
A mí personalmente, como sabéis, estas amplitudes de miras me descolocan un poco, acostumbrado como estoy a etiquetar en seguida cualquier sonido que me llega a los oídos. No dejo de reconocer los méritos, pero también soy honesto si digo que prefiero los trabajos con una línea más unitaria.
Lo que sí es cierto es que en todo el álbum no vas a encontrar ningún tipo de estridencia o distorsión o ambientación Noise. Para éso ya tendremos que beber de otras fuentes. Para el Pop más calmado, Són Boom son una vía más adecuada.
“A Soul Rock Explosion“
“A refreshing new blend of sounds with an edge of new age and dashes of Asian and Native American; truly new world music”
Seaweed Meadows: Andra Långgatan (Single, 2013)
Otro de los invitados nórdicos de esta semana: Seaweed Meadows son un sexteto provenientes de la costa oeste sueca, concretamente de la ciudad de Goteburgo.
Al igual que nuestros invitados anteriores, Seaweed Meadows factura un sonido Pop de tintes melancólicos, lágrimilla fácil y digestión absolutamente edulcorada. Su álbum de debut se titulará Echoes of an avalanche, y aparecerá el próximo otoño. Por ahora puedes descargar este sencillo desde el enlace que os propongo.
“A nighttime postcard from one of Gothenburg’s most classic streets, a drunk text message, a declaration of love embodied in 4 minutes and 37 seconds of rock music”
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Beat the Heart: Nurse me (With your soul) (Single, 2013)
Más Pop escandinavo. En este caso nos llega al mail un tema de una nueva banda llamada Beat the Heart. Tan nueva que se formó en 2012, aunque no han perdido el tiempo, y ya han grabado un Ep y un sencillo: Nurse me (With your soul), un temita de esos que se agarran a las entrañas. Pop con cierto grado de épica y de emoción no contenida.
Piensan trabajar en un próximo Ep que llevará por título It never ends. Os dejo con este Nurse me, que puedes descargar y disfrutar gratuitamente.
The High Ones: Another sunny day (Single, 2013)
Otro proyecto en el que aparece Mark Lee (The Pocket Gods): The High Ones. En esta ocasión, se hace acompañar de Nigel Parrington (The Low Countries´).
Para celebrar el verano, The High Ones nos deleitaron con la publicación de su último sencillo, este delicioso Another sunny day, un precioso retazo de Pop a lo C86, preciosas guitarras y estribillo pegajoso. Todo un caramelo.
Banana Beach: Pelican bay (Single, 2013)
Banana Beach son un quinteto llegado desde Estocolmo. Facturan un Electropop de tintes amables y sabores ochenteros. Giran en la órbita de Birds Will Sing for You y su música te puede alegrar ese guateque retro-ochentero.
“Modern disco and indie fusioned to perfection“
Facebook / Spotify / Birds Will Sing for You Enterprises
The Proper Ornaments: Waiting for the summer (Lo Recordings, 2013)
James Hoare (Veronica Falls) y Max Claps son los artífices de uno de los dúos más carismáticos que pululan por la escena musical británica en los últimos tiempos. No son demasiado prolíficos, pero cada uno de los sencillos que han ido editando han sido convenientemente degustados por quien escribe como el maná para los dioses.
Waiting for the summer es su último single. Una perfecta conjunción de The Jesus and Mary Chain con The Velvet Underground (y no me invento la comparativa), una bellísima canción que mezcla sentimentalismo y melancolía a partes iguales.
Para acompañar, publican Candy, un precioso apunte de Pop barroco, muy al estilo de The Left Banke o de su banda “hermana”: Veronica Falls, otro de los grandes grupos del momento en el Reino Unido.
En definitiva, The Proper Ornaments han dado todos los pasos necesarios hasta la aparición de un larga duración, que al parecer lo hará a finales de verano. En The JangleBox daremos buena cuenta de ello, puesto que los chicos se han convertido en una de las referencias sonoras desde que Recalling cayó en nuestras manos, allá por 2010.
“… a charming slice of hazy pop with a lovely guitar riff” NME
“Summer of Love 60s guitar pop, heavily inspired by The Byrds, Love and a re-imagined, happier Velvet Underground” – Loud & Quiet
“… gentle and soft and lovely and nice” – DIY
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The Slytest: Rock´n´Roll heaven (Single, 2013)
Nuestros amigos de Birds Will Sing for You ya han comenzado el curso, y ya hemos comenzado a recibir algunas nuevas propuestas llegadas desde tierras nórdicas.
En esta ocasión nos encontramos con el Rock de The Slytest, una banda que apuesta claramente por propuestas sonoras absolutamente influenciadas por la Americana y por gentes como Wilco, con quienes guardan algunas semejanzas más que evidentes.
Rock´n´Roll heaven es su último sencillo, tema que se anticipa a la edición de su próximo trabajo y que puedes descargar y disfrutar de manera gratuita.
“Somos una banda analógica, no conocemos la electrónica y no creemos que éso vaya a cambiar mucho en un futuro“
Facebook / Birds Will Sing for You Enterprises
Neil Halstead: Spin the bottle (Sonic Cathedral, Ep, 2013)
El nuevo Ep de Neil Halstead no contiene en realidad material estrictamente novedoso del que fuera miembro de Slowdive o Mojave 3. Para los que fuimos amantes de su música con esas bandas, el sonido de Halstead en solitario quizás se nos queda demasiado alejado de todo aquello. Está claro que la antigua inspiración quizás no vuelva, por mucho que estos nuevos temas se empeñen en mostrarnos a un Neil Halstead alejado de aquella imagen de post-adolescente rebelado o de cowboy psicodélico.
Sí, mucha delicadeza, mucho Folk, mucha Americana, mucho arreglo a lo Neil Young, pero… echo algo más de brío y de composición en falta.
Quizás todo ello lo encuentre en breve, pues en Septiembre anuncia nuevo proyecto: Black Hearted Brother, con el que parece se va a reencontrar con parte de su pasado más glorioso.
Se me olvidaba deciros que Spin the bottle se compone de una regrabación del tema titular, incluido en Palindrome Hunches, una grabación en vivo de Chasing rainbows, y de una remezcla de Full moon rising.
“Neil Halstead releases a new EP, Spin the Bottle, on May 13. The digital-only release features re-recorded version of Spin the Bottle from Halstead’s latest solo album, Palindrome Hunches, a low-key live recording of a new song, ‘Chasing Rainbows’, and a remix of ‘Full Moon Rising’ by Mark Van Hoen (Locust, Seefeel).
The original album version of Spin the Bottle – recorded in Oxfordshire with the Wallingford- based Band Of Hope – is augmented by a newly re-recorded take, featuring drums from Neil’s Mojave 3 and Slowdive bandmate Ian McCutcheon and pedal steel from Melvin Duffy. The new arrangement turns this introspective song, which Neil says is about “opening up to the person you love”, into soaring cosmic country, reminiscent…” (Chewbone)
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