The JangleBox

Indie, Noise, Shoegaze… Music

Galactus: Una entrevista

Os dejo con la entrevista que Galactus les ofreció al magazine CaraB. En ella os podréis hacer una idea exacta de cómo son y cómo piensan estos chicos y cuáles son sus ideas musicales. No olvidéis que podéis encontrar su disco en sus conciertos o en iTunes o CdBaby. MySpace

Agallas es el primer disco (oficial) de Galactus, grupo que nació en 2005 tras una larga gestación que se remonta a los sesenta, prosigue en los setenta, ignora los ochenta, continúa en los noventa y llega a feliz término en el nuevo siglo en el barrio de gràcia, en barcelona.
Un rosario de influencias tan amplio como definido (de The Who a Wilco, the Beatles o Buffalo springfield, Teenage Fanclub, Tom Petty…) que cristaliza en un genuino “indie pop-rock” con denominación de origen mallorca/bcn. En agallas encontramos once canciones, once singles: diez de ellos de cosecha propia, uno gentilmente aportado por Neil Young, un rescate de sus años de Buffalo springfield,
burned (track sólo disponible en el formato CD).
Conocimos a Galactus en su último concierto en Sidecar. Actuaban antes de
Plushgun y nos sorprendieron con una versión de éstos. La verdad que su concierto no decepciona, se muestran tal y como son: con mucha energía y muy cercanos al público. Pude intuír que la gran mayoría eran amigos y fieles seguidores, un tipo de publico diferente al de sus compañeros de Brooklyn. Cuando terminaron de tocar un tumulto de jovencitas se hicieron paso entre ellos para esperar el segundo concierto.
Quisimos encontrarnos un día entre semana y la verdad que no fue fácil. Su local de ensayo, dentro del patio de un colegio abierto a los transeúntes, se esconde tras una pequeña puerta que bien podría haber salido de una peli fantástica para niños. Al entrar encontramos un lugar acogedor que comparten con más grupos.  Además de compañeros son amigos, quedan para ensayar justo después de relajarse, charlar, contarse sus cosas y tomar una caña en el bar al lado de su local de ensayo. En este ambiente tan distendido charlamos tranquilamente y hablamos de los detalles del concierto que darán para la fiesta de presentación de la revista en la Sala Becool.

galactus en sidecar
¿Quiénes sois y cómo os conocisteis?
Galactus lo formamos: Uri Borràs Cima (guitarras y voz), Juan Pablo Caja (guitarras), Jordi Buscà (bajo) y David Arés (batería y voz). Juan Pablo y David son mallorquines y se conocen de allí, antes de instalarse en Barcelona. Jordi y Uri son amigos desde el instituto. David y Uri se conocieron en un concierto de Jonathan Richman. Los gintonics y la melomanía on the rocks hicieron el resto.
¿Cuáles son vuestros orígenes, musicalmente hablando?
David: yo toco la batería desde los 14 años y formé parte del grupo de Ska mallorquín
Skarabajos que publicó dos discos en los 90. En la actualidad mis influencias han cambiado y escucho cosas muy diferentes como Sunday Drivers, Josele Santiago, Wilco o Tom Petty.
Juan Pablo: Yo empecé en los años ochenta en Mallorca, en grupos de rock y folk progresivo (Axolot, Teara Prima); eran claramente otros tiempos… Después de un largo paréntesis, aquí estoy con Galactus, y, aunque creo que mi curiosidad me ha llevado a husmear cosas diversas (de Velvet Underground al jazz), ahora diría que mis mayores influencias son los songwriters americanos (de Dylan, Young, o Townes van Zandt a Steve Earle), y, en general, lo que ahora se llama americana.
Jordi: De pequeño empecé rascando una vieja guitarra española, que era un recuerdo que guardaba mi madre de mi abuelo; autodidacta y en casa de Uri y otras malas compañías, aprendí algunos acordes más. Hace un año me liaron con el bajo…con lo tranquilo que estaba yo haciéndoles de técnico de sonido y podía presumir de ser el único fan con todos los setlist de Galactus firmados!
Uri: Mi padre me enseñó a tocar ‘
Something in the way she moves’ (the beatles) con su guitarra y ‘El reloj’, la de no marques las horas, en su hammond, cuando devoraba tigretones y popeyes, de limón (siempre). Con las primeras cervezas me desgañité infinitamente con ‘Hey’, de los Pixies, y ‘Creep’, de Radiohead, para robar algún beso a la amiga de la guapa de las fiestas. En la universidad, varias bandas y mucha jeta. En la actualidad, además de Galactus, soy miembro espiritual y activo (cuando se puede) de Still Flyin’, el súper-grupo de ‘hammjamm’ con base en San Francisco. Influencias, aunque no cuele, yo lo suelto: la intensidad de la música barroca.

galactus local
¿Hace cuanto tiempo que tocáis juntos?
Empezamos a reunirnos con peras y uvas en 2005. En 2006 hicimos el primer concierto de Galactus en La Cova del Drac (Barcelona) para estrenar la Gretsch que le regalamos todos los colegas a Uri por su 30 cumpleaños. En 2008, Raúl Martínez nos deja y cede el bajo a Buski. Desde entonces, las vemos venir.
¿Cómo definiríais vuestro estilo musical?
JP: Lo importante, al final, es cómo te define quien te escucha, ¿cómo lo harías tú?
Uri: Yo, fácil, en dos
palabras: ACTITUD.
Jordi: …con muchas 
agallas.
¿Influencias del grupo?
David: supongo que toda la música que escuchamos cada uno de nosotros. Intentamos que Galactus suene como la música que nos gusta y cada uno de nosotros aporta su grano de arena.
¿Qué nos podéis contar de vuestro último disco 
Agallas? ¿Cuál ha sido el proceso de gestación?
David: Es un disco totalmente autoproducido. Después de haber grabado 3 maquetas entre el 2006 y el 2008 teníamos ganas de hacer algo mejor, así que en lugar de costearnos otra maqueta, nos pusimos en marcha con algo más serio.
JP: En cuanto al proceso, diría que no ha tenido mucho de especial; la mayoría de las canciones tenían ya un cierto rodaje entre conciertos y maquetas, y, la verdad es que en el estudio se acaban puliendo y terminando detalles, en unos temas más que en otros, pero en su mayor parte veníamos ya de un trabajo previo, con lo que se consigue (o debería conseguirse) que el resultado final sea bastante fiel a cómo sonamos en directo.
Uri: ‘agallas’ define muy bien la filosofía de este disco. Nos gusta la música. Nos gusta comprar discos para disfrutarlos en casa con auriculares. Nos gusta ir a conciertos para vivir estos discos. Creemos que no somos los únicos. Galactus tiene canciones propias. Queremos compartirlas. Con auriculares y cara a cara. El mercado está difícil. Encontrar apoyo es complicado. Pero Galactus tiene ‘agallas’. Un disco autoproducido en ‘tiempos revueltos’, honesto y cuidado, y fiel a una máxima que podría sonar perfectamente así: sí, quizás es sólo rocanrol, pero cómo nos gusta. Y que nos baste con eso.
¿Proyectos para el futuro?
JP: Tocar. En Barcelona, ya tenemos algunas fechas, y fuera. Hay proyectos para ir a Mallorca, a Valencia, Madrid…
David: Ahora lo que queremos es que Agallas suene y que la gente lo conozca. De momento estamos contentos, pero la cosa va poco a poco. Queremos tocar todo lo que podamos y que Galactus le suene al mayor número de personas posible.

¿Sello discográfico?
David: Como os comentábamos, todo lo hemos hecho nosotros solos. ¿Si nos gustaría fichar por una discográfica? Si es para que trabaje en el grupo, claro. Si es para que se limite a tener el disco en un catálogo, pues no me hace especial ilusión.
¿Galactus? ¿De donde viene el nombre?
David: nos bautizó Raúl, nuestro primer bajista. Galactus es un personaje de cómic que come planetas. Nos pareció gracioso, aunque tampoco perdimos ni un minuto en discutirlo. ¿Galactus? Pues Galactus.
Os planteamos ahora nuestro característico tercer grado de preguntas cortas para conocer vuestros orígenes y referentes musicales:
¿El primer disco que comprasteis con vuestro dinero?
David: es un secreto inconfesable. Tenía 12 o 13 años y aún no era dueño de mis actos!
JP: El single, 
Palomitas de maíz, versión de los Pekenikes, nada menos. El primer Lp, Animals, de Pink Floyd.
Uri: en cassette, ‘
Different light’ de las Bangles. LP, el ‘Brothers in arms’ de Dire Straits. Supongo que Sabrina, MaxMix3 y Technotronic no cuentan, ¿no?
JB: Bruce, “
Tunnel of love”.
¿El primer disco que escuchasteis de manera enfermiza hasta saberos todas las canciones de memoria?
David: Creo que 
Soñando en 3 colores de La Granja.
JPGreatest Hits II de Dylan y luego 
Transformer de Lou Reed
Uri: ‘
Shake your money maker’ de Black Crowes; ‘Magic Bullets’ de Mega City Four; ‘Thirteen’ de Teenage Fanclub.
JB: Devoré todos los de AC/DC.
¿Un disco para llorar?
David: A mi la música me alegra la vida, no me la entristece. No tengo un disco para llorar.
JP: Una recopilación de tangos (y que incluya “Mi noche triste”)
Uri: ‘The best of Chet Baker sings’ (Blue Note), sobre todo si te ha dejado la novia.
JB: Algún recopilatorio homemade con clásicos de The Black Crowes, The Quireboys, Led zeppelín, Rolling, etc.
¿Un disco para después de un concierto?
JP: Después de un concierto, mejor un gintonic (o dos).
Uri: ‘Never gonna touch the ground’ de Still Flyin. Fiesta asegurada.
JB: Creo que me apunto al gintonic o a una buena cerveza, como no.
David: Lo mismo digo.
¿Un disco para escuchar entre amigos?
David
Sky blue sky de Wilco o Tiny telephone de los Sunday Drivers
JP: Cualquiera de los clásicos de 
Tom Petty, si es una fiesta. En otro plan, una buena recopilación de Leonard Cohen, por ejemplo.
Uri: ‘
La Fusa’ de Vinicius de Moraes con Maria Creuza y Toquinho para la cena. Motown Dance Party (vol.1 y 2)’ para las copas y ‘London Calling’ de The Clash para bailar viejos tiempos.
JB: Desde Ray Charles hasta Maceo Parker.
¿Un disco para regalar a vuestro peor enemigo?
David: buff… yo no hago regalos a mis enemigos.
JP: No sé, el de Galactus, para tocar los cojones un poco.
Uri: Que sean dos de Galactus. Si no puedes con el enemigo…
JB: Algun disco del que se declarara fan incondicional… por probar aquello de que la música une.
¿Un disco para un día de resaca?
David: Uno de
Kings of convenience.
JP: Old nº1 de Guy Clark, y si la resaca es más dura, 
Dublin Blues (por no salirnos de Guy Clark)
Uri: ‘La casa dins la casa’ de Bedroom. Después, bloody mary y un poco de Chico Buarque o Stephane Grapelli. Mano de santo.
JB: Ben Harper, Jack Johnson, Eddie Vedder,…
¿Un tema para bailar en un club?
David
Hush, de Kula Shaker
JP:
I heard it through the grapevine, Marvin Gaye
Uri: ‘
Rapper’s Delight’ de The Sugarhill Gang a caderazo limpio. Si el Dj no la tiene (probable) un ‘Hit the road Jack’ de Ray Charles, me sirve. ¿Tampoco? Pues entonces, el ‘Hey ya’ de Outkast ya me va bien.
JB: “
Sympathy for the devil” de los Rolling’s.
¿Un tema que suene en vuestro despertador?
David: estaría bien levantarse cada día con “
un buen dia” de Los Planetas.
JP: I’m still standing there de Steve Earle con Lucinda Williams (en realidad me despierto con la radio, pero vaya, podría ser)
Uri: ‘
Who loves the sun’ de la Velvet o ’Anything, anything’ de Masters of the Hemisphere.
JB: “
Get up, Stand up” de Bob Marley.
¿Un tema para cantar en la ducha?
David: Save myself de Bryan Estepa
JP
Four strong winds, de Neil Young (bueno, creo que no es suya, pero la canta).
Uri: ‘
Changes’ de David Bowie (ducha matutina); ‘I wanna be your boyfriend’ de Ramones (ducha vespertina)
JB: “
Mona Lisa Smiled” de The Quireboys
¿Un tema para cantar en el coche?
David
The eyes of Sarahjean de los Jayhawks.
JP
Because the night, Patti Smith.
Uri: ‘
Black Cab’ de Jens Lekman.
JB: Buf, he pasado muchas horas en el coche…todas!

¿Entre todos y no importa la heterogeneidad, cual sería vuestro playlist? (10 temas, tocais a 2´5 por cabeza)
1.- 
Penny on the train track de Ben Kweller
2.- 
T-Shirt Sun Tan de Stereophonics
3.- 
Carpetbaggers de Jenny Lewis & Elvis Costello,
4.- 
I won’t back down, en versión de Johnny Cash
5.-  
All the right reasons de los Jayhawks.
6.- Been Hiding’ de The Aislers Set
7.-  ‘ctrl+alt+sup’ de Egon Soda
8.- del 0’5 que me queda, la primera mitad de ‘
The concept’ de Teenage Fanclub.
9.- 
Better Man de Pearl Jam y Dead Flowers de los Rolling. 
10.- Le doy el 0’5 que falta a la mitad última de ‘
The Concept’ de Teenage Fanclub. 

31 mayo, 2010 Posted by | Galactus | Deja un comentario

Derribos Arias: Tupés en crecimiento (del single A Flúor, 1982)

30 mayo, 2010 Posted by | Derribos Arias | Deja un comentario

Derribos Arias: A flúor (Ep, 1982)

 

Este fin de semana el Retro-Visor se ocupa de una de las bandas seminales de la Movida además de una de las más ocurrentes, ingeniosas, inefables e inimitables: Derribos Arias. Concretamente le dedicaremos el espacio a la primera referencia oficial del grupo, tras haber fichado por Grabaciones Accidentales S.A. (Gasa). A flúor es el primer single editado por el grupo de Ignacio Gasca, Poch. Un disco en el que se recogen dos canciones que ya se habían radiado previamente en formato maquetero en Radio-3. A flúor es un tema que resume adecuadamente el espíritu de la banda: sentido del humor, onda siniestra, cierta experimentación y un toque de improvisación genial-caótica que les acompañó durante toda su carrera; es decir: Poch. Como se dice en el artículo de La Fonoteca, alfa y omega de la banda, espíritu inquieto, ingenioso, irritante a veces, genial las más. Tupés en crecimiento es otro de los temas más conocidos de Derribos Arias, especie de Rock´n´Roll desacelerado con variación rítmica enmedio del tema, con otra letra genial, dedicada a un conocido rocker de la época. Tras la escucha de este single, y de casi toda la obra de Poch, uno siempre se pregunta algo parecido: ¿Eran realmente geniales? Si no, ¿cómo se explica que unas letras y una actitud cuasi-infantil los conviertan en una banda tan altamente adictiva? Sea como fuere, lo cierto es que el legado de Derribos Arias está ahí, tras una breve carrera que no les llevó ni si quiera hasta finales de los ochenta, y aún hoy son recordados como uno de los legados más interesantes de la música de la época.

Derribos Arias – A flúor (Single, 1982)

“Son muchos los que consideran que los mejores temas de Derribos Arias(DDAA) se grabaron en formato sencillo y no en el único disco de larga duración que dejó la banda “En la Guía, en el Listín” (GASA, 1983). Es éste el caso de los dos temas incluidos en este sencillo: “A-flúor” y “Tupés en crecimiento”, dos pequeñas maravillas, producidas de nuevo en colaboración con Paco Trinidad, que acrecentaron la popularidad de DDAA ganada tras su primer trabajo. Por si esto fuera poco, la portada, obra de  Elsa Wittenberg, es también un acierto, muy a juego con el tono general de la época, pues la efervescencia de esos años no se restringe al ámbito musical, y así por ejemplo, en programas como La Edad Oro, Paloma Chamorro alternaba las entrevistas y actuaciones de grupos, con amplios comentarios y presentaciones de numerosos artistas plásticos como pintores, fotógrafos, dibujantes, etc) que también iniciaban sus actividades en aquellos años. 
En las dos canciones podemos encontrar las señas de identidad de la música de DDAA. En “A-flúor”, una base programada, con bajo y guitarra insinuantes crean una atmósfera envolvente, de espera a duras penas contenida, para que, en una letra que incluye apenas dos frases, la-la-las y los gritos de Teresa Verdera, se nos pregunte por nuestra opinión y sensaciones tras utilizar el flúor en nuestra higiene dental.  
La cara B es para “Tupés en crecimiento”, un rock & roll pasado por la factoría DDAA, que lo ralentiza y programa con bases tecno-funkies. La canción hace alusión a J.M. El Magnífico (alias de Mikel Alonso), rocker de pro de la época, amigo entre otros, de
Sabino Méndez, quien le definió como artista plástico), Kike Turmix y los propios DDAA. 
Sin lugar a dudas, un sencillo que vale su peso en oro”
(
lafonoteca.net)

MySpace / Derribos Arias-La Fonoteca

29 mayo, 2010 Posted by | Derribos Arias | Deja un comentario

Allo Darlin´: Dreaming (Single, 2010)

Como quiera que la discográfica que distribuye su material en los Estados Unidos nos vetó varios posts publicados en The JangleBox previamente, y dado que el álbum de debut de Allo Darlin´ ya se ha filtrado por la red, sirva este post para comentaros que, como digo, el disco ya ha aparecido por internet, y promete bastante. Segundo, que este single, Dreaming, lo editó su distribuidora en Europa, Fortuna Pop! de manera gratuita, así que os lo presento para que podáis ir abriendo boca. Su mezcla de Twee-Pop con bonitas letras, y ese dúo chica-chico con Monster Bobby de The Pipettes, al estilo de Belle and Sebastian, ponen los pelos de punta. Habrá que estar muy atentos al grupo de Elizabeth Morris.

Allo Darlin´- Dreaming (Single, 2010)

THE MUSIC FIX – SINGLE OF THE WEEK  “Taking all the best bits from early Belle & Sebastian combined with Camera Obscura (yes, it is that good) are the amazing Allo Darlin’. Male to female dialogue bats back and forth against a whimsical musical backdrop that will make stripy jumper wearing indie kids grin from ear to ear. It’s also the first record this year to make me shed tears of joy”

MySpace / Descarga gratuita-Free download

28 mayo, 2010 Posted by | Allo Darlin´ | Deja un comentario

Tame Impala: Innerspeaker (2010); Making of

28 mayo, 2010 Posted by | Tame Impala | Deja un comentario

Tame Impala: Innerspeaker (2010)

 

Una vez oído en varias ocasiones este Innerspeaker, el álbum de debut de la banda australiana Tame Impala, a uno se le queda la sensación de que éste es el resultado de someterse a una sobreexposición prolongada a cualquiera de los álbumes de The Olivia Tremor Control, el combo norteamericano cabecilla del colectivo Elephant 6. Innerspeaker es un disco de auténtica Psicodelia-Rockista de principio a fin, por la forma en que está grabado, por su sonido y por su concepto en general. Oyendo temas como It is not mean to be, Desire be desire go, Solitude is bliss, Lucidity, I don´t really mind, Expectations… uno se da cuenta de que con el disco, de alguna manera, se ha transportado a una época de alucinación y de cierta fantasía, de tranquilidad y espiritualidad; tal es la calma y el relax que el álbum proporciona tras varias escuchas. Lógicamente, el disco tiene puntos de conexión igualmente con otras muchas bandas (The Beatles, en su época más lisérgica, Cream, King Crimson, Todd Rundgren, Wolfmother, Blue Cheer, Mgmt…) pero dispone de personalidad suficiente para convertirse en un buen disco en sí mismo, dejando atrás las referencias e influencias mencionadas.

Tame Impala – Innerspeaker (2010)

“Psychedelic music typically references an out-of-body experience. Dungen are masters of the genre, so were Cream and The Beatles, and all of these bands will certainly creep up as Innerspeaker massages your sense of hearing. Hell, even vocalist/guitarist Kevin Parker’s voice sounds so naturally close to John Lennon. But there’s more being explored here beyond the band’s peers, hallucinogenic panning and weed references. Themes of love and loss, crawling away from it and second-guessing the decisions that underlie break-ups are all laid out on the table.
“Everything you ever told me could have been a lie, we may never have been in love.” That’s the opening line from the syncopated and swift space-jam “Expectation“. Parker’s woes are growing tiresome as the song marches along, and even the aggressive drumming sounds like it’s pointing a finger at someone. We’ve all experienced these emotions — spending way too much time dissecting and over-analyzing the death of a relationship. But eventually we move on and use music as our escape. Tame Impala have simply created their own catchy vision of it.
Parker’s emotional sentiments are abundant from start to finish, but what lingers even more is
Tame Impala’s engulfing sound and spellbinding use of effects. Lyrics are dipped in oceans of reverb and echo, the guitar riffs are memorable with pitch-shifting octaves that at times sound like trumpets crying, and the drumming…absolutely stellar. No hazy forgetfulness or sludgy studio mixes hiding poor tonality or average songwriting. Innerspeaker flows like one giant wave — optimistic, honest and free. This is modern-day classic rock and psych rolled into one cohesive album for a new generation of kids, and parents who won’t let go of their old Clapton records.
Taken from the band’s self-titled EP, “Desire Be, Desire Go” reminds us where the band started, but our introduction to these youngsters from Perth, Australia really begins with the following track “Alter Ego“. It’s the moment where Tame Impala leave Earth and introduce Innerspeaker’s signature multi-octave guitar leads. “Why Won’t You Make Up Your Mind” and the seven-minute trip “Runway, Houses, City, Clouds” both offer even more captivating examples by trading fuzzed out blues scales in favor of lazer-guided melodies. And finally, there’s the mind-blowing single “Solitude is Bliss”. Set against shuffling drums and swirling guitar chords, Parker’s delivery is consistently casual until that soaring chorus line hits, “You will never come close to how I feel”. It’s the most compelling moment on the entire album.
Formulas are often thought of as a crutch in music, but it can also set a template that educates and inspires us to dig deeper into an artist’s work. When you first listen to Innerspeaker it’s going to feel indulgent and formulaic at times. But ignore the stereotypes that psychedelic music can evoke and focus on the brilliant drumming and guitar solo work on “Expectation” or the simple fuzz-rock melodies on “Lucidity“. This is a band that directs your attention to the classics yet always sounds as if they’re moving into the future”
(
aquariumdrunkard.com)

MySpace / Cómpralo-Get it

27 mayo, 2010 Posted by | Tame Impala | 2 comentarios

Ed Wood Lovers: Lesiones cerebrales (2010), Autoproducido

 

Ed Wood Lovers es un dúo formado por Santi Pérez y José E. Atiénzar, apasionados de las maquinitas, los juguetes electrónicos, el Techno y el Futurismo y, sobre todo, del Electro-Indie. Esta pasión se demuestra en sus maquetas y en esta última en particular: Lesiones cerebrales, una autoproducción que bien podría pasar por ser todo un disco, debido a su gran calidad técnica, su producción y su sonido. Lo cierto es que partiendo de una “falsa” modestia, Lesiones cerebrales se erige como un gran disco en sí mismo, con grandes composiciones: Fuegos artificiales, Monstruo, Nunca llevo suelto, DC, Tantos colores… Temas todos ellos del mejor Electro-Indie, en la mejor tradición de Parade, Meteosat, Family o Magnetic Fields; con textos que rayan desde el surrealismo (Monstruo) hasta el costumbrismo más brutal (Nunca llevo suelto), en casi todos ellos empleando un fino sentido del humor. Once caramelos que, además, la banda regala para su descarga gratuita desde su Bandcamp.

Ed Wood Lovers – Lesiones cerebrales (2010)

“Aunque ya lleváis varios años editando demos y tocando aquí y allá, ¿qué diríais para presentaros ante alguien que no os haya oido aún? ¿Cómo fue la adaptación a este mundo, teniendo en cuenta la distancia recorrida?
Santi: Que nos escuche sin prejuicios y que esperamos que disfrute con nuestra música tanto como nosotros haciéndola. Todo lleva su tiempo pero poco a poco vas aprendiendo y mejorando, y eso es lo importante.
Sastre: Le diría que nos oiga, o al menos que lo intente (risas).
Acabáis de lanzar de forma totalmente independiente la maqueta de nombre “Lesiones Cerebrales”, ¿cómo está siendo la acogida entre el público? Y de la crítica, ¿habéis recibido comentarios positivos?
EWL: A la gente le está gustando, así como a diferentes medios. Cada persona o crítico señala cosas diferentes de las canciones o hace énfasis en diferentes cortes, lo cual creemos que es muy positivo, parece que todo el mundo encuentra cosas que le gustan en “Lesiones Cerebrales”. En cuanto a la crítica en sí, se está hablando de la maqueta bastante y eso ya es significativo de que está calando, ya que a estos niveles no existen críticas malas, sino simplemente la indiferencia hacia lo que haces.
Muchas veces la música y las letras no tienen una explicación lógica, son una especie de expresión del subconsciente, pero ¿qué os impulsa a escribir canciones como “Monstruo” o “Nunca Llevo Suelto”? ¿Escribís letras autobiográficas o es todo pura invención?
Santi: En mi caso no son autobiográficas en el sentido de que no cuentan algo que literalmente me haya pasado, pero si algo que está en mi interior y que en cierto momento me apetece expresar, o intento ponerme en el lugar de otro y ver cómo reaccionaría. Es una ejercicio interesante y particularmente divertido. ¿Qué haría yo en este caso? Es un buen punto de partida para escribir una canción.
Sastre: En el fondo es una necesidad escribir sobre las cosas que te interesan, como estirparte un cáncer que te atormenta.
El disco, aunque tiene una continuidad muy buena, muestra bastante variedad estilística, ¿a quién podriáis nombrar como una influencia clara? ¿Creéis que la música escuchada durante la preparación del álbum ha condicionado su sonido?
Santi: Una de las cosas más complicadas de lanzar un trabajo largo es que conseguir que la gente no se aburra y que la canciones suenen todas iguales, creo que lo hemos conseguido. Lo bueno de Ed Wood Lovers es que los dos tenemos influencias un poco distintas y eso enriquece el conjunto. Lo que oyes mientras grabas o produces invariablemente te condiciona, de una forma u otra, aunque en “Lesiones Cerebrales” habitan una gama de sonidos tan amplia que las canciones son mezclas heterogéneas. Es un sonido nuestro.
Sastre: Al principio de la grabación estaba obsesionado con el sonido de Casiotone For The Painfully Alone pero a partir de ahí…
Os presentastéis a los Levi’s Unfamous Music Awards y habéis resultado finalistas, ¿os parecía posible llegar hasta ahí? ¿Qué significa para vosotros este reconocimiento?
EWL: Es un gran privilegio que escuchen tu trabajo y piensen que mereces estar entre los primeros de muchas bandas, da muchas fuerzas para seguir trabajando duro.
Demostrando tener los pies en el suelo, insistís en que “Lesiones Cerebrales” es una maqueta, pero su calidad está a la altura de muchos lanzamientos. ¿Supuso mucho esfuerzo conseguir una producción tan cuidada? ¿Habéis trabajado mucho sobre los temas hasta dar con el resultado deseado?
Santi: Le hemos puesto muchas horas a la producción, mezcla, etc. de la maqueta, siempre buscando un acabado lo mejor posible sin perder frescura y consiguiendo el sonido deseado. Pero la verdad es que depende mucho de los temas, algunos salieron prácticamente rodados y en otros hubo que rehacer cosas sobre la marcha, según se nos ocurrían ciertas ideas.
Sastre: Eso sin contar el tiempo en que estás pensando en la producción aunque no estés delante de la mesa de mezclas.
Aunque no suele ser habitual, si tuvieráis que elegir un single para promocionar esta demo, ¿cuál sería? ¿Tenéis planeado grabar algún vídeo?
Santi: Yo elegiría “Monstruo”, es un tema con mucha fuerza, una letra que me gusta y un ritmo muy marcado, entra a la primera. Sí, tenemos un par de proyecto de videoclip que esperemos sacar hacia delante en breve.
Sastre: También “Monstruo”.
Continuando con la pregunta anterior y sabiendo que no siempre es lo mismo, ¿qué canción de “Lesiones Cerebrales” es la más especial para vosotros?
Santi: Para mí “Fuegos artificiales”, es la que más me gusta y consigue lo que quiere con poco artificio, aunque sea una ironía…
Sastre: “Nunca llevo suelto”, creo que es una canción redonda y es aún más sencilla, con una letra irónica y profunda.
Decidme un disco imprescindible para vosotros, ese que parece el centro de vuestra vida musical.
Santi: A mí me gusta especialmente el “OK Computer” de Radiohead, me parece complejo y cojonudo al 100%.
Sastre: “69 Love Songs” de Magnetic Fields es la Biblia.
Se acerca el verano y la temporada buena de conciertos, ¿cómo tenéis de llena la agenda para estos meses que vienen? ¿Esperáis poder cerrar muchas fechas e, incluso, algún festival?
EWL: De momento sólo tenemos cerrado el 26 de Junio en Barcelona, pero estamos tenemos 3 o 4 proyectos para tocar que esperemos que cuajen. Lo de los festivales es difícil sin estar editado, así que vamos a ir paso a paso.
Hasta aquí mis preguntas, llega el momento de vuestro mensaje hacía los lectores.
Santi: Yo sólo quiero que todos disfruten del solecito, ahora que parece que ya ha llegado, si puede ser escuchándonos a nosotros (risas).
Sastre: Que intenten ser felices, con o sin nuestras canciones”
(Entrevista concedida al blog
Desde el altavoz)

MySpace / Descarga gratuita-Free Download


25 mayo, 2010 Posted by | Ed Wood Lovers | Deja un comentario

Cover´s game: Hello little girl (The Beatles, Gerry and The Pacemakers, The Fourmost)

Estaba claro que para este fin de semana le íbamos a dedicar nuestro juego de las versiones a este tema de Lennon-McCartney al que tanto juego le dieron en la factoría del Mersey-Beat, ya que lo versionearon The Fourmost y Gerry and The Pacemakers, cuando The Beatles lo habían rechazado desde los tiempos de Decca.

23 mayo, 2010 Posted by | Gerry and The Pacemakers, The Beatles | Deja un comentario

The Fourmost: Hello little girl (1964)

 

Tras el post del fin de semana pasado he pensado que quizás se quedaba algo a medias nuestra visión sobre el cuarteto de Liverpool The Fourmost, ya que ofrecimos su único Lp, pero no sus principales éxitos, entre ellos los covers de The Beatles. Y el más conocido es Hello little girl, una animosa canción en clave de Mersey-Beat que Lennon y McCartney decidieron no utilizar en ninguno de sus dos primeros discos. Brian Epstein las usó para que The Fourmost obtuvieran uno de sus primeros éxitos. Algo parecido ocurrió con I´m in Love, otro precioso tema que el cuarteto adaptó perfectamente a su estilo de ejecución. El single les catapultó hasta el número seis de los charts. El disco lo completan Just in case y Respectable, una versión de The Isley Brothers que se parece como una gota de agua a otra al Shout!, de los mismos compositores y con la que los Fab Four solían cerrar sus actuaciones de su primera época. Después vino el Lp First and Fourmost (1965), ya reseñado la semana pasada, y posteriormente una carrera com muchos más oscuros que claros. Por cierto, y para ser honestos, el link lo he tomado de un interesante blogs donde aparecen infinidad de Ep´s de los sesenta, llamado McLuhan´s Garden (thanks!).

The Fourmost – Hello little girl (1964)

“The Fourmost’s fortunes took a sharp turn upward in 1963 when they were given the nod by Brian Epstein and became a part of his stable of Liverpool-based acts. Their bookings improved and they were signed to EMI‘s Parlophone label, where they were recorded by George Martin. The band also got access to a pair of LennonMcCartney originals (“Hello Little Girl,” “I’m in Love”) that got them noticed, and they peaked in April of 1964 with the single “A Little Lovin’,” which got to number six in England. Unfortunately, none of the Fourmost were songwriters, and this left them at the mercy of outside inspiration and outside sources for songs, which quickly dried up as dozens of rival bands started covering the same material.
They also looked a bit stiff on-stage and on television, which was a problem as the bands around them got bolder in their presentations. Additionally, like a lot of early Liverpool acts, the Fourmost were oriented toward music careers that left room for cabaret-style humor, believing — as had been the case before
the Beatles — that a band eventually branched out from straight-ahead rock & roll. Their music included a fair lacing of comedy tracks amid perfectly respectable covers of numbers like “The ‘In’ Crowd” and “Some Kind of Wonderful.” Once the music around them began maturing in a different direction, into more advanced forms of rock & roll rather than toward pop, they found themselves on the outside looking in — in 1965, while the Beatles were taking the first steps into the druggy ambience and the diverse folk and Indian sounds that would spice their second flourishing, and the Rolling Stones were shaking up the airwaves with “Satisfaction,” the Fourmost were covering “Why Do Fools Fall in Love” (a great song, to be sure, but not exactly aiming high in ambition). With a few breaks and more focus, they might have been a somewhat more pop-oriented equivalent to the Action, but it wasn’t to be.
The group never charted a single after the spring of 1964, despite an attempt in the summer of the 1966 to piggyback once more on
the Beatles‘ work with a cover of “Here, There and Everywhere.” The death of Mike Millward from leukemia in 1966 doomed the band’s prospects, although Paul McCartney was still throwing some help their way as late as 1969. By then, they were fixtures on the cabaret circuit, and long since forgotten by most of the public” (allmusic.com)

22 mayo, 2010 Posted by | The Fourmost | Deja un comentario

Tender Trap: Girls with guns (Single, Fortuna Pop!, 2010)

 

Tras un prolongado lapsus de tiempo, el proyecto de Amelia Fletcher Tender Trap vuelve a tomar carrerilla y prepara un nuevo disco. Como aperitivo, el sello británico Fortuna Pop! nos regala este single, Girls with guns, para descarga gratuita y disfrute generalizado de todos los amantes del Twee-Pop, en este caso, revigorizado y con energías guitarreras. Un animoso tema de venganzas que acompañamos además de un divertido vídeo. Como sabéis, la trayectoria de Amelia Fletcher ha estado salpicada de momentos memorables en bandas como Heavenly, Marine Research o Talulah Gosh. Para esta  nueva andadura del grupo, ha contado con la colaboración de Elizabeth Morris (Hello Darlin´), Katrina Dixon (Police Cat) y su inseparable Rob Pursey (Heavenly, Marine Research).

Tender Trap – Girls with guns (2010)

“Fresh from their upcoming long player, “Girls With Guns” demonstrates the newly propulsive, harmony-heavy edge that Tender Trap have acquired with the addition of Elizabeth Morris of Allo Darlin’ (fuzzy guitar) and Katrina Dixon (stand-up drums). It’s a riot-grrrl-esque tale of sisterhood and revenge that wouldn’t be out of place among the punkest moments of Amelia Fletcher’s previous outfits. While guitars and drums rush by in a blur, Amelia and her new girl crew swear a cold-hearted vengeance on the unreliable and untrustworthy menfolk of the town.
In other Trap news US indiepop fans will be able to catch them live at this year’s New York Popfest on May 21st alongside Allo Darlin’, as well as in at Pilam in Philadelphia on May 22nd. UK fans have a chance to see them before then, when they support The Dum Dum Girls at The Luminaire in London on May 13th, with further shows in the pipeline in July to coincide with the release of their third album “Dansette, Dansette”
(
fortunapop.com)

MySpace / Descarga gratuita – Free download

21 mayo, 2010 Posted by | Tender Trap | Deja un comentario

Serena Maneesh: No.2 Abyss in B minor (2010)

 

Como les ocurre a la mayoría de los émulos del Shoegaze que toman como punto de referencia a My Bloody Valentine y su Loveless, a Serena Maneesh se les compara constantemente con éstos. La referencia es innegable, pero este S.M. No.2: Abyss in B minor tiene componentes más que sobrados para emerger como un buen disco en sí mismo, dejando atrás las necesarias comparaciones con MBV. Es innegable que Loveless era una obra maestra, pero todos estos parientes más o menos próximos tienen su punto de originalidad y de frescura que aportar a un género que continúa estando más que vivo. Serena Maneesh afirman que han grabado su disco en una cueva, en un ambiente más distendido -según sus palabras- que el del estudio. Ésto puede ser cierto, y así se explican temas como Melody for Jaana, o Magdalena (Symphony#8), la suite-noise que cierra el disco. Entre medias nos encontramos con auténticos pildorazos del mejor Shoegaze/Noise-Pop regados con infinidad de ruidos, pianos, vibráfonos, flautas y demás artefactos que crean preciosas atmósferas-noise (Blow yr brains in the morning rain, Diwswttd, Reprobate) y las que son dos de las mejores piezas Shoegaze de los últimos tiempos: la egregia Aisha Abyss, que es una tremenda composición de cerca de ocho minutos donde cabe de casi todo: Noise, Experimentación, Free-Jazz al más puro estilo XTRMNTR de Primal Scream; y el single I just want to see your face, tremendo tema en la mejor onda MBV, y en el fondo canción de amor -volvemos siempre a los orígenes-, en el que la voz de Hilma surge altiva como la dama del lago. Disco que lleva algo en el mercado y que no ha acaparado demasiadas buenas críticas en algunos medios, aunque ya estamos en The JangleBox para llevar la contraria y afirmar que este Abismo en Sí menor es uno de los mejores discos de Shoegaze de los últimos tiempos, y como tal va derecho a nuestra columna de favoritos.

Serena Maneesh – No.2 Abyss in B minor (2010)

“This time around, Serena-Maneesh face down the Loveless challenge more directly and bravely than any of their neo-shoegaze peers. While most effects-pedal new jacks are content to let their guitar whoosh enhance their diffuse hooks, Serena-Maneesh use noise and pop against each other, staging an internal war in every single track. The band does write hooks, but those hooks have to claw their way through layers of wriggling noise to reach sunlight. To get to track two, album-highlight and single “I Just Want to See Your Face”, you have to make it through “Ayisha Abyss”, a seven-minute instrumental motorik dirge caked in crackly, inscrutable shards of walkie-talkie chatter. And you’d think “Face”, a three-minute love song, would prove a lot friendlier, but no, not really. Even there, everything seems to be fighting everything else, as staticy half-formed guitar riffs push against each other, and the melody, while pretty, never quite resolves. Serena-Maneesh make your ears work.
More often than not, they reward that work. There’s nearly as much XTRMNTR-era Primal Scream here as there is MBV. It’s fun just to hear the way they orchestrate all the chaos on a song like “Honeyjinx”, where, at any given moment, you’ll hear quasi-medieval flute-tootles, windchimes, narcotized vocals, and gigantically misanthropic doom-metal riffage. On the album-closing “Magdalena (Symphony #8)”, acoustic guitars and rippling bongos sweeten the mood but can’t pierce the thick, viscous coat of synthetic drone that slathers everything.
But the problem with any album that invites this many comparisons to Loveless is simply that it’s not Loveless. As on that album, the songs feel like they’re whirling so far into the stratosphere that they might fly apart any second. But the basic melodies on Loveless were strong enough to carry the burden of the effects, and the same can’t always be said about Serena-Maneesh. Like Primal Scream, they rely a little too much on seething cool when any sort of deeper feeling would go a long way. Elvira Nikolaisen’s vocals may have a certain mysterious, icy beauty, but it’s not the kind that hints at big things going on beneath the surface. Meanwhile, when her frontman brother Emil sings, he doesn’t even have the icy-beauty thing to fall back on. So it’s easy to admire the roiling conviction that makes the album go, but it’s a lot harder to love the actual songs that that conviction yields”
(
pitchfork.com)

MySpace / Cómpralo-Get it

20 mayo, 2010 Posted by | Serena Maneesh | Deja un comentario

Galactus: Agallas (2010)

Galactus son una banda que se mueve entre Barcelona y Mallorca. Son algo así como la encarnación en España de los valores indies que gentes como Teenage Fanclub o The Shins se empeñan en dispersar por todo el orbe musical. Su madurez compositiva (Ya no tengo edad) les lleva a un tipo de canción intemporal que les emparenta con bandas como las mencionadas o Wilco, Jayhawks, Weezer… Un conglomerado de influencias que pasan desde la Americana al Power-Pop o el Indie, les conduce a un tipo de temas que están entre los medios tiempos (Galactus song, Señor arquitecto, Nada de ti...), y el Indie más enérgico (Agallas, Menudo nivel, Kick the can, El tiempo nunca va hacia atrás, Salomón), siempre con esa huella indeleble de las melodías perfectas, el gusto por el detalle, por los coros de aire retro, y por un tono en sus letras que van desde la honestidad más sincera (Galactus song), al lirismo (Sr. Arquitecto, Agallas, Nada de ti); pasando por el costumbrismo (Ya no tengo edad), o la cotidianeidad más mundana (El tiempo nunca va hacia atrás). Un grupo para disfrutar de la música de la misma forma que hacemos con bandas como Teenage Fanclub: con la honestidad por bandera y el amor por la melodía como arma más efectiva en sus temas y en sus actuaciones en directo. Agallas lo puedes conseguir por un precio de risa en iTunes, CDBaby, buscando en su MySpace y, como no, en cualquiera de sus conciertos.

Galactus – Kick the can (Descarga gratuita)

MySpace / FaceBook / iTunes / CdBaby

19 mayo, 2010 Posted by | Galactus | Deja un comentario

The Sadies: Darker circles (2010)

The Sadies transitan ya por su noveno álbum de estudio (amén de colaboraciones, etc.). Ésto no quiere decir que sean una banda que haya bajado su nivel creativo, si no más bien al contrario; The Sadies son un grupo que ha madurado más que convenientemente, como ese tipo de bandas que el tiempo les ha dejado un poso de sabiduría y de buen hacer que hacen que cada una de sus canciones se disfrute como una obra maestra. Darker circles (2010), su último trabajo, incide en el camino abierto por New Seasons (2007), convirtiéndose en un disco algo más oscuro, reflexivo y maduro. Dándole una vuelta más de tuerca a las fijaciones sonoras de la banda: El Country, la Psicodelia, el Garaje y el Folk, The Sadies han configurado un disco atemporal que aunque no llega al nivel creativo y sonoro de su predecesor, crea un universo equilibrado entre todos esos elementos que mencionábamos anteriormente y les da forma a una colección de canciones que recrea con mimo y atención escrupulosa todas esas influencias: Postcards, Whispering circles, Another year again, Idle tomorrow, Cut corners, Choosing to fly, Violet and Jeffrey Lee (deudora absoluta de la adaptación de The Byrds, John Riley), Ten more songs… Como leeréis en la crónica de su MySpace, su espíritu está más cercano al Younger than yesterday que al de Sweetheart of The Rodeo, pero su forma de tocar está tan cercana a la de los Byrds de su segunda época, por su virtuosismo, que si podéis verlos en vivo, no os arrepentiréis de compartir escenario con una de las bandas más intensas de los últimos tiempos. 

The Sadies – Darker circles (2010)

“Bands get worse over time; it’s an immutable law. Not THE SADIES. After a dozen years and eight (or is it nine?) albums (excluding their collaborations with Andre Williams, Neko Case et al.) The Sadies just get better and better. And with Darker Circles they’ve made their strongest and most fully realized work to date. It’s tempting to write that the band has ‘matured’, but in rockcritspeak that’s usually code for ‘old, tired and boring’—which they are not. The Sadies can still out-sing, out-pick and out-rock anyone out there, but there’s a new depth to their songwriting now, a process they began to perfect on 2007’s New Seasons but which has blossomed here in spectacular fashion. As the title suggests, Darker Circles is a more somber, soul searching affair than its predecessor. There’s a haunting, spiritual quality to songs like Kut Corners, Tell Her What I Said, Whispering Circles and The Quiet One; ghosts of regret and lost love reverberate softly between the vocals and guitars or “drift like whispers that echo in your mind.” Even when the band rocks out, like on the fuzz-drenched garage-psych opener, Another Year Again, the lyrics wrestle with themes of failure, rejection and mortality. In the past The Sadies have been pigeonholed as country-rock—or worse, alt-country—a lazy label that fails to do them justice. While there’s no arguing that country music runs in their blood, they’ve always been closer in spirit to Younger Than Yesterday than Sweetheart Of The Rodeo—just check out Postcards or Violet and Jeffrey Lee. In other words, country is just one element of an increasingly unique and distinctive Sadies sound that draws on a range of influences from garage, folk-rock and psychedelia, to Link Wray and Ennio Morricone. On Darker Circles all these elements come together perfectly to create a record that feels like a real album in the classic sense of the word. In an age where art, music and culture are usually instantly disposable, The Sadies have accomplished that most rare of feats—they’ve created something timeless” (MySpace)

MySpace / Cómpralo-Get it

18 mayo, 2010 Posted by | The Sadies | 1 comentario

Sasha: Mix Podcast Spring 2010

El magazine Playground nos ha cedido gentilmente su permiso para publicar el Podcast que el afamado Dj Sasha va a publicar esta primavera, permitiéndonos concederle un espacio a la música electrónica; y como aperitivo a su actuación en el Sonar este mes de Junio. La sesión la puedes descargar gratuitamente desde aquí, tan sólo dejando tu dirección de E-mail.

Si esto fuera la antigua Roma, el general Sasha llevaría siempre tras de sí a un soldado veterano e impasible que, ciñéndole la corona de laurel en la frente, le susurraría al oído cada vez que la multitud se exaltara y le jaleara los méritos aquello de “memento mori”, o sea, “recuerda que eres mortal”. Hay veces en que la tentación de escribir la palabra dios al lado de su nombre es demasiado fuerte, y más de una vez hemos sucumbido a la debilidad de la hipérbole: pocos DJs en el mundo pueden igualar el currículum de Sasha, pocos hay que se hayan mantenido en primera fila internacional durante casi 20 años ininterrumpidos, y pocos hay con el instinto infalible, ese olfato canino para seleccionar la música que él pincha, la que hace volar a clubes enteros. Sasha significa viaje, aventura; significa una experiencia casi extracorporal: cualquier fan lo sabe porque lo ha vivido en alguna ocasión.


El momento actual de Sasha como DJ es dulce: mantiene un estatus de celebridad en un mapa del clubbing que ya no es tan exigente ni estresante para quienes ocupan las altas esferas como lo era hace diez años. Se puede ser underground –es decir, pinchar música de perfil más bajo, sin necesidad de echar mano de hits ni galopadas in crescendo, conservando el predominio en la mezcla de white labels y nuevos mp3 salidos de los estudios de productores noveles– sin perder carisma ni diluirse entre una superpoblación de artistas. Sasha ha conseguido que su luz de superestrella no palidezca ante el desgaste de los años y, de paso, renovar su sonido –con la base en un house refulgente, de tempo lento, cargado de melodías infinitesimales, percusión porosa y algunas gotas de acid house en la mezcla, para darle sabor como la sal y el aceite a una buena ensalada–, y así adaptarlo a los tiempos en curso. Se mueve con los tiempos.

La sesión que os ofrece Playground en la primera entrega de una serie de podcasts que comienza justo ahora es el “Spring 2010 Live Mix” de Sasha, un artefacto promocional que el artista nos ha cedido para su difusión en exclusiva –y a modo de aperitivo de su sesión en Sónar Galicia, el 18 de junio–. Por ahora, sólo lo puedes escuchar y descargar aquí. Inmerso en una larga gira por Asia, Sasha no ha podido atender a nuestro cuestionario –con suerte, confiamos en contar con sus palabras en algún momento próximo–, pero sí ha tenido la gentileza de cedernos sesenta minutos de su magia para que la disfrutéis y voléis con ella. Una suave montaña rusa progresiva marca de la casa que, como las antiguas mixtapes de la época dorada de la música rave, no incluye tracklist. ¿Quién lo necesita? Que la música, y no las palabras, sea la que hable.

Próximamente en Sónar. Consigue aquí tus entradas.

PG Podcast 001 . Sasha . Spring 2010 live mix.mp3

17 mayo, 2010 Posted by | Sasha | Deja un comentario

Cover´s game: Girls girls girls; The Fourmost, Elvis Presley

El cover´s game de hoy está dedicado a un clásico de Leiber/Stoller que versionearon The Fourmost y Elvis Presley en la película del mismo nombre.

16 mayo, 2010 Posted by | Elvis Presley, The Fourmost | Deja un comentario

The Fourmost: First and Fourmost (1965)

 

Continuando con esta Mini-Serie que estamos dedicando muchos fines de semana alternos a las bandas que acompañaron a The Beatles en el nacimiento del sonido Mersey, esta semana le toca el turno a The Fourmost, un combo más que solvente que también perteneció al grupo de bandas que eran representadas por el gran Brian Epstein, lo cual era sinónimo de éxito, ya que también les produjo George Martin, estuvieron en la nómina de la discográfica de The Beatles e igualmente también contaron con algún minor hit del dúo Lennon-McCartney (Hello little girl, I´m in love). Curiosamente, en este disco no aparecen ni estos singles, ni sus primeros éxitos (A little lovin), ya que como sabéis, en la época se estilaban mucho los singles y los Ep´s, en los que las bandas publicaban sus mayores éxitos y muchas de ellas casi ni llegaban a publicar discos grandes (Otro fin de semana le dedicaremos tiempo a este apartado). The Fourmost sí que lo hicieron, este First and Fourmost, un buen disco en sí mismo, con el inconveniente de que casi supuso su canto del cisne en cuanto a Lp´s, porque The Fourmost no eran una banda de compositores, y su evolución fue absolutamente mucho más lenta que la de muchas de sus bandas coetáneas. El disco, con todo, suena como un tiro, y tiene una serie de temas que no deberían dejarse de escuchar, como Till you say you´ll be mine, un perfecto tema Pop con arreglos de guitarra de doce cuerdas a la altura de The Beatles o The Searchers, y una perfecta estructura y melodía. Por cierto, las melodías vocales de The Fourmost así como su destreza instrumental eran igualmente destacables. Girls girls girls es otro de los buenos temas de este disco, un tema en línea más humorística, como su versión del Yakety Yak, también de The Coasters. So fine es otro tema en línea absolutamente afín al Mersey-Beat, un Rythm´n´Blues semejante al Mercy, versioneado por The Rolling Stones. La versión de The girl can´t help it de Little Richard es absolutamente demoledora, con una sección de vientos semejante a la de The Dave Clark Five. The in crowd tiene unos arreglos de metal souleros absolutamente adelantados a su tiempo. Y para mi opinión la mejor canción del disco es la que menos tiene que ver con su estilo, el cover de Sure to fall (in love with you) de Carl Perkins, con un aire Country absolutamente norteamericano, con un fiddle incluido que es una absoluta delicia. Un disco que, definitivamente, no desmerece en nada a muchos de sus coetáneos y que, sin embargo, supuso el declive de una banda que anduvo en funcionamiento durante toda la década y que finalmente derivó hacia la música de cabaret pese a la manilla que Paul McCartney les intentó echar a finales de la década.

The Fourmost – First and Fourmost (1965)

“Anyone thinking of buying this CD should be warned — none of the band’s singles except for the silly “Girls Girls Girls” are represented on this, their only album. But having said that, and also warning potential listeners of the presence of two near-embarrassing novelty-comedy tracks, “Girls Girls Girls” and “Baby Sittin’ Boogie,” this reviewer has to say that this is a good album. The Fourmost were better than most of the other Liverpool bands of the period at mixing a good, hard guitar attack with pleasing harmonies and some pleasing lead lines on the breaks. Moreover, this album gave them a chance to preserve some of the harder rock numbers that they’d been building their reputation on for years. So their cover of “My Block” is a perfectly respectable piece of Merseybeat-style rock & roll (lead vocal by Billy Hatton), even with the faux-Spanish feel to the guitar break, and they do a credible midtempo rock job on “Some Kind of Wonderful.” “Till You Say You’ll Be Mine” features one of the better acoustic and electric 12-string guitar arrangements of the period this side of the Beatles or the Searchers. And they rock out loud and hard on “The Girl Can’t Help It” and “Heebie Jeebies,” a pair of Little Richard classics, just to show their harder side; they’re not afraid to cover Etta James (“Something’s Got a Hold On Me”), either. The 1998 reissue of this album features the mono and stereo mixes of each song. Both are a treat, the mono versions hard and punchy, while the stereo versions allow one to appreciate the dual guitars and the harmonies” (allmusic.com)

The Fourmost-Wikipedia

15 mayo, 2010 Posted by | The Fourmost | 1 comentario

Modern Rivals: Modern rivals (Ep, 2010), Autoproducido

En uno de nuestros ires y venires por los innumerables blogs de descargas o de información nos hemos topado con este combo neoyorquino que ofrecen su Ep de debut en descarga gratuita. Ésto ya de por sí es un buen aliciente, pero si le sumamos que la música de estos Rivales Modernos es bastante interesante, pues miel sobre hojuelas. Su música es algo así como un Indie-Powerpop, una especie de mezcla entre Telekinesis! y Los Campesinos o The Rentals y Mascot Fight. Pop enérgico y vitaminado que entra bastante bien a las pocas escuchas. Ya sabéis, una nueva referencia a tener en cuenta!!

Modern Rivals – Modern rivals (Ep, 2010)

MySpace / Facebook / Descarga gratuita – Free download

6 mayo, 2010 Posted by | Modern Rivals | Deja un comentario

The Metric Mile: Since April left me (Single, 2010), Holiday Records

 

The Metric Mile es un dúo de Brooklyn formado por Patrick Smith y Jeff Ciprioni que factura un Electro-Indie muy resultón (The Metric Mile make pop music out of guitars, keyboards, drum machines and anxiety…) Sus influencias son obvias: Magnetic Fields, New Order, Joy Division, Slowdive, The Pastels… pero en estas dos canciones que puedes descargar gratuitamente desde su Bandcamp nos tienden un lazo hacia la melodía que es difícil de resistir con facilidad, especialmente en el tema que da título, Since april left me, que tiene unas bases y unos teclados irresistibles. En su Bandcamp ofrecen igualmente buena parte de su discografía también en descarga gratuita. A disfrutarlos!!

The Metric Mile – Since April left me (7″, 2010)

MySpace / Web / Descarga gratuita – Free download


5 mayo, 2010 Posted by | The Metric Mile | Deja un comentario

Cocoroise: Lemonade (2010), SubPop

Para hoy un regalito que SubPop ha querido compartir con todos nosotros, un single de adelanto del dúo de origen francés Cocoroise, quienes editan su segundo álbum este próximo 11 de Mayo, y que ya anda filtrado por la red. Para disfrutar de  su música, (una suerte de Pop épico algo pomposete que recuerda algunos trazos del sonido Bristol), de forma legal, sólo tienes que pinchar aquí. Por cierto, Cocoroise actuarán en Barcelona, en el Primavera Sound, el 28 de Mayo; en Madrid el 31 de Mayo y en La Coruña el próximo 1 de Junio.

Cocoroise – Lemonade (Single, 2010)

MySpace / Descarga gratuita-Free download

5 mayo, 2010 Posted by | Cocoroise | Deja un comentario

Barbo: Matagigantes (2010), Autoproducido

Barbo no es sólamente es nombre de un pez. Desde hace poco se denomina también al proyecto de Juan y Juanjo, dos supervivientes que han plantado cara al desánimo y se han liado la manta a la cabeza autorproduciéndose este disco, Matagigantes, con el que pretenden, además de resurgir de sus cenizas, y a bases de Saltos de Fe, intentar hacerse un huequín en este globalizado mundo de la música. Parten de bases programadas, y tienen algo que ver con el sonido electrónico, pero su música no es electrónica, más bien bebe de las fuentes más sagradas del Indie (Pixies, Radiohead, Flaming Lips) o the otras nuevas bandas (Strokes, The Killers, Interpol…) Un disco que, pese a ser de debut, rebosa madurez y buen hacer por todos sus poros, encasillando a casi todas sus composiciones en un canos de poco más de tres minutos, a la mejor manera de hacer Pop de toda la vida.

Barbo – Matagigantes (2010)

“La marca Barbo es todavía a día de hoy una novedad para la mayor parte de los que puedan leer este escrito, pero no es este para ellos ni mucho menos el primer proyecto musical en el que se embarcan. Ellos provienen y renacen de las cenizas de una banda que antaño agonizó hasta la disolución o, mejor dicho, agonizó hasta dar forma precisamente a Barbo, esto es, los restos del naufragio. Ellos son un dúo, Juan y Juanjo, que se resistió a creer que su vocación musical debía morir con su proyecto anterior. Hemos de decirlo, de la tenacidad y ambición de una pareja que sobrevive al desfallecimiento de una banda y decide reedificar desde cero un nuevo sueño, solamente puede nacer algo hecho con el corazón. Este es sin duda el caso de esta banda: nuevo nombre, nuevo disco, nuevo sueño. Para darnos cuenta de que Barbo no es un grupo amateur no es necesario en absoluto que recurramos a su biografía, sino que eso es algo que salta a la vista tan pronto como nos echamos los auriculares a los oídos. ¿Por qué? Porque “Matagigantes” es un disco plenamente coherente de la primera a la última canción. Porque “Matagigantes” es un disco en el que las canciones se empacan y contienen en cápsulas de tres minutos a las que no les falta ni sobra nada. Porque “Matagigantes” es un disco en el que no parece haber divergencia alguna entre la intención y la realidad. Y finalmente porque “Matagigantes” es un disco autoproducido a un nivel que no sería propio de una banda que acaba de empezar. Es evidente, a mi modo de ver, que lo que buscaba este grupo con este repertorio era crear temas que, en virtud de su brevedad e intensidad, fueran directos y fácilmente digeribles. Esta intención queda patente nada más empieza el disco con “Segmento alpha”, una canción que arranca con un ritmo trepidante y una voz reverberada que nos grita y agita como si estuviéramos en los albores de alguna revuelta estudiantil. Hablamos de canciones pop, ya lo hemos dicho, cuyas melodías se desgranan a través de una voz viva, casi urgente y de registro tenor que en castellano nos canta letras que a menudo hablan con cierta rabia de la soledad, el rechazo al mundo y la consecuente y activa necesidad de huida. Por debajo casi siempre nos las vemos con ritmos disco que son prácticamente lo único, junto con la fuerte presencia de la voz y junto con una producción más bien clara, limpia y poco o nada garage, lo único, decíamos, que nos impide catalogarlos como un grupo de rock alternativo de los 90. Y es que más allá de ese toque electrónico que la batería y su sonoridad le dan al disco, es inevitable reconocer que la base de sus canciones son esas guitarras arpegiadas, quebradas y melódicas propias del noise pop de ese antecedente del indie noventero como son los Pixies. Creo que no me equivoco si digo que es prácticamente imposible escuchar a Barbo y no pensar aunque sólo sea por un momento en el célebre y mitiquísimo arpegio de guitarra del “Where is my mind”. No nos consta, al menos por el momento, que “Matagigantes” tenga algo así como un single. Pero si hemos de escoger alguno sin duda señalaríamos el que es, seguramente no por casualidad, el tercer corte del disco, “Curas de naranja”, una canción cuyo valor melódico reside no solamente en su estribillo sino también en sus estrofas y coros, con el añadido de que al valor melódico hemos sumarle el valor emocional generado por el ligeramente tardío encaje de las notas de acompañamiento instrumental con una voz sostenida en alto que nos habla de alas de playa en el final del estribillo. El segundo single sería según dicta mi gusto el tema “El día es nuestro”, otra canción melódica y emocionalmente destacable sobre todo en lo que a su estribillo se refiere. Pero más allá de las asperezas que pueden ir puliendo, Barbo cuenta, además de con un par de hits, con un repertorio digno cuya intensidad e inmediatez puede acabar, por qué no, matando o por lo menos desbancando a algún que otro gigante dormido” (MySpace)

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4 mayo, 2010 Posted by | Barbo | Deja un comentario

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