Headlights: Wildlife (2009), Polyvinyl Records
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Intimistas, poéticos, acústicos, poperos… cualquiera de estas etiquetas valdría para encuadrar la música y el sonido de este combo norteamericano de Illinois, poco amante, sin embargo, de utilizarlas. A medio caballo entre el Pop-Folk y el Pop con reminiscencias ambientales, a lo Fanfarlo, el tercer álbum de la banda sí que está dominado por una nota en común: el intimismo (Wiscosin beaches, We are all animals), y los medios tiempos con ambientes acústicos ambientados por una tenue red de sonidos de teclados que hacen de este disco, como ellos mismos reconocen, una perfecta transición del verano al otoño, una bonita reflexión sobre las relaciones humanas, no sólo las amorosas. Los juegos de voces chica-chico son también otra de las constantes positivas durante todo el disco (Teenage wonder, Slow down town). Las canciones que más nos han agradado son aquellas más animadas, en los que la banda saca a relucir su influencia más Dream-Pop: Telephones, precioso tema en el que podríamos confundir su sonoridad con la de grupos de los países nórdicos, tal es la belleza de su sonido, sencillo y vagamente aderezado por algunos teclados. You and eye y Dead ends presentan semejante sonido, aquí con unos medios tiempos (ritmo en el que mejor se maneja el grupo adornados por un sonido más ambient). Get going tiene un aura algo más feliz, veraniega y soleada, y podría encajar, por ejemplo, en Songs from Northern Britain de Teenage Fanclub. El sonido se vuelve más taciturno para entonar Love song for Buddy, especie de nana adornada con tecladitos a lo Velvet: Gran tema. Y la que es para quien escribe, la mejor canción del álbum: I don´t mind at all, el corte más animoso de la colección y en la que aparecen las guitarras más mordientes -su solo es sumamente parecido al de alguno de Yo la Tengo-, arropado por un ritmo muy machacón. Disco, en definitiva, para disfrutar con calma, melancólico, pensativo e intimista, del que nos gusta más su primera parte, pero en cualquier caso, perfecto para disfrutarlo en una tarde otoñal como las que se avecinan.
“The first track on Headlights’ newest album is called “Telephones”, but there are a half-dozen other songs on Wildlife that could’ve feasibly been titled the same. Phones are all over the indie pop band’s third full-length effort: they ring with no one to answer them; calls are short and only reinforce the distance, both literal and emotional, between yourself and the ones you love. The telephone serves as the great motif and most pernicious tool in reinforcing the album’s overriding theme, which is how frail, fraught, and difficult to maintain the connections are between family, lovers, and friends.
You may be thinking this synopsis sounds pretty heady for an indie-pop record, especially coming from a band that rather guilelessly trumpets itself as “Indie Rock for People Who Love Pop” on its web site, and that made its biggest splash to date with a politely infectious single called “Cherry Tulips”. It’s actually quite easy to listen to Wildlife as a breezily low-key indie pop record if that’s what you’d prefer, though that short-sells the group’s admirable conceptual accomplishments. Musically, the album is largely loose-limbed and friendly, from the ringing, melodic guitar lines of “Telephones” to the easy sun-kissed vibes of “Get Going” to the almost cheekily hollow trashcan drumbeats of “Love Song for Buddy”. “I Don’t Mind at All” approximates the tense propulsion of Broken Social Scene, but that’s about as sonically pensive as it gets. Even the group’s purposefully moody musical bum trips are mostly too benign to really sting, and the album’s generally undemonstrative character makes it ripe for an ignorable listen assuming you’re not feeling inclined to really dig beneath its placidly shimmering surfaces.
So Wildlife isn’t exactly bursting at the seams with earworms, but it’s a worthy achievement for taking a poignant, powerful emotional state and carrying its thread for 42 minutes. The band’s bio admits Wildlife was a difficult album to make, the recording process marked by a near-total scrapping of material at one point as well as the eventual departure of guitarist John Owen. It seems this tumultuous experience– along with other, unspecified personal hardships– deeply affected the outlooks of songwriting principals Tristan Wraight and Erin Fein. More than anything, emphasis seems to be placed on how difficult it is to maintain friendships throughout the passage of time– maybe it’s something as simple as the fact that you’re “so far from home” (“Telephones”), or maybe your friends are physically close, but are just “too busy growing old” (“Dead Ends”). Fein in particular tries desperately to break through, pratically breathless in her desire on “Secrets” to know another’s darkest moments and deepest agonies. By the end of Wildlife, it’s almost as if the effort of trying to connect and understand has left everyone emotionally exhausted– without wallowing in nostalgia, the closing “Slow Down Town” muses on “Easier times/ When your friends were around/ And they called you on the weekend/ And you knew where all the people hung out.” If you’ve stayed with Headlights this long, chances are when the record ends you yourself will be grabbing a phone and making a call, and hoping you don’t get sent to voice mail” (pitchfork.com)
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“The first track on Headlights’ newest album is called “Telephones”, but there are a half-dozen other songs on Wildlife that could’ve feasibly been titled the same. Phones are all over the indie pop band’s third full-length effort: they ring with no one to answer them; calls are short and only reinforce the distance, both literal and emotional, between yourself and the ones you love. The telephone serves as the great motif and most pernicious tool in reinforcing the album’s overriding theme, which is how frail, fraught, and difficult to maintain the connections are between family, lovers, and friends.
You may be thinking this synopsis sounds pretty heady for an indie-pop record, especially coming from a band that rather guilelessly trumpets itself as “Indie Rock for People Who Love Pop” on its web site, and that made its biggest splash to date with a politely infectious single called “Cherry Tulips”. It’s actually quite easy to listen to Wildlife as a breezily low-key indie pop record if that’s what you’d prefer, though that short-sells the group’s admirable conceptual accomplishments. Musically, the album is largely loose-limbed and friendly, from the ringing, melodic guitar lines of “Telephones” to the easy sun-kissed vibes of “Get Going” to the almost cheekily hollow trashcan drumbeats of “Love Song for Buddy”. “I Don’t Mind at All” approximates the tense propulsion of Broken Social Scene, but that’s about as sonically pensive as it gets. Even the group’s purposefully moody musical bum trips are mostly too benign to really sting, and the album’s generally undemonstrative character makes it ripe for an ignorable listen assuming you’re not feeling inclined to really dig beneath its placidly shimmering surfaces.
So Wildlife isn’t exactly bursting at the seams with earworms, but it’s a worthy achievement for taking a poignant, powerful emotional state and carrying its thread for 42 minutes. The band’s bio admits Wildlife was a difficult album to make, the recording process marked by a near-total scrapping of material at one point as well as the eventual departure of guitarist John Owen. It seems this tumultuous experience– along with other, unspecified personal hardships– deeply affected the outlooks of songwriting principals Tristan Wraight and Erin Fein. More than anything, emphasis seems to be placed on how difficult it is to maintain friendships throughout the passage of time– maybe it’s something as simple as the fact that you’re “so far from home” (“Telephones”), or maybe your friends are physically close, but are just “too busy growing old” (“Dead Ends”). Fein in particular tries desperately to break through, pratically breathless in her desire on “Secrets” to know another’s darkest moments and deepest agonies. By the end of Wildlife, it’s almost as if the effort of trying to connect and understand has left everyone emotionally exhausted– without wallowing in nostalgia, the closing “Slow Down Town” muses on “Easier times/ When your friends were around/ And they called you on the weekend/ And you knew where all the people hung out.” If you’ve stayed with Headlights this long, chances are when the record ends you yourself will be grabbing a phone and making a call, and hoping you don’t get sent to voice mail” (pitchfork.com)
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Universo MySpace: Free-State
Lo bueno de tener un espacio en internet es la facilidad de intercomunicación que existe hoy en día con cualquier persona que tenga una mínima inquietud cultural o musical. Está al alcance de un sencillo click que podamos degustar online los temas de una banda que recién comienza o de un músico ya establecido. Podemos visualizar su imagen pinchando en su sección de Fotos o comprobar si tiene algún vídeo. ¿Os acordáis de los tiempos de Radio·3 cuando todos nosotros grabábamos cassettes? Una de las herramientas que ha contribuido a todo este cambio es MySpace, un portal absolutamente vital para cualquier banda que comience o que ya esté establecida. La forma más sencilla y barata de mantener un espacio abierto a cualquier internauta de cualquier lugar del planeta. Y si además se tiene un espacio como The JangleBox, donde gustamos de deleitarnos en oír y saborear más o menos detenidamente cada plato musical que os presentamos, pues el resultado es esta sección que hoy comenzamos y que intentaremos mantener actualizada cada mes con vuestras aportaciones, que dicho sea de paso, cada día son más. Lógicamente, pretendemos que éstas sean cada día más numerosas, y aprovecho para abrir el espacio a cualquier grupo/artista que esté interesado en que su música aparezca por nuestro blog. La línea editorial de The JangleBox ya sabéis cuál es, sólo echándole un vistazo a los posts diarios os hacéis una idea. Podéis mandar vuestras links o colaboraciones a este correo: john.riley2@hotmail.com (que es el mismo que aparece en la columna de la derecha del Blog)Toda esta parrafada viene a colación de presentar este Universo MySpace, donde intentaremos descubrir bandas que tengan algo que decirnos a nosotros y a todos vosotros. Oficialmente la inauguramos hoy con esta banda británica llamada Free-State (con guión para no confundirnos con otra banda australiana de mismo nombre). El combo lleva desde 2007 luchando por hacerse con un pequeño hueco en la escena musical británica pateándose de gira en gira numerosos escenarios. Tienen abiertas una serie de páginas MySpace por diversos países europeos y os diré que navegan sutilmente entre sonidos más o menos indies pero con cierta tendencia a acercarse al Rock-Adulto en forma de baladas y medios tiempos que sinceramente no creo que sea el material más adecuado para su repertorio. Si por algo los hemos traído aquí (además de su gentil invitación a oírlos y comentarlos) es porque en su MySpace aparecen tres temas que son absolutamente recomendables y que sí merecen la pena aparecer en cualquier single cualquier día de estos. De hecho la banda ya está finalizando sus primeras grabaciones. The Dream es el título de uno de estos temas que nos han gustado: Gran canción que destila influencia de The Charlatans por todos sus poros, hábilmente combinada por unas frases y un solo de guitarra ejecutada de forma precisa. El sonido que aparece en su MySpace es el de una maqueta, y éso le añade un componente de energía y rotundidad que nos ha sorprendido gratamente. El otro gran tema que aparece en la colección es I want you, otra maqueta aún más cruda que la anterior, y otro tema de tendencia más rockista y enérgica, de nuevo con otros teclados la mar de resultones y un trabajo de guitarra más que competente. Para acabar, Sunshine valley es otra canción que combina la frescura de la Americana con el Pop más británico. Insisto en que si ésta es la corriente que van a seguir sus trabajos, les auguramos un futuro al menos prometedor. Sinceramente, la tendencia de los medios tiempos y las baladas tienen más cabida en gentes como Coldplay, y éso ya está más que trillado.
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MySpace-España
The Scotland Yard Gospell Choir: And the horse you rode in on (2009), Bloodshot Records
Si he de ser sincero os diré que me interesé por este grupo porque el nombre me hizo mucha gracia. Bueno, éso y porque leí las etiquetas que aparecían en el post de algún blog y leí Indie, Pop, Alternative, Twee. No conocía de nada a este grupo de Chicago, pero la descripción no podía ser más acertada. Yo acaso añadiría algún rasgo de Pop-Folk (Something´s happening, Ogilvie station), al estilo de muchas bandas escocesas o de Gales, que es de donde provienen las raíces de Elia Einhorn, líder de SYGC, y con cuyos sonidos podríamos confundirlos perfectamente y pensar que aquél es su origen. El concepto sonoro lo tenemos más o menos claro, ahora nos interesaría su concepto lírico, y es que los textos de Elia tienen mucho de literario y costumbrista, algo semejante al concepto de la música que tienen The Shins. Por lo demás, su voz tiene un deje tremendamente parecido al de Jarvis Cocker, con quien seguramente podrías confundirlo si no te explican previamente de quién se trata; pero es que además muchas de sus canciones comparten un parecido más que razonable, tanto por su tratamiento sonoro como por la forma de cantar o su temática (Stop!, One night stand, I pretend she´s you, Hope is still on your side, Libertybille or somewhere). Demasiados parecidos para nuestro gusto, que nos quedamos con otros temas en los que no aparece la voz de Elia sino la de Mary Ralph: Sixteen is too young y Praying is a heartache. La primera es un medio tiempo precioso acústico con acompañamiento de violines y teclados y con una línea de bajo que nos recuerda a los tiempos del primer Lou Reed en solitario. La segunda es otra belleza de tema, de aires acústicos y folkies, acompañados de cellos y violines y cantada a dúo. Hay que decir que los últimos cortes también suponen un cierto cambio en el rumbo del disco, derivando hacia un hedonismo más descarado (And the horse you rode in on, Tear down the opera house), particularmente este último parece enteramente sacado del repertorio de The Housemartins.Disco de variados registros, desde el más intimista hasta el más popero y costumbrista o al descaradamente divertido, en el que seguro que podrás encontrar algún tema que te guste si eres buen aficinado al Pop.
Por cierto, a finales de septiembre la banda sufrió un desgraciado accidente de furgoneta en el que la mayoría de sus miembros salieron con heridas de cierta gravedad. Sabido es cómo funciona el sistema sanitario y los seguros médicos en Estados Unidos, por lo que el grupo está seriamente necesitado de ayuda económica para poder sufragar los gastos médicos y materiales. El día 30 tiene lugar en su Chicago natal un concierto de ayuda, y también puedes colaborar con un Paypal leyendo aquí.
“Chicago-based chamber pop collective The Scotland Yard Gospel Choir aren’t your typical debauched rock stars reveling in a pastiche of self-destructive clichés. Leading a band that’s shared the stage with both the Arcade Fire and Ira Glass, Spoon and Dave Eggers, it’s clear that lead singer, guitarist, and keyboard player Elia and his scrappy group are comfortable straddling the divide between the debased rock ‘n’ roll world and the high-minded literati. As it turns out, both shoes fit. Not content with merely performing with some of the most notable names in independent music, the band has explored their connections with the literary and theatrical worlds, performing with Eggers, DeRogatis, This American Life’s Glass, author Joe Meno, and Saturday Night Live regular Fred Armisen.
With Welsh-born Elia as the ringleader, The Scotland Yard Gospel Choir is a free-spirited collective of musical visionaries who turn out exuberant and rough-hewn chamber pop. Among the talent that performs and/or records with the Choir includes core players like bassist and recording engineer Mark Yoshizumi, guitarist and vocalist Mary Ralph, drummer Jay Santana, violin player Ethan Adelsman, keyboardist Alison Hinderliter (Le Concorde), and a brass section made up of Sam Johnson (Mucca Pazza, Hawk & a Hacksaw) and Matt Priest (Canasta). The extended Scotland Yard family is comprised of a who’s-who of the Chicago underground music community, boasting the likes of cellist / vocalist Ellen O’Hayer (Bright Eyes); Sally Timms, Nora O’Connor and Kelly Hogan, who sing backup on the self-titled album; and Nate Walcott (Bright Eyes, Rilo Kiley), and Brett Whitacre (Th’ Legendary Shack Shakers).
In a few short years, The Scotland Yard Gospel Choir has become one of the Chicago indie music scene’s best-kept secrets, with Chicago Sun-Times critic Jim DeRogatis opining upon “Jennie That Cries,” the single from the band’s debut i bet you say that to all the boys, “[is] a beautiful, lulling single, with special emphasis on the gorgeous vocals.” The band’s music has served as a backdrop to many television shows, including The OC, What About Brian and the movie Special, and their self-released debut received attention from Time Out NY, Billboard, and Popmatters” (bloodshotrecords.com)
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Cómpralo/Get it
Jesu: Opiate sun (Ep, 2009), Caldo Verde
Ayer se editaba este Ep de cuatro canciones de Jesu, quienes habían presentado igualmente este verano su tercer larga duración, Infinity (Hydra Head, 2009). El Ep se edita, sin embargo, en otro sello, Caldo Verde, y es un disco que ha visto pospuesta su edición en varias ocasiones. En cualquier caso, aquí está esta nueva entrega de la banda de Justin Broadrick, líder carismático del grupo y responsable máximo de su sonido, al igual que lo fue de Godflesh. Su sonido es una oscura mezcla de Post-Rock, toques de experimentación, trallazos guitarreros que en ocasiones tienen que ver con el Post-Metal, el Drone, el Grunge, y por qué no, algunos rasgos de Shoegaze. Una mezcla un tanto heterogénea, pero que tiene su punto de belleza. Si he de ser sinciero, os diré que no me atrae demasiado el producto, pues considero que es un trago demasiado sosegado y meditabundo, pero como en The JangleBox tiene que caber casi de todo, pues os lo presento. Sus cuatro temas son cuatro piezas calmadas y sosegadas, de ambientes más bien oscuros en los que predominan su alto contenido emocional expresado principalmente por las guitarras y en los que aparece un cierto acercamiento a un sentimiento algo más popero, especialmente en Deflated. Comprobadlo vosotros mismos.“With bands like the Angelic Process, Alcest, and now Phil Elverum (aka Mount Eerie), a whole new world has opened up for heavy music, large in part because of Jesu mastermind Justin Broadrick’s tireless effort to not settle for the conventional sounds of metal. The effort has become to make this loud, abrasive music become melodic and sentimental—something Jesu’s latest track, “Deflated” is somewhat the pinnacle of. Its drop-tuned doom riffage is buried into a swarm of melodic guitar melodies and quite possibly one of the best vocal performances of Broadrick’s career. The track builds beautifully behind slightly atonal sustained chords into a stoner shoegaze haze while Broadrick chants, “You give me reason.” How’s that for hardcore.
Oddly enough, it somehow makes sense that Opiate Sun, the EP on which this track is contained, will be released on Caldo Verde Records, Red House Painters/Sun Kil Moon songsmith Mark Kozelek’s imprint. Hands down, this is the heaviest thing Kozelek has ever released (and he is doing so after being duly impressed by a Jesu show in 2007), but he is no stranger to spastic guitar passages –- something he experimented with earlier in his career. Opiate Sun is due out October 27th, and info on what formats it will be released on is TBD” (popmatters.com)
“Broadrick also announced that a new EP, titled Opiate Sun, would be released in July, 2009. The EP had originally been mentioned in 2008 but a title and official release date had yet to be announced. This four song EP will be the first studio recording to include the lineup of Justin Broadrick, Dave Cochrane and Phil Petrocelli. This lineup is featured on two of the four tracks, with the classic lineup of Broadrick, Parsons and Dalton performing the other two tracks. Opiate Sun has since been rescheduled for October 27, 2009, and will be released on Mark Kozelek’s record label Caldo Verde. The Daymare edition of the album will be released on November 6, 2009 in Japan and will include a “demo” version of one of the four songs as a bonus track” (wikipedia.org)
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Cómpralo/Get it
The Big Pink: A brief history of love (2009)
A medio camino entre el puro hype y el ambiente más cool dentro de la escena Electro-Rock, entre el Pop-Electrónico y el Glam-Noise, aparece -apareció más bien, a mediados del mes pasado- este A brief history of love(4AD, 2009). Personalmente, una vez oído el disco, no sé que pensar realmente. Últimamente las dudas que nos asaltan cada vez que oímos algún producto británico, que suenan a ser “los nuevos…” nos entra bastante resquemor, pues ya sabemos cómo se las gastan por esas latitudes en cuanto que un nuevo fenómeno hace su aparición. Lo cierto es que The Big Pink tienen algunos temas que no están nada mal, pero en otros, su nivel baja tanto, que da que pensar. En este disco, ocurre ésto. El dúo formado por Robbie Furze y Milo Cordell ha facturado un disco un tanto irregular, que toma elementos de aquí y de allí: electrónica y sintetizadores se fusionan con guitarras más que afiladas (Count backwards from ten), incluso con ambientes shoegazers (Crystal visions). Son los momentos más excitantes del disco, esos temas que realmente impresionan al fusionar esos elementos, Electrónica y Noise. Crystal visions es el mejor exponente. Una especie de cruce entre Black Rebel Motorcycle Club y New Order. Gran tema en el que la intensidad Noise llega al punto álgido al final del mismo. En Too young to love, la mezcla ya se decanta algo más por el lado de la electrónica, algo así como lo que realizó The Jesus and Mary Chain en su época Honey´s dead. El single Dominos, ya conocido previamente, toma claramente el lado electrónico como el predominante en su sonido. Y la verdad que es un tema muy apañado, a mí personalmente me recuerdan los sonidos de EMF, a principios de los noventa. A partir de aquí, personalmente, sólo salvo Tonight, divertido tema Electro-Pop. Por lo demás, demasiados clichés ochenteros (Love in vain, At war with the sun); concesiones incluso Glam (Velvet, Frisk), que lo que consiguen es acercarles al peor sonido de Kasabian (como leí en Don´t eat the yellow snow, y no puedo estar más de acuerdo). Demasiada irregularidad para un solo disco que navega un tanto erráticamente entre fuentes diversas pero que no logra retener la verdadera esencia de alguna de ellas. Por cierto, si le das un giro a la chica de la portada, te puedes encontrar con la portada de Logos, de Atlas Sound, sospechosamente parecida.“Not everyone was interested in following OK Computer’s example of using electronic music for texture so much as another avenue towards anthems, and tracks such as “Bittersweet Symphony”, “Pure Morning”, “All You Good Good People”, and, yes, “D’You Know What I Mean” proved a natural fit between massive, if rudimentary hip-hop beats and what might otherwise be flag-waving, stadium-filling radio smashes. And so then, the lineage continues with the Big Pink’s mighty “Dominos”– it’s such an undeniable, simple hook, and such an undeniably locomotive but lumbering beat that it steamrolls any doubt you have about the rest of it being underwritten or misogynistic.
But more promising is how in spite of the IMAX-ready sonic presence of previously released singles like “Dominos” and “Crystal Visions”, History rarely feels something other than hand-crafted. Furze and Cordell produced the album themselves, with engineering done by Rich Costey who, judging from the latest Mew and Glasvegas records, knows his way around huge. A Brief History stills sounds surprisingly nuanced in headphones– you can enjoy how the group fits an entire album’s worth of power chords into a swath of synthesizers that honor their 4AD legacy on “Dominos”, but from the anticipatory shaker that leads into the hook or the feedback-scratched bridge, repeat listens are rewarded long after they’ve been demanded. “Too Young to Love” hurtles by on momentum more than melody, its raga drone breaking up into shards of scree like a comet through the atmosphere. But almost as hypnotic is the passionate vocal performance on “Velvet”, which reveals a similar endlessly upward arc to “Fake Plastic Trees”, right down to the distorted blow-out midway through.
Though History never fails to sound elegantly wasted at any tempo, its majority goes in buffet-style on the last two decades of UK’s beat-minded rock, united by Furze’s Jason Pierce-ing sneer. “At War With the Sun” nicks Stone Roses’ jangle with nastier distortion pedals, while “Frisk” is halfway between Damon Albarn’s early forays into funk and the more silken prog of Mansun’s Attack of the Grey Lantern. Two years ago, you might’ve caught Cordell releasing early singles from Crystal Castles and Klaxons on his Merok label, so it’s not a surprise that learning on the job resulted in nu-rave wondering how it missed out on shrieking dumb fun like “Golden Pendulum” and “Tonight”.
Despite all the cavalcade of classics that A Brief History of Love conjures, my favorite comparison for these guys is actually another youthful, romantically minded British act: The xx. By “comparison,” I don’t mean “sounds like”– the two bands seem like they’re operating while diametrically opposed. Some might find the Big Pink churlish or even anti-romantic (though I’d argue they hardly spend enough time acknowledging women enough to really comment on them) compared to the restrained and unusually mature xx, who hew more comfortable notions of gender relations. “Love in Vain” tries a little tenderness, but “if you really love him, tell me that you love him again,” hints at vulnerability before “then go” turns the sentiment as cavernous as the reverb surrounding it. But while sometimes you fall for the art of seduction, there’s the part of us that want to be overwhelmed– A Brief History of Love is a study in the enormity of sound doing just that, each reverbed kick drum, phasers-on-stun guitar, and wastrel vocal refuting the idea that you need to talk about the passion to express it” (pitchfork.com)
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Monterey International Pop Festival, Part-3/9
Esta es ya la tercera entrega que desde el Retro-Visor le dedicamos al Festival Internacional de Monterrey (Monterey en inglés, con una sola erre). Como curiosidad, os diremos que el sistema de sonido empleado en él fue de lo más vanguardista que para la época se estilaba. El responsable del mismo fue el ingeniero Abe Jacob.“Also notable was the festival’s innovative sound system, designed and built by audio engineer Abe Jacob, who started his career doing live sound for San Francisco bands, and went on to become a leading sound designer for the American theatre. Jacob’s groundbreaking Monterey sound system was the progenitor of all the large-scale PA’s that followed. It was a key factor in the festival’s success and it was greatly appreciated by the artists — in the Monterey film, David Crosby can clearly be seen saying “Great sound system!” to band-mate Chris Hillman at the start of The Byrds’ performance”
Igualmente como curiosidad os diremos que en el festival se dieron a conocer los primeros sintetizadores analógicos, que partieron de los primitivos Theremin desarrollados por el ingeniero electrónico y físico Robert Moog, de ahí que ése fuera el nombre que recibieran esos primeros artilugios electrónicos, usados en seguida por gentes como Roger McGuinn en The Byrds, The Doors o The Rolling Stones.
“Electronic music pioneers Paul Beaver and Bernie Krause set up a booth at Monterey to demonstrate the new electronic music synthesizer developed by Robert Moog.[9] Beaver and Krause had bought one of Moog’s first synthesizers in 1966 and had spent a fruitless year trying to get someone in Hollywood interested in using it. Through their demonstration booth at Monterey, they gained the interest of acts including The Doors, The Byrds, The Rolling Stones, Simon & Garfunkel and others. This quickly built into a steady stream of business and the eccentric Beaver was soon one of the busiest session men in L.A., and he and Krause earned a contract with Warner Brothers”
En este tercer disco podréis disfrutar de grupos como los blueseros Butterfield Blues Band, Steve Miller Blues Band, The Electric Flag; y los inclasificables Quicksilver Messenger Service.
Disc 3 (Saturday Afternoon 17.06.1967)
BUTTERFIELD BLUES BAND
01. Look Over Yonders Wall
02. Mystery Train
03. Born In Chicago
04. Double Trouble
05. Mary Ann
06. Droppin’ Out
07. One More Headache
QUICKSILVER MESSENGER SERVICE
08. All I Ever Wanted To Do (Was To Love You)
STEVE MILLER BLUES BAND
09. Mercury Blues
THE ELECTRIC FLAG
10. Drinkin’ Wine
11. Groovin’ Is Easy
12. Night Time Is The Right Time
The Raveonettes: In and Out of Control (2009), Vice
Sensaciones algo encontradas son las que nos ha causado la escucha detenida de este último trabajo de The Raveonettes: In and Out of Control (Vice, 2009). Ante todo he de decir que la huella que nos dejaron sus Ep´s del año pasado no fue precisamente demasiado marcada, ya que se trataban de discos donde predominaba el elemento electrónico sobre el tradicional Noise-Pop del dúo danés afincado en Usa; así que nos temíamos lo peor con respecto a este disco. Pues bien, no ha habido un cambio tan radical, pero es cierto que la excelencia Noise por la que se movían The Raveonettes ha desaparecido en parte. Eso no quiere decir nada malo, pero es que a estas alturas imaginarnos a The Raveonettes con un sonido más limpio y adornado a lo Dream-Pop… no nos cuadra demasiado. La producción ha corrido a cargo de DFA y del dúo sueco Junior Senior, aunque imaginamos que el dúo habrá tenido bastante que decir. Bien, las sensaciones no son del todo malas al escuchar Bang!, el primer corte, buen tema Retro-Pop con todos los elementos clásicos del grupo: guitarrazos con muchísimo eco y efectos twang, el overdrive de la guitarra solista está algo apagado; pero esa caja de ritmos… El siguiente tema es Gone forever, otro corte donde nos encontramos de bruces con el ritmo secuenciado y programado, las guitarras siguen sin aparecer del todo distorsionadas, y aparecen arreglos de teclas. Bueno, ésta es ya la segunda canción que se despega algo del clásico sonido Raveonettes. Last dance, primer single escogido, ya no me la trago. A ver, el dúo se había labrado una reputación en base a un sonido claramente identificado: Noise, Garaje, Surf, Muro de sonido… En este tema nos encontramos con eso, pero con una “batería” que recuerda más a las pomposidades de Duran Duran que a la clásica majestuosidad Noise de The Raveonettes. Está bien buscar nuevos rastros sonoros en tu carrera musical, pero tirar por aquí no me ha resultado demasiado creíble. Así que decidido ya a abandonar cualquier crítica positiva del todo, me encuentro de bruces con Heart of Stone. Llamadme clásico si queréis, pero este es el verdadero registro que añoramos en cualquier disco de The Raveonettes: Voces susurrantes para acompañar la perfecta melodía a lo JMC, acompañado de la omnipresente guitarra twang al estilo de, por ejemplo Duane Eddy o Link Wray. Para encontrar otro tema semejante nos hemos de ir hasta Break up girls!, otro corte semejante al anterior, con sonoridades semejantes y distorsiones aunque sólo sea algo cercanas a las de Ally walk with me, de su memorable Lust lust lust (Vice, 2007).Disco, en definitiva, que según he leído por algún lado, es un intento -loable- del dúo por acercarse al lado más hedonista del Pop, abandonando algo su pose algo más seria, incluido en el aspecto de las letras. Ésto está bien, pero personalmente encuentro que lo que realmente ha bajado el dúo, quién sabe si intencionadamente, ha sido su intensidad sonora: la distorsión es mucho más apagada, muchas guitarras están en un plano más secundario; las cajas de ritmos empleadas no aportan el matiz sonoro característico del dúo. Intensidad que por ejemplo, sí encontramos en otro grupo con componente femenino en sus filas: Gliss. Bien harían Sune Rose y Sharin Foo en volver a la senda perdida.
“On a superficial level The Raveonettes’ bittersweet allure has been obtained by filtering surf guitar motifs and doo-wop standard-bearers like the Ronettes through whatever electrical machination it was that gave The Jesus and Mary Chain their brittle searing edge. Which may sound like a simplistic idea on the face of it, but these two poles have provided the Danish duo of Sune Rose Wagner and Sharin Foo with four albums of distinctive, sometimes dark, frequently beautiful vignettes.
And though they’ve been hugely accessible and often great (their previous album, Lust Lust Lust, was outstanding and certainly worthy of consideration as one of 2007’s best), In and Out of Control is the most immediate material The Raveonettes have released to date. The vast wash of reverb and static that typifies their sound is still there to a greater or lesser extent – particularly on ‘Break Up Girls’, which is the sole track that makes real concession to the side of their character that luxuriates in offensive noise – but in the main this veil has been drawn back somewhat, forcing the melodies and bones of the songs to the fore; they feel cleaner, happier, and carry less baggage to get in the way of the obvious pop sensibilities.
It is a quite subtle but very real change in focus. In tracks like ‘Bang!’, ‘Suicide’, ‘D.R.U.G.S.’ and ‘Gone Forever’ big choruses dominate and though dark and dangerous lyrical themes abound, the delivery of them is sweet, almost removed – even on the saccharine ‘Boys Who Rape (Should All Be Destroyed)’. Similarly, ‘Last Dance’ sounds like a suicide at a prom, which is conveniently what it is about, on the face of it; that, or the last in a long line of overdoses, at least, which amounts to the same thing.
These regular grabs for attention stick a little – there’s a slight impression that some of the themes have been skipped across like a flat stone dancing across a deep lake, purely for effect: Drugs? Check. Suicide? Check. Rape?…but it’s to the Raveonettes credit that the superficiality and dark hunour with which these subjects are broached is ultimately liberating. Indeed, it’s not this that causes lingering doubts so much as The Raveonettes continued dependence on a one-trick formula. They can be either more overtly poppy, or more overtly noisy but those are the long-established and hard-set parameters and as a result a stationary if well-studied repetoire of songs is ultimately mined.
That not to say that you’d have them change; they were around before a host of bands trading on similar stock, and had a fair old dose of Shoey’ in them from the start. Besides, The Raveonettes won’t change. This is their thing, their schtick. And for the most part, bending phil Spector out of shape and dragging him by his hair through a raft of distortional devices and all the while kicking the hell out of the ‘Leader of the Pack’ is a very good thing” (drownedinsound.com)
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Monterey International Pop Festival, Part-2/9
Este fin de semana vamos a dedicarle en el Retro-Visor la segunda parte de las nueve que se compone este mega-post dedicado al Monterey International Pop Festival, que iniciamos la semana pasada. Una de las características principales es que fue un escenario multicultural donde se mezclaron etnias y razas diversas, así como géneros musicales de lo más variado, desde el Pop al Folk, el Rythmn and Blues , el Rock and Roll, el Soul o el Jazz.“Almost every aspect of The Monterey International Pop Festival was a first: although the audience was predominantly white, Monterey’s bill was truly multi-cultural and crossed all musical boundaries, mixing folk, blues, jazz, soul, R&B, rock, psychedelia, pop and classical genres, boasting a line-up that put established stars like The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel and The Byrds alongside groundbreaking new acts from the UK, the USA, South Africa and India.
…Monterey Pop was a seminal event: it was the first real rock festival ever held, featuring debut performances of bands that would shape the history of rock and affect popular culture from that day forward. The County Fairgrounds in Monterey, California… had been home to folk, jazz and blues festivals for many years. But the weekend of June 16 – 18, 1967 was the first time it was used to showcase rock music”
Igualmente sirvió como rampa de lanzamiento para numerosos músicos o bandas que no eran del todo conocidas en los Estados Unidos, incluido Jimi Hendrix, quien recordemos que inició su corta pero intensa carrera musical en el Reino Unido, donde a mediados de los sesenta se produjo un verdadero resurgir del Rythmn and Blues.
“The festival launched the careers of many who played there, making some of them into stars virtually overnight. The Who and Jimi Hendrix had each already been sensations in the UK and Europe but were practically unknown in the USA. Other artists who rose to popularity following their appearances at Monterey included Janis Joplin, Laura Nyro, Canned Heat, Otis Redding, Steve Miller and Indian sitar maestro Ravi Shankar.”
En este segundo disco podrás disfrutar de las actuaciones de Canned Heat, banda pionera en mezclar Country y Blues Rural; Janis Joplin, formando aún parte de la Big Brother and the Holding Company; Country Joe and The Fish y Al Kooper.“Monterey Pop was also one of the earliest major public performances for Janis Joplin, who appeared as a member of Big Brother and The Holding Company. Joplin was seen swigging from a bottle of Southern Comfort as she gave a provocative rendition of the song “Ball ‘n’ Chain”. Columbia Records signed Big Brother and The Holding Company on the basis of their performance at Monterey.[5] “I became a supporter of feminism watching Janis Joplin at the Monterey Festival”, says John McCleary, author of The Hippie Dictionary. “A lot of people had similar experiences watching female role models with that kind of power, unafraid to express themselves sexually while demanding their rights” (wikipedia.org)
Disc 2 (Saturday Afternoon 17.06.1967)
CANNED HEAT
1. Rollin’ and Tumblin’
2. Dust My Broom
3. Bullfrog Blues
1. Rollin’ and Tumblin’
2. Dust My Broom
3. Bullfrog Blues
JANIS JOPLIN AND BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY
4. Down On Me
5. Combination Of The Two
6. Harry
7. Road Block
8. Ball And Chain
4. Down On Me
5. Combination Of The Two
6. Harry
7. Road Block
8. Ball And Chain
COUNTRY JOE & THE FISH
9. Not-So-Sweet Martha Lorraine
10. Fixin’ To Die Rag
11. Please Don’t Drop That H-Bomb
12. Section 43
9. Not-So-Sweet Martha Lorraine
10. Fixin’ To Die Rag
11. Please Don’t Drop That H-Bomb
12. Section 43
AL KOOPER
13. (I Heard Her Say) Wake Me, Shake Me
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13. (I Heard Her Say) Wake Me, Shake Me
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Grenouille: Shadows of the lagoon (Autoeditado, 2009)
Cantautor electrónico, nuevo crooner, folkie, músico en general, artista polifacético… Todo esto se puede decir de Javier Alfonso, músico canario que decidió tomar las riendas de su proyecto sonoro, Grenouille, y emigrar a Londres para desde allí dar a conocer su música a todo el orbe vía internet, básicamente (que es como ha llegado a nuestras manos, gracias Javier), y llegar a los oídos de los amantes de la música delicada, sutil y cargada de matices. Sus influencias son de lo más variadas, como hemos apuntado anteriormente, desde los clásicos (Jacques Brell, Leonard Cohen, Edith Piaf) a los más contemporáneos (Nick Cave, Jeff Buckley, Sigur Ros, Beirut…), o a músicos de cine como Nino Rota. La nómina sería demasiado prolija, pero pienso que en casi todas se toma como referencia a cantautores o músicos que como él componen y graban su material de manera casi artesanal. En su caso, ésta su primera maqueta está completamente ejecutada y grabada por él mismo, si bien se encuentra en proceso de formar una banda de músicos de apoyo para darle a su proyecto una mayor entidad sonora y más matices si cabe. Sus temas son delicadas piezas llenas de matices y sonoridades de lo más diversas (Laurel leaves, pt.1), con referencias al mundo del cine neorealista (Masquerade ball, Laurel leaves, pt.2), o al universo personal de un nuevo crooner tipo Tom Waits (Laurel leaves, pt.2; Chalk smiles). Momentos de mayor intimidad (Cysted tears, City of sirens) o con mayor intensidad (Tales of a napkin´s corpse). Por momentos se roza con el mundo de la música electrónica, pero haciéndose acompañar de instrumentos clásicos (La victoria de Bahamontes, Graphite nights). Disco, en definitiva, ameno y enriquecedor, de matices un tanto oscuros; para disfrutar de forma relajada intentando saborear todos sus registros musicales, que no son pocos. Puedes descargar el disco gratuitamente desde aquí.MySpace
The Crack Babies: Smoking at Gas Stations (2009), Odd Box Records
Siguiendo con una costumbre algo extendida últimamente, el proyecto The Crack Babies es un ente bastante desconocido. Tan sólo se sabe de ellos que bajo este nombre apareció allá por 2005 este fabuloso Ep de siete temas llamado Smoking at Gas Station en Lost Music Recordings. El proyecto estaba liderado por un músico sueco que se hace llamar H.R. Ésta es toda la información que he podido recopilar de este músico (por cierto, que existe otra banda estadounidense con el mismo nombre). Imagino que ante el aluvión de estupendas bandas Shoegaze que han poblado el panorama Indie de este curso de 2009, la pequeña discográfica Odd Box Records decidió reeditar este CD-R original, mejorándole su concepto gráfico pero respetando el sonido primigenio, absolutamente chirriante y del todo epatante. El disco, como he apuntado, es absolutamente demoledor, suena a Psychocandy por todas partes, pero, no en vano, The Jesus and Mary Chain es una de nuestras bandas favoritas de siempre y una de las referencias inevitables de casi cualquier banda con aspiraciones Indie-Noises. Os puedo decir sin reservas que es lo más parecido al primer álbum de JMC que hayamos oído en mucho tiempo, y eso que este mismo año ese honor casi se lo lleva el Over and over de los suecos The Legends o el Summer of Hate de Crocodiles. Pues a partir de ahora rectifico, ese título honorífico del disco más Noise del año se lo lleva este Smoking at Gas Stations, aunque sea una reedición, la cual, por cierto ya se ha agotado. Los siete temas del álbum compiten por hacer gala de una agradable melodía contrapunteada, cuando no solapada por un muro infernal de guitarras chirriantes acompañada por unas baterías simples pero efectivas. Vamos, las canciones por las que unos Raveonettes matarían aún hoy en día que siguen cultivando -en menor medida- el género. Shine, America, Honey believer, Come on baby cramp my style son tremendos ejemplos del Noise más bestia, con una producción un tanto precaria, pero con unas guitarras tan saturadas que os aseguro que no podréis oír el disco más de dos veces seguidas a un volumen razonable. La energía ruidosa se calma un tanto en Pretty, pero vuelve a aparecer en la animosa Turn on up the radio! Es obvio decir que las letras son casi ininteligibles -al menos para un oído hispano-. Se cierra el disco con la pseudo-surfera She´s a star, tremendo broche final para un disco que os aseguro que no os dejará indiferentes. Lo interesante ahora sería que H.R. continuara con la labor y nos deleitara con más melodías como las de Smoking at Gas Stations: Disco tremendo.“It’s 1985 in the Crack Babies world. Specifically 1985 with a copy of the Jesus and Mary Chain’s “Psychocandy” in hand. “Shine” kicks off and you are automatically absorbed by the lo-fi, feedback driven scorching sound. There is no greater homeage to the Reid brothers vision of pop music than this.” – SoundsXP
“Here is a seventeen-minute EP covering seven tracks delivered with jackhammer-like decorum. Yet, as usual, persistence pays and a careful listen beyond the surface throws up a few melodic delights like the first song ‘Shine’ – melodically a dead ringer for New Order’s ‘Ceremony’ with layers of feedback added. Other songs are reminiscent of Motown anthems unceremoniously mugged by a gang of ne’er-do-wells. All told, it’s primitive, raw yet fertile stuff.” – Leonards Lair
“Back in 2005 Lostmusic Recordings released this seven song EP titled Smoking at Gas Stations from the one man band project The Crack Babies based out of Sweden. During its initial run of very limited copies it sold out and was then offered as a free download, which amassed quite a few of those. However with the aforementioned label now gone and nowhere to download, Odd Box Records has risen to the demand after persistent requests to do another limited run of the album on CD for anyone that missed out the first time. If you’re a big fan of 80’s noise-pop, lo-fi, or just JAMC worship in general then by all means don’t miss out on it again.
The Crack Babies are very much what you think they are, incredibly blown out shoegazy noise. However, on this EP the decibels are driven even further upward landing them in the same area as fellow past limit pushers Skywave. Whether the aesthetics of the record were intentional or not (it was recorded with an extremely low budget), the results greatly work to its advantage. At times the vocals hit a high blown out yet muffled pitch that often reminds me of Scott Cortez’s work under the Astrobrite moniker. Anyway, check out the tune below” (builtonaweakspot.com)
@import url(http://skreemr.com/styles/embed.css);
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The Crack Babies – Honey Believer |
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Found at skreemr.com |
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Monterey International Pop Festival, Part-1/9
Durante los días 16, 17 y 18 de Junio de 1967 se celebró en el condado californiano de Monterrey el que para muchos fue el verdadero primer festival de Rock masivo (dos años antes que Woodstock, que ya posteamos por aquí y nos fue eliminado). Los verdaderos artífices fueron el promotor Lou Adler, John Phillips –The Mama´s and the Papa´s-, su productor, Alan Pariser y el publicista Derek Taylor -que también había trabajado para The Beatles-. Además de ser el verdadero primer concierto masivo de la historia, fue pionero por el hecho de que la mayoría de los músicos tocaron gratis, cediendo la recaudación del evento a diversas causas benéficas. Ni que decir tiene que en torno al mismo se reunió todo lo que por entonces comenzaba a conocerse como la Contra-Cultura, “los jóvenes viajaron allí a vivir un estilo de vida alternativo destinado a aumentar la libertad personal, viviendo en armonía colectiva. Esta transformación de los ideales y la vida se exploró a través de psicodelia de luz, arte, música y drogas, como marihuana y LSD. The Monterey Pop Festival se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contra-cultura y es generalmente considerado como uno de los inicios de la “Summer of Love” en 1967″. El festival resultó ser, a la postre, un éxito tanto en organización como en asistencia de público -alrededor de doscientas mil- como de organización, con el mérito que ello conllevaba dada la inexperiencia en la realización de eventos de esa índole:El promotor Lou Adler dijo al respecto:
“…Our idea for Monterey was to provide the best of everything — sound equipment, sleeping and eating accommodations, transportation — services that had never been provided for the artist before Monterey…
We set up an on-site first aid clinic, because we knew there would be a need for medical supervision and that we would encounter drug-related problems. We didn’t want people who got themselves into trouble and needed medical attention to go untreated. Nor did we want their problems to ruin or in any way disturb other people or disrupt the music…
Our security worked with the Monterey police. The local law enforcement authorities never expected to like the people they came in contact with as much as they did. They never expected the spirit of ‘Music, Love and Flowers’ to take over to the point where they’d allow themselves to be festooned with flowers” (wikipedia.org)
Pero lo que nos interesa del festival es la música, y podeos ofrecer el pack de todo el festival completo. Para ello, en el Retro-Visor inaguramos una sección que nos llevará nueve semanas, que son los discos que componen esta nueva edición del Monterey Pop Festival, que supongo que será la definitiva, porque en ella están todos los artistas que actuaron en Monterrey. Espero poder dejaros todos los enlaces y que la tarea no sea interrumpida, como ocurrió con Woodstock, del que os tenía preparados dos volúmenes hasta que el post fue eliminado. Como siempre, podéis disfrutar de los discos pinchando en su portada. Agradecimiento al blog The Ultimate Bootleg Experience (T.U.B.E.), de donde hemos tomado los enlaces.
El primer disco corresponde a actuaciones del primer día del festival, donde destacaron, como era natural, Simon and Garfunkel, y unos reformados New Animals, liderados por Eric Burdon. Junto a ellos, el guitarrista Johnny Rivers, el cantante soul Lou Rawls y los amenos The Association:
Disc 1 (Friday Evening 16.06.1967)
1. John Phillips Festival Introduction
THE ASSOCIATION
2. Along Came Mary
3. Windy
LOU RAWLS
4. Love Is A Hurtin’ Thing
5. Dead End Street
6. Tobacco Road
JOHNNY RIVERS
7. Memphis
ERIC BURDON & THE ANIMALS
8. Paint It Black
9. San Francisco Nights
10. Ginhouse Blues
11. Hey Gyp
SIMON & GARFUNKEL
12. Homeward Bound
13. At The Zoo
14. Feelin’ Groovy
15. For Emily
16. Sounds Of Silence
17. Benedictus
18. Punky’s Dilemma
The Voices: Death of a lover´s song (2009), Phase One Recordings
El tercer álbum de la formación de Gales The Voices ha servido por un lado para construir su obra más elaborada y trabajada y por otro como despedida del grupo. Éste es el adiós de una banda que no pasará a formar parte de los anales de la historia sino como un grupo más dentro del movimiento revivalista del Shoegaze que ha animado el panorama musical de estos últimos tiempos. Bueno, ya ésto no es poco, porque como hemos dicho en numerosas ocasiones, recuérdese si no todos los posts de la semana pasada, estamos absolutamente encantados de que los muros de sonido, las distorsiones y los teclados etéreos vuelvan a inundar los reproductores. The Voices son -eran- una banda más bien de distorsiones que de sintetizadores o teclados; Shoegaze a la europea, como he leído por algún lado. Buena banda, supongo que en el directo serían la caña, porque su dominio de los instrumentos es notable, y ello se refleja en las sesiones de grabación que componen este Death of a lover´s song, que si bien no es un disco sobresaliente, sí que tiene grandes momentos que en nada tienen que envidiar a los grandes dentro del movimiento. Comienza el álbum con una intro extendida que tiene mucho de Kraut: The Set up, tema en el que ya se reflejan los sonidos por donde se va a desarrollar el resto del disco. Silver Queen comienza con introducción muy Noise para irse diluyendo en una melodía con disonantes. Algo parecido a lo que ocurre en Black lights, gran ejemplo del mejor Shoegaze guitarrero, con las inevitables referencias a Mi Valentín Sangriento, gurús del movimiento donde los haya. Savant es tema oscuro, con cierta huella sonora de grupos industriales mezclado con desarrollos Noise: Curiosa. Flames vs. the seventh art, ++0, When the black sun seats son temas que tienen un halo de oscuridad semejante, arropados por una gruesa capa de distorsión y ruido. Ésta última tiene un aire sonoro que nos recuerda al primer álbum de Black Rebel Motorcycle Club. Pero es a partir de aquí cuando el disco sufre un cierto hiato creativo, los temas son más largos, con amplios desarrollos instrumentales, como en el caso de La Guerra, West coast united o Untitled, la influencia sonora más reconocible es la de Damon & Naomi o Magic Hour, particularmente por esos extensos solos de acordes distorsionados; y el ritmo del álbum se resiente notablemente. Tan sólo con Arivistes, una especie de pequeña suite a lo Sonic Youth, éste se recupera. En cualquier caso, buen disco, altamente recomendado para absolutos seguidores del Shoegaze más cerebral y acaso algo más oscuro que gusten de estas épicas historias hipnóticas.“Whilst all has seemed eerily quiet and calm on The Voices front, a series of one off incendiary shows and long studio sessions has finally helped mould and complete the third album in the bands career. However with 10 tracks completed and demoed The Voices scrapped this material in order to alienate themselves from their previous efforts. Without undoing the steps they have taken to help become a modern shoegaze band (The Voices are deeply proud of these roots) the trio decided to rework and reproduce their most intriguing album so far, and the first collaboration between the band and Phase One recordings. The album has been produced and engineered by The Voices with CS Munday in control. The band have finally let the listener take a few steps towards their hearts and minds, all be it on their own terms – vocals and lyrics becoming far more prominent, rhythms and drums taking a lead through the bands epic storm of feedback, noise and destruction. Death of a Lover’s song is The Voices producing pop songs -an album to be listened to from start to finish. With no time to catch a breath, every song leads on from the last and contains its place in what will surely become a modern day classic to turn to in your moments of need” (tonevendor.com)
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Cómpralo/Get it
Atlas Sound: Logos (2009), Kranky
Escribir de nuevo sobre otro lanzamiento de Bradford Cox, vía Deerhunter, vía Atlas Sound, o de sus compañeros de banda (Lotus Plaza) comienza a ser algo casi monótono, ya que sus lanzamientos son casi constantes (el MySpace de Atlas Sound está desactualizado); pero lo cierto es que su música sigue dando nuevas muestras de frescura y de buen hacer. Lo cierto es que Cox para este 2009 tenía sólo preparado este disco de Atlas Sound, ya que el Ep de Deerhunter fue algo así como una filtración masiva, pero lo cierto es que ambos son discos sobresalientes, fruto del ingenio compositor de este nuevo Beck, por lo que de inquietud sonora y compositora se refiere. Este segundo álbum de Atlas Sound es un disco con el que nos pasa lo mismo que con otros buenos discos: conforme vuelves a escucharlo se descubren nuevos matices sonoros, vas apreciando temas que con anterioridad habías dejado pasar. Comienza este Logos con una introducción sonora instrumental neo-psicodélica titulada The lights that failed, aviso sobre con lo que vamos a encontrarnos durante el resto de la obra: Psicodelia a raudales, Experimentación más o menos puntual (sin pasarse demasiado), Electrónica, Lo-Fi, y sobre todo Pop de alto quilataje. An orchid es algo así como Bubblegum-Psicodélico, una especie de cruce entre The Monkees y Syd Barret, si es que este maridaje pudiera llevarse a cabo. En la cabeza de Bradford parece que sí. Walkabout es un impresionante tema con una introducción preciosa que desemboca en una canción en la que se ha utilizado un sampler de algún tema creo que de Panda Bear, mezclando elementos del género más Pop/Bubblegum con la idea de la experimentación con la que Cox se maneja. Impresionante tema que cuenta con la colaboración de Noah Lennox. Criminals es algo más tradicional, y en su sonido encuentro ecos del Dylan de mediados de los sesenta, con guitarrazos eléctricos algo desvahídos y con una distorsión básica; lógicamente puesto al día bajo el prisma de Atlas Sound. Attic lights es un tema más kraut, más reiterativo y cercano a una onda más experimental tipo Animal Collective, con quienes Cox compartió gira y fue allí donde compuso varios de los temas de este disco, éste probablemente sería uno de ellos. En esa misma onda algo más alejada del Pop tradicional se encuentran también Kid klimax, canción con influencia del Pop electrónico y Logos, que da título al disco y que además lo cierra. Quick canal es también otra muestra del Pop electrónico al que Cox se apunta con extrema naturalidad, contando en esta ocasión con la colaboración vocal de Laetitia Sadier, quien homenajea de esta forma a su banda Stereolab, influencia confesa de Bradford, construyendo un tema que se construye de forma lineal en claro crescendo añadiéndole instrumentación, en la línea del grupo de Sadier (en la entrevista que acompaño, Cox afirma que el tema iba a durar unos quince minutos). Washington school es un tema de Pop-Etéreo, con claro sedimento psicodélico que podría pasar por cualquiera de los discos que se van apuntando al carro del nuevo Shoegaze surgido en estos últimos meses. Para finalizar con este repaso de Logos, los dos temas que más me recuerdan a Deerhunter: My Halo, corte de Dream-Pop igualmente en crescendo; y la genial Shelia, la canción más poppie del disco, tema que no tendría nada que envidiar al mejor repertorio del Lou Barlow de los noventa, perfecta conjunción de armonía y guitarras precisas. Durante este tema, y durate todo el disco, parece que Bradford Cox parte de influencias sonoras más o menos clásicas exprimiéndolas y llevándolas a las últimas consecuencias (Walkabout, Shelia, An orchid, Quick canal…), imprimiéndoles su característico sello Lo-Fi/Experimental (el disco está grabado casi en su totalidad con primeras tomas), construyendo canciones y discos que pueden resultar ser apuntes del Pop del futuro, bien bajo la etiqueta de Atlas Sound como con la de Deerhunter. Imprescindible del año. Por cierto, dada la calidad sonora del álbum, no estaría de más que cuidaran algo más la estética de la portada.
“Outside of all those free downloads and EPs, Atlas Sound is following Let the Blind Lead Those Who Can See But Cannot Feel with the second proper full-length Logos. According to a note from Cox written on July 4th, the 11-track collection’s more in the spirit of Microcastle than his past Atlas Sound work.
My last album was a bedroom laptop type thing. Very introverted. Logos is an album that was recorded all over the world. It’s not about me. There are collaborations with other musicians. The lyrics are not autobiographical. The view is a lot more panoramic and less close-up. I became bored with introspection. This was also the case Deerhunter’s Microcastle LP, which was written during the same period.
He continues, including a mention of past leaks, Logos’ compositional process, and background info on how Noah Lennox and Stereolab’s Laetitia Sadier ended up contributing.
I started recording December of 2007. I recorded the first version of the album, which was not intended for release. Due to some unfortunate mistakes on my part, this “sketch” of the album was leaked. Many of the songs where simply “placeholders,” songs I created quickly to help design the “arc” of the album.
I did not react well to the leak, in retrospect. It became the kind of internet-fueled drama that I was quickly learning to despise. I had always desired to speak through music, not blog posts and interviews, etc. I considered abandoning the project.
I toured for a period in Europe with Animal Collective, whose band dynamic was very inspirational to be around. On the bus, we often played improvised iPod games. We would take turns formulating a theme or unifying concept and then play three songs. The goal would be for everyone to try and figure out the theme. During one of these games, someone played “What Am I Going to Do” by the Dovers. I was amazed at the hook – a weird organ thing with drums and electric bass. I mentioned to Noah that someone should really sample that riff. He agreed and he taught me a little about sampling and matching up beats. This ended up as the collaborative effort “Walkabout.”
Each song on the album has a similar story. That might be my favorite thing about the album. It’s a collection of songs. There is no “filler.” There are little scrapbook details everywhere. Sasha Vine [of Sian Alice Group] provided a double-tracked improvised violin part to “Attic Lights” which was recorded backstage at a Deerhunter/Sian Alice Group show in Brighton. It might be my favorite moment of the album. I played it for some younger friends of mine. They cringed. They wanted more songs like “Walkabout.” Something with a big beat. I told them when they get older they will appreciate things like harmonicas and violins more.
Laetitia from Stereolab, who I idolized as a teenager and would later befriend on tour, contributed words and vocals to “Quick Canal.” The song was originally about 15 minutes long. I had zero ideas for vocals and asked if she could give it a shot. Andy Ramsay [Drummer for Stereolab] took a dub of the original and recorded Laetitia’s vocals at his press play studio in London. It was quite a treat to hear the finished product, now at an economical 9 minutes.
Almost everything you hear on the album is a first take. This makes it almost like a “live album” where a band sets up in a studio and just rolls tape. There are songs on here I don’t even remember recording” (stereogum.com)
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“Outside of all those free downloads and EPs, Atlas Sound is following Let the Blind Lead Those Who Can See But Cannot Feel with the second proper full-length Logos. According to a note from Cox written on July 4th, the 11-track collection’s more in the spirit of Microcastle than his past Atlas Sound work.My last album was a bedroom laptop type thing. Very introverted. Logos is an album that was recorded all over the world. It’s not about me. There are collaborations with other musicians. The lyrics are not autobiographical. The view is a lot more panoramic and less close-up. I became bored with introspection. This was also the case Deerhunter’s Microcastle LP, which was written during the same period.
He continues, including a mention of past leaks, Logos’ compositional process, and background info on how Noah Lennox and Stereolab’s Laetitia Sadier ended up contributing.
I started recording December of 2007. I recorded the first version of the album, which was not intended for release. Due to some unfortunate mistakes on my part, this “sketch” of the album was leaked. Many of the songs where simply “placeholders,” songs I created quickly to help design the “arc” of the album.
I did not react well to the leak, in retrospect. It became the kind of internet-fueled drama that I was quickly learning to despise. I had always desired to speak through music, not blog posts and interviews, etc. I considered abandoning the project.
I toured for a period in Europe with Animal Collective, whose band dynamic was very inspirational to be around. On the bus, we often played improvised iPod games. We would take turns formulating a theme or unifying concept and then play three songs. The goal would be for everyone to try and figure out the theme. During one of these games, someone played “What Am I Going to Do” by the Dovers. I was amazed at the hook – a weird organ thing with drums and electric bass. I mentioned to Noah that someone should really sample that riff. He agreed and he taught me a little about sampling and matching up beats. This ended up as the collaborative effort “Walkabout.”
Each song on the album has a similar story. That might be my favorite thing about the album. It’s a collection of songs. There is no “filler.” There are little scrapbook details everywhere. Sasha Vine [of Sian Alice Group] provided a double-tracked improvised violin part to “Attic Lights” which was recorded backstage at a Deerhunter/Sian Alice Group show in Brighton. It might be my favorite moment of the album. I played it for some younger friends of mine. They cringed. They wanted more songs like “Walkabout.” Something with a big beat. I told them when they get older they will appreciate things like harmonicas and violins more.
Laetitia from Stereolab, who I idolized as a teenager and would later befriend on tour, contributed words and vocals to “Quick Canal.” The song was originally about 15 minutes long. I had zero ideas for vocals and asked if she could give it a shot. Andy Ramsay [Drummer for Stereolab] took a dub of the original and recorded Laetitia’s vocals at his press play studio in London. It was quite a treat to hear the finished product, now at an economical 9 minutes.
Almost everything you hear on the album is a first take. This makes it almost like a “live album” where a band sets up in a studio and just rolls tape. There are songs on here I don’t even remember recording” (stereogum.com)
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Kings of Convenience: Declaration of dependence (2009)
A estas alturas será difícil que alguno de vosotros no haya descubierto ya el tercer álbum de Kings of Convenience, filtrado hace ya unas dos semanas, si bien su lanzamiento está previsto para mediados de este mes. En The JangleBox, como nos gusta ser lo más honestos posibles, hemos oído el trabajo a conciencia durante este fin de semana, y, como siempre, además de poderlo compartir con vosotros, nos gusta escribir una reseña a manera de opinión personal e instransferible. Pues bien, el disco es una grata sorpresa, pues el tono general del mismo es absolutamente acústico, desnudo de cualquier artificio gratuito y desnudo prácticamente de elementos de percusión. No hay una sola batería en todo él, tan solo algunas percusiones puntuales, aunque ésto no quiera decir que sus trece canciones no tengan una cierta variedad rítmica que a veces las acercan a las arenas de las playas brasileñas por el ritmo y la influencia sonora de la Bossa-Nova. Leí por algún blog que el dúo noruego debería haber editado el disco justamente este verano, por el tono musical que destila, si bien la sensación general que queda al final de las escuchas es la de cierta melancolía, acrecentada por sus letras y sus medios tiempos. Las influencias de este álbum de Pop/Folk habría que buscarlas más bien entre los clásicos del género, léase Simon & Garfunkel (Power of knowing, 24-25, Second to numb, Riot on an empty street-que personalmente es el tema que más me gusta de la colección-). My ship isn´t pretty tiene un aire que nos recuerda al mismo David Crosby de su época Crosby, Stills & Nash. Por otro lado, otros temas nos acercan más a la huella sonora de Belle and Sebastian algo más desnudos (división ésta que no resulta excluyente, antes al contrario): Mrs.Cold, Boat behind, Rule my world, Peace resistance…); influencia ésta que se diluye con esa elegancia natural que destilan muchos de los grupos o solistas de los países nórdicos que se dedican al Pop. Y otros temas tienen un sonido que nos acercan a la calidez de la música brasileña: Freedom and its owner, Peacetime resistance, Renegade, Me in you… Disco, en definitiva, ameno, adecuado para el momento de su edición, y de fácil digestión y asimilación, si bien las escuchas sucesivas nos pueden ir haciendo entrar más en un contacto más cercano con el disco que las primeras, sin duda más arduas al tratarse de un disco sin demasiados matices sonoros, pero sí una cierta variedad de estilos. Buen disco. Por cierto, la banda actuará en breve en España:1-Noviembre, Madrid
3-Noviembre, Vigo
6-Noviembre, Barcelona
7-Noviembre, San Sebastián
“Norwegian rock duo Kings Of Convenience will break a five-year silence this fall with its third studio album, “Declaration of Dependence,” due Oct. 20. The 13-track set is led by the single “Mrs. Cold,” which has been making the rounds on blogs in the past week.
“Declaration of Dependence” is the follow-up to KOC’s 2004 album “Riot on an Empty Street,” which has sold a career-best 78,000 copies in the United States, according to Nielsen SoundScan. Recorded in Bergen, Norway, and Italy, the new album is more stripped-down than either of its predecessors, with a host of the tracks consisting of nothing more than voice and acoustic guitar.
“Declaration of Dependence” begins with the hushed voices and plaintive guitar plucking of Eirik Glambek Boe and Erlend Oye on “24-25,” a wistful look back at “dreams burned.”
“Mrs. Cold” is one of the more up-tempo track on the album, its toe-tapping rhythm accented by strings and upright bass. The same instrumentation can be found on “Boat Behind,” a jaunty tale of a rekindled relationship.
Other highlights include the burnished, Simon & Garfunkel-ish folk of “My Ship Isn’t Pretty” and “Power of Not Knowing,” which showcases the duo’s finger-picking prowess. Elsewhere, the pair utilizes an uncommon falsetto for the harmony vocals on “Freedom and Its Owner” and “Me in You.”
Kings Of Convenience’s members have spent the past several years working on side projects; Oye with the Whitest Boy Alive and Boe with Kommode, which features members of his pre-Kings Of Convenience band Skog” (billboard.com)
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“Norwegian rock duo Kings Of Convenience will break a five-year silence this fall with its third studio album, “Declaration of Dependence,” due Oct. 20. The 13-track set is led by the single “Mrs. Cold,” which has been making the rounds on blogs in the past week.
“Declaration of Dependence” is the follow-up to KOC’s 2004 album “Riot on an Empty Street,” which has sold a career-best 78,000 copies in the United States, according to Nielsen SoundScan. Recorded in Bergen, Norway, and Italy, the new album is more stripped-down than either of its predecessors, with a host of the tracks consisting of nothing more than voice and acoustic guitar.
“Declaration of Dependence” begins with the hushed voices and plaintive guitar plucking of Eirik Glambek Boe and Erlend Oye on “24-25,” a wistful look back at “dreams burned.”
“Mrs. Cold” is one of the more up-tempo track on the album, its toe-tapping rhythm accented by strings and upright bass. The same instrumentation can be found on “Boat Behind,” a jaunty tale of a rekindled relationship.
Other highlights include the burnished, Simon & Garfunkel-ish folk of “My Ship Isn’t Pretty” and “Power of Not Knowing,” which showcases the duo’s finger-picking prowess. Elsewhere, the pair utilizes an uncommon falsetto for the harmony vocals on “Freedom and Its Owner” and “Me in You.”
Kings Of Convenience’s members have spent the past several years working on side projects; Oye with the Whitest Boy Alive and Boe with Kommode, which features members of his pre-Kings Of Convenience band Skog” (billboard.com)
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The Fauns: The Fauns (2009), Laser Ghost Recordings
Vamos a acabar la semana tal y como la comenzamos, dedicándo nuestra atención a nuevos sonidos que entroncan con una tradición sonora más bien reciente y que ha experimentado un resurgir apoteósico durante todo este año 2009. Y es que al paso que vamos, tendremos que llamar a nuestro blog The ShoegazeBox, porque ya son tantas las apariciones de grupos que toman como referencia el Shoegaze que no podemos por menos que prestarles la atención que se merecen. En esta ocasión el grupo elegido es The Fauns, quienes van a editar en breve su álbum de debut, The Fauns (Laser Ghost Recordings, 2009). Sí, nos diréis que es un disco que no nos va a descubrir nada nuevo, que vuelve a hurgar en la huella sonora de My Bloody Valentine, etc. etc. ¿Y qué? Pues nada, que personalmente, éste es un sonido que siempre nos ha cautivado y que estamos encantados de que vuelva a resurgir con fuerza. The Fauns está producido por la propia banda, que diremos que está liderada basicamente por Michael Savage, que normalmente toca el bajo, y por la voz sensual de Alison Garner. En el disco hemos encontrado básicamente dos tendencias que no necesariamente se excluyen una a la otra: una algo digamos más Ambiental/Electrónica, dominada por más teclados -aparecen numerosos sintetizadores analógicos-, y otra más digamos que Shoegaze/Noise, algo más convencional y donde toman mayor protagonismo las guitarras y el muro de sonido en que a menudo se convierten. Huelga decir que personalmente, nos gusta más la tendencia más guitarrera, no obstante los temas que hemos incluido en la onda más Ambiental/Electrónica serían Cool Stuff, un tema etéreo en el que las teclas conforman un ambiente ensoñador en el que destaca la voz susurrante de Alison; la huella sonora de los Cocteau Twins es innegable, como lo es igualmente en Fragile; aquí la voz solista es aún más tenue y nos va narrando una serie de adjetivos en un tema absolutamente delicioso. Black sand es un tema instrumental en el que los teclados son de nuevo protagonistas de un crescendo realmente prodigioso, algo semejante al sonido de Memory Cassette. Come around again es una especie de mezcla de las dos tendencias sonoras del álbum, un medio tiempo que enlaza con los My Bloody Valentine más lánguidos. Algo parecido es lo que ocurre con 1991, una especie de retrospectiva hacia el panorama de la época. Y en el lado que hemos dado en llamar más Shoegaze/Noise, nos encontramos con los temas más notables: Lovestruck es el que abre el álbum, corte de Dream-Pop acaramelado con un ritmo secuenciado que es un calco del Tomorrow never knows de Lennon-McCartney. Understand es un tema más alegre, cover del grupo Brian que da como resultado un cierto revival de los grupos Pop de primeros de los noventa liderados por chicas tipo Primitives o Darling Buds, aquí tamizados por unas guitarras algo más cortantes. Esa misma onda de Female-Singer es la que aparece en Road meets the sky, que repite la fórmula pero añadiéndole la influencia de los primeros Ride, con esa especie de ansia al final de los estribillos rematada con una batería brillante (´let´s go for a ride´). Deranged es algo así como la continuación de aquella, con unas frases de guitarra realmente acertadas y contrapunteadas por la voz de Alison. Por último, The sun is cruising, que es nuestra favorita del disco, tema imponente donde las guitarras, más afiladas que nunca, navegan majestuosamente conformando un muro de sonido impecable al más puro estilo MBV, sobre una base de batería en bucle espectacular. El debut de The Fauns es, en definitiva, un disco más que recomendable, no sólo como un disco más de Shoegaze de los dos mil, sino como un buen disco en sí mismo, un buen ejercicio Pop al que merece la pena acercarse.“Bristol based six-piece The Fauns however, are far from being mere copycats of some well-thumbed blueprint. On closer inspection, the band draw from a broad and interesting array of related influences from the Cocteau Twins to late 80’s jangle pop. Second up on The Fauns eponymously titled debut is ‘Cool Stuff’ a mid-paced wash of symphonic keyboards akin to late 80’s Sarah Records bands such as The Field Mice or East River Pipe. Likewise, ‘Understand’ is a delightful cover of a lovelorn indie classic by Brian from the post-Smiths jangle-pop era. Faithful in it’s execution, this version is not too dissimilar from the original, yet somehow fits seemlessly into this very different aural environment.
Personally speaking, I believe that musical ‘vision’ usually makes for better creativity than merely being a good musician. The Fauns, I’m glad to say, are living proof of this. Their story began two years ago, starting simply as one-man-and-a-laptop, a bedroom-based vision by Mike Savage, a musical novice who had never played an instrument in his life! His acute vision though, quickly grew into a fully fledged band. Now, just two years on from one man’s humble spark of enthusiasm, The Fauns are set to release their rather impressive debut perfectly timed to meet the renewed interest in their genre.
Fronted by the heavenly singing of Alison Garner, lyrical depth is dropped in favour of phased, amorphous melodies buried behind layer-upon-layer of warm, fuzzy guitar, giving the vocals a dreamy and laconic ‘voice-as-an-instrument’ vagueness. The drums are also buried low in the mix, allowing the guitars to soar to towering heights in a sonic musical landscape of uplifting etheral numbness.
Further into the track-listing, the dynamic instrumental ‘Black Sand’ delivers sonic chasms of depth contrasted by a top layer of floaty drum noodling akin to the Canadian post-rock of Do Make Say Think. Sending the album to a triumphant climax is an epic fifteen minute ‘hidden’ instrumental, a remix that steers the listener into another musical territory – ambient electronica. Here, layers of hypnotic hum slowly fill the stereo field delivering a sizemic colossus of drone. Think early Warp artists such as Seefeel or, more recently, names from the Kranky label roster such as Stars Of The Lid and you’ll be getting warm. This remix comes courtesy of Robert Hampson, formerly of veteran drone-rockers Loop. It’s as good as anything else currently on offer in the ambient genre, and to that end, my only fear is that fans of pure electronica could well miss out on discovering this exceptional example, discreetly tagged on the back of a mostly guitar-based album.
Reassuringly, The Fauns don’t suffer from the middle-class pretention and overblown studio budgets that the original British shoegaze scene was often saddled with to it’s detriment. By contrast, The Fauns have deftly executed a well produced album themselves on a modest budget. Laptop technology combined with ‘proper’ band personnel have successfully engaged to create a highly promising eleven track platter that points as much to the future as it does to the past” (bristolrocks.co.uk)
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Zaza: Cameo (Ep-2009), Kanine Records
Por fin vuelve a caer en nuestras manos un Ep!! Personalmente os diré que adoro este formato. Para una banda que comienza es la mejor forma de editar, de manera no demasiado costosa, nuevo material. Para una consolidada, es la mejor manera de dar salida a material no grabado previamente o deshechado, o bien para adelantar un nuevo disco. Este Cameo es el Ep de debut de este dúo de Brooklyn llamado Zaza. Esta joven pareja factura un sonido espeso, denso, lleno de sonoridades y bucles más o menos cercanos al Shoegaze (son amiguetes de The Morning After Girls o The Pains of Being Pure at Heart, ya posteados por aquí). Música algo difícil de digerir y cargada de matices, bien ejecutada y producida. Ellos se declaran admiradores de The Beatles (y quién no!), y particularmente de Sgt.Pepper´s, por su musicalidad y experimentación, aunque realmente en nada se parezcan a los de Liverpool. Sí que están más cercanos a otras bandas:“What sounds, bands and musicians have influenced ZAZA?
Danny: We both will always love the Beatles.
Jenny: The experimentation of St. Peppers, as unapologetically ordinary as it sounds. I can remember the first time I heard My Bloody Valentine and how it fucked my guts up sonically. I was confused. That turns me on. New York history and archetecture influence us. The Russian Ballet. The haunting half steps of Badalementi. The run on sentences of EE Cummings. Scandanavians-ie Sareena Maneesh (thank heavens for that Elvish Prince) also, the Raveonettes- all their vintage beauty inspire us to turn it up and tune it down. The operatic range of Roy Orbison. The back pocket flowers and back handed comments of Oscar Wilde (also this wardrobe!” (dronemagazine.com)
Ahí sí que podríamos encuadrarlos con más facilidad. Su sonido, como dije, es denso y lleno de matices, va desde el Dream-Pop de The call, Sooner or later o Always on a una sonoridad algo más oscura, como la que aparece en Arms lenght, Repetition o Faith in the faithless, con influencias cercanas al Ambient y a gentes como New Order. El disco, pese a ser un Ep, personalmente me parece un tanto largo y sosote en su concepto, demasiado oscuro y pausado, y en general, opino que en la composición de los temas falta un puntito de frescura para darle a este Cameo una nota algo superior al aprobado. Recomendable, no obstante, para shoegazers acérrimos.
“As you can probably glean from a previous post, I’ve been enjoying Zaza‘s EP Cameo immensely since downloading it. This love has only stretched further since interviewing the Brooklyn-based band recently.
The best word I can think of to describe Zaza‘s sound is ethereal – and by that I don’t mean it’s in anyway flimsy or lacking in depth. Cameo is a collection of four beautifully written and recorded tracks. Layered, transient and esoteric at once, Zaza create music that both challenges and entices the listener.
Every element on Cameo seems to have been thoughtfully considered – from vocals and lyrics, melodies and song structures, to the EP’s recording techniques. As I’ve learnt from talking to the band, it’s a consideration they also dedicate to their live performances” (dronemagazine.com)
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Zaza – “Repetition” |
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Found at skreemr.com |
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The Velvet Underground and Nico: The Velvet Underground and Nico (1967), Verve
Para este fin de semana hemos preparado en el Retro-Visor una retrospectiva hacia el primer larga duración de The Velvet Underground, ya que la semana anterior se lo dedicamos al que fue su album germinal, aquel acetato rechazado por Columbia Records. Pues bien, el disco, ya aceptado por su compañía Verve, vería la luz en 1967. Como ocurre con muchas otras bandas, su repercusión comercial fue bastante escasa, y el verdadero reconocimiento del grupo sería en los años ochenta, cuando gentes como Joy Division o The Fall los tomaron como referente principal. Lo curioso del caso es que no sólamente su huella impregnó a gentes del Post-Punk, sino a infinidad de bandas y solistas, que iban desde el Pop (David Bowie) hasta el Noise/Pop (The Jesus and Mary Chain) o el Noise más experimental (Sonic Youth). Y hemos dado sólo unos pocos ejemplos, ya que este primer álbum de la banda se ha convertido en uno de los discos más influyentes de la historia de la música popular, bien por lo arriesgado de sus propuestas (I´m waiting for the man, Venus in furs, Run run run, Heroin, The black angel´s death song, European song) o por la calidad Pop de sus composiciones (Sunday morning, Femme fatale, All tomorrow´s parties, There she goes again, I´ll be your mirror). En las que predomina la onda más arriesgada y experimental es más evidente la influencia sonora de John Cale, músico de escuela clásica que aportó sonoridades como las de las violas, violines y un característico sonido de guitarras chirriante y agudo, amén de gran parte de los arreglos del disco. Como dijimos el pasado sábado, su impronta fue mayor a nivel sonoro que de composición, pues de los once temas, en tan sólo tres aparece su firma. Por si os lo preguntáis, yo personalmente prefiero las composiciones más poperas, aquellas en las que aparece la voz -impuesta- de Nico. Me pregunto si los temas hubieran sonado igual de ser Lou Reed quien los interpretara, y no hubieran tenido ese aura místico-misteriosa que la voz de la alemana aportó. Evidentemente, sus cualidades como cantante fueron escasas, pero su huella está ahí, y los temas son, en cualquier caso, rotundos, perfectas estructuras del mejor Pop que se engancharon a la primera escucha en el subconsciente de quien escribe. Lo mejor del disco y lo que permanece, es, además de su innegable calidad musical, el hecho de que haya influenciado a gentes de lo más variopinto y de las más diversas etiquetas musicales, quienes los han tomado como referente a pies juntillas. Cuando ésto ocurre, es evidente que el producto ha perdurado en la memoria colectiva y éso quiere decir que es bueno.
“One would be hard pressed to name a rock album whose influence has been as broad and pervasive as The Velvet Underground and Nico. While it reportedly took over a decade for the album’s sales to crack six figures, glam, punk, new wave, goth, noise, and nearly every other left-of-center rock movement owes an audible debt to this set. While The Velvet Underground had as distinctive a sound as any band, what’s most surprising about this album is its diversity. Here, the Velvets dipped their toes into dreamy pop (“Sunday Morning“), tough garage rock (“Waiting for the Man“), stripped-down R&B (“There She Goes Again“), and understated love songs (“I’ll Be Your Mirror“) when they weren’t busy creating sounds without pop precedent. Lou Reed‘s lyrical exploration of drugs and kinky sex (then risky stuff in film and literature, let alone “teen music”) always received the most press attention, but the music Reed, John Cale, Sterling Morrison, and Maureen Tucker played was as radical as the words they accompanied. The bracing discord of “European Son,” the troubling beauty of “All Tomorrow’s Parties,” and the expressive dynamics of “Heroin,” all remain as compelling as the day they were recorded. While the significance of Nico‘s contributions have been debated over the years, she meshes with the band’s outlook in that she hardly sounds like a typical rock vocalist, and if Andy Warhol‘s presence as producer was primarily a matter of signing the checks, his notoriety allowed The Velvet Underground to record their material without compromise, which would have been impossible under most other circumstances. Few rock albums are as important as The Velvet Underground and Nico, and fewer still have lost so little of their power to surprise and intrigue more than 30 years after first hitting the racks” (allmusic.com)MySpace
Sweet Trip: You will never know why (2009), Darla Records
You will never know why es el tercer lanzamiento discográfico del cuarteto de San Francisco Sweet Trip, combo ecléctico donde los haya, que han facturado un disco que está repleto de sonidos de lo más variado, siendo difícil etiquetarlos -vaya manía la nuestra con lo de las etiquetas- dentro de un determinado movimiento o sonido específico. La banda está liderada por el inquieto Roby Burgos, compositor de la mayoría de los temas y solista principal de la banda, acompañado en estas tareas por Valerie Cooper. La verdad es que al ser un disco tan variado, como dijimos, es difícil etiquetarlo de alguna forma, pero vamos a intentarlo: la nota principal de You will never know why es su afecto infinito a todo tipo de teclados y la sotisficación. La mayor parte de los temas tiene una estructura compleja, adornada de bastantes arreglos, que en su mayoría están desarrollados por una amplia capa de teclados/sintetizadores, quizás demasiados para nuestro gusto, pero que le dan a el disco ese aura de sotisficación y elegancia que por momentos nos recuerdan a muchos de los grupos de la nueva hornada del Pop escandinavo (The Charade, por poneros un ejemplo). ¿Puzzle sonoro, mixtificación llevada al máximo extremo? Sea como fuere, lo cierto es que el sonido del disco es realmente grato y su escucha amena, si bien su duración sea algo excesiva (como amantes del Pop, nos atraen más los discos de diez u once temas). Para no extendernos demasiado, os resumiré a grosso modo las líneas maestras del disco. En una onda digamos que cercana al Dream/Pop próxima al Pop escandinavo nos encontraríamos con temas como Darkness, Milk, Conservation of two, Air suply o Pretending; probablemente las mejores del disco, visto desde nuestro prisma popero, buenos ejemplos de estructuras Pop coherentes. Otra serie de canciones son cercanas digamos que a unos Cocteau Twins/Pale Saints, algo más etéreas y con unas voces muy bien trabajadas: To the moon, Song about a sea. Otros temas son más relajados: Forever, Song about a sun, No words to be found, Your world is eternally complete. Otros son puro Electro/Pop: Misfortunes are cruel o Female lover, aquí las cajas de ritmo y las teclas se hacen protagonistas. Por cierto, durante el álbum se alternan bases programadas/cajas de ritmo con baterías auténticas. Y por último, la favorita de la colección: Acting, una canción mixta, que mezcla estilos, se inicia con una intro muy indie, digamos que al estilo Superfurry Animals y que de pronto da un giro inesperado hacia una musicalidad más próxima a la Bossanova y al Free-Jazz para de pronto de nuevo tornar a una sonoridad Indie/Pop y acabar con un mantra de acordes realmente chulo. Realmente ingeniosa y divertida. Un disco, en definitiva, que toma de aquí y de allá diversos estilos y sonoridades (el ejemplo de Acting podría aplicarse a todo el disco), mezcla sorprendente que puede dejar atrapado a cualquier amante del Pop con sus brillantes arreglos.“What makes You Will Never Know Why special is that it is very sophisticated. The intelligent, understated lyrics are far from trite. This is not another clichéd, independently produced low budget pop record. Songs are laden with groovy pulsing bass lines and there is both a Bossa, Latin and post-punk feel to the songs. There are beautiful chords, immaculate sounding acoustic guitars, complex rhythms, odd time signatures, dramatic and interesting melodic changes, lush strings, and highly imaginative sound effects. So much goes on with the Sweet Trip sound you couldn’t possibly tire out after a thousand listens.
Unlearn your shoegaze from space rock, drum n’ bliss from glitch n’ beat, ethereal from experimental as hybrid band Sweet Trip demonstrates uniqueness by blurring such definitions yet again. Their newest record: You Will Never Know Why is an auditory jigsaw puzzle – a collection of analog and digital pieces forming a soundscape that sympathizes with the human ability to cope when life splinters painfully upon itself.
“Conservation of Two” kicks off the album with testosterone injected bass lines, not angry mind you, but forceful and fearless. The drum beats race perfectly with the bass, like an earthquake tearing through the ground. “Face. Guard Those Eyes from the Gloom,” wise vocalizations backed by a shimmery progression of half clean, half distorted fender guitars, all necessary to elevate you from the sinking cracked earth. “Misfortunes are Cruel“: Modernized New Order? Or a cousin to Broadcast’s “America’s Boy?” It’s the record’s most *electronic* song, with Sweet Trip waving its usual magic wand creating a synthesized spell of pulsing beat programs, throbbing bass lines, glittering arpeggios, crystallizing sound effects. The guitars are simple but memorable. “To the Moon”: Sort of post-punk, marvelous track, pay attention to the dramatic changes — this is what Sweet Trip is so good at! This is a song that will make your feet move uncontrollably, your breathing irregular because of the beauty of the strings and the thrill of the guitars. Hit the repeat button again and again and rock on! “Forever“: Dark and contemplative, heavy drum beats, sounds and keyboards have a rather vintage, Wurlitzer feel, deep and impactful and velvety. The song is short but impressive and again, it truly rocks. “Acting“: Complex drums, Bossa Nova influences, odd time signatures, driving beats and complex arrangements. The guitars, keeping up with the odd time signatures are all too exhilarating. This is the longest song in the album but you wish it would never end. Epic. A million exclamation points!!!!!!!!!
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The Lemonheads: Varshons (2009)
De todos es sabido la afición que Evan Dando tiene por las versiones, y raro es el disco o el concierto en el que no aparezca alguna. Ésto es más que comprensible, pero lo que no lo es tanto es que dedique un álbum entero a realizarlo con canciones ajenas. Podríamos pensar que Evan está pasando por un momento creativo flojo o que sencillamente, inaugura una nueva etapa con nueva compañía discográfica (The End Records) realizando un disco tributo a artistas a los que él profesa una especial admiración como Gram Parsons o Leonard Cohen. Pues bien, ni lo uno ni lo otro. Supongo que la única motivación que le ha llevado a esta tarea era la de mantenerse ocupado en el estudio recreando canciones -algunas poco conocidas- a su manera. Para ello ha contado con la ayuda del productor Gibby Haines, quien lo produjo junto con Anthony Saffery (Cornershop). Desde el principio, Evan se lleva a su terreno los temas que mejor le responden: I just can´t take it anymore (Gram Parsons), Fragile (Wire), Layin´up with Linda (G.G.Allin)… son temas que acopla perfectamente a su patrón habitual a la hora de facturar temas: mezcla de Pop y Folk con buenas melodías y ciertos toques de Americana, como en Waiting around to die. Otras versiones destacables son la de Leonard Cohen, Hey, that´s no way to say goodbye, preciosa recreación acústica, fiel a la original, con bellos arpegios y sutiles arreglos de teclados. Para la ocasión contó con la ayuda vocal de Liv Tayler. Beautiful, de Linda Perry toma también textura acústica, en esta ocasión contrapunteada por la guitarra eléctrica de Dando, quien con la ayuda de un pedal de volumen y la distorsión le da un aire bastante interesante al tema. Por último, la que nos ha parecido más divertida de toda la colección, puesto que es un hiato en el sonido de todo el álbum, es Dirty robot, de Arling & Cameron (sinceramente no les conozco). El tema, al ser de orientación bailable, presenta un contexto algo más electrónico, caja de ritmos incluida, y cuenta con la aportación vocal de Kate Moss, en dueto con la de Evan Dando delante de un vocoder. Un experimento divertido si tenemos en cuenta el sonido de la banda de Evan Dando. Disco, en general, divertido, aunque con ciertos altibajos, que tiene todas las trazas de tener una continuación en un futuro no demasiado lejano. Para los verdaderos seguidores de The Lemonheads, como quien escribe, nos quedaremos con las ganas de degustar material realmente nuevo que continúe con las grandes sensaciones que nos dejó The Lemonheads (2006).“It makes sense that the new album from The Lemonheads sounds like a mix tape slipped to you by a music-obsessed friend anxious to turn you on to something new. In fact, the idea for the band’s new covers record was inspired by Gibby Haynes, ringmaster of the Butthole Surfers, who for years has made mixes for his longtime friend Evan Dando. “Making a good mix is an art, and Gibby has it down,” says Dando. “I thought it would be fun to share these songs with other people like he shared them with me. So I picked the ‘greatest hits’ from his mixes and covered them, along with a few other songs I always wanted to play.”
Varshons was produced by Haynes and features Dando along with Vess Ruhtenburg (bass) and Devon Ashley (drums). The collection is filled with strange bedfellows – from G.G. Allin to Texas troubadour Townes Van Zandt and garage rockers The Green Fuz. The Lemonheads make each track their own, with help from actress Liv Tyler, singing back up on Leonard Cohen’s “Hey, That’s No Way To Say Goodbye,” and Kate Moss, who sings over the dance groove of Arling & Cameron’s “Dirty Robot,” which also features lead guitar by John Perry on loan from The Only Ones.
Varshons unearths a pair of psychedelic treasures with “Yesterlove” – a song recorded in 1969 by the group Sam Gopal featuring future Motorhead bassist Lemmy Kilmister – and “Dandelion Seeds” from July, record collector’s Registered Landmark Band. For “Layin’ Up With Linda,” the band filters Allin’s cold-blooded tale through the swaggering country-honk of The Stones’ “Dead Flowers.”
Filled with obscure nuggets, the tracks on Varshons cut a wide swath, jumping from early British psychedelic to Dutch electronica and like all good mix tapes, you never know what is coming next.
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The Pains of Being Pure at Heart: Higher than the stars (Ep, 2009), Slumberland
El pasado viernes alertábamos del riesgo que supone la edición continuada de material discográfico novedoso en un mismo año. Es el caso de Beck, de Deerhunter/Atlas Sound -sobre quienes hablaremos en breve-, o el caso de la banda de Brooklyn The Pains of Being Pure at Heart, quienes llevan camino de convertirse no sólo en la revelación/confirmación del Pop de 2009, sino en una de las verdaderas promesas firmes del panorama musical para los próximos años. El Ep es, más que una continuidad -que lo es- de su album de debut es una confirmación en toda regla del camino que la banda puede llevar en un futuro. Higher than the stars suena como un tema más de su disco de debut, una continuidad sonora y de concepto, si acaso algo más limpia de distorsión y overdrive, y con un sonido de arpegio de teclados algo más elevados, reminiscencia de gentes como The Cure de finales de los ochenta; todo ello orientado para construir una perfecta gema de Pop post-adolescente y de alto contenido azucarado. Perfecta canción que hace pareja con la siguiente, 103, perfecto ejemplo del sonido Pains: melodía, distorsión y cierta rebeldía juvenil; todo ello reunido en una pequeña pieza Pop de 2 o 3 minutos. Auténtica delicia. Falling over es un tema de un tono más etéreo, más en una onda Cocteau Twins o Aztec Camera; guitarras acústicas y sintetizadores afloran en su sonido. No es un sonido con el que comulguemos tanto como con los de sus temas más shoegazers, pero es una opción como otra cualquiera. Para terminar, la que en nuestra opinión es la mejor del disco: Twins; ésta es una canción en la que vuelven a aparecer las guitarras con el pedal de overdrive aumentado casi al máximo para elaborar un tema que podría pertenecer al mejor repertorio de Teenage Fanclub, tal es el grado de perfección melódica que alcanzan con sus versos y sus riffs de guitarras realmente atrapadores. Para acabar el disco nos encontramos con una remezcla del tema que da título al disco, Higher than the stars (Saint Etienne visits Lord Spanks Remix), la clásica remezcla para pistas de baile o clubs que tanto suelen aparecer en estos Ep´s. Bien, no pasa de ser un mero divertimento. La verdadera esencia del disco reside en esos cuatro temas inéditos que The Pains se tenían guardados como un as en la manga para echar mano de ellos en el momento que los necesitaran. Yo hubiera aguardado algo más de tiempo, quizás para primeros del año próximo, pero en verdad creo que hemos de pensar que estos chicos de Brooklyn tienen repertorio más que suficiente para darnos perfectas joyas Pop como ésta que hemos degustado en este año en el que hemos disfrutado además de su álbum homónimo, uno de los mejores discos Pop de lo que va de año. Pues nada, ¡A disfrutar!“Not content to rest on the laurels of having one of the best and most talked-about albums of 2009, The Pains of Being Pure At Heart are back with four brand-new songs that show what the band does best – breathe fresh life into indie-pop with exuberance, charm and of course quality tunes.
“Higher Than The Stars” races along on arpeggiated keyboards and quickly strummed guitars, a perfect pop nugget that could be ripped from Robert Smith’s songbook. Its unstoppable energy is pure Pains, though, and we expect to see a lot of ear-to-ear grins when the band busts this one out on tour. “103” has quickly become a favorite of the Pains’ live set and it’s easy to hear why. A fizzing slice of summertime noise-pop with all the melody, fuzz and fun you’ve come to expect from The Pains and a snazzy little stun-guitar solo to boot.
“Falling Over” has also become a staple of the band’s live sets and shows a new side of the band. A brooding synth-led tune that recalls New Optimist touchstones like Orange Juice and Aztec Camera, “Falling Over” is as yearning, lovelorn and dreamy as pop gets, and an excellent addition to The Pains’ canon. “Twins” turns up the fuzz, a mid-tempo rocker with a sing-along chorus and catchy-as-heck guitar lead as the hook. This is quintessential Pains of Being Pure At Heart — slot it into a mix tape between Teenage Fanclub and an old Lilys song and you’ll be happy as a clam. Rounding out the EP is an incredible Balearic dub-disco remix from ace UK producers Saint Etienne. Spacey yet totally danceable, the Saint Etienne remix is certain to burn up the dancefloor.
Higher Than The Stars is the start of the next chapter for The Pains of Being Pure At Heart and it looks to be just as exciting as the first.
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“Falling Over” has also become a staple of the band’s live sets and shows a new side of the band. A brooding synth-led tune that recalls New Optimist touchstones like Orange Juice and Aztec Camera, “Falling Over” is as yearning, lovelorn and dreamy as pop gets, and an excellent addition to The Pains’ canon. “Twins” turns up the fuzz, a mid-tempo rocker with a sing-along chorus and catchy-as-heck guitar lead as the hook. This is quintessential Pains of Being Pure At Heart — slot it into a mix tape between Teenage Fanclub and an old Lilys song and you’ll be happy as a clam. Rounding out the EP is an incredible Balearic dub-disco remix from ace UK producers Saint Etienne. Spacey yet totally danceable, the Saint Etienne remix is certain to burn up the dancefloor.
Higher Than The Stars is the start of the next chapter for The Pains of Being Pure At Heart and it looks to be just as exciting as the first.
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