A Sunny Day in Glasgow: Ashes grammar (2009), Mis Ojos Discos

Para la realización de su segundo álbum, la banda de Philadelphia A Sunny Day in Glasgow ha echado mano de todo el arsenal de ruiditos, efectos, chorus y demás parafernalia destinada a epatar en el gusto del oyente. Sorprendente, surrealista, tremendamente variado, los adjetivos se pueden quedar cortos a la hora de juzgar este Ashes grammar (2009), un disco que, partiendo de las premisas claras del Shoegaze intenta explorar por las más variadas sonoridades para conseguir un disco sorprendente, te guste o no el resultado final, un producto totalmente alejado de cualquier etiqueta comercial y que puede satisfacer tanto a oídos cercanos al Shoegaze más ambiental-etéreo como a los más afines a los ambientes más electrónicos-experimentales. Veintidós temas que son toda una sinfonía de acordes disonantes, desarrollos instrumentales, voces hipnóticas, ensoñaciones y experimentos sonoros. Podemos rastrear en su sonido la huella de gentes como Stereolab, revisitados y actualizados convenientemente, en The White Witch, Loudly, Ashes grammar; la de Cocteau Twins en cortes como Shy o Lights, dos de mis favoritas, temas de Dream-Pop aderezado convenientemente con la sonoridad de los gemelos Cocteau. Hago un inciso para indicar que uno de los hermanos componentes del grupo declaró como “horribles” a la mayor parte de los grupos de la hornada Shoegaze inicial de los noventa (??). Pero en la mayoría de los temas predomina el tono ambiental, etéreo instrumentado con numerosos teclados. El resultado final: Impactante, cuanto menos.

“‘Surreal’ is one of those adjectives that is bandied about much too carelessly. Tossing a word around this nonchalantly does its meaning a great disservice. Synonym sibling ‘fantastic’ has had its implications similarly skewed as narrow overuse of both has resulted in their being associated with all things positive and good. So we turn to Messrs. Merriam and Webster in search of clarity and they tell us:
Surreal: “marked by the intense irrational reality of a dream” Fantastic: “based on fantasy: not real”
That sounds about right. There is no better way to describe A Sunny Day in Glasgow’s Ashes Grammar, in fact. Its songs suspend themselves in mid-air and possess a persistent eerie other-worldliness that is intense enough to raise a doubt in your mind as to whether they exist at all.
The first three tracks canonically layer themselves over each other in successive ripples; the minuscule ‘Magna for Annie, Josh and Robin’ laying itself down as a metallic carpet for the elegantly enrobed ‘Secrets at the Prom’. Sibling vocalists Robin and Lauren Daniels’ voices twist and braid themselves into each other, and this harmonic bundle then bumps into the looming figure of ‘Slaughter Killing Carnage.’ Suddenly aware of its egregious error, ‘Secrets…’ nervously regains its composure by backing away slowly and giving this longer, stronger, more ominous track the right of way.’Failure’ is the first clearly defined track. Significantly (and surprisingly, given its name) jauntier than its more languid predecessors, this cheery, jangly little melody has been carefully crafted so as to get the most out of the vocal/instrumental dynamics. Thoughtfully peppered percussion through the track acts like a series of semicolons more so than a constant underline. Brother/founder Ben Daniels has admitted in interview that, barring the likes of the Cocteau Twins, Stereolab and the Magnetic Fields, he finds the majority of shoegaze era bands ‘horrible.’ I am saddened by such a harsh choice of words. I am also a little befuddled because does the blissful ‘Close Chorus’ not bear an uncannily apparent resemblance to these very bands? As it majestically crashes free of its ‘Curse Words’ cocoon, flirtatious distortion tickles the sisters’ brilliantly blended voices, indecipherable lyrics meshed with warbling coos. ‘Horrible’? Not really.
‘Shy’ is the album’s acme of surrealism – so genuinely dreamlike and ethereal, as to be nearly twilit. All thanks to the broken, disembodied, poorly enunciated sigh that is its centrepiece. Meanwhile, ‘Evil, with Evil, Against Evil’ is unsettlingly chirpy as optimistic handclaps interrupt a predominantly spooky undercurrent. Appropriately titled ‘Nitetime Rainbows’ is a gracefully faltering narcoleptic which drifts in and out of the perpetually hazy realm of reality. On an album of insecure track durations, I am glad that this one got to be among the longest.The watery ‘Starting at a Disadvantage’ builds a marionette out of what appears to be a mandolin by making it dance over a pulsating rhythm. Finally ‘Life’s Great’ lowers you smoothly into the sparkling ‘Headphone Space’ which bubbles away happily till it ultimately morphs into a slinky and slithers away into silence. Then you have ‘schizophrenic.’ It’s not a song on the album, it’s a word. Frequently misconstrued as synonymous with completely unrelated mental illness Dissociative Identity Disorder (erstwhile Multiple Personality Disorder), schizophrenia is in fact characterised by a disturbance in an individual’s perception of reality. The brain of a person so unfortunately afflicted finds it difficult to tell apart what is real and what is not. … see what I’m getting at? Schizophrenic, surreal and fantastic – that’s Ashes Grammar” (drownedinsound.com)
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The Morning After Girls: Run for our lives (2006), Best Before Records

The Morning After Girls: Alone (2009)

El combo australiano The Morning After Girls ha editado recientemente el que ha sido, más o menos, su tercer álbum de estudio: Alone (2009). Digo lo de más o menos porque la banda ha editado varios Cd´s single y otros varios Ep´s, incluidos dos que fueron recopilados como un álbum. Sea como fuere, este disco es algo más que un simple álbum Shoegaze; es un disco reflexivo, algo contenido en muchos momentos puntuales, como queriendo siempre concederle más interés a la reflexión que a la mera descarga de energía musical. Que nadie espere, pues, grandes dosis de overdrives y distorsiones, antes bien, las guitarras suenan, las más de las veces, algo refrenadas, como no queriendo ocupar un primer plano. The best explanation es un claro ejemplo de lo que decimos: especie de Space-Rock a medio tiempo que se va repitiendo a lo largo de muchos de los temas de Alone: The general public, Still falling, Part of your nature, There´s a taking, Tomorrow´s time… son canciones en las que la Neo-Psicodelia fluye suavemente, evocando sonidos cercanos a Mercury Rev o Spacemen 3. Particularmente nos gustaron más Alone, que es un tema con riff de guitarra más cercano al Pop un tanto retro y una melodía evocadora de la California soleada. Death processions es el tema más rockista del álbum, con influencia de bandas Psicodélicas tipo The Brian Jonestown Massacre. La voz de Sasha Lucashenko tiene una tonalidad totalmente Shoegazer, influencia de la producción de Alan Moulder, productor de muchas de las bandas Shoegazers de los ´90. You need to die tiene una estructura que particularmente nos evoca a The Dandy Warhols, otra de las bandas con las que The Morning After Girls ha girado (además de hacerlo con The Warlocks, The Brian Jonestown Massacre o Black Rebel Motorcycle Club). To be your loss tiene un comienzo muy Power-Pop y posteriormente ataca con sonidos típicamente británicos. Para concluir, Who is they, una de las mejores del disco, tema que es un auténtico trallazo de melodía Shoegaze que nos recuerda a los The Jesus and Mary Chain de Honey´s Dead o a los Ride más brillantes de sus primeros discos. Un disco bastante entretenido, muy bien producido y que entronca con una cierta diversidad de sonoridades que van, como hemos recalcado, desde la Neo-Psicodelia hasta el más puro Shoegaze o el Space-Rock, pasando por momentos más relajados y por otros más agitados. Recomendable.

“Over the past year and a half, The Morning After Girls have taken the time to reflect upon their journey so far. in this time of fast development, transient communication, and transparent meanings, they felt it was their responsibility to take the time to really contemplate what life, music and basic human existence means for us all today. what resulted from this, is a new album, resting on the creative base of sacha lucashenko and martin b. sleeman. over the past year, the album has journeyed through different times, different places, different relationships, different personalities; all of which are so vital to gaining a complete representation of what it’s like to live through the days of this thing we call “life”.
the album was recorded in various parts of melbourne, australia, and was mixed and produced by Martin and Sacha, with Alan Moulder at the helm.
in an age where the speed of development is thought to bring people together, it seems that most of us may feel a greater sense of isolation than ever before. technology seeks to connect, but it seems many of us feel a lack of the reality which binds us all; meaningful connections.
this is not a new theory by any stretch of the imagination, but, simply, over this past year and a half, the morning after girls have managed to celebrate this very feeling of aloneness by creating an album that is simply an exploration of the very things which makes each one of us truly unique, truly apart from the next, purely, alone.
as was always planned, Martin and Sacha relocated to new york city in 2008, and with the inclusion of Ej Hagen (bass guitar), Alexander White (keys, sounds, percussion), and Anthony johnson (drums, percussion), the band will again be touring gradually throughout the usa and abroad in 2009
indeed, it is easy to say that Life is a constant flow of beginnings and ends, inhaling and exhaling, rising and passing. well, the morning after girls’ voice remains steady and stronger than always, and as you join them on this journey, you will see that there is not a call, nor text, nor an email that you need to attend to. there is simply the true presentation of the bond between your heart, soul and mind. all binded by the beauty of that which can never be broken – music” (Nota de su MySpace)
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The Velvet Underground and Nico: All tomorrow´s parties (from The Velvet Underground and Nico,1967, Verve)

The Velvet Underground and Nico: The Velvet Underground and Nico (1967), Verve

Para este fin de semana hemos preparado en el Retro-Visor una retrospectiva hacia el primer larga duración de The Velvet Underground, ya que la semana anterior se lo dedicamos al que fue su album germinal, aquel acetato rechazado por Columbia Records. Pues bien, el disco, ya aceptado por su compañía Verve, vería la luz en 1967. Como ocurre con muchas otras bandas, su repercusión comercial fue bastante escasa, y el verdadero reconocimiento del grupo sería en los años ochenta, cuando gentes como Joy Division o The Fall los tomaron como referente principal. Lo curioso del caso es que no sólamente su huella impregnó a gentes del Post-Punk, sino a infinidad de bandas y solistas, que iban desde el Pop (David Bowie) hasta el Noise/Pop (The Jesus and Mary Chain) o el Noise más experimental (Sonic Youth). Y hemos dado sólo unos pocos ejemplos, ya que este primer álbum de la banda se ha convertido en uno de los discos más influyentes de la historia de la música popular, bien por lo arriesgado de sus propuestas (I´m waiting for the man, Venus in furs, Run run run, Heroin, The black angel´s death song, European song) o por la calidad Pop de sus composiciones (Sunday morning, Femme fatale, All tomorrow´s parties, There she goes again, I´ll be your mirror). En las que predomina la onda más arriesgada y experimental es más evidente la influencia sonora de John Cale, músico de escuela clásica que aportó sonoridades como las de las violas, violines y un característico sonido de guitarras chirriante y agudo, amén de gran parte de los arreglos del disco. Como dijimos el pasado sábado, su impronta fue mayor a nivel sonoro que de composición, pues de los once temas, en tan sólo tres aparece su firma. Por si os lo preguntáis, yo personalmente prefiero las composiciones más poperas, aquellas en las que aparece la voz -impuesta- de Nico. Me pregunto si los temas hubieran sonado igual de ser Lou Reed quien los interpretara, y no hubieran tenido ese aura místico-misteriosa que la voz de la alemana aportó. Evidentemente, sus cualidades como cantante fueron escasas, pero su huella está ahí, y los temas son, en cualquier caso, rotundos, perfectas estructuras del mejor Pop que se engancharon a la primera escucha en el subconsciente de quien escribe. Lo mejor del disco y lo que permanece, es, además de su innegable calidad musical, el hecho de que haya influenciado a gentes de lo más variopinto y de las más diversas etiquetas musicales, quienes los han tomado como referente a pies juntillas. Cuando ésto ocurre, es evidente que el producto ha perdurado en la memoria colectiva y éso quiere decir que es bueno.
“One would be hard pressed to name a rock album whose influence has been as broad and pervasive as The Velvet Underground and Nico. While it reportedly took over a decade for the album’s sales to crack six figures, glam, punk, new wave, goth, noise, and nearly every other left-of-center rock movement owes an audible debt to this set. While The Velvet Underground had as distinctive a sound as any band, what’s most surprising about this album is its diversity. Here, the Velvets dipped their toes into dreamy pop (“Sunday Morning“), tough garage rock (“Waiting for the Man“), stripped-down R&B (“There She Goes Again“), and understated love songs (“I’ll Be Your Mirror“) when they weren’t busy creating sounds without pop precedent. Lou Reed‘s lyrical exploration of drugs and kinky sex (then risky stuff in film and literature, let alone “teen music”) always received the most press attention, but the music Reed, John Cale, Sterling Morrison, and Maureen Tucker played was as radical as the words they accompanied. The bracing discord of “European Son,” the troubling beauty of “All Tomorrow’s Parties,” and the expressive dynamics of “Heroin,” all remain as compelling as the day they were recorded. While the significance of Nico‘s contributions have been debated over the years, she meshes with the band’s outlook in that she hardly sounds like a typical rock vocalist, and if Andy Warhol‘s presence as producer was primarily a matter of signing the checks, his notoriety allowed The Velvet Underground to record their material without compromise, which would have been impossible under most other circumstances. Few rock albums are as important as The Velvet Underground and Nico, and fewer still have lost so little of their power to surprise and intrigue more than 30 years after first hitting the racks” (allmusic.com)
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Sweet Trip: You will never know why (2009), Darla Records

You will never know why es el tercer lanzamiento discográfico del cuarteto de San Francisco Sweet Trip, combo ecléctico donde los haya, que han facturado un disco que está repleto de sonidos de lo más variado, siendo difícil etiquetarlos -vaya manía la nuestra con lo de las etiquetas- dentro de un determinado movimiento o sonido específico. La banda está liderada por el inquieto Roby Burgos, compositor de la mayoría de los temas y solista principal de la banda, acompañado en estas tareas por Valerie Cooper. La verdad es que al ser un disco tan variado, como dijimos, es difícil etiquetarlo de alguna forma, pero vamos a intentarlo: la nota principal de You will never know why es su afecto infinito a todo tipo de teclados y la sotisficación. La mayor parte de los temas tiene una estructura compleja, adornada de bastantes arreglos, que en su mayoría están desarrollados por una amplia capa de teclados/sintetizadores, quizás demasiados para nuestro gusto, pero que le dan a el disco ese aura de sotisficación y elegancia que por momentos nos recuerdan a muchos de los grupos de la nueva hornada del Pop escandinavo (The Charade, por poneros un ejemplo). ¿Puzzle sonoro, mixtificación llevada al máximo extremo? Sea como fuere, lo cierto es que el sonido del disco es realmente grato y su escucha amena, si bien su duración sea algo excesiva (como amantes del Pop, nos atraen más los discos de diez u once temas). Para no extendernos demasiado, os resumiré a grosso modo las líneas maestras del disco. En una onda digamos que cercana al Dream/Pop próxima al Pop escandinavo nos encontraríamos con temas como Darkness, Milk, Conservation of two, Air suply o Pretending; probablemente las mejores del disco, visto desde nuestro prisma popero, buenos ejemplos de estructuras Pop coherentes. Otra serie de canciones son cercanas digamos que a unos Cocteau Twins/Pale Saints, algo más etéreas y con unas voces muy bien trabajadas: To the moon, Song about a sea. Otros temas son más relajados: Forever, Song about a sun, No words to be found, Your world is eternally complete. Otros son puro Electro/Pop: Misfortunes are cruel o Female lover, aquí las cajas de ritmo y las teclas se hacen protagonistas. Por cierto, durante el álbum se alternan bases programadas/cajas de ritmo con baterías auténticas. Y por último, la favorita de la colección: Acting, una canción mixta, que mezcla estilos, se inicia con una intro muy indie, digamos que al estilo Superfurry Animals y que de pronto da un giro inesperado hacia una musicalidad más próxima a la Bossanova y al Free-Jazz para de pronto de nuevo tornar a una sonoridad Indie/Pop y acabar con un mantra de acordes realmente chulo. Realmente ingeniosa y divertida. Un disco, en definitiva, que toma de aquí y de allá diversos estilos y sonoridades (el ejemplo de Acting podría aplicarse a todo el disco), mezcla sorprendente que puede dejar atrapado a cualquier amante del Pop con sus brillantes arreglos.
“What makes You Will Never Know Why special is that it is very sophisticated. The intelligent, understated lyrics are far from trite. This is not another clichéd, independently produced low budget pop record. Songs are laden with groovy pulsing bass lines and there is both a Bossa, Latin and post-punk feel to the songs. There are beautiful chords, immaculate sounding acoustic guitars, complex rhythms, odd time signatures, dramatic and interesting melodic changes, lush strings, and highly imaginative sound effects. So much goes on with the Sweet Trip sound you couldn’t possibly tire out after a thousand listens.
Unlearn your shoegaze from space rock, drum n’ bliss from glitch n’ beat, ethereal from experimental as hybrid band Sweet Trip demonstrates uniqueness by blurring such definitions yet again. Their newest record: You Will Never Know Why is an auditory jigsaw puzzle – a collection of analog and digital pieces forming a soundscape that sympathizes with the human ability to cope when life splinters painfully upon itself.
“Conservation of Two” kicks off the album with testosterone injected bass lines, not angry mind you, but forceful and fearless. The drum beats race perfectly with the bass, like an earthquake tearing through the ground. “Face. Guard Those Eyes from the Gloom,” wise vocalizations backed by a shimmery progression of half clean, half distorted fender guitars, all necessary to elevate you from the sinking cracked earth. “Misfortunes are Cruel“: Modernized New Order? Or a cousin to Broadcast’s “America’s Boy?” It’s the record’s most *electronic* song, with Sweet Trip waving its usual magic wand creating a synthesized spell of pulsing beat programs, throbbing bass lines, glittering arpeggios, crystallizing sound effects. The guitars are simple but memorable. “To the Moon”: Sort of post-punk, marvelous track, pay attention to the dramatic changes — this is what Sweet Trip is so good at! This is a song that will make your feet move uncontrollably, your breathing irregular because of the beauty of the strings and the thrill of the guitars. Hit the repeat button again and again and rock on! “Forever“: Dark and contemplative, heavy drum beats, sounds and keyboards have a rather vintage, Wurlitzer feel, deep and impactful and velvety. The song is short but impressive and again, it truly rocks. “Acting“: Complex drums, Bossa Nova influences, odd time signatures, driving beats and complex arrangements. The guitars, keeping up with the odd time signatures are all too exhilarating. This is the longest song in the album but you wish it would never end. Epic. A million exclamation points!!!!!!!!!
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Sweet Trip: To the moon (from You will never know why, 2009, Darla)

El cuarteto de San Francisco Sweet Trip acaba de editar el que es su cuarto trabajo, el impecable You will never know why (2009, Darla), un disco repleto de Dream/Pop, sofisticado y con la elegancia como bandera. Numerosos arreglos y muchos teclados. Más información en The JangleBox.

The Lemonheads: Beatutiful (from Varshons, 2009)

The Lemonheads: Varshons (2009)

De todos es sabido la afición que Evan Dando tiene por las versiones, y raro es el disco o el concierto en el que no aparezca alguna. Ésto es más que comprensible, pero lo que no lo es tanto es que dedique un álbum entero a realizarlo con canciones ajenas. Podríamos pensar que Evan está pasando por un momento creativo flojo o que sencillamente, inaugura una nueva etapa con nueva compañía discográfica (The End Records) realizando un disco tributo a artistas a los que él profesa una especial admiración como Gram Parsons o Leonard Cohen. Pues bien, ni lo uno ni lo otro. Supongo que la única motivación que le ha llevado a esta tarea era la de mantenerse ocupado en el estudio recreando canciones -algunas poco conocidas- a su manera. Para ello ha contado con la ayuda del productor Gibby Haines, quien lo produjo junto con Anthony Saffery (Cornershop). Desde el principio, Evan se lleva a su terreno los temas que mejor le responden: I just can´t take it anymore (Gram Parsons), Fragile (Wire), Layin´up with Linda (G.G.Allin)… son temas que acopla perfectamente a su patrón habitual a la hora de facturar temas: mezcla de Pop y Folk con buenas melodías y ciertos toques de Americana, como en Waiting around to die. Otras versiones destacables son la de Leonard Cohen, Hey, that´s no way to say goodbye, preciosa recreación acústica, fiel a la original, con bellos arpegios y sutiles arreglos de teclados. Para la ocasión contó con la ayuda vocal de Liv Tayler. Beautiful, de Linda Perry toma también textura acústica, en esta ocasión contrapunteada por la guitarra eléctrica de Dando, quien con la ayuda de un pedal de volumen y la distorsión le da un aire bastante interesante al tema. Por último, la que nos ha parecido más divertida de toda la colección, puesto que es un hiato en el sonido de todo el álbum, es Dirty robot, de Arling & Cameron (sinceramente no les conozco). El tema, al ser de orientación bailable, presenta un contexto algo más electrónico, caja de ritmos incluida, y cuenta con la aportación vocal de Kate Moss, en dueto con la de Evan Dando delante de un vocoder. Un experimento divertido si tenemos en cuenta el sonido de la banda de Evan Dando. Disco, en general, divertido, aunque con ciertos altibajos, que tiene todas las trazas de tener una continuación en un futuro no demasiado lejano. Para los verdaderos seguidores de The Lemonheads, como quien escribe, nos quedaremos con las ganas de degustar material realmente nuevo que continúe con las grandes sensaciones que nos dejó The Lemonheads (2006).
“It makes sense that the new album from The Lemonheads sounds like a mix tape slipped to you by a music-obsessed friend anxious to turn you on to something new. In fact, the idea for the band’s new covers record was inspired by Gibby Haynes, ringmaster of the Butthole Surfers, who for years has made mixes for his longtime friend Evan Dando. “Making a good mix is an art, and Gibby has it down,” says Dando. “I thought it would be fun to share these songs with other people like he shared them with me. So I picked the ‘greatest hits’ from his mixes and covered them, along with a few other songs I always wanted to play.”
Varshons was produced by Haynes and features Dando along with Vess Ruhtenburg (bass) and Devon Ashley (drums). The collection is filled with strange bedfellows – from G.G. Allin to Texas troubadour Townes Van Zandt and garage rockers The Green Fuz. The Lemonheads make each track their own, with help from actress Liv Tyler, singing back up on Leonard Cohen’s “Hey, That’s No Way To Say Goodbye,” and Kate Moss, who sings over the dance groove of Arling & Cameron’s “Dirty Robot,” which also features lead guitar by John Perry on loan from The Only Ones.
Varshons unearths a pair of psychedelic treasures with “Yesterlove” – a song recorded in 1969 by the group Sam Gopal featuring future Motorhead bassist Lemmy Kilmister – and “Dandelion Seeds” from July, record collector’s Registered Landmark Band. For “Layin’ Up With Linda,” the band filters Allin’s cold-blooded tale through the swaggering country-honk of The Stones’ “Dead Flowers.”
Filled with obscure nuggets, the tracks on Varshons cut a wide swath, jumping from early British psychedelic to Dutch electronica and like all good mix tapes, you never know what is coming next.
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The Lemonheads: Beautiful (from Varshons, 2009)

La banda liderada por Evan Dando, The Lemonheads publicó este verano un recopilatorio totalmente dedicado a las versiones, de clásicos como Gram Parsons o Leonard Cohen o de grupos más de culto como Sam Gopal o The Green Fuzz. Para el disco contó con la colaboración vocal de Liv Tayler o de Kate Moss. Más información en The JangleBox.

The Pains of Being Pure at Heart: Higher than the stars (Ep, 2009), Slumberland

Para completar el post de ayer, como casi siempre, os acompaño de otro vídeo del grupo. En esta ocasión, de una actuación en directo. Además, os adelanto que la banda volverá a España este próximo mes de Noviembre: 17 en Barcelona, 18 en Madrid, 19 en Valencia y día 20 en Bilbao. Buena mini-gira.

The Pains of Being Pure at Heart: Higher than the stars (Ep, 2009), Slumberland

El pasado viernes alertábamos del riesgo que supone la edición continuada de material discográfico novedoso en un mismo año. Es el caso de Beck, de Deerhunter/Atlas Sound -sobre quienes hablaremos en breve-, o el caso de la banda de Brooklyn The Pains of Being Pure at Heart, quienes llevan camino de convertirse no sólo en la revelación/confirmación del Pop de 2009, sino en una de las verdaderas promesas firmes del panorama musical para los próximos años. El Ep es, más que una continuidad -que lo es- de su album de debut es una confirmación en toda regla del camino que la banda puede llevar en un futuro. Higher than the stars suena como un tema más de su disco de debut, una continuidad sonora y de concepto, si acaso algo más limpia de distorsión y overdrive, y con un sonido de arpegio de teclados algo más elevados, reminiscencia de gentes como The Cure de finales de los ochenta; todo ello orientado para construir una perfecta gema de Pop post-adolescente y de alto contenido azucarado. Perfecta canción que hace pareja con la siguiente, 103, perfecto ejemplo del sonido Pains: melodía, distorsión y cierta rebeldía juvenil; todo ello reunido en una pequeña pieza Pop de 2 o 3 minutos. Auténtica delicia. Falling over es un tema de un tono más etéreo, más en una onda Cocteau Twins o Aztec Camera; guitarras acústicas y sintetizadores afloran en su sonido. No es un sonido con el que comulguemos tanto como con los de sus temas más shoegazers, pero es una opción como otra cualquiera. Para terminar, la que en nuestra opinión es la mejor del disco: Twins; ésta es una canción en la que vuelven a aparecer las guitarras con el pedal de overdrive aumentado casi al máximo para elaborar un tema que podría pertenecer al mejor repertorio de Teenage Fanclub, tal es el grado de perfección melódica que alcanzan con sus versos y sus riffs de guitarras realmente atrapadores. Para acabar el disco nos encontramos con una remezcla del tema que da título al disco, Higher than the stars (Saint Etienne visits Lord Spanks Remix), la clásica remezcla para pistas de baile o clubs que tanto suelen aparecer en estos Ep´s. Bien, no pasa de ser un mero divertimento. La verdadera esencia del disco reside en esos cuatro temas inéditos que The Pains se tenían guardados como un as en la manga para echar mano de ellos en el momento que los necesitaran. Yo hubiera aguardado algo más de tiempo, quizás para primeros del año próximo, pero en verdad creo que hemos de pensar que estos chicos de Brooklyn tienen repertorio más que suficiente para darnos perfectas joyas Pop como ésta que hemos degustado en este año en el que hemos disfrutado además de su álbum homónimo, uno de los mejores discos Pop de lo que va de año. Pues nada, ¡A disfrutar!

“Not content to rest on the laurels of having one of the best and most talked-about albums of 2009, The Pains of Being Pure At Heart are back with four brand-new songs that show what the band does best – breathe fresh life into indie-pop with exuberance, charm and of course quality tunes.

“Higher Than The Stars” races along on arpeggiated keyboards and quickly strummed guitars, a perfect pop nugget that could be ripped from Robert Smith’s songbook. Its unstoppable energy is pure Pains, though, and we expect to see a lot of ear-to-ear grins when the band busts this one out on tour. “103” has quickly become a favorite of the Pains’ live set and it’s easy to hear why. A fizzing slice of summertime noise-pop with all the melody, fuzz and fun you’ve come to expect from The Pains and a snazzy little stun-guitar solo to boot.
“Falling Over” has also become a staple of the band’s live sets and shows a new side of the band. A brooding synth-led tune that recalls New Optimist touchstones like Orange Juice and Aztec Camera, “Falling Over” is as yearning, lovelorn and dreamy as pop gets, and an excellent addition to The Pains’ canon. “Twins” turns up the fuzz, a mid-tempo rocker with a sing-along chorus and catchy-as-heck guitar lead as the hook. This is quintessential Pains of Being Pure At Heart — slot it into a mix tape between Teenage Fanclub and an old Lilys song and you’ll be happy as a clam. Rounding out the EP is an incredible Balearic dub-disco remix from ace UK producers Saint Etienne. Spacey yet totally danceable, the Saint Etienne remix is certain to burn up the dancefloor.
Higher Than The Stars is the start of the next chapter for The Pains of Being Pure At Heart and it looks to be just as exciting as the first.
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The Pains of Being Pure at Heart: Higher than the stars (Ep, 2009), Slumberland

La banda de Brooklyn acaba de editar un Ep con cuatro temas nuevos y una remezcla en la que nos presentan temas con su clásico sonido Fuzzy/Noise/Pop clásico ya de la banda, y otros en los que nos encontramos con una huella más evidente de ciertos sonidos de los ochenta, con los teclados en un plano sonoro más alto. Ambas son opciones igualmente disfrutables. Más información en The JangleBox.

The Velvet Underground and Nico: I´m waiting for my man (from The Velvet Underground and Nico,1967)

The Velvet Underground and Nico: Unripened (1967/2007 Bootleg)

Hablar a estas alturas del primer disco de The Velvet Underground conllevaría el riesgo de resultar reiterativo y no tener demasiado nuevo que aportar. Pero como en The JangleBox somos algo avispadillos, y dado que ayer le dedicamos el post a la rendición que Beck le dedicó a este álbum; os ofreceremos este fin de semana en nuestro Retro-Visor una versión primigenia de ese primer álbum, un bootleg de 2007 llamado Unripened, que muestra una versión primitiva de ese álbum, una edición ripeada de un vinilo que contiene el acetato que la banda realizó en una de sus primeras sesiones de grabación para un ejecutivo de Columbia llamado Norman Dolph allá por Abril de 1966, un año antes de su edición definitiva en Verve. El álbum de la banana, como popularmente es conocido resultó ser, a la postre, uno de los discos más influyentes no sólo en su momento -aunque no fue ni mucho menos un éxito comercial- sino durante todas las décadas que han continuado a su publicación, particularmente a partir de los años ochenta, cuando se produjo un resurgir hacia todo aquello que tuviera que ver con la banda de Lou Reed y John Cale. Mucho se ha hablado de la huella sonora de John Cale, de las baterías acompasadas de Maureen Tucker, de la huella indeleble de Sterling Morrison o de la voz y la pose misteriosa de Nico, pero el verdadero mérito se halla en las composiciones de un joven e inquieto Lou Reed, su manera de entender la música como una mezlca de Rock/Pop/Poesía y una cierta arrogancia -además de un enorme talento-. A nivel compositivo, Cale tan sólo colaboró en tres de las once canciones del disco, y su verdadera aportación fue a nivel sonoro, con sus guitarras chirriantes, y sus aportaciones de violas y violines -no olvidemos que era un músico criado en la música clásica-. En cualquier caso, las once canciones de este The Velvet Underground and Nico son once temas intemporales en los que se mezclan Rock, Pop, experimentación, minimalismo, historias urbanas, adicciones, sexo… Tampoco descubriríamos nada si dijéramos que el verdadero benefactor-mecenas de la banda fue Andy Warhol, quien los incluyó en sus perfomances “Exploding Plastic Inevitable”. A partir de ahí, casi todo es conocido, The Velvet Underground se convirtió por derecho propio en una de las bandas más influyentes de toda la historia de la música popular no sólo por su sentido arriesgado y experimental sino por su manera de entender la música. En adelante os seguiré mostrando su discografía.
Hoy os presento este Unripened, versión primigenia, como dijimos anteriormente, de su primer disco. En él se pueden encontrar versiones primerizas de nueve de los once temas que componen el disco, a saber: European son, Black Angel´s death song, All tomorrow´s parties, I´ll be your mirror, Heroin, Femme fatale, Venus in furs, Waiting for my man y Run run run. El orden es distinto al del disco, y como dije, las versiones son todas diferentes. Según cuentan, Norman Dolph rechazó el acetato y lo acompañó con una nota en la que decía: “You have to be fucking kidding”. El comentario es suficientemente literal, pero es que no debería ser un tipo realmente arriesgado. Para finalizar os diré que se cuenta que el comprador de este disco lo encontró en un mercadillo de New York y lo compró por 75 centavos. Obviamente, el precio que obtuvo posteriormente por él fue bastante bastante superior.
“Warhol was keen to capitalize on the buzz surrounding the events. In hopes of maintaining the band’s abrasive sound and seedy subject matter, he saw the need for a completed record, one that could be given to record labels without allowing them creative control. In exchange for one of his paintings, Warhol asked a sales executive at Columbia Records to oversee a one-day recording session at the dilapidated Scepter Studios. He would not be credited as a producer, but he would play an integral part in the Velvet Underground’s earliest studio recordings. That man’s name was Norman Dolph.
On a single day in April, Dolph sat behind Scepter‘s mixing boards as the band recorded what they thought would be their first record. Dolph had an acetate (a metallic “master” record) pressed after-hours at Columbia and sent it to the executives at the label. He still has the handwritten response he received when the acetate was returned, one he has paraphrased as, “You have to be fucking kidding!”
After the initial rejection, the band would enlist another “ghost” producer, Tom Wilson, re-recording some of the songs and adding others. Eventually, all the master tapes would be re-mixed by Wilson and the final product would be released as The Velvet Underground and Nico.
Before returning home to Montreal, Warren Hill went to other sales and bought more records, but when he called longtime friend, Portland’s Mississippi Records’ owner Eric Isaacson, the mysterious Velvet Underground record seemed like the biggest find.
“We assumed it was a test pressing at first,” recalls Isaacson. “I told Warren we could put an $800 price tag on it and put it on the wall at the store.”
Once Hill brought the record to Portland, the two began to realize they were in for a bigger payday. The track list was different than the official record released by Verve, and a few songs were missing. The sound mix seemed weird and versions of some of the songs were markedly different than anything either had heard before” (theportlandmercury.com)
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Beck: All tomorrow´s parties (from The Velvet Underground & Nico, Record Club Version (2009)

Bajo la etiqueta de Record Club Version, el inquieto Beck se ha propuesto reinterpretar, a su manera, aquellos discos que él ha considerado cruciales en la historia de la música. Periódicamente va subiendo los vídeos en su página web y cuando lo finaliza… nuevo disco de Beck Hansen en el mercado!! Para esta ocasión ha elegido el clásico The Velvet Underground and Nico, de la banda de Lou Reed y John Cale, sin demasiada fortuna, por más que algunas de las versines sean aceptables. Más información en el blog The JangleBox.

Girls: Lust for life (from Album, 2009), Turnstile

Tras varias idas y venidas con Ep..s, blogs y MySpace, el dúo de San Francisco Girls edita el que será su álbum de debut, Girls, un combinado perfecto de Lo-Fi/Pop vitalista, positivo y algo hedonista, con alguna incursión shoegazer. Más información en The JangleBox.

Beck: The Velvet Underground & NIco, Record Club Version (2009)

Para el último post de esta semana hemos elegido el experimento que últimamente ha llevado a cabo nuestro admirado Beck Hansen. Se trata de reconstruir sonoramente un determinado álbum, ensayándolo sólamente en el estudio y no utilizar tomas grabadas anteriormente. Para mayor dificultad, el disco se ha de versionear en un solo día y estar listo para formar parte de este “Record Club Version“. Semanalmente las canciones van apareciendo en su página web beck.com. Para esta primera incursión ha elegido el clásico The Velvet Underground and Nico, de la banda liderada por Lou Reed y John Cale y ha contado con la colaboración de gentes como Nigel Godrich, MGMT, Davendra Banhart o Jamie Lidell. Si he de emitir una opinión, os diré que en esta ocasión el afán personal de Beck por mantenerse en el candelero de la actualidad musical y su obsesión por la edición continua de material ha sobrepasado los límites de la verdadera calidad. Personalmente no pienso que editar un disco al año sea la mejor manera de conseguirlo, antes bien considero que más bien puede llevar a una sobreexposición y a una cierta saturación, máxime cuando el material no es nuevo, y más si se trata de una colección de versiones. Evidentemente habrá una legión de seguidores de Beck que no opinen lo mismo que el que os escribe, pero en esta ocasión creo que este disco es más bien prescindible -como cualquier álbum enteramente dedicado a las versiones-. Hay algunas covers que no quedan mal del todo: All tomorrow´s parties, Sunday morning, European song, I´ll be your mirror… Otras son más que cuestionables: Heroin, Venus in furs, Femme fatale, There she goes, I´m waiting for my men, Run run run -que se ha convertido en una pieza pseudo-electrónica-… quizás nos estemos volviendo algo conservadores en cuanto a nuestro gusto por los clásicos y la forma de reinterpretarlos hoy en día. Por cierto, de aquí a nada, Beck promete un nuevo Record Club Version dedicado a Leonard Cohen.

“When Beck Hansen’s website relaunches in July, one of the new features will be a Record Club wherein the plugged-in sonic chameleon gathers musical pals, covers a classic album in one day, then offers tracks for download. Which is, well, pretty cool.
“An album will be chosen to be reinterpreted and used as a framework,” says a statement on beck.com. “Nothing rehearsed or arranged ahead of time. A track will be uploaded once a week on beck.com as well as through the web sites of those involved in the project.”
Musical cohorts will include folks like Devendra Banhart, Jamie Lidell, Nigel Godrich and MGMT. The once-named Bek David Campbell and his posse will tackle The Velvet Underground & Nico first. One can only imagine what the surreal “Sunday Morning” or destabilizing “Heroin” will sound like after this crew gets done with them.
Andy Warhol, a repurposing icon, would be proud. Now all this thing needs is an iPhone app and a Twitter feed and it’s mellow gold, baby.” (wired.com)
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Girls: Lust for life (from Album, 2009), Turnstile

Girls: Album (2009), Turnstile

Tras muchas idas y venidas por Ep´s, Blogs y vía MySpace, la banda californiana Girls edita por fin el que será su álbum de debut, este Album (Turnstile, 2009), disco algo heterogéneo que tiene un nexo en común: el Lo-Fi/Pop y su sentido hedonista de la música. Esta positividad que parece reservada a ciertas zonas geográficas como la que nos encontramos, el área de San Francisco, aparece destilada durante la mayor parte de los temas: Lust for life, canción con la que se abre Album y que no es una versión, es el mejor ejemplo de lo que hablamos, Pop con mayúsculas aderezado con toques Jangles y una grabación-edición auténticamente Lo-Fi. Laura y Ghost mouth son temas en los que podríamos hallar la huella Pop del Elvis Costello más melódico, especialmente marcado este acento en Ghost mouth con unos toques sutiles instrumentales que nos retrotraen al sonido Phil Spector mezclado con la forma de cantar de Jarvis Cocker. God damned es otro de los ejemplos de Lo-Fi/Pop, tema al que encontraríamos parentesco con cualquiera de Guided by Voices. Big bad mean mother fucker supone un cierto hiato para ofrecernos un guiño un tanto sutil al Glam. Hellhole race es un tema algo más taciturno y pausado con un estribillo repetido hasta la saciedad en el que algunos han querido ver la huella de The Jesus and Mary Chain, si bien yo la relacionaría con gentes del Brit-Pop como The Candy Skins. Summertime es otro de los temas destacados del disco, corte en el que se van sumando instrumentos de manera progresiva hasta llegar a un cierto clímax sonoro muy Noise y terminar de forma semejante al inicio. Y para cerrar este breve recorrido, mencionaros la que en mi opinión es la mejor canción de album: Morning light, tema de impecable factura Noise-Pop y de sonoridad y producción Shoegaze. Disco, en definitiva, ameno y fácil de oír, mezcla de ciertos estilos al que le dan unión, como dijimos al principio, su carácter positivo a la hora de encarar la música, y un cierto tono general de Lo-Fi/Pop bastante agradable.
Por último, deciros que la banda actúa los próximos 3 y 4 de octubre en Barcelona -At La- y Madrid -Moby Dick- respectivamente.
“A really strong (and rather long) single from the hard-to-google Girls, ‘Hellhole Ratrace’ isn’t entirely unrelated to The Jesus & Mary Chain plundering that’s gone on in recent times, albeit with an Americanised spin, but it’s already found some notable success by hitting the Pitchfork Top 100 prior to this release. If you like the idea of a San Franciscan Glasvegas, you’re in luck with this one. After all that towering fizz comes B-side ‘Solitude’, which airs a more sentimentalised side to the band’s work, coming across as surprisingly old-fashioned – even a bit ’50s (…)Following their highly regarded Hellhole Ratrace 10″, Girls release the opening cut off their ace debut album as their new single. ‘Lust For Life’ is an immensely likable piece of janglesome, sixties-influenced pop that captures the band at their most optimistic and ebullient. The B-side, ‘Life In San Francisco’, while remaining lodged in a similar era takes on a sweet ‘verbed-out ballad feel with a delightful communal chorus, and as with their previous flipside, ‘Solitude’, it’s a belter” (boomkat.com)

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	Girls – Lust For Life
	Found at skreemr.com