Monterey International Pop Festival, Part-4/9

Para la cuarta entrega dedicada al Festival Internacional de Monterrey, hemos de hacer una breve reseña para hablar de uno de nuestros grupos favoritos de siempre: The Byrds, quienes realizaron una de sus últimas actuaciones contando con sus miembros originales, si bien Gene Clark ya había abandonado la formación. Pues bien, viendo el concierto uno llega a darse cuenta del porqué de ese despido; el ego de Crosby había llegado a un punto tan insoportable, que fue necesario prescindir de él para que la banda continuase funcionando. Este deseo de protagonismo no sólo se refleja en el concierto de The Byrds, donde en todo momento toma la voz cantante en los intervalos entre canción y canción, adueñándose de un protagonismo dentro de la banda que en ningún momento tuvo un papel mayor que el de mero guitarrista de acompañamiento (bastante mediocre) y el de co-autor de algunos temas. Hasta tal punto llegó su megalomanía que llegó a actuar incluso con Buffalo Springfield, para suplir a Neil Young. No pasó mucho tiempo hasta que el resto de la banda decidiera prescindir de sus servicios, y aunque participó en las sesiones de The Notorious Byrd Brothers, su siguiente álbum, y uno de los mejores de la banda, en su portada no apareció ya su imagen, sino la de un caballo (¿quedó algún resquemor entre el resto de componentes?) Como curiosidad os diré que en el concierto fue una de las pocas ocasiones en que se vio a McGuinn con una guitarra eléctrica que no fuera una Rickenbacker, concretamente con una Gibson interpretando Hey Joe. Os acompaño un vídeo de uno de los temas que mejor les quedó en el festival: He was a friend of mine y de otro de Have you seen her face.
Otro de los grupos interesantes que actuó en el festival fue Moby Grape, una gran banda relegada casi al olvido pues sólo llegaron a editar dos discos, el segundo de ellos bastante mediocre, si bien el primero podría pasar por ser uno de los mejores esfuerzos en aunar Folk y Pop, tras la brillante carrera de los Byrds de Roger McGuinn. Completan el disco las actuaciones de Laura Nyro y Hugh Masakela.

 

Disc 4 (Saturday Night 17.06.1967)

MOBY GRAPE
1. Tommy Smothers introduction
2. Indifference
3. Mr. Blues
4. Sittin’ By The Window
5. Omaha

HUGH MASEKELA
6. Bajabula Bonke (Healing Song)

THE BYRDS
7. Renaissance Fair
8. Have You Ever Seen Her Face
9. Hey Joe
10. He Was A Friend Of Mine
11. Lady Friend
12. Chimes Of Freedom
13. So You Wanna Be A Rock ‘N’ Roll Starn

LAURA NYRO
14. Today
15. Wedding Song
16. Poverty Train

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The Scotland Yard Gospell Choir: And the horse you rode in on (2009), Bloodshot Records

Si he de ser sincero os diré que me interesé por este grupo porque el nombre me hizo mucha gracia. Bueno, éso y porque leí las etiquetas que aparecían en el post de algún blog y leí Indie, Pop, Alternative, Twee. No conocía de nada a este grupo de Chicago, pero la descripción no podía ser más acertada. Yo acaso añadiría algún rasgo de Pop-Folk (Something´s happening, Ogilvie station), al estilo de muchas bandas escocesas o de Gales, que es de donde provienen las raíces de Elia Einhorn, líder de SYGC, y con cuyos sonidos podríamos confundirlos perfectamente y pensar que aquél es su origen. El concepto sonoro lo tenemos más o menos claro, ahora nos interesaría su concepto lírico, y es que los textos de Elia tienen mucho de literario y costumbrista, algo semejante al concepto de la música que tienen The Shins. Por lo demás, su voz tiene un deje tremendamente parecido al de Jarvis Cocker, con quien seguramente podrías confundirlo si no te explican previamente de quién se trata; pero es que además muchas de sus canciones comparten un parecido más que razonable, tanto por su tratamiento sonoro como por la forma de cantar o su temática (Stop!, One night stand, I pretend she´s you, Hope is still on your side, Libertybille or somewhere). Demasiados parecidos para nuestro gusto, que nos quedamos con otros temas en los que no aparece la voz de Elia sino la de Mary Ralph: Sixteen is too young y Praying is a heartache. La primera es un medio tiempo precioso acústico con acompañamiento de violines y teclados y con una línea de bajo que nos recuerda a los tiempos del primer Lou Reed en solitario. La segunda es otra belleza de tema, de aires acústicos y folkies, acompañados de cellos y violines y cantada a dúo. Hay que decir que los últimos cortes también suponen un cierto cambio en el rumbo del disco, derivando hacia un hedonismo más descarado (And the horse you rode in on, Tear down the opera house), particularmente este último parece enteramente sacado del repertorio de The Housemartins.
Disco de variados registros, desde el más intimista hasta el más popero y costumbrista o al descaradamente divertido, en el que seguro que podrás encontrar algún tema que te guste si eres buen aficinado al Pop.
Por cierto, a finales de septiembre la banda sufrió un desgraciado accidente de furgoneta en el que la mayoría de sus miembros salieron con heridas de cierta gravedad. Sabido es cómo funciona el sistema sanitario y los seguros médicos en Estados Unidos, por lo que el grupo está seriamente necesitado de ayuda económica para poder sufragar los gastos médicos y materiales. El día 30 tiene lugar en su Chicago natal un concierto de ayuda, y también puedes colaborar con un Paypal leyendo aquí.
“Chicago-based chamber pop collective The Scotland Yard Gospel Choir aren’t your typical debauched rock stars reveling in a pastiche of self-destructive clichés. Leading a band that’s shared the stage with both the Arcade Fire and Ira Glass, Spoon and Dave Eggers, it’s clear that lead singer, guitarist, and keyboard player Elia and his scrappy group are comfortable straddling the divide between the debased rock ‘n’ roll world and the high-minded literati. As it turns out, both shoes fit. Not content with merely performing with some of the most notable names in independent music, the band has explored their connections with the literary and theatrical worlds, performing with Eggers, DeRogatis, This American Life’s Glass, author Joe Meno, and Saturday Night Live regular Fred Armisen.
With Welsh-born Elia as the ringleader, The Scotland Yard Gospel Choir is a free-spirited collective of musical visionaries who turn out exuberant and rough-hewn chamber pop. Among the talent that performs and/or records with the Choir includes core players like bassist and recording engineer Mark Yoshizumi, guitarist and vocalist Mary Ralph, drummer Jay Santana, violin player Ethan Adelsman, keyboardist Alison Hinderliter (Le Concorde), and a brass section made up of Sam Johnson (Mucca Pazza, Hawk & a Hacksaw) and Matt Priest (Canasta). The extended Scotland Yard family is comprised of a who’s-who of the Chicago underground music community, boasting the likes of cellist / vocalist Ellen O’Hayer (Bright Eyes); Sally Timms, Nora O’Connor and Kelly Hogan, who sing backup on the self-titled album; and Nate Walcott (Bright Eyes, Rilo Kiley), and Brett Whitacre (Th’ Legendary Shack Shakers).
In a few short years, The Scotland Yard Gospel Choir has become one of the Chicago indie music scene’s best-kept secrets, with Chicago Sun-Times critic Jim DeRogatis opining upon “Jennie That Cries,” the single from the band’s debut i bet you say that to all the boys, “[is] a beautiful, lulling single, with special emphasis on the gorgeous vocals.” The band’s music has served as a backdrop to many television shows, including The OC, What About Brian and the movie Special, and their self-released debut received attention from Time Out NY, Billboard, and Popmatters” (bloodshotrecords.com)
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Cómpralo/Get it

Jesu: Opiate sun (Ep, 2009), Caldo Verde

Ayer se editaba este Ep de cuatro canciones de Jesu, quienes habían presentado igualmente este verano su tercer larga duración, Infinity (Hydra Head, 2009). El Ep se edita, sin embargo, en otro sello, Caldo Verde, y es un disco que ha visto pospuesta su edición en varias ocasiones. En cualquier caso, aquí está esta nueva entrega de la banda de Justin Broadrick, líder carismático del grupo y responsable máximo de su sonido, al igual que lo fue de Godflesh. Su sonido es una oscura mezcla de Post-Rock, toques de experimentación, trallazos guitarreros que en ocasiones tienen que ver con el Post-Metal, el Drone, el Grunge, y por qué no, algunos rasgos de Shoegaze. Una mezcla un tanto heterogénea, pero que tiene su punto de belleza. Si he de ser sinciero, os diré que no me atrae demasiado el producto, pues considero que es un trago demasiado sosegado y meditabundo, pero como en The JangleBox tiene que caber casi de todo, pues os lo presento. Sus cuatro temas son cuatro piezas calmadas y sosegadas, de ambientes más bien oscuros en los que predominan su alto contenido emocional expresado principalmente por las guitarras y en los que aparece un cierto acercamiento a un sentimiento algo más popero, especialmente en Deflated. Comprobadlo vosotros mismos.
“With bands like the Angelic Process, Alcest, and now Phil Elverum (aka Mount Eerie), a whole new world has opened up for heavy music, large in part because of Jesu mastermind Justin Broadrick’s tireless effort to not settle for the conventional sounds of metal. The effort has become to make this loud, abrasive music become melodic and sentimental—something Jesu’s latest track, “Deflated” is somewhat the pinnacle of. Its drop-tuned doom riffage is buried into a swarm of melodic guitar melodies and quite possibly one of the best vocal performances of Broadrick’s career. The track builds beautifully behind slightly atonal sustained chords into a stoner shoegaze haze while Broadrick chants, “You give me reason.” How’s that for hardcore.
Oddly enough, it somehow makes sense that Opiate Sun, the EP on which this track is contained, will be released on Caldo Verde Records, Red House Painters/Sun Kil Moon songsmith Mark Kozelek’s imprint. Hands down, this is the heaviest thing Kozelek has ever released (and he is doing so after being duly impressed by a Jesu show in 2007), but he is no stranger to spastic guitar passages –- something he experimented with earlier in his career. Opiate Sun is due out October 27th, and info on what formats it will be released on is TBD” (popmatters.com)
“Broadrick also announced that a new EP, titled Opiate Sun, would be released in July, 2009. The EP had originally been mentioned in 2008 but a title and official release date had yet to be announced. This four song EP will be the first studio recording to include the lineup of Justin Broadrick, Dave Cochrane and Phil Petrocelli. This lineup is featured on two of the four tracks, with the classic lineup of Broadrick, Parsons and Dalton performing the other two tracks. Opiate Sun has since been rescheduled for October 27, 2009, and will be released on Mark Kozelek’s record label Caldo Verde. The Daymare edition of the album will be released on November 6, 2009 in Japan and will include a “demo” version of one of the four songs as a bonus track” (wikipedia.org)
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The Big Pink: A brief history of love (2009)

A medio camino entre el puro hype y el ambiente más cool dentro de la escena Electro-Rock, entre el Pop-Electrónico y el Glam-Noise, aparece -apareció más bien, a mediados del mes pasado- este A brief history of love(4AD, 2009). Personalmente, una vez oído el disco, no sé que pensar realmente. Últimamente las dudas que nos asaltan cada vez que oímos algún producto británico, que suenan a ser “los nuevos…” nos entra bastante resquemor, pues ya sabemos cómo se las gastan por esas latitudes en cuanto que un nuevo fenómeno hace su aparición. Lo cierto es que The Big Pink tienen algunos temas que no están nada mal, pero en otros, su nivel baja tanto, que da que pensar. En este disco, ocurre ésto. El dúo formado por Robbie Furze y Milo Cordell ha facturado un disco un tanto irregular, que toma elementos de aquí y de allí: electrónica y sintetizadores se fusionan con guitarras más que afiladas (Count backwards from ten), incluso con ambientes shoegazers (Crystal visions). Son los momentos más excitantes del disco, esos temas que realmente impresionan al fusionar esos elementos, Electrónica y Noise. Crystal visions es el mejor exponente. Una especie de cruce entre Black Rebel Motorcycle Club y New Order. Gran tema en el que la intensidad Noise llega al punto álgido al final del mismo. En Too young to love, la mezcla ya se decanta algo más por el lado de la electrónica, algo así como lo que realizó The Jesus and Mary Chain en su época Honey´s dead. El single Dominos, ya conocido previamente, toma claramente el lado electrónico como el predominante en su sonido. Y la verdad que es un tema muy apañado, a mí personalmente me recuerdan los sonidos de EMF, a principios de los noventa. A partir de aquí, personalmente, sólo salvo Tonight, divertido tema Electro-Pop. Por lo demás, demasiados clichés ochenteros (Love in vain, At war with the sun); concesiones incluso Glam (Velvet, Frisk), que lo que consiguen es acercarles al peor sonido de Kasabian (como leí en Don´t eat the yellow snow, y no puedo estar más de acuerdo). Demasiada irregularidad para un solo disco que navega un tanto erráticamente entre fuentes diversas pero que no logra retener la verdadera esencia de alguna de ellas. Por cierto, si le das un giro a la chica de la portada, te puedes encontrar con la portada de Logos, de Atlas Sound, sospechosamente parecida.
“Not everyone was interested in following OK Computer’s example of using electronic music for texture so much as another avenue towards anthems, and tracks such as “Bittersweet Symphony”, “Pure Morning”, “All You Good Good People”, and, yes, “D’You Know What I Mean” proved a natural fit between massive, if rudimentary hip-hop beats and what might otherwise be flag-waving, stadium-filling radio smashes. And so then, the lineage continues with the Big Pink’s mighty “Dominos”– it’s such an undeniable, simple hook, and such an undeniably locomotive but lumbering beat that it steamrolls any doubt you have about the rest of it being underwritten or misogynistic.
But more promising is how in spite of the IMAX-ready sonic presence of previously released singles like “Dominos” and “Crystal Visions”, History rarely feels something other than hand-crafted. Furze and Cordell produced the album themselves, with engineering done by Rich Costey who, judging from the latest Mew and Glasvegas records, knows his way around huge. A Brief History stills sounds surprisingly nuanced in headphones– you can enjoy how the group fits an entire album’s worth of power chords into a swath of synthesizers that honor their 4AD legacy on “Dominos”, but from the anticipatory shaker that leads into the hook or the feedback-scratched bridge, repeat listens are rewarded long after they’ve been demanded. “Too Young to Love” hurtles by on momentum more than melody, its raga drone breaking up into shards of scree like a comet through the atmosphere. But almost as hypnotic is the passionate vocal performance on “Velvet”, which reveals a similar endlessly upward arc to “Fake Plastic Trees”, right down to the distorted blow-out midway through.
Though History never fails to sound elegantly wasted at any tempo, its majority goes in buffet-style on the last two decades of UK’s beat-minded rock, united by Furze’s Jason Pierce-ing sneer. “At War With the Sun” nicks Stone Roses’ jangle with nastier distortion pedals, while “Frisk” is halfway between Damon Albarn’s early forays into funk and the more silken prog of Mansun’s Attack of the Grey Lantern. Two years ago, you might’ve caught Cordell releasing early singles from Crystal Castles and Klaxons on his Merok label, so it’s not a surprise that learning on the job resulted in nu-rave wondering how it missed out on shrieking dumb fun like “Golden Pendulum” and “Tonight”.
Despite all the cavalcade of classics that A Brief History of Love conjures, my favorite comparison for these guys is actually another youthful, romantically minded British act: The xx. By “comparison,” I don’t mean “sounds like”– the two bands seem like they’re operating while diametrically opposed. Some might find the Big Pink churlish or even anti-romantic (though I’d argue they hardly spend enough time acknowledging women enough to really comment on them) compared to the restrained and unusually mature xx, who hew more comfortable notions of gender relations. “Love in Vain” tries a little tenderness, but “if you really love him, tell me that you love him again,” hints at vulnerability before “then go” turns the sentiment as cavernous as the reverb surrounding it. But while sometimes you fall for the art of seduction, there’s the part of us that want to be overwhelmed– A Brief History of Love is a study in the enormity of sound doing just that, each reverbed kick drum, phasers-on-stun guitar, and wastrel vocal refuting the idea that you need to talk about the passion to express it” (pitchfork.com)
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Cómpralo/Get it

Headlights: I don´t mind at all (from Wildlife, 2009, Polyvinyl Records)

The first installment in the Headlights Vibloggeo, a weekly installment created by Headlights while on tour. Check back in YouTube each week for new episodes.

Monterey International Pop Festival, Part-3/9

Esta es ya la tercera entrega que desde el Retro-Visor le dedicamos al Festival Internacional de Monterrey (Monterey en inglés, con una sola erre). Como curiosidad, os diremos que el sistema de sonido empleado en él fue de lo más vanguardista que para la época se estilaba. El responsable del mismo fue el ingeniero Abe Jacob.
“Also notable was the festival’s innovative sound system, designed and built by audio engineer Abe Jacob, who started his career doing live sound for San Francisco bands, and went on to become a leading sound designer for the American theatre. Jacob’s groundbreaking Monterey sound system was the progenitor of all the large-scale PA’s that followed. It was a key factor in the festival’s success and it was greatly appreciated by the artists — in the Monterey film, David Crosby can clearly be seen saying “Great sound system!” to band-mate Chris Hillman at the start of The Byrds’ performance”
Igualmente como curiosidad os diremos que en el festival se dieron a conocer los primeros sintetizadores analógicos, que partieron de los primitivos Theremin desarrollados por el ingeniero electrónico y físico Robert Moog, de ahí que ése fuera el nombre que recibieran esos primeros artilugios electrónicos, usados en seguida por gentes como Roger McGuinn en The Byrds, The Doors o The Rolling Stones.
“Electronic music pioneers Paul Beaver and Bernie Krause set up a booth at Monterey to demonstrate the new electronic music synthesizer developed by Robert Moog.[9] Beaver and Krause had bought one of Moog’s first synthesizers in 1966 and had spent a fruitless year trying to get someone in Hollywood interested in using it. Through their demonstration booth at Monterey, they gained the interest of acts including The Doors, The Byrds, The Rolling Stones, Simon & Garfunkel and others. This quickly built into a steady stream of business and the eccentric Beaver was soon one of the busiest session men in L.A., and he and Krause earned a contract with Warner Brothers”
En este tercer disco podréis disfrutar de grupos como los blueseros Butterfield Blues Band, Steve Miller Blues Band, The Electric Flag; y los inclasificables Quicksilver Messenger Service.

Disc 3 (Saturday Afternoon 17.06.1967)

BUTTERFIELD BLUES BAND
01. Look Over Yonders Wall
02. Mystery Train
03. Born In Chicago
04. Double Trouble
05. Mary Ann
06. Droppin’ Out
07. One More Headache

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE
08. All I Ever Wanted To Do (Was To Love You)

STEVE MILLER BLUES BAND
09. Mercury Blues

THE ELECTRIC FLAG
10. Drinkin’ Wine
11. Groovin’ Is Easy
12. Night Time Is The Right Time
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Times New Viking / Yo la Tengo: Nothing to hide (2009), Matador

Times New Viking suplantando a Yo la Tengo en este simpático vídeo promocional del sello que comparten ambas bandas, Matador Records.

Times New Viking: Born again revisited (2009), Matador

Cuando se hace del Lo-Fi un credo y del amateurismo una manera especial de hacer las cosas, nos encontramos con bandas como Times New Viking, proyecto del que fuera componente de Pavement, Mark Ibold, tambien enrolado en Free Kitten. Su sonido es absolutamente primitivo: imagínate a tres chicos que se reúnen a componer en el garaje de uno de ellos y graban sus temas en un cassette o un Mp3 tocando en vivo. Pues ése es el sonido de Times New Viking, como dije antes, el Lo-Fi llevado a extremos brutales y las guitarras echando humo. Pero lo bueno es que hay temas que no desmerecen en absoluto: Move to California; Hustler, Psycho, Son; These days; 2/11 Don´t forget; Born again revisited; No time, no hope; Martin Luther King day; Half day in hell… Sus temas son en su mayoría breves apuntes de canciones que duran apenas minuto y medio o dos minutos; algo así como lo que facturaban Guided by Voices o los primigenios Pavement (escuchando este disco uno tiene la sensación de estar delante del Westing (by musket and sextant) de los extintos chicos del Pavimento, tanto por su sonido básico de guitarras distorsionadas al límite como por su grafismo). Pop distorsionado, acordes disonantes, arreglos inverosímiles de teclas, desafines… Disco algo duro de afrontar pero en el que podrás encontrar pequeñas joyas escondidas detrás de una maraña de distorsión y Noise.
“A pox on those who claim the venerable VHS format is dead ; in fact, Times New Viking delivered the master recordings to their forthcoming LP/CD/digital album ‘Born Again Revisited’ (OLE 860) on a Video Home System cassette. Addressing the mountain of constructive criticism they’ve received from self-styled musicologists wanna-be producers and persons with my initials, the Columbus based trio promise their 2nd Matador album (and 4th overall) features “25% higher fidelity”, a percentage our own engineering staff has confirmed after hourse of exhaustive laboratory tests.
Much has been made in the press of late of Cheap Trick’s attempts to steal Adam, Beth and Jared’s thunder by releasing their upteenth comeback album on 8-track, but with all due respect to the state fair fixtures Rockford’s finest, it’s been a generation since they’ve come up with anything as provocative as ‘Born Again Revisited’’s “Move To California” or “No Time No Hope” (mp3). While Times New Viking continue to make-it-look-easy, I can assure you it’s anything but that. A cursory glance at the American rock underground reveals a landscape littered with well-intentioned but vastly inferior bands who’ve caught the lo-fi bug ; Times New Viking are well advised to disavow responsibility for the epidemic, but whoever the guilty party is, the ferocity of TNV’s shows and their sheer quality of their songwriting should be enough to win them a presidential pardon, not unlike the one ‘Born Again’ author Chuck Colson never quite received” (Nota de prensa de Matador Records)

“Breath in: snuff a line speed, a half hour jump on your cheap amplifiers, salad yet once a half hour with you yet cheaper guitar against the wall. Write eleven popliedjes, lay the emphasis on cryptic and forget everything your song teacher you ever learned has. Seek your neighbor girl on and tell her that your musics will make. Lay her emphatically from that she must not try to sing. Stick, now that you it really are, also just your tongue between her lips till you certainly are that they that rather has not. Give her then you eleven popliedjes and (optioneel) a guitar. Question her these eleven popliedjes with you together to not to sing, expect of it surplus. Mess what with the buttons on the amplifier, let the hamster of your neighbor girl also once over the strings run, sign the head of the father of your neighbor girl on the skins of a Bears Smit drumstel, call her feather ten-year-old little brother and lay from that its father him really real hatred. Breath out: and voila, Yourself Summoned. Sounds good? Sounds in it really yet better. Blessed with a delicious dose ADHD-spontaneity and a fine nose for popmelodieën know Tim New Viking on Summoned Yourself a particular charming pot borrow-fi garagepop down to dump. A kind of contemporary version of The Shaggs, but then without the implicit family tie. More a neighbor boy-neighbor girl tie thus” (MySpace)

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Cómpralo/Get it-Matador Records

Helen Love: Calm down Dad (Single, 2009), Elephant

Ya lleva algún tiempo en el mercado este nuevo single de la veterana banda de Gales liderada por Helen Love y que lleva su mismo nombre. Ellos continúan como si el tiempo no pasase sobre sus cabezas, facturando tremendos cortes del mejor Electro-Punk, o si lo prefieres, del mejor Pop-Punk-Electrificado. El single fue adelanto del que será su sexto álbum, Stick it, que aparecerá en breve. Para la canción que da título, han preferido adentrarse por los terrenos algo más edulcorados y poppies, construyendo un tema que habla de las diferencias entre un padre y una hija adolescente enamorada y que quiere cantar como Kate Nash, pero con acento barriobajero. John Peel roadshow es otro perfecto tema de Pop-Punk dedicado a la memoria de su admirado John Peel, quien recordemos que les tenía como una de sus bandas favoritas. Candylips es un auténtico trallazo energético en una onda cercana a los Fastbacks, dedicado al chico con los labios más acaramelados del barrio. Pura energía en estado puro la que nos prometen Helen Love para esta nueva entrega discográfica. Por lo pronto, estos siete minutos se nos antojan demasiado poco.
“¡Estamos de suerte, HELEN LOVE están de vuelta!, nuestro grupo favorito de Bubblegum-disco-punk están en su mejor momento y tienen una espléndida colección de canciones nuevas que van a enloquecer a medio planeta. “Calm down dad” es el single de adelanto de su flamante nuevo álbum, “Stick it”, que vera la luz muy pronto en Elefant Records. Mientras llega ese momento, y para apaciguar la dura espera, aquí tenemos este aperitivo con tres grandes canciones. “Calm down Dad” es pura energía, indie-punk-pop pegajoso que relata las diferencias entre un padre y su hija. Ella quiere divertirse, salir de noche, acostarse con un chico, vestirse como un vampiro sin que la miren raro en casa, viajar por todo el mundo, probar cosas nuevas e incluso llegar a cantar como Kate Nash, pero con acento barrio bajero. Como una mezcla a partes iguales entre Jilted John y THE WAITRESSES, en este single, limitado y en vinilo de color naranja, HELEN LOVE saltan del punk al pop y del pop al indie con unas letras realistas, sarcásticas y muy divertidas. Dulces melodías como un caramelo de naranja y al mismo tiempo acidas como la vida misma.
El single se completa en la cara B con dos píldoras hiperaceleradas de puro punk-pop. “John Peel Roadshow” habla de como reunir el suficiente valor para entregar una maqueta a un locutor de radio. HELEN LOVE, queridos y apoyados durante años por John Peel, grabaron una “Peel session” en 1997, lo que significo para ellos uno de los momentos culminantes en la historia del grupo, lo mismo que una tarde de verano en la que John Peel, después de pinchar “Does your heart go boom” dijo como una risita áspera “That’s HELEN LOVE… the sarcastic bastards”‘. “Candeelips”, cierra este single de adelanto con una acaramelada historia sobre el chico con los labios más dulces y deseados del barrio!!!” (Nota de prensa de Elephant Records)

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Cómpralo/Get it-Elephant Records

The Raveonettes: In and Out of Control (2009), Vice

Sensaciones algo encontradas son las que nos ha causado la escucha detenida de este último trabajo de The Raveonettes: In and Out of Control (Vice, 2009). Ante todo he de decir que la huella que nos dejaron sus Ep´s del año pasado no fue precisamente demasiado marcada, ya que se trataban de discos donde predominaba el elemento electrónico sobre el tradicional Noise-Pop del dúo danés afincado en Usa; así que nos temíamos lo peor con respecto a este disco. Pues bien, no ha habido un cambio tan radical, pero es cierto que la excelencia Noise por la que se movían The Raveonettes ha desaparecido en parte. Eso no quiere decir nada malo, pero es que a estas alturas imaginarnos a The Raveonettes con un sonido más limpio y adornado a lo Dream-Pop… no nos cuadra demasiado. La producción ha corrido a cargo de DFA y del dúo sueco Junior Senior, aunque imaginamos que el dúo habrá tenido bastante que decir. Bien, las sensaciones no son del todo malas al escuchar Bang!, el primer corte, buen tema Retro-Pop con todos los elementos clásicos del grupo: guitarrazos con muchísimo eco y efectos twang, el overdrive de la guitarra solista está algo apagado; pero esa caja de ritmos… El siguiente tema es Gone forever, otro corte donde nos encontramos de bruces con el ritmo secuenciado y programado, las guitarras siguen sin aparecer del todo distorsionadas, y aparecen arreglos de teclas. Bueno, ésta es ya la segunda canción que se despega algo del clásico sonido Raveonettes. Last dance, primer single escogido, ya no me la trago. A ver, el dúo se había labrado una reputación en base a un sonido claramente identificado: Noise, Garaje, Surf, Muro de sonido… En este tema nos encontramos con eso, pero con una “batería” que recuerda más a las pomposidades de Duran Duran que a la clásica majestuosidad Noise de The Raveonettes. Está bien buscar nuevos rastros sonoros en tu carrera musical, pero tirar por aquí no me ha resultado demasiado creíble. Así que decidido ya a abandonar cualquier crítica positiva del todo, me encuentro de bruces con Heart of Stone. Llamadme clásico si queréis, pero este es el verdadero registro que añoramos en cualquier disco de The Raveonettes: Voces susurrantes para acompañar la perfecta melodía a lo JMC, acompañado de la omnipresente guitarra twang al estilo de, por ejemplo Duane Eddy o Link Wray. Para encontrar otro tema semejante nos hemos de ir hasta Break up girls!, otro corte semejante al anterior, con sonoridades semejantes y distorsiones aunque sólo sea algo cercanas a las de Ally walk with me, de su memorable Lust lust lust (Vice, 2007).
Disco, en definitiva, que según he leído por algún lado, es un intento -loable- del dúo por acercarse al lado más hedonista del Pop, abandonando algo su pose algo más seria, incluido en el aspecto de las letras. Ésto está bien, pero personalmente encuentro que lo que realmente ha bajado el dúo, quién sabe si intencionadamente, ha sido su intensidad sonora: la distorsión es mucho más apagada, muchas guitarras están en un plano más secundario; las cajas de ritmos empleadas no aportan el matiz sonoro característico del dúo. Intensidad que por ejemplo, sí encontramos en otro grupo con componente femenino en sus filas: Gliss. Bien harían Sune Rose y Sharin Foo en volver a la senda perdida.
“On a superficial level The Raveonettes’ bittersweet allure has been obtained by filtering surf guitar motifs and doo-wop standard-bearers like the Ronettes through whatever electrical machination it was that gave The Jesus and Mary Chain their brittle searing edge. Which may sound like a simplistic idea on the face of it, but these two poles have provided the Danish duo of Sune Rose Wagner and Sharin Foo with four albums of distinctive, sometimes dark, frequently beautiful vignettes.
And though they’ve been hugely accessible and often great (their previous album, Lust Lust Lust, was outstanding and certainly worthy of consideration as one of 2007’s best), In and Out of Control is the most immediate material The Raveonettes have released to date. The vast wash of reverb and static that typifies their sound is still there to a greater or lesser extent – particularly on ‘Break Up Girls’, which is the sole track that makes real concession to the side of their character that luxuriates in offensive noise – but in the main this veil has been drawn back somewhat, forcing the melodies and bones of the songs to the fore; they feel cleaner, happier, and carry less baggage to get in the way of the obvious pop sensibilities.
It is a quite subtle but very real change in focus. In tracks like ‘Bang!’, ‘Suicide’, ‘D.R.U.G.S.’ and ‘Gone Forever’ big choruses dominate and though dark and dangerous lyrical themes abound, the delivery of them is sweet, almost removed – even on the saccharine ‘Boys Who Rape (Should All Be Destroyed)’. Similarly, ‘Last Dance’ sounds like a suicide at a prom, which is conveniently what it is about, on the face of it; that, or the last in a long line of overdoses, at least, which amounts to the same thing.
These regular grabs for attention stick a little – there’s a slight impression that some of the themes have been skipped across like a flat stone dancing across a deep lake, purely for effect: Drugs? Check. Suicide? Check. Rape?…but it’s to the Raveonettes credit that the superficiality and dark hunour with which these subjects are broached is ultimately liberating. Indeed, it’s not this that causes lingering doubts so much as The Raveonettes continued dependence on a one-trick formula. They can be either more overtly poppy, or more overtly noisy but those are the long-established and hard-set parameters and as a result a stationary if well-studied repetoire of songs is ultimately mined.
That not to say that you’d have them change; they were around before a host of bands trading on similar stock, and had a fair old dose of Shoey’ in them from the start. Besides, The Raveonettes won’t change. This is their thing, their schtick. And for the most part, bending phil Spector out of shape and dragging him by his hair through a raft of distortional devices and all the while kicking the hell out of the ‘Leader of the Pack’ is a very good thing” (drownedinsound.com)
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Monterey International Pop Festival, Part-2/9

Este fin de semana vamos a dedicarle en el Retro-Visor la segunda parte de las nueve que se compone este mega-post dedicado al Monterey International Pop Festival, que iniciamos la semana pasada. Una de las características principales es que fue un escenario multicultural donde se mezclaron etnias y razas diversas, así como géneros musicales de lo más variado, desde el Pop al Folk, el Rythmn and Blues , el Rock and Roll, el Soul o el Jazz.
“Almost every aspect of The Monterey International Pop Festival was a first: although the audience was predominantly white, Monterey’s bill was truly multi-cultural and crossed all musical boundaries, mixing folk, blues, jazz, soul, R&B, rock, psychedelia, pop and classical genres, boasting a line-up that put established stars like The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel and The Byrds alongside groundbreaking new acts from the UK, the USA, South Africa and India.
…Monterey Pop was a seminal event: it was the first real rock festival ever held, featuring debut performances of bands that would shape the history of rock and affect popular culture from that day forward. The County Fairgrounds in Monterey, California… had been home to folk, jazz and blues festivals for many years. But the weekend of June 16 – 18, 1967 was the first time it was used to showcase rock music”
Igualmente sirvió como rampa de lanzamiento para numerosos músicos o bandas que no eran del todo conocidas en los Estados Unidos, incluido Jimi Hendrix, quien recordemos que inició su corta pero intensa carrera musical en el Reino Unido, donde a mediados de los sesenta se produjo un verdadero resurgir del Rythmn and Blues.
“The festival launched the careers of many who played there, making some of them into stars virtually overnight. The Who and Jimi Hendrix had each already been sensations in the UK and Europe but were practically unknown in the USA. Other artists who rose to popularity following their appearances at Monterey included Janis Joplin, Laura Nyro, Canned Heat, Otis Redding, Steve Miller and Indian sitar maestro Ravi Shankar.”
En este segundo disco podrás disfrutar de las actuaciones de Canned Heat, banda pionera en mezclar Country y Blues Rural; Janis Joplin, formando aún parte de la Big Brother and the Holding Company; Country Joe and The Fish y Al Kooper.
“Monterey Pop was also one of the earliest major public performances for Janis Joplin, who appeared as a member of Big Brother and The Holding Company. Joplin was seen swigging from a bottle of Southern Comfort as she gave a provocative rendition of the song “Ball ‘n’ Chain”. Columbia Records signed Big Brother and The Holding Company on the basis of their performance at Monterey.[5] “I became a supporter of feminism watching Janis Joplin at the Monterey Festival”, says John McCleary, author of The Hippie Dictionary. “A lot of people had similar experiences watching female role models with that kind of power, unafraid to express themselves sexually while demanding their rights” (wikipedia.org)

Disc 2 (Saturday Afternoon 17.06.1967)

CANNED HEAT
1. Rollin’ and Tumblin’
2. Dust My Broom
3. Bullfrog Blues

JANIS JOPLIN AND BIG BROTHER & THE HOLDING COMPANY
4. Down On Me
5. Combination Of The Two
6. Harry
7. Road Block
8. Ball And Chain

COUNTRY JOE & THE FISH
9. Not-So-Sweet Martha Lorraine
10. Fixin’ To Die Rag
11. Please Don’t Drop That H-Bomb
12. Section 43

AL KOOPER
13. (I Heard Her Say) Wake Me, Shake Me
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Santigold: Lights out (Música del anuncio de Trident Senses)

La verdad es que más que por la canción a mí me llamó la atención porque pensaba que era una versión del Spanish bombs, de The Clash. Y es que el parecido entre los estribillos es más que notable. En cualquier caso, y para no polemizar, una buena canción de estilo retro-ochentero de un grupo/solista que desconocía.

Memory Tapes: Seek Magic (2009), Acephale, Sincerely Yours

Seek Magic es el debut en larga duración del ente sonoro Memory Tapes. Numerosas son las etiquetas en las que podríamos encuadrarlo: Glo-Fi, Dreambeat, Lo-Fi-Bedroom-Pop… para esta ocasión yo sería mucho más escueto y me quedaría con una sola adjetivación: Pop-Electrónico, porque éso es sencillamente casi todo lo que vamos a encontrar en este disco: numerosos arreglos de teclados, muchos registros sonoros, algo de experimentación (en el largo instrumental Treeship, de veintidos minutos – a mí me resulta exasperante-, Ambient… En definitiva, un disco un tanto alejado de la propuesta de su anterior entrega, ésta vez como Memory Cassette: Call and Response (2009), ya comentado también en The JangleBox. En aquella ocasión, el Pop era algo más sugerente, más Ambient, incluso algo más Psicodélico. En este Seek Magic, Dayve Hawk, el responsable sonoro de Memory Tapes, ha tirado más por la vertiente más puramente electrónica. Antes de nada, decir que Hawk es el responsable de Memory Tapes igual que lo es de Memory Cassette y de Weird Tapes. Para analizar someramente el disco, deciros que como bien sabréis los lectores habituales del blog, personalmente no somos muy amantes de la electrónica, por lo que el interés de este disco no ha sido demasiado grande. Sin duda hay auténticos amantes de estos sonidos que sabrán comprendernos si decimos que de él hemos aprovechado aquellos temas que nos recuerdan en algo a una banda de referencia, New Order: hablamos de Bycicle, donde su impronta es grande, particularmente en la guitarra solista que aparece. Es un tema éste en el que rastreamos igualmente el sonido de Talking Heads, ya sea por su base rítmica -secuenciada-, o por su forma de cantar. Green knight es otro tema destacable en el que se mezcla la batería secuenciada tanto con elementos electrónicos como analógicos, en el caso de la guitarra de ritmos, también muy neworderiana, si bien está bastante en segundo plano, acallada por las voces de Hawk. Stop talking es otro corte donde podemos rastrear las huellas de la banda británica, mezcladas, lógicamente, con numerosos elementos del Pop electrónico y algún sonido de guitarra, igualmente en segundo plano. Plain material es el tema en el que aparecen guitarras ahora sí en primer plano sonoro, marcando el tempo de un tema algo más cercano al Pop más convencional, con una voz que evoca al solista de Mercury Rev. Disco, en definitiva, que puede marcar nuevos rumbos entre los más aficionados a sonidos más afines a la electrónica y el ambient pero al que personalmente, le encuentro un tanto falto de alma, de calor humano, de proximidad y conexión con el oyente. Por cierto, puedes encontrar numerosos enlaces y descargas legales desde su propio blog: We´re Tapes.
“More than a few of these singles came from Philadelphia’s Dayve Hawk in the guise of either Memory Cassette, Weird Tapes, or Memory Tapes. To this point, he’d served as something of a microcosm for this sound, which has created intriguingly hazy, wistful but beat-informed one-offs and EPs, but nothing weighty enough to get it past “something we did that one summer,” as if it were a road trip or ill-fated romance recalled years later. That was before Seek Magic, a record of achingly gorgeous dance-pop that captures both the joy of nostalgia and the melancholic sense that we’re grasping for good times increasingly out of reach.
Initially, Seek Magic’s power derives from an intensely personalized ability to unlock hidden chambers in our memory banks. The half-submerged guitars that introduce “Swimming Field” suggest this is as a soundtrack for a restless evening, but between its F-G chord progression and aqueous thumb-piano and panflute synths, I’m reminded of scorching July days vibing out to Wilco’s A Ghost Is Born. Instrumental breaks “Pink Stones” and “Run Out” recall the unconventional beauty of Apehx Twin’s Richard D. James Album. “Green Knight” smacks of Police’s “Wrapped Around Your Finger” in its verse and any number of mid-80s light funk with its guitar licks, the sneaker squeak in the instrumental break is one of the most evocative found sounds I’ve heard in a while.
Seek Magic is something of an inhabitable universe that proves there’s far more to Hawk’s sound than a way with reverb and passing familiarity with dance loops. The rubber-smacks-road beat of “Bicycle” would be content to mirror its titular vehicle, but nearly every minute packs some sort of detailed compositional surprise: the widescreen breakthrough where Hawk’s androgynous vocals shake lo-fi two minutes in, the bass breakdown that soon rights itself into the second half’s backbone, and the choral coda that lays a euphoric vocal sigh over wave-running New Order guitars. By comparison, “Plain Material” is streamlined, but not by much– the way Hawk’s voice hits the fuzzed-out guitar chords, you might think this was an unearthed Flaming Lips track, and at first, it sounds like the first time on Seek Magic that he’ll adhere to a standard verse-chorus structure. It does, but only after a drum beat cribbed straight from Organized Noize turns in a bridge of teen screams imported from In Ghost Colours’ nastier breakdowns.
And yet in Seek Magic’s centerpieces, you sense a nocturnal unease usually attributed to more spare albums. “Stop Talking” could’ve been content to ride out its gummy bass riff to infinity, but it morphs through so many phases in its seven minutes that the half-time post-rock finale doesn’t feel tacked-on. On the following song, “Graphics”, Hawk offers an unnervingly lonely sentiment– “I don’t even recognize the sound of your voice, the feel of your touch, you could be alone even though I’m here by your side.” Lyrics are mere suggestions through most of Seek Magic, but Hawk lays out an “I can’t go on, I’ll go on” vibe throughout. One second, he sighs “this is the last time” and immediately thereafter, “one more time, baby, one more time.” It’s a sentiment that’s underpinned great works of art from Daft Punk (“One More Time” natch), F. Scott Fitzgerald (This Side of Paradise), Kanye West (“Why can’t life always be this easy?”), and um, Old Milwaukee– the times where you think “it doesn’t get any better than this,” and it’s simultaneously the happiest and saddest thing you can say” (Pitchfork.com)
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We´re Tapes

Grenouille: Shadows of the lagoon (Autoeditado, 2009)

Cantautor electrónico, nuevo crooner, folkie, músico en general, artista polifacético… Todo esto se puede decir de Javier Alfonso, músico canario que decidió tomar las riendas de su proyecto sonoro, Grenouille, y emigrar a Londres para desde allí dar a conocer su música a todo el orbe vía internet, básicamente (que es como ha llegado a nuestras manos, gracias Javier), y llegar a los oídos de los amantes de la música delicada, sutil y cargada de matices. Sus influencias son de lo más variadas, como hemos apuntado anteriormente, desde los clásicos (Jacques Brell, Leonard Cohen, Edith Piaf) a los más contemporáneos (Nick Cave, Jeff Buckley, Sigur Ros, Beirut…), o a músicos de cine como Nino Rota. La nómina sería demasiado prolija, pero pienso que en casi todas se toma como referencia a cantautores o músicos que como él componen y graban su material de manera casi artesanal. En su caso, ésta su primera maqueta está completamente ejecutada y grabada por él mismo, si bien se encuentra en proceso de formar una banda de músicos de apoyo para darle a su proyecto una mayor entidad sonora y más matices si cabe. Sus temas son delicadas piezas llenas de matices y sonoridades de lo más diversas (Laurel leaves, pt.1), con referencias al mundo del cine neorealista (Masquerade ball, Laurel leaves, pt.2), o al universo personal de un nuevo crooner tipo Tom Waits (Laurel leaves, pt.2; Chalk smiles). Momentos de mayor intimidad (Cysted tears, City of sirens) o con mayor intensidad (Tales of a napkin´s corpse). Por momentos se roza con el mundo de la música electrónica, pero haciéndose acompañar de instrumentos clásicos (La victoria de Bahamontes, Graphite nights). Disco, en definitiva, ameno y enriquecedor, de matices un tanto oscuros; para disfrutar de forma relajada intentando saborear todos sus registros musicales, que no son pocos. Puedes descargar el disco gratuitamente desde aquí.
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Tales
of a napkin’s corpse by Grenouille

Laurel
leaves part 2 by Grenouille

The Twees: Lessons to connect (Ep, 2009)

Al hablar de una banda joven como The Twees es inevitable la comparación con bandas mayores o ya establecidas. Máxime cuando el sonido del grupo sea tan fácilmente reconocible como lo es en esta ocasión. En cualquier caso, y dado que nos enviaron gentilmente un mail a nuestro blog, les vamos a dedicar este pequeño espacio en nuestro post de hoy. Originarios del barrio de Brooklyn, epicentro musical de los últimos tiempos en los Usa, The Twees son un joven grupo que destila energía a raudales en su sonido, en el cual encontramos ecos puramente neoyorquinos, a saber, Talking Heads, Television, The Strokes, mezclándolos con la energía juvenil que desprenden los primeros discos de The Libertines o Franz Ferdinand. Yo los veo más bien como una representación de los últimos coletazos que este tipo de sonidos que algunos dieron en llamar Post-Punk Británico o simplemente Rock-Británico, mezclados con esa particular visión de hacer Pop que se estila en los ambientes neoyorquinos, combinando el tono cool con esos sonidos de guitarra chispeantes, tan propios de gente como The Strokes. Cuatro temas que pueden agradar a un público acostumbrado a este género y que si por algo destacan es por su alto aporte energético. Puedes descargar de forma gratuita el disco, dándote de alta aquí.
“Turn Up The Sound favorites, The Twees, recently released their new EP…and it’s fantastic! Their EP entitled ‘Lessons To Connect’, mixes pop and indie rock reminding you of a mixture of The Strokes and Franz Ferdinand, ‘Full Circle’ showcases this comparison the most out of all the songs. Head bopping beats and catchy lyrics make ‘Lessons To Connect’ one of the years best releases, it’s a shame more people have yet to have discovered The Twees. ‘Full Circle’, ‘Different Pages’, ‘Start Again’ and ‘Lessons to Connect’ are the songs that make up the EP, each one stands out in their own unique way. The Twees have it down to a science, they have written songs worth listening to, songs that are sure to catch your attention. We’re telling you, The Twees are going places, it’s best you join them.” (turnupthesound.ning.com)
“With a name like “The Twees” there’s no getting around these NYC youngsters being the go-getting indie/pop/post-punk. But that’s too easy and there is something really worthwhile about these dudes, their chirpy guitars recall something of Fool’s Gold (afro-beat) variety.However, the Jason Abrishami’s vocals dial notions of a young Lou Reed, with more emotive qualities.
There are moments verging on “Lo-Fi” in their older tracks, and some more punchy math type guitars, always accompanied by Logan Sorrentino consistent drums. The highlights are when they loosen up by vocal distortion through emphasis (refer to I’m Not Saying). The new EP signifies a serious turn for these gentlemen, they are making music for the pop-kids of now. Above all of these is that The Twees are young dudes, who still have things to prove, which will be no major feat for them, listen to them while you lick the salt before the tequila.” (livinginatree.com)
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The Crack Babies: Smoking at Gas Stations (2009), Odd Box Records

Siguiendo con una costumbre algo extendida últimamente, el proyecto The Crack Babies es un ente bastante desconocido. Tan sólo se sabe de ellos que bajo este nombre apareció allá por 2005 este fabuloso Ep de siete temas llamado Smoking at Gas Station en Lost Music Recordings. El proyecto estaba liderado por un músico sueco que se hace llamar H.R. Ésta es toda la información que he podido recopilar de este músico (por cierto, que existe otra banda estadounidense con el mismo nombre). Imagino que ante el aluvión de estupendas bandas Shoegaze que han poblado el panorama Indie de este curso de 2009, la pequeña discográfica Odd Box Records decidió reeditar este CD-R original, mejorándole su concepto gráfico pero respetando el sonido primigenio, absolutamente chirriante y del todo epatante. El disco, como he apuntado, es absolutamente demoledor, suena a Psychocandy por todas partes, pero, no en vano, The Jesus and Mary Chain es una de nuestras bandas favoritas de siempre y una de las referencias inevitables de casi cualquier banda con aspiraciones Indie-Noises. Os puedo decir sin reservas que es lo más parecido al primer álbum de JMC que hayamos oído en mucho tiempo, y eso que este mismo año ese honor casi se lo lleva el Over and over de los suecos The Legends o el Summer of Hate de Crocodiles. Pues a partir de ahora rectifico, ese título honorífico del disco más Noise del año se lo lleva este Smoking at Gas Stations, aunque sea una reedición, la cual, por cierto ya se ha agotado. Los siete temas del álbum compiten por hacer gala de una agradable melodía contrapunteada, cuando no solapada por un muro infernal de guitarras chirriantes acompañada por unas baterías simples pero efectivas. Vamos, las canciones por las que unos Raveonettes matarían aún hoy en día que siguen cultivando -en menor medida- el género. Shine, America, Honey believer, Come on baby cramp my style son tremendos ejemplos del Noise más bestia, con una producción un tanto precaria, pero con unas guitarras tan saturadas que os aseguro que no podréis oír el disco más de dos veces seguidas a un volumen razonable. La energía ruidosa se calma un tanto en Pretty, pero vuelve a aparecer en la animosa Turn on up the radio! Es obvio decir que las letras son casi ininteligibles -al menos para un oído hispano-. Se cierra el disco con la pseudo-surfera She´s a star, tremendo broche final para un disco que os aseguro que no os dejará indiferentes. Lo interesante ahora sería que H.R. continuara con la labor y nos deleitara con más melodías como las de Smoking at Gas Stations: Disco tremendo.
“It’s 1985 in the Crack Babies world. Specifically 1985 with a copy of the Jesus and Mary Chain’s “Psychocandy” in hand. “Shine” kicks off and you are automatically absorbed by the lo-fi, feedback driven scorching sound. There is no greater homeage to the Reid brothers vision of pop music than this.” – SoundsXP
“Here is a seventeen-minute EP covering seven tracks delivered with jackhammer-like decorum. Yet, as usual, persistence pays and a careful listen beyond the surface throws up a few melodic delights like the first song ‘Shine’ – melodically a dead ringer for New Order’s ‘Ceremony’ with layers of feedback added. Other songs are reminiscent of Motown anthems unceremoniously mugged by a gang of ne’er-do-wells. All told, it’s primitive, raw yet fertile stuff.” – Leonards Lair
“Back in 2005 Lostmusic Recordings released this seven song EP titled Smoking at Gas Stations from the one man band project The Crack Babies based out of Sweden. During its initial run of very limited copies it sold out and was then offered as a free download, which amassed quite a few of those. However with the aforementioned label now gone and nowhere to download, Odd Box Records has risen to the demand after persistent requests to do another limited run of the album on CD for anyone that missed out the first time. If you’re a big fan of 80’s noise-pop, lo-fi, or just JAMC worship in general then by all means don’t miss out on it again.
The Crack Babies are very much what you think they are, incredibly blown out shoegazy noise. However, on this EP the decibels are driven even further upward landing them in the same area as fellow past limit pushers Skywave. Whether the aesthetics of the record were intentional or not (it was recorded with an extremely low budget), the results greatly work to its advantage. At times the vocals hit a high blown out yet muffled pitch that often reminds me of Scott Cortez’s work under the Astrobrite moniker. Anyway, check out the tune below” (builtonaweakspot.com)

Oír – Shine

Odd Box Records

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	The Crack Babies – Honey Believer
	Found at skreemr.com

Simon & Garfunkel: Homeward bound (Live at Monterey, June, 1967)

Monterey International Pop Festival, Part-1/9

Durante los días 16, 17 y 18 de Junio de 1967 se celebró en el condado californiano de Monterrey el que para muchos fue el verdadero primer festival de Rock masivo (dos años antes que Woodstock, que ya posteamos por aquí y nos fue eliminado). Los verdaderos artífices fueron el promotor Lou Adler, John Phillips –The Mama´s and the Papa´s-, su productor, Alan Pariser y el publicista Derek Taylor -que también había trabajado para The Beatles-. Además de ser el verdadero primer concierto masivo de la historia, fue pionero por el hecho de que la mayoría de los músicos tocaron gratis, cediendo la recaudación del evento a diversas causas benéficas. Ni que decir tiene que en torno al mismo se reunió todo lo que por entonces comenzaba a conocerse como la Contra-Cultura, “los jóvenes viajaron allí a vivir un estilo de vida alternativo destinado a aumentar la libertad personal, viviendo en armonía colectiva. Esta transformación de los ideales y la vida se exploró a través de psicodelia de luz, arte, música y drogas, como marihuana y LSD. The Monterey Pop Festival se incorporó al estilo de vida de San Francisco y la contra-cultura y es generalmente considerado como uno de los inicios de la “Summer of Love” en 1967″. El festival resultó ser, a la postre, un éxito tanto en organización como en asistencia de público -alrededor de doscientas mil- como de organización, con el mérito que ello conllevaba dada la inexperiencia en la realización de eventos de esa índole:
El promotor Lou Adler dijo al respecto:
“…Our idea for Monterey was to provide the best of everything — sound equipment, sleeping and eating accommodations, transportation — services that had never been provided for the artist before Monterey…
We set up an on-site first aid clinic, because we knew there would be a need for medical supervision and that we would encounter drug-related problems. We didn’t want people who got themselves into trouble and needed medical attention to go untreated. Nor did we want their problems to ruin or in any way disturb other people or disrupt the music…
Our security worked with the Monterey police. The local law enforcement authorities never expected to like the people they came in contact with as much as they did. They never expected the spirit of ‘Music, Love and Flowers’ to take over to the point where they’d allow themselves to be festooned with flowers” (wikipedia.org)
Pero lo que nos interesa del festival es la música, y podeos ofrecer el pack de todo el festival completo. Para ello, en el Retro-Visor inaguramos una sección que nos llevará nueve semanas, que son los discos que componen esta nueva edición del Monterey Pop Festival, que supongo que será la definitiva, porque en ella están todos los artistas que actuaron en Monterrey. Espero poder dejaros todos los enlaces y que la tarea no sea interrumpida, como ocurrió con Woodstock, del que os tenía preparados dos volúmenes hasta que el post fue eliminado. Como siempre, podéis disfrutar de los discos pinchando en su portada. Agradecimiento al blog The Ultimate Bootleg Experience (T.U.B.E.), de donde hemos tomado los enlaces.
El primer disco corresponde a actuaciones del primer día del festival, donde destacaron, como era natural, Simon and Garfunkel, y unos reformados New Animals, liderados por Eric Burdon. Junto a ellos, el guitarrista Johnny Rivers, el cantante soul Lou Rawls y los amenos The Association:

Disc 1 (Friday Evening 16.06.1967)
1. John Phillips Festival Introduction

THE ASSOCIATION
2. Along Came Mary
3. Windy

LOU RAWLS
4. Love Is A Hurtin’ Thing
5. Dead End Street
6. Tobacco Road

JOHNNY RIVERS
7. Memphis

ERIC BURDON & THE ANIMALS
8. Paint It Black
9. San Francisco Nights
10. Ginhouse Blues
11. Hey Gyp

SIMON & GARFUNKEL
12. Homeward Bound
13. At The Zoo
14. Feelin’ Groovy
15. For Emily
16. Sounds Of Silence
17. Benedictus
18. Punky’s Dilemma
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The Voices: Death of a lover´s song (2009), Phase One Recordings

El tercer álbum de la formación de Gales The Voices ha servido por un lado para construir su obra más elaborada y trabajada y por otro como despedida del grupo. Éste es el adiós de una banda que no pasará a formar parte de los anales de la historia sino como un grupo más dentro del movimiento revivalista del Shoegaze que ha animado el panorama musical de estos últimos tiempos. Bueno, ya ésto no es poco, porque como hemos dicho en numerosas ocasiones, recuérdese si no todos los posts de la semana pasada, estamos absolutamente encantados de que los muros de sonido, las distorsiones y los teclados etéreos vuelvan a inundar los reproductores. The Voices son -eran- una banda más bien de distorsiones que de sintetizadores o teclados; Shoegaze a la europea, como he leído por algún lado. Buena banda, supongo que en el directo serían la caña, porque su dominio de los instrumentos es notable, y ello se refleja en las sesiones de grabación que componen este Death of a lover´s song, que si bien no es un disco sobresaliente, sí que tiene grandes momentos que en nada tienen que envidiar a los grandes dentro del movimiento. Comienza el álbum con una intro extendida que tiene mucho de Kraut: The Set up, tema en el que ya se reflejan los sonidos por donde se va a desarrollar el resto del disco. Silver Queen comienza con introducción muy Noise para irse diluyendo en una melodía con disonantes. Algo parecido a lo que ocurre en Black lights, gran ejemplo del mejor Shoegaze guitarrero, con las inevitables referencias a Mi Valentín Sangriento, gurús del movimiento donde los haya. Savant es tema oscuro, con cierta huella sonora de grupos industriales mezclado con desarrollos Noise: Curiosa. Flames vs. the seventh art, ++0, When the black sun seats son temas que tienen un halo de oscuridad semejante, arropados por una gruesa capa de distorsión y ruido. Ésta última tiene un aire sonoro que nos recuerda al primer álbum de Black Rebel Motorcycle Club. Pero es a partir de aquí cuando el disco sufre un cierto hiato creativo, los temas son más largos, con amplios desarrollos instrumentales, como en el caso de La Guerra, West coast united o Untitled, la influencia sonora más reconocible es la de Damon & Naomi o Magic Hour, particularmente por esos extensos solos de acordes distorsionados; y el ritmo del álbum se resiente notablemente. Tan sólo con Arivistes, una especie de pequeña suite a lo Sonic Youth, éste se recupera. En cualquier caso, buen disco, altamente recomendado para absolutos seguidores del Shoegaze más cerebral y acaso algo más oscuro que gusten de estas épicas historias hipnóticas.
“Whilst all has seemed eerily quiet and calm on The Voices front, a series of one off incendiary shows and long studio sessions has finally helped mould and complete the third album in the bands career. However with 10 tracks completed and demoed The Voices scrapped this material in order to alienate themselves from their previous efforts. Without undoing the steps they have taken to help become a modern shoegaze band (The Voices are deeply proud of these roots) the trio decided to rework and reproduce their most intriguing album so far, and the first collaboration between the band and Phase One recordings. The album has been produced and engineered by The Voices with CS Munday in control. The band have finally let the listener take a few steps towards their hearts and minds, all be it on their own terms – vocals and lyrics becoming far more prominent, rhythms and drums taking a lead through the bands epic storm of feedback, noise and destruction. Death of a Lover’s song is The Voices producing pop songs -an album to be listened to from start to finish. With no time to catch a breath, every song leads on from the last and contains its place in what will surely become a modern day classic to turn to in your moments of need” (tonevendor.com)
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Cómpralo/Get it

Atlas Sound: Shelia (from Logos, 2009), Kranky