The JangleBox

Indie, Noise, Shoegaze… Music

The Apples in Stereo: Travellers in Space and Time (2010)

 

The Apples in Stereo están de vuelta, y lo hacen con su séptimo álbum de estudio, sin incluir recopilaciones ni Ep´s. Todos unos supervivientes que editan un álbum en el que, según las propias palabras de Robert Schneider, querían ejecutar un ejercicio de Pop futurista, mezclando en él elementos del Pop de toda la vida para que fueran interpretados por igual tanto por humanos como por alienígenas. Pues me duele decirlo, porque The Apples in Stereo son una de mis bandas favoritas, pero el ejercicio se le ha quedado un poco a medio camino, porque la mayor parte de los temas, en particular los firmados por Robert, acusan un deje demasiado retro y algo anclado en los setenta, con demasiada influencia de la Elo, los sintes y los vocoders (Hey elevator, Dance floor, Told you once, Nobody but you); cuando no de la huella de McCartney/Wings (Wings away, No one in the world), eso sí, llevándose el material a su terreno para reinterpretar esas influencias de esa manera particular que Schneider tiene de entender el Pop (It´s all right, Dream about the future –que es la mejor dentro de este grupo de temas-). Otros temas compuestos por Robert sí resultan más epatantes: Dream about the future, ya mencionado, por su línea melódica y su construcción impecable. C.P.U. sí que tiene mucho de Pop-futurista e Indietrónica, utilizando una escala de acordes de su invención. Dignified dignitary (Schneider, Bill Doss, John Hill) es el tema más rockista de la colección, canción irónica y más en la línea Applesiana anterior, con la huella del sonido neoyorquino actual. Sin caer en la grandilocuencia en ningún momento, sin embargo hay algo en el disco que no termina de engancharme y me chirría, quedando algo algo distante de anteriores discos, incluso de el ambicioso New magnetic wonder (2007). Basta contemplar el hecho de que sólo en uno de los temas del disco aparece un solo de guitarra, y el sonido de éstas queda algo relegado durante toda su escucha a un plano algo inferior. Sin embargo, las aportaciones ajenas a Robert Schneider son las que mantienen el tipo con mayor fuerza en el disco: No vacation (JohnFerguson/Robert Schneider) es un tema enorme, con ritmo setentero pero con la influencia del Power-Pop y no del Dance-Floor como en muchos de los temas de Robert. Next year at about the same time (Eric Allen) es otra gran canción de Pop vanguardista arropada por sintetizadores pero que alberga las mejores frases de guitarra del disco. Floating in space (John Dufilho) está cercana en cuanto a concepción a la anterior, perfecto ejemplo de Electro-Indie en el que destacan los sonidos de sintes analógicos para dar cuerpo a un tema de idea futurista. El disco, en definitiva, resulta ser una idea un tanto fallida de aunar pasado y futuro, porque a Schneider se le ha ido un poco la mano en lo que a influencias setenteras se refiere, y no toma un claro camino decidido por una u otra tendencia. Resulta ser algo así como el White Album de The Apples in Stereo, en tanto que se nota demasiado la dirección del líder, con una idea muy clara de sus canciones y sus sonidos, y los temas ajenos, que sí que giran hacia un concepto más contemporáneo del Pop. (El link lo podéis encontrar hoy en los comentarios)

The Apples in Stereo – Travellers in Space and Time (2010)

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31 marzo, 2010 Posted by | The Apples in Stereo | 2 comentarios

Snowden: Slow soft syrup-Ep (2010), Jade Tree

 

Snowden es una banda de Brooklyn que no está muy alineada con la mayor parte de sonidos que de esa ciudad están surgiendo. Snowden es una banda con un sonido sombrío y ensoñador: gloomy cheer, como ellos mismos lo definen. Shoegaze tranquilo, con sonidos de guitarras que casi siempre quedan en un segundo plano, mezcladas con teclados que crean una atmósfera de distorsión en la que se encuadran sus temas: No words no more, So red, No one in control, Anemone arms -mi favorita-… lo que configura su sonido como un remanso de calma Shoegaze con algunos ramalazos de Post-Rock siempre con una cierta contención, como si de repente fuera a explotar una tormenta que nunca llega. En cualquier caso, buen disco que la banda ha decidido compartir gratuitamente con todo aquel que quiera descargarlo e incluso colaborar con alguna donación hasta el momento en que se edite un nuevo álbum de la banda. Puedes descargarlo gratuitamente desde aquí, a cambio tan sólo de una dirección de mail.

Snowden – Slow soft syrup-Ep (2010)

“Snowden have played up and down the seaboard so often they’re mistaken for New Yawkers. Led by singer/songwriter Jordan Jeffares, the Atlanta four-piece mopes as cool as any number of Gotham brooders, and you don’t need Interpol to know which way the gloom blows. There’s even a round or two of throat-rent Casablancas on the surprisingly romantic “Stop Your Bleeding”, while “Black Eyes” leaves something uptown, as drummer Chandler Rentz pounds dark and pensive. True, if dudes were actually NYC men they’d be copping This Heat by now, but that, along with crisply efficient songcraft, is Snowden’s secret. Their name may come from Joseph Heller’s famously satirical Catch-22, and their record may be called Anti-Anti, but Snowden’s full-length debut is as flat-out passionate as you used to expect from Jade Tree. The title track is the manifesto, unabashedly enjoying its catchy/dumb intro and guitar smolder in a way that pleasantly betrays its origins far from the potentially stultifying self-consciousness of the only city that really matters, even as it bitterly mocks your “fashion drugs” and too-cool silence. “One time we believed, but now it’s passing and cliché,” Jeffares’ deep voice tells me, “And she’ll say anything to make you move again.” Fuzz-bass-smoked “Between the Rent and Me” cuts closer: “What do you think I am/ Or do you think at all?” (pitchfork.com)

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30 marzo, 2010 Posted by | Snowden | 1 comentario

The Lemonheads: Live, Kiamesha Lake, New York; 20-3-1994

Para este lunes hemos preparado disco en directo de una de nuestras bandas favoritas de los noventa, The Lemonheads. En concreto, una actuación en Nueva York, en el año 1994, recién editado Come on fell The Lemonheads, el disco con el que Evan Dando se convertiría en un pequeño icono de la independencia norteamericana, llegando a hacerse un pequeño hueco en los mass media americanos y en las listas de éxitos y ventas. Sea como fuere, el disco era una meritoria continuación de It´s a shame about Ray, su obra maestra, y en él había igualmente una cierta mezcla de Pop y de Country-Folk más o menos a partes iguales. La mezcla le dio un gran resultado a Evan Dando, quien se hizo acompañar de su formación más estable, junto con Nic Dalton y Tom Morgan, así como ayudas como las de Juliana Hatfield, Belinda Carlisle,  The Robb Brothers, Sneady Pete Kleinow o Rick James. Lógicamente, la mayor parte del repertorio del concierto lo conforman los temas de los dos discos referidos. Espero que lo disfrutéis.

The Lemonheads – Live at Kiamesha Lake, New York (1994, 3, 20)

29 marzo, 2010 Posted by | The Lemonheads | Deja un comentario

Cover´s game: You´ll never walk alone (Gerry and The Pacemakers, Elvis Presley)

Era obvio que este fin de semana íbamos a comparar la celebérrima You´ll never walk alone de Gerry and The Pacemakers con alguna que otra versión, como ésta de Elvis Presley.

28 marzo, 2010 Posted by | Elvis Presley, Gerry and The Pacemakers | Deja un comentario

Black Tambourine: Black Tambourine (2010)

Ahora que están tan de moda los sonidos Shoegaze, el Noise-Pop-Revival y demás, Slumberland Records ha hecho coincidir el vigésimo aniversario de la creación de Black Tambourine con este disco reeditado en el que aparecen los tres singles que la banda editó en su momento, 1989-1991, con otras reediciones y canciones más o menos perdidas. La aparición del disco no puede ser más oportuna, porque para que se coman el pastel bandas como Vivian Girls o Dum Dum Girls, pues aquí tenemos a las originales Black Tambourine, todas unas “adelantadas” de su época, que tomaban como referente a The Jesus & Mary Chain para recrear su particular forma de entender el Pop, desde un punto de vista más melódico, sin olvidar a referentes como The Ramones, el sonido Spector, The Pastels, Shop Assistans, Orange JuiceBlack Tambourine en realidad se formó como un proyecto paralelo a las bandas de las que provenían la mayor parte de sus componentes: Whorl y Velocity Girl, a quienes se unió Pam Berry como vocalista, quien aportó su particular tono entre sombrío y sensual. Una buena oportunidad para conocer qué se cocía en el panorama Indie de finales de los ochenta y primeros noventa, y a la vez descubrir los orígenes de muchas de las bandas a las que hoy en día admiramos. Interesante.

Black Tambourine – Black Tambourine (2010)

“Crucial compilation from one of the first Slumberland bands. A feedback-enshrouded collision of noise and pop that owed a lot to The Jesus & Mary Chain, Shop Assistants, Galaxie 500 and 14 Iced Bears, but of course is marked as totally unique by their dark, haunting tunes and Pam’s lovely vocals. This reissue includes new liner notes, new art, never before seen band photos, and SIX unreleased songs, including four new recordings made in the Summer of 2009. Though they only released a handful of songs their two-year lifetime, Black Tambourine has been hugely influential in the world of indie music. Conceived of as an explicitly pop band at a time when such bands were pretty rare in America, Black Tambourine wore their influences on their sleeves: The Jesus & Mary Chain, of course, but also folks like Phil Spector, Smokey Robinson, Love, The Ramones, Shop Assistants, The Pastels, 14 Iced Bears, Orange Juice and the list goes on… The band’s dark, dreamy sound was consonant with the shoegaze sounds of the day, but the classic 60s-influenced songwriting gives their tunes a timeless appeal.

Formed in 1989 as a side project by members of Whorl and Velocity Girl, they soon recruited their mate Pam Berry as vocalist and released their first song, quixotically an instrumental, on Slumberland’s very first release. Two singles followed, along with a pair of compilation contributions. Alas, other obligations became more pressing and the band called it a day in 1991.

Though their recorded output was quite limited, the music has continued to inspire indie, punk and indie-pop bands down the years. As the band’s twentieth anniversary arrives, just about any review of or article about a noisy pop band drops their name, and their influence on bands as diverse as Vivian Girls, The Pains of Being Pure At Heart, A Sunny Day In Glasgow, Wavves and Dum Dum Girls is continuing proof of Black Tambourine’s legendary status in indie music. Interestingly, it would appear that 2010 is the year for Black Tambourine!” (MySpace)

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26 marzo, 2010 Posted by | Black Tambourine | Deja un comentario

Ingrid, la película (2010)

 

En The JangleBox nos hacemos partícipes hoy del próximo estreno (30 de Abril) de Ingrid, nueva obra del cineasta Eduard Cortés (La Caverna, La vida de nadie, Otros días vendrán). Ésta es una película mucho más inquietante y estresante. Está basada en un hecho real que le sucedió al propio Eduard, quien en la peli se reencarna en el personaje de Álex, quien tras una ruptura matrimonial se instala en un piso en el que conoce a Ingrid. Pronto enlaza amistad con ella, y con ella descubrirá, en medio de una atmósfera de perfomances, libertad creativa y artística, que tras el apasionante mundo de Ingrid se ocultan misterios imprevisibles. La película es, en realidad, una ficción especulada, ya que los hechos en los que se inspira son reales, como cuenta el propio director:

“Fue en septiembre del 2004. Navegaba por Internet y accidentalmente fui a parar a una página del fotolog. Desconocía absolutamente en qué consistía una red social de este tipo, y de entrada me costó encontrarle un interés concreto, pero decidí curiosear un poco más. A partir de ese momento, raro es el día en que no pierdo por lo menos media hora navegando por esos dominios de Internet. Precisamente, unas semanas después de aquella primera visita, encontré un fotolog que me llamó poderosamente la atención. Lo había abierto una chica de 22 años que aparecía en un montón de fotos. Algunas parecían ser de performances o de algún otro tipo de acción con motivaciones artísticas. La mayoría eran de una ejecución impecable. Muchas otras eran presumiblemente instantáneas de algunos episodios de su infancia y adolescencia. Los textos escritos al pie de esas imágenes resultaban muy enigmáticos. La mayoría acababan con la misma frase: “You’ll Never Catch Me” (Nunca me alcanzarás) que era el título del fotolog. Poco a poco fui descubriendo aspectos de su vida, a husmear aquellos textos y aquellas instantáneas de fiestas, conciertos, viajes, etc. No era española aunque vivía aquí, había estudiado arte y, a parte del fotolog, tenía otros espacios como un flickr, un deviantart, y posteriormente un myspace. En ellos también colgaba dibujos, música y vídeos realizados por ella misma. Decidí escribirle al correo electrónico que figuraba en su perfil. No tardé en recibir respuesta. Durante una temporada intercambiamos e-mails, y un día decidimos mantener charlas más fluidas a través del Messenger. Rápidamente se estableció complicidad entre ambos, y gracias a ello me explicó episodios de su vida que me dejaron absolutamente perplejo. Me fascinaba todo lo que me contaba de su mundo, de sus obsesiones. Atónito intentaba visualizar los episodios que sutilmente me dejaba entrever de lo que llamaba su lado oscuro. Me encantaban sus fotos, sus vídeos, aquellos textos crípticos pero tan sugerentes. De este modo estuvimos en contacto casi un año. Ahora vivía en Barcelona, pero curiosamente nunca llegamos a vernos. Nuestra relación en esos doce meses pasó por períodos muy diversos. A veces desparecía un par de semanas sin que supiera nada de ella. Cuando reaparecía solía estar eufórica y con un montón de cosas apasionantes que contar. Muchas de esas historias parecían absolutamente inverosímiles, sin embargo en cualquier momento aportaba la prueba justa de su veracidad. A veces era una foto, otras algún objeto que me mostraba a través de su web cam, o simplemente su mirada llena de verdad asegurándome que no se inventaba nada. Nuestra amistad casi cumplía un año, cuando llegó el día de nuestra última charla. Entonces no podía sospechar de modo alguno que ya no volvería a hablar con ella. Esa noche la noté desanimada. El ritmo de su escritura era mucho más lento y sus explicaciones eran sorprendentemente erráticas. Le pregunté si le sucedía algo, y la verdad es que me costó un poco arrancarle algo parecido a una respuesta concreta. No estaba bien, pero tampoco llegué a saber porqué. Había hecho un viaje a París del que había regresado distinta y del que no me quiso explicar ni media palabra. Se limitó a preguntarme si podía confiar en mí, y cuando le dije que por supuesto, me pidió mi dirección para enviarme un disco duro lleno de material personal y artístico que debía guardar por si le sucedía algo. De llegar ese momento, podría hacer con él aquello que creyera más oportuno. Luego se despidió y ya no volví a saber de ella. Durante semanas estuve pendiente del buzón por si llegaba el famoso disco duro. Pero no llegó nunca. Pase días obsesionado, buscándola inútilmente en sus espacios de Internet, que poco a poco también iban desapareciendo sin dejar rastro. Con una impotencia difícil de describir sentía como se diluía hasta quedar en nada. Fue entonces cuando decidí reconstruir su figura, sus espacios, hacer una película sobre ella. Una historia en la que me atrevería a imaginar lo que pudo pasarle y el contenido de ese disco duro que nunca llegó. No podría ser una historia normal y debería contar con gente como ella, personas que a diario cuelgan pedazos de sus vidas en Internet, configurando una geografía emocional que desde el primer día me ha fascinado absolutamente. De este modo nació parte de ficción especulada, es verdad que un porcentaje muy elevado de las cosas que en ella suceden se inspiran directamente en aquellas charlas que tuve con ella durante casi un año, antes de que desagraciadamente se la tragara la tierra, o mejor dicho la Red. Ingrid es una de esos personajes que intenta encontrar sus propias reglas, sus propios límites. Y la película no hace más que observarla, sin intervencionismos, sin juicios, desde la fascinación, desde la perplejidad en muchas ocasiones. Poco a poco uno se va enamorando de ella, y poco a poco va comprendiendo lo inevitable de su autodestrucción” (Eduard Cortés, dossier de prensa)

Además de todo, en la película tiene un papel fundamental su banda sonora y la ambientación musical, en la que colaboran infinidad de artistas y bandas: Micka Luna, Russian Red, Krakovia, Manos de Topo, Love of Lesbian, La Casa Azul… artistas todos ellos que colaboran musicalmente y que contribuyen a que en numerosos momentos el film tenga una estética y una ambientación de vídeo-clip. Lo mejor para que tengáis una idea lo más fiel posible es que visitéis su página oficial: ingridlapelicula.com. Los intérpretes son desconocidos para el público en general: Elena Serrano y Eduard Farelo.

 MySpace / Página oficial

25 marzo, 2010 Posted by | Ingrid | Deja un comentario

Letting Up Despite Great Faults: Our younger noise (from Letting up despite great faults, 2009)

Actuación en directo de la banda californiana Letting Up Despite Great Faults, interpretando uno de los mejores temas del disco, Our younger noise.

25 marzo, 2010 Posted by | Letting Up Despite Great Faults | Deja un comentario

Letting Up Despite Great Faults: Letting up despite great faults (2009)

 

Hoy vamos a degustar en The JangleBox un disco del año pasado que sin embargo hemos descubierto hace poco y que considero que merece la pena reseñar. Se trata del primer largo de Letting Up Despite Great Faults, tras su Ep de debut, Movement (2006). Este álbum del grupo californiano es toda una joyita de material emocionalmente inflamable: Indietrónica que rápidamente te llega a los sentidos en forma de gemas sonoras, hábilmente construidas e interpretadas de forma amorosa y podríamos decir artesanal, ya que la autoedición ha sido la forma en que LUDGF -obvio escribir de nuevo todo el nombre- ha elegido para distribuir sus canciones. Guitarras y teclados analógicos unidos a sintes y a innumerables arreglitos electrónicos hacen su aparición a lo largo de todo el disco, que está preñado, como decíamos, de momentos memorables. Desde el comienzo, In steps, temazo que fácilmente podrían firmar los MGMT más poperos, el disco nos sorprende con cada tema y va tomando forma y cuerpo de manera amable y sencilla. Folding under stories told, The colours aren´t you or me, Our younger noise, Pause, So fast: you -ésta particularmente me encanta, con sus teclados simulando cajas de música infantil-; Sun drips, Release… Disco de diez en el que se mezclan por igual los sentimientos a flor de piel con la sensibilidad desarrollada tanto por instrumentos analógicos como electrónicos. Algo así como el adelanto del Pop-Psicodélico con el que gentes como The High Wire o Beach House están dando tanto que hablar. Hay quien los ha querido emparentar con el Shoegaze y no les falta razón, porque muchas de sus canciones están inmersas y rodeadas por un cierto halo de ensoñación, aunque yo iría más allá y los relacionaría tanto con The Radio Dept. como con The Postal Service, y además están bendecidos por Ben Gibbard. Un discazo que merece la pena degustar. Por aquí ya lo hemos hecho.

Letting Up Despite Great Faults – Letting up despite great faults (2009)

“Had Ben Gibbard and Jimmy Tamborello known what impact putting programmed beats to blushing lyrics sung with a tender voice would have on music, they could have made a fortune with the patent. L.A.’s Letting Up Despite Great Faults show their softness even in their name, not to mention Postal Service as an influence, along with the other 300 or so artists listed on their MySpace page. Thankfully, they’re wise enough to look at more than a few of those names for inspiration on their self-titled album. The follow-up to an EP that Gibbard himself gave thumbs up to, Letting Up is awash in wistful melodies, layers of shoegaze guitars, ringing synthesizers and a static-y drum machine. “In Steps” follows the Radio Dept. blueprint by providing feel-good melancholy with a snapping beat, droopy bass and pensive vocals, whereas “Pause” swells with analogue synths and placid strumming like M83 often does. But LUDGF know better than to fall into any sort of formula. “Sun Drips” may pick up an acoustic, but they subtly incorporate keyboard strokes and a breezy hum so that it doesn’t spoil the mood, and “Release” is a straight, mid-tempo ballad immersed in a wash of distortion and reverb. Letting Up Despite Great Faults prove their name wrong by turning in an album short on faults and high on that warm fuzzy they intended to spark” (Cam Lindsay, en explain.ca)

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24 marzo, 2010 Posted by | Letting Up Despite Great Faults | 10 comentarios

JJ: Nº 3 (2010), Sincerely Yours

Os traemos hoy hasta The JangleBox el segundo larga duración de la agrupación sueca JJ, que lleva por título el escueto Nº 3. Bien, lo comentamos porque ya lo habíamos oído y, porque ya que habíamos reseñado su anterior trabajo, Nº 2, este pasado verano, por qué no hacerlo con éste. Varios puntos nos llaman la atención: en primer lugar, que el dúo ha roto con todo ese aura de misterio que les rodeaba, apareciendo fotografías y dándose a conocer en una compañía discográfica al uso, para ofrecer actuaciones. Ésto es comprensible. Lo que es menos comprensible es que, aprovechando el tirón de su primer disco, la banda nos ofrezca un producto tan poco sostenible como este Nº 3. No es que su trabajo anterior nos volviera locos por aquí, pero al menos ofrecía algo así como un halo de frescura dentro del Dream-Pop-Electrónico, lo que muchos han dado en llamar últimamente Balearic. Sus canciones eran frescos ramalazos del mejor Pop electrónico. Pues bien, en este Nº 3 no encontramos ningún tema brillante que en algún momento nos enganche o nos haga pensar que estamos ante una gran canción. Antes bien, si áquel era un disco que parecía pensado para animar las noches veraniegas, éste resulta ser su antónimo, un disco de claroscuros, o más bien de oscuros antes que de claros, algo así como la oscura banda sonora de una tarde otoñal. Mucha electrónica, mucho sintetizador y poca sustancia, en realidad nueve temas que pasan prácticamente desapercibidos, dándonos la sensación de que igual estamos delante de los descartes de su anterior trabajo,  prácticamente recién editado hace apenas ocho meses. Por lo demás, la influencia del Rap (cover de My life), y del mundo del fútbol, especialmente rendidos a la figura de su compatriota Ibrahimovic (Into the light; Voi parlate, Io gioco). Seguir la estela del nuevo Pop-psicodélico que facturan gentes como Animal Collective o Memory Tapes se les ha quedado un tanto atrás. Disco prescindible.

JJ – Nº 3

“I have seen few artists follow up on hype as quickly as jj. The elusive Swedish project received some of the hottest press of 2009 for their second album, jj n° 2, but that did not exactly translate to a rewarding vacation. Head proprietors Joakim Benon and Elin Kastlander chose to head right back into the studio instead, hoping to again capture the magic that made jj n° 2 so special. Their infusion of electro-pop, reggae, and world music combined for an excellent and exotic sound less than a year ago, with most references placing them between the throwback italo-disco of Sally Shapiro and the contemporary electronica of fellow Swedish artists like Air France or The Tough Alliance. Samples of ocean waves or children laughing coincided with lush and melodic moments of pure awe, producing an excellent pop album that showed admiration for both expansive world music and minimalistic electro-pop. Its perfect medium was what allowed for its consummate success, and jj’s lack of any personalized enigma whatsoever meant that all attention was warranted. With this most recent Grammys showcasing quite the opposite, it was nice to have an artist that got so far on their music alone (jj does not even have a MySpace or official site yet). The public image of jj was literally obsolete and it made both their presence and music even more endearing. If I were to be sympathetic, I would call jj n° 3 an interesting failure. Whereas many artists attempt to defy industry standards after experiencing momentous acclaim, jj has oddly reverted to territory that is less creative, atmospheric, and not in accordance to the strengths displayed so prominently on jj n° 2. Despite a few flourishes of success on jj n° 3, the album falls flat on its face. Tthe only aspect here comparable to jj n° 2 is Kastlander’s voice, with the accompaniments behind her not containing nearly enough versatility or memorability. It is a significant change from the interesting, exotic, and caressing sounds of jj n° 2. The actual music on its successor sits in more restrained territory that sees delicate keys, chirps of synths, and predictable hooks combine for a generic sound that sits more in line with Enya’s interpretation of New Age and World music. The problem with this comparison is that Kastlander has already treated fans to jj n° 2, which was one of the few albums able to combine lushly atmospheric electronic pop with seductive female vocals. Comparisons there were more pertinent to The Tough Alliance or Massive Attack, who are much more pertinent and well-regarded today. jj n° 2 surprisingly sounds outdated, irrelevant, and rushed. Kastlander’s voice is still seductively chilly, but the arrangements no longer enhance them to soaring heights. Perhaps they were aiming for more minimalistic, DIY territory, but the songwriting is not nearly memorable enough to compensate for the absence of atmosphere, mood, and melodic progression in most tracks.

Such comparative analysis are likely to make those with no experience of jj n° 2 wonder if they will enjoy its follow-up. It is true that jj n° 2 is on a completely different level than jj n° 3 both in terms of innovation and consistency, but even those who enjoy the stylistic transgression on jj n° 3 should tire of it quickly. The songs all blend together into one, which can be beneficial or detrimental depending on the initial presentation. Here though, there is nothing to get excited about early on. The opening “My Life” attempts to establish a personal connection with the listener as reverbed piano and vocals enforce a tragic tale of retrospective contemplation. Like many efforts here though, it comes off as way too forced. The melodies, which were so strong before, take such a dip on this album and it is evident immediately from this. To be honest, some of the melodies sound like hip-hop b-sides because they are cluttered in choruses and hooks so generic that only a witty persona in an entirely different genre could salvage it. Some songs are quite depressing in this regard, mainly because occasionally there is one great idea that is never properly expanded upon. “Let Go” opens with a beautiful melody that borrows from both italo-disco and lush balladry. Kastlander employs the perfect tone under the trickling of melodically invigorating synths, only to be interrupted by an awful chorus of over-utilized synth pads that sound like an Enya reject. Kastlander also sounds occasionally disinterested on tracks like “Voi Parlate, lo Gioco”, where clumsy percussion combines with hesitant vocals that stick out like a sore thumb. It sounds as if this recording was a practice run and they were going to touch it up later, only to be rushed by the presence of hype. This is the case for a lot of tracks here.

A song like “And Now” is indicative of the album’s general weaknesses. The first minute or so finds an extremely discordant string melody appearing in prominence, as if it were something to be proud of. It sounds like the band is merely trying to show us they are able to implement strings, with its melodic dullness and awkwardness growing concurrently to contradict any initial intention. The synthesized strings tread on for increasingly long considering it is a three-minute pop song, and when the mid-way point occurs with nothing but three guitar chords and lagging vocals attempting to disguise their fallacies under the horrendous string progression then we begin to realize how disastrous an effort like this really is. Even the lyrical content is unbearable, and when you combine that with no melodic transition whatsoever then nothing is left but filler. It is humorous when “Into the Light” attempts to employ samples by using a sports broadcast, but it just comes across as desperately contrived and unnecessary like the rest of jj n° 3. A track like “Light” is occasionally able to remind listeners of the airy atmospherics of jj n° 2, even if the sloppy acoustics do not provide the endearing effect as initially planned. The album is not polished enough to assume it was intentional. When these types of observations is made it becomes difficult to evaluate an album like this one, since the intentions on jj n° 3 are clearly different than their predecessor. This is a rushed job, plain and simple, and I really hope that jj can one day recapture the magic of jj n° 2. This unfortunately is not the year”  (obscuresound.com)

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23 marzo, 2010 Posted by | JJ | Deja un comentario

Alphaville: Despues de la derrota, de El desprecio (1984)

Poner imágenes a una de las mejores canciones compuestas por un inspiradísmo J.L. Abel. El resultado es abrumador, la potencia visual de los hermosos encuadres ciega la razón, la letra y la música asfixian pero no ahogan si te entregas a fondo a ellas.
La peli es la de Manolo Summers, claro, para mí la primera parte comparable a los “400 golpes”, y si me apuráis, aún mejor, no pretende perdurar ni crear escuela, retrata sin falsos valores la sinrazón de una edad secuestrada, atrapada en un sentimiento que te poco a poco te va consumiendo. Casi mejor así, sin el horrendo doblaje de adultos que la época apostólico-romana impuso; las miradas adquieren así todo su límpido significado, enorme poesía callejera de un tiempo que jamás volverá.
Seguimos viviendo, pero algo en nosotros ha muerto…
(
Canal de YouTube de mgmanu2; visitadlo con frecuencia si queréis ver infinidad de vídeos de los ochenta en España y mucho más…)

21 marzo, 2010 Posted by | Alphaville | Deja un comentario

Alphaville: El desprecio (Maxi, 1984)

El sonido y la fama de malditismo de Alphaville se vio culminada con este Maxi titulado El desprecio. En él el sonido de la banda se tornaba algo más axfisiante y cercano a la onda siniestra. Por cierto, me gustaría recordar, para los que no lo sepan, que durante los ochenta, los Maxi-Singles de vinilo, lo que hoy en día vendrían a ser los Ep´s fueron uno de los principales medios de difusión de la música, y estaban valorados como una obra en sí misma, no como un disco de interludio o como un descarte de un álbum. Este Desprecio vino a ser el canto del cisne de Alphaville, su despedida como grupo, dejándonos como epitafio una de las obras maestras de la movida, De máscaras y enigmas, un pedazo de tema en el que se mezclan por igual lirismo y misterio, envuelto todo ello en un aura de teclados mágicos. Imprescindible. El disco no fue bien recibido por la crítica, en contraposición a su anterior álbum. Ello y las conocidas desavenencias entre J. L. Fdez. Abel y el resto de la banda dio como resultado su disolución definitiva. Por cierto, en el anterior post no dije que el nombre de la banda viene de una película de J.L.Goddard.

Alphaville – El desprecio (1984)

20 marzo, 2010 Posted by | Alphaville | Deja un comentario

Alphaville: De máscaras y enigmas (1983)

Alphaville fue uno de los grupos que hoy diríamos más de culto de la llamada movida de los ochenta en España. Incompresión o malditismo, lo cierto es que la banda de José Luis Fernández Abel se labró una fama de banda cercana a referencias literarias o filosóficas (Nietzsche, Expresionismo alemán…), lo cual se reflejaba en sus textos, todos ellos preñados de referencias cultas o algo más elevadas que las de muchos de sus coetáneos, que optaron por el hedonismo como principal medio de expresión. Lo cierto es que ese malditismo de Alphaville se vio reflejado en el hecho de que como grupo, en vida, sólo publicaron un Lp, este De máscaras y enigmas, donde, además no aparece el tema que le da título, el cual aparecería en un Maxi-Single posterior. Sus temas son en ocasiones axfisiantes (Arrebato, La escalera, Fúnebre nupcial…) y en raras ocasiones se aproximan al Pop digamos más convencional. Quizás se hubieran merecido una mejor producción, ya que su sonido es algo inconsistente y quizás demasiado desnudo, quedando la voz de Abel en un primerísimo plano cuando sus cualidades vocales no son muy alabables. Sus influencias podrían ir desde Joy Division a Echo and The Bunnymen o Kraftwerk, si bien Alphaville consiguió crearse un sonido y un universo más que personal. Lastimosamente, y con posterioridad un grupo alemán de sonido aberrante utilizó el mismo nombre, con lo que su poca notoriedad se vio en parte ensombrecida. José Luis Abel continúa ligado al mundo de la música como periodista musical o como músico electrónico.

Alphaville – De máscaras y enigmas (1983)

“El embrión de Alphaville se llamó Alquimia, y se formó en 1980 en Madrid por iniciativa de cinco compañeros de colegio admiradores de los King Krimson de Robert Fripp, destacando como uno de los primeros grupos ‘cultos’ de la nueva agitación musical que entonces arrancaba y que posteriormente sería denominada como la movida. Liderados por José Luis Fernández Abel, su sello personal eran los arreglos de pop frío y elegante, así como las referencias cultivadas a los ensayos literarios y la filosofía de Nietzsche. Otra de sus evidentes pasiones era el arte europeo de principios del siglo XX (principalmente el grafismo soviético de entreguerras y el expresionismo alemán) y así lo hacían notar a través de las carpetas de sus grabaciones, realizadas en la década de los ochenta bajo los auspicios del sello DRO.

Tras varios cambios de formación, a finales de 1981 Alphaville estaba constituido por José Luis F. Abel (vocalista, guitarrista e ideólogo de la banda), Mendi (bajo), José Carlos ‘Charles’ Sánchez (teclados), Jose Luis Orfanel (guitarra solista) y Juan Antonio ‘Rep’ Nieto (batería). El quinteto pasea sin demasiado éxito una maqueta por diversas emisoras de radio, actuando por diversos locales madrileños como Marquee o Rock-Ola, donde conocen a Servando Carballar, por entonces máximo capo del sello independiente DRO, que inmediatamente les propone la grabación de un disco. De este modo, en abril de 1982 se publica ‘Paisajes nocturnos’, un EP con portada de Jaime Stinus (exgutarrista de la Orquesta Mondragón) que contiene 4 excelentes temas y comienza a popularizar al grupo en el resto del país. Pero el primer éxito del grupo llega pocos meses después gracias a la publicación de ‘Palacio de Invierno’, un maxi de 4 cortes en el que destacan ‘Nijinsky el loco’ y ‘Ataque lateral’. Por esta época, Pablo Vega había pasado a ocuparse del bajo, tras la incorporación de Mendi a la marina mercante, y el breve paso por Alphaville de Jane (luego en La Mode) y Carmelo (posterior cantante de La Década Prodigiosa).

En 1983 se edita por fin el primer álbum de Alphaville, ‘De mascaras y enigmas’, un trabajo mejor recibido por el público que sus vinilos anteriores y en el que se atisban influencias de grupos británicos de corte tenebrista como Joy División o Echo & The Bunnymen. En este trabajo destaca principalmente el tema ‘La escalera’, que también se publicó en un single. En 1984 llega su mayor éxito, cuando graban una canción con el mismo título que su anterior obra, ‘De mascaras y enigmas’ (jugada que ya habían realizado previamente con ‘Palacio de Invierno’) convirtiéndose en el tema más emblemático del grupo y en una de las canciones fundamentales del pop español de los 80. Pero, de forma paradójica, el resto del disco (un maxi, que se tituló ‘El desprecio’) supone su obra más personal y oscura, algo que les supone la incomprensión del público y las peores críticas de su trayectoria por parte de la prensa musical. Además, Alphaville atraviesa una crisis interna que enfrenta a Fernández Abel con el resto de la banda, incomoda ante el total protagonismo del músico y compositor ante los medios. En la opinión de éstos, el ego del cantante y guitarrista es desmesurado, iniciándose una serie de enfrentamientos que se salda con la definitiva disolución de la banda en 1986.

Tras la separación de Alphaville, José Luis Abel inició una discreta carrera en solitario, grabando un LP (‘De pasión’) para Virgin en 1991. Posteriormente, en 1994, parte del grupo se reunió para grabar ‘Catastrofes del Corazón’, un álbum editado por Lollipop que recupera viejos temas y ofrece algunas novedades. En 1999 el sello DRO sacó al mercado ‘Después de la derrota’, un álbum antológico de las grabaciones del grupo. Posteriormente, Fernández Abel y Juan Antonio Nieto formarían el grupo electrónico Fracture!. Este último músico (exbatería de Alphaville) también formo parte en los 90 de Aviador DRO y de un grupo llamado Madre Coraje. Posteriormente, en el 2002, formaría Shakermoon”

20 marzo, 2010 Posted by | Alphaville | Deja un comentario

Ha muerto Alex Chilton

El tímido chico de Memphis, el autor de The Letter, de September gurls, el músico errante y errático y ante todo personal y alejado de los focos y de la notoriedad ha muerto, a los cincuenta y nueve años debido a un problema cardíaco. Nos ha dejado uno de los padres de Power-Pop y de los mejores elaboradores de melodías imperecederas. Descanse en paz.

“Nacido en Memphis en 1950, pronto tuvo inquietudes musicales pero no se le puede considerar un músico original de la ciudad del country de Sun Records. Sus influencias llegaron del entorno del soul sureño y de más lejos: en plena adolescencia se entusiasmó por los sonidos de la Invasión Británica, encabezada por los Beatles, los Rolling Stones, los Zombies o los Who. De ahí nace su pletórica visión musical.

Con una banda de instituto llamada The DeVilles, da sus primeros y tímidos pasos musicales pero gracias a un manager hábil y a sus buenas maneras deciden tomárselo más en serio y forman The Box Tops. Tuvieron un importante éxito con el tema The Letter. Pop adolescente pero con un buen espíritu de soul. Lo que en Estados Unidos y Reino Unido se conoció como Blue Eyed Soul, una etiqueta que englobaba a artistas blancos influenciados por el R&B, al estilo del primer Van Morrison, y en la que entraban Joe Cocker o Eric Burdon, entre otros.

Sin embargo, el salto de calidad llegó con Big Star, una banda esplendorosa, una estrella musical tan radiante como fugaz. Formada en 1971, Big Star fue por encima de todo la conjunción de Chilton y Chris Bell, que apenas duró un par de años. Ambos dieron forma a un estilo melódico de grandes vuelos que sembraba las semillas del power-pop. Guitarrazos directos, voces sugerentes y magnífica capacidad para absorber al oyente entre reminiscencias psicodélicas. En un tiempo en el que se extendía las atmósferas progresivas de Yes, las composiciones conceptuales de Pink Floyd o la rudeza de Led Zeppelin, los acordes efusivos de Big Star insuflaban un rayo de esperanza al siempre delicado y excitante mundo de la orfebrería pop.

El problema fue que Bell dejó la formación por continuas disputas con Chilton, que tenía, según varios conocidos, una personalidad muy complicada. Bell murió repentinamente en 1978 pero Big Star seguirían adelante con Chilton al frente y más de una reunificación, la última prevista para este año en el prestigioso festival de South By Southwest.

Pese a todo, #1 Record o Radio City, publicados a principios de los 70, son dos álbumes que, de alguna manera, se sellaron en los corazones de muchos amantes del pop melódico. Las imperecederas píldoras de Big Star serían utilizadas por varias generaciones como verdaderos elementos de estímulo creativo. Sin ellas, tal vez, no se entenderían los trabajos de REM, Teenage Fanclub, The Posies, Replacements, Long Ryders o Weezer.

El espíritu errante y complicado de Chilton fue símbolo de una carrera en solitario de bastantes tumbos. Se dejó ver en la escena del punk de Nueva York o dedicó algunas de sus energías a nuevas labores en los mandos de la producción, como cuando trabajó con The Cramps. Varios de sus últimos trabajos estaban repletos de versiones que dieron perspectiva de su altibajo compositivo aunque auténtico sentido ecléctico. En España, no fueron pocas las bandas que le tenían como una referencia, entre ellas, Surfin’ Bichos. Porque Alex Chilton era un músico de culto, mitad maldito, mitad pura bendición, como los mejores temas de Big Star” (elpais.com)

 

19 marzo, 2010 Posted by | Alex Chilton, Big Star | Deja un comentario

The Loves: Sweet sister Delia-Ep, Fortuna Pop! (2010)

Para cerrar la semana, un pequeño regalito del sello Fortuna POP!, responsable de una de nuestras bandas favoritas, The Loves. El sello ha decidido editar de forma gratuita el último sencillo de la banda, Sweet sister Delia, tremendo tema de sonoridad rockista con teclados y guitarras a lo Johnny Thunders. Le acompañan otras dos canciones: Low, un temita de tono oscuro y algo alejado de la dirección musical del grupo, mucho más positivista; y God saves our souls, corte que formará parte de un proyecto paralelo de Simon, Simon Love & The Turkeys, tema mucho más lovesiano, mezcla de folk de pub y Pop desenfadado. En definitiva, todo un detallazo de Fortuna POP! para disfrutarlo como se merece por parte de todos sus seguidores. Pincha aquí para descargarte el disco de forma gratuita. Por cierto, The Loves, además de numerosas apariciones en Tv y actuaciones en directo, tienen confirmada su aparición en el Indietracks de este año 2010, que se celebrará entre el 23 y el 25 de Julio.

“The title track of the new EP from The Loves “Sweet Sister Delia” is taken from their latest album “Three” and was written for doyen of the London indie scene Miss Delia Sparrow, ex of Mambo Taxi, The Action Time, Baby Birkin & Manic Cough, now to be found helping run London’s finest venue The Lexington. It’s a spiky garage number replete with handclaps, new wave organ & Johnny Thunders lead guitar. “We always stay at her house when we’re in London so I thought we’d show her our gratitude with a song…I’m sure she’d have preferred money or booze or something though”, says lead singer Simon Love. The other songs are “Low” which is taken from Simon’s extensive collection of songs that will never see the light of day and “God Saves Our Souls” the first tune to be made available by Simon’s side project Simon Love & The Turkeys” (fortunapop.com)

MySpace / Descarga gratuita-Free Download

19 marzo, 2010 Posted by | The Loves | Deja un comentario

Air Formation: Nothing to wish for (nothing to lose), Club Ac30 (2010)

Air Formation es una agrupación británica que lleva ya bastante tiempo facturando un Dream-Pop de alto quilataje emocional, recubriéndolo de una densa capa de teclados y guitarras que los acercan al Shoegaze más formal, algo así como lo que algunos llaman Shoegaze de segunda generación. Semejante a lo que elaboran, por ejemplo, Engineers. La diferencia es que este Nothing to wish for (Nothing to lose) es un disco quizás demasiado encorsetado, con unos cánones demasiado rígidos; la producción de su disco, a cargo de Pat Collier es ejemplar, no hay un acorde más alto que otro ni una distorsión más corrosiva que otra. Echamos en falta quizás algo más de improvisación y de sentimiento más directo, algo más de actitud subversiva ante la música. Ésto no quiere decir nada, porque seguro que habrá un millar de personas que disientan con nuestra opinión, y además, Nothing to wish for (nothing to lose) contiene temas que son impecables ejercicios del Shoegaze más preciosista: Stars and knives, Distant silhouettes, tremendo parecido con Ride de la primera época, Low december sun… Interesante.

Air Formation – Nothing to wish for (nothing to lose)

“Having spent a decade steadily crafting their sepia-tinged, reverb-infused shoegaze laced signatures, Brighton’s Air Formation have become experts in a predictably saturated field. 2007’s Daylight Storms, one of that year’s most understated records, remains their definitive statement. Not so much a lesson in grandiosity, Daylight Storms could well have served Air Formation as a fitting epitaph should they have decided to call it a day soon after. Having disappeared out of the spotlight for so long since, and with Matt Bartram’s blossoming career as a solo artist, the lingering suspicion was that maybe they had. Nevertheless, having been locked in the studio for the biggest part of last year, again with esteemed producer Pat Collier who’d previously worked on the band’s 57 Octaves Below EP in 2005, it was almost inevitable that the five-piece would return with something similarly as daring and enterprising. Last November’s Reverence show with Chapterhouse provided a sneak preview of what to expect, their set drawing entirely from the then unreleased material that would go on to comprise Nothing To Wish For (Nothing To Lose). However, having since listened to the album on many occasions, having lived with it for the past couple of months, it’s plain to see that their choice of songs aired at that show was something of a red herring, the upbeat nature of the set largely usurped by its more introspective, drawn-out brethren on record. That’s not to say Nothing To Wish For… is disappointing as a result; on the contrary: its polished sheen and coarse lucidity further emphasise its creators’ lofty position as homegrown forerunners of the current scene of self-celebration. The only detriment – if you can call it that – is that whatever they were likely to do after Daylight Storms was always going to find itself compared to such a striking record, and although the onus was on Air Formation to go one better, the odds on improving upon something as near-perfect as Nothing To Wish For…’s predecessor were always going to be long in the tooth. Across Nothing To Wish For…’s 11 pieces there are still plenty of moments that highlight just why Air Formation are held in such regard within their own genre. The smooth orchestral landing that follows the guitar-heavy intro to opener ‘Three Years Pass’ and Cure-like dark pop of ‘Stars & Knives’ both stand out as two of the band’s most delectable compositions to date. ‘Meltdown’ meanwhile is very similar in structure to Daylight Storms standout ‘Adrift’, its tribal drums offering to pick up where Ride left off on ‘Dreams Burn Down’ when whimsy seemed a more saleable option. Alternatively, the patient build-up of ‘Until Today’ and maudlin envelop of ‘Outro’ possibly hints at Air Formation’s future intentions as more plaintive orators of shoegaze’s often fantasy orientated veneer, the former eerily reminiscent of Bauhaus’ ‘Hollow Hills’ to boot. What is starkly recognisable, Matt Bartram’s largely whispered vocal delivery apart, comes courtesy of Air Formation’s unerring quest to make music as disturbingly uncommercial and disproportionate as possible without diluting their sound or integrity, and even though Nothing To Wish For (Nothing To Lose) is unlikely to challenge Glee’s domination of the album charts any time soon, it’s a welcome – if customary – return for one of the nation’s most consistent outfits” (drownedinsound.com)

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17 marzo, 2010 Posted by | Air Formation | 1 comentario

The Dirties: First present (2010), Autoproducido

Desde Alicante nos llega una propuesta que tiene tanto que ver con el Pop como con las propuestas más bailables. Se trata de The Dirties, curioso homenaje en el nombre de la banda hacia Harry the Dirt, que aparece en muchos de sus grafismos. The Dirties también se vuelcan en la autoedición y la difusión de sus sonidos a través de internet, herramienta indispensable donde las haya a estas alturas de siglo, aunque algunos cerriles desde su atalaya de poder lo detesten con todas sus fuerzas. No es éste el lugar para criticar posturas anti-internet, sino el lugar para disfrutar de The Dirties, propuesta hedonista y más que saludable: Mezcla en una coctelera sonidos de música dance, guitarras eléctricas y melodías poperas para realizar una fusión extraña y a la vez agradable y el resultado sírvelo con muchas ganas de diversión: eso es The Dirties.
Una mezcla que nos llega desde la costa levantina sin tabúes ni sin tapujos, todo vale para divertirse ya que ningún estilo bailable se les escapa y ninguno resalta. El hedonismo hecho música y llevado a su máxima expresión. Pero no os penséeis que aquí hay sólo juerga, en su colección de canciones nos podemos encontrar desde el New Order mas holligan (Yesterday, Summer sunday, Nights of Russia), al más melódico; desde unos Depeche Mode desacomplejados (Overflow, Don´t break our nights),  a los sonidos más ochenteros (Dirty song, Shining birds, Sólo puedo sentir tu calor); desde el funky mas guarro hasta el mas electrónico… todo cabe en The Dirties para presentarlo en una actuación que te contagie sus ganas de diversión. En sus temas se mezclan letras en castellano con otras en inglés al igual que se mezclan sonidos más electrónicos con certeros hachazos guitarreros. The Dirties ofrecen su disco para libre distribución, pinchando
aquí. El simple hecho de irse a masterizar este trabajo primeramente auto-producido con los escasos medios de que disponen y posteriormente irse un fin de semana a los estudios South Earling de Londres a masterizar y acabar en una de las raves más gamberras de la ciudad del Thamesis lo dice todo de ellos.
Con este trabajo quieren corresponder a toda la gente que los ha seguido durante el pasado año en las salas mas punteras del indie de la costa levantina (Camelot, Sala estereo, 12ymedio, club2…) y de paso atraer mas adeptos a su religión del ocio. The Dirties son: Abel Albertos, voz y programación; Juanma Requena, guitarra; Jacob Pérez, sintes; Pablo Camarasa, guitarra; y José Francisco Sánchez, batería. Los que estéis impacientes por verles ya mismo, lo podréis hacer el próximo 9 de Abril en la Sala Byblos, de Alicante.

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16 marzo, 2010 Posted by | The Dirties | Deja un comentario

Juliana Hatfield: Una entrevista / An interview

Juliana Hatfield’s work ethic continues to amaze her loyal fans and those just discovering her. Since her Berklee years in 1986, Juliana has played in three touring bands: Blake Babies, The Lemonheads & Some Girls. Each one received significant mainstream and underground exposure, not to mention consistent critical acclaim. The same can be said of her solo-work, which she continues to this day. According to my count, Juliana Hatfield has written and recorded 179 songs. This doesn’t include  soundtracks, maxi-singles, songs from the the much sought-after but never released album God’s Foot, and the many songs she’s released via her website. She’s played the role of producer, engineer, cover designer, and now runs her own label, Ye Olde Records. On her most recent album, Peace & Love, she not only produced and engineered it all, but played every single damned instrument to boot.  In late 2008, she tacked another line on an already impressive resume by publishing a 336 page memoir.

 Sounds Good Ink recently interviewed Juliana over the phone. Aside from a couple minor distractions from her dog (she was speaking from her Cambridge apartment), Ms. Hatfield spoke in detail of a wide range of topics, from her hatred of mp3s to her love of good books. Though wide in it’s range, this interview is still just a peek into the life and mind of one of the hardest working talents in the last 20+ years of pop/rock history.

You’ve written and/or recorded a lot of songs. These include songs for Blake Babies & Some Girls, songs for soundtracks, etc. Then there are all those songs you released on your website, using that whole Radiohead-esque “name your price” strategy…I did it before Radiohead did it. I think I was the first one who did it. Say what you want [chuckles]. Well, maybe not the first, but I never heard of anyone doing it before. I did this at least five years ago or something, maybe even six.

How did you decide to do this? It might have been my manager’s idea. I call him my manager, but he’s really one of my best friends. He’s kind of agenius. He wrote a sort of manifesto about the honor system and put it out on my website. He’s always coming up with these ideas. It was kind of an experiment. We wanted to try something new. I had so many unreleased songs and they were sitting around. We just figured, “Why don’t I just put them out there?” At least let people hear them. And if they wanna, you know, be generous and give money to the cause, let them do that too.

Was it worth it? Well, I mean, I’m not doing it anymore. It’s something that I would do in between legitimate albums as a way to keep letting people hear stuff, and also to generate a little bit of income. But, mostly just to give people something to listen to…I mean, so many people are taking music for free; taking music that they’re supposed to pay for. People leaking albums before their release date and sharing them. Which is shady, and can potentially come away from the artist. I’m not stating any position here, I’m just saying that  people are leaking albums before their release date and sharing them, and that goes on…that’s widespread, obviously. I think that people do this and they feel empowered. “We’re taking the power away from the evil record companies.” But what they may not realize is that not all artists are affiliated with record companies, [so] they’re actually taking money away from the artist. But, when people find unreleased music and they download it, they feel like they are in the position of power. I think when you offer them the choice to donate you give them the music and you say, “You can pay for this or not. Give what you can afford or not, or maybe do it at a later date. Here you go.” I think that also makes them feel a little bit empowered that they have the choice. That can make them feel good about themselves. My fans are so cool; they want to pay for music. They know the income is going directly to me and they want to support my future music, and whatever they pay me goes directly back into making more songs and recording albums.

For your newest album, Peace & Love, are you focusing on a particular medium? Digital? CD? Vinyl? Also, will the market be mostly internet or music stores? As of now there are no plans for vinyl, but that’s something I might do for the winter, possibly. I really, just generally, am not focusing on either. I’m just sort of making it available digitally and also CD form. I know there are a lot of people who still want CDs and they can buy directly from me, from my website. People know that I run my own record company. And they know when they buy a CD through my website that it’s all going through me and to me. And that’s a big part of the sales for me. But then, you know, I’m also distributing them in mostlyindependent record stores this time. Last time I had a large distributor who was putting the CD in all kinds of stores. Borders and things like that. But this time I’m going through mostly independent record stores. Fewer and fewer people are buying CDs. The CD sections in the big stores are shrinking; they’re just getting smaller and smaller. They are squeezing out people like me. The CD sections have shrunk, even in the past year or two.

Right. It is accurate to assume that CDs are on their way out. But they do still sell. They do. It depends on what you’re looking to sell. To me, whenever I sell one CD, it’s exciting for me. I’m not aiming at one goal. I was surprised at how many CDs my indie distributor wanted. I thought it would be a lot fewer, but I was pleasantly surprised at the total number of CDs that the indie stores are buying for the first shipment.

 Do you have nostalgic connection to CDs? Do you want them to stay?  Well, at this point I don’t really care because I hardly ever listen to music anymore. I know that it’s stupid to get attached to any technology these days because it’s gonna be obsolete. With the internet there will always be ways to find things. You know, you can find vinyl, you can find CDs, you can find cassettes if you want. With cassettes, we’ve learned that they don’t age very well. I love cassettes. I was still putting all my mixes onto cassette even up until the early 2000s. I always thought the cassette mix sounded better than CDs. When CDs came out I thought they sounded like crap. And now, I think MP3s sound like crap and MP3s make CDs sound better. So, it’s like, I think that technology is going in the direction of crappier and crappier sounding files. I’ve never downloaded an album because I think digital, downloaded music sounds like crap. I just don’t buy it, unless I really, really need to hear something. I can’t get behind it. I think it’s simpler to have a CD. You get this bunch of songs in a certain order, and it’s very compact and it’s simple. But when they are all mixed together in cyberspace then it’s too complicated to me. I just want to hear an album from start to finish.

Do you own an iPod? No, I don’t. I never have. I’ve listened to other people’s and they sound like crap. And I don’t like the little buds in your ears. I know you can use different ones, but…I’m not into the iPod. It’s not something that appeals to me at any level.

Have you noticed that the people who are considered revolutionaries in sound usually go backwards? Like Steve Albini….I mean, there are people that go forward. But who are they? Do they matter? I mean, the people using the latest technology…who are they and do I care? The technology is not what matters. And the people who are celebrating the very latest technology, are they writing good songs? Can they make do with very little? Cause, who knows? When the electricity goes out then what are you gonna do? When your hard drive crashes then what are you gonna do? I’m just always preparing for things to break down and things to get lost in cyberspace.

What about social networking sites? You’ve had a tight following for quite a while and have always had something of a punk aesthetic, as far as meeting people face to face and having some sort of community vibe. Have those sites had any good impact for you?  I ask because I know some very good, yet unknown musicians whose music careers were  benefited greatly by social networking sites.

 

I think so. I mean, I started my record label in 2004. I think that was the first time I set up a Myspace. I don’t even know if I had a website before then. So I kind of had to utilize the internet in order to get the word out; and it definitely helped me. Then, a couple of years ago, I started to make a point to interact with people directly. I started writing this blog where I’d write about a song a week. Just talking about a song every week that was mine. I’d ask people to get involved. So I kind of started interacting and I think people liked that a lot. Then I started selling CDs directly through my website. I think people really like it when artists have a lot of accessibility. Where you are on the same level with your fans…when they are not even fans anymore, they just become people. They are people out there interacting with you, and you are just a person. And then I started Twittering. I got into it for a while…and then I recently quit Twitter and Facebook. It just started to overwhelm me. It just became a distraction. You start twittering with people, then you’re getting in all these arguments, then you’re talking back to people, then you get in fights, and the whole thing just becomes too negative and distracting from the work. So I don’t do anymore, and I hardly deal with Myspace at all. All of the interaction becomes a big distraction from the work, which is the most important thing. I’ve decided that I need to cut off a little bit of the access to the people that I was giving them because it was intruding into my life and into my work. And I really think a lot of people are doing that.  A lot of people are quitting Twitter and they’re just realizing, “Shit, I’m just getting into these debates with people that are totally pointless.” People don’t need to know what I think about everything. They don’t need to know what I’m doing. All they need to know is when my album’s coming out and that I’m grateful for their support.

I mean, you wrote a book… I wrote a goddamn book, isn’t that enough for you people? (laughs) No, I’m just kidding. And I started up another blog on my website in which I write about whatever I feel like. People can read that and know what’s going on.

Ok, these next questions are things that I’ve been curious about for a while. Do you write really quickly? You’ve got all kinds of albums, and you’re also on several soundtracks. I mean, do you just get up early, write-write-write-write-write? Sometimes it takes a really long time to write a song. Especially the lyrics. They are the hardest parts. The music comes a little bit faster.

You can hum a melody a lot quicker than pen a lyric. Yeah-yeah-yeah. Exactly. Or, you know, sometimes it takes time to work out the music to a bridge or something. But the lyrics definitely take me the longest. I’m not one of those people who can just spit them out when I’m improvising.

Did writing the book come naturally? Have you been writing prose or anything of that nature for a while? I actually wanted to be a writer before I wanted to be a musician. I mean, from a very early age I was writing prose and I was also singing and playing piano. At first I wanted to be a writer. But then, when I started playing guitar, I completely gave up the other writing. I did not develop my writing skills over the whole time I was making records, until I started writing this book. I feel like I have potential as a writer, but I really need to focus on it and develop it because I’ve put it on the back burner for so long. I’m actually working on another book now. I want to be a writer when I grow up. I really do.

What’s the future book that you are working on about?  It’s another non-fiction book about a certain thing that happened to me, a certain period in my life. It’s more specific to a certain period of time than the last time was. In the future I want to start writing fiction.

Have you fooled around with fiction writing at all? Not much. Not a lot. But I’ve always wanted to.

Who are some of the fiction authors you’ve been reading lately? You know, a great book that I read was Under the Skin by Michel Faber.  I really like William Gaddis; I think he’s great. I just read this really harrowing memoir about a woman who had serious anorexia. It’s called, Wasted: A Memoir of Anorexia and Bulimia, by Marya Hornbacher. She ended up at about 52 pounds; the worst anorexia I’ve ever heard of. She also wrote another book about her extreme mental illness called Madness. They are both pretty interesting.

Now, you mentioned that you don’t listen to music much anymore. Did you just have enough of it at one point? I just got a little burnt out. It was just music-music-music-music for so many years. I kind of hit a wall. The older you get, the faster time goes by. And, if I have some free time, I want to read or watch a film or write. There’re things I want to do, and I don’t have time for music anymore. I can only listen to music when I’m working on something else. Like, if I’m painting, that’s when I’ll put on a record. When I’m at home I can’t sit still and just listen to music. I’m too restless.

But you’re still getting the music out there, though. I mean, you have over a 20 year long music career and are still at it.  It’s incredible. I feel so lucky that people even care still. But, I also feel like I’ve improved a lot over the years. I’ve been working on it. it’s not like I was fully formed at the beginning. I had to work on it for 20 years. Attain some mastery over it.

And you do have a loyal following. Also, I think most fans of music have at least heard of you or heard a few of your songs. Yeah, it’s a weird thing. They know my name more than they know my music or my face.

For more info on Juliana Hatfield, and to pick up her newest album Peace & Love, check out: www.julianahatfield.com. (From / Entrevista tomada de soundsgoodink.com)

 

15 marzo, 2010 Posted by | Juliana Hatfield, Uncategorized | Deja un comentario

Cover´s game: I call your name

Obviamente, este fin de semana no íbamos a desaprovechar la oportunidad de comparar las versiones de I call your name realizadas por Billy J. Kramer & The Dakotas con la original, de The Beatles. La verdad es que la versión de Billy no desmerece en nada a la original. A comentar…

14 marzo, 2010 Posted by | Billy J. Kramer & The Dakotas, The Beatles | Deja un comentario

Billy J. Kramer & The Dakotas: Listen (1963)

Para este fin de semana de Retro-Visor hemos decido echar la vista atrás hasta el año 1963, año de publicación de Listen, el primer vinilo editado por Billy Ashton, alias Billy J. Kramer, un fornido muchacho que de alguna forma se aprovechó de la invasión Beat que sobrevino tras la eclosión de The Beatles. Sin ser uno de los mejores cantantes, y lejos de ser un compositor, Billy J. Kramer tuvo bastante notoriedad en los primeros años de la invasión británica, fruto de la relación clientelar (la leyenda dijo que esta relación fue mucho más allá) que mantuvo con Brian Epstein, mánager de los de Liverpool. Esta relación le permitió acceder al amplio catálogo de canciones que el dúo compositivo Lennon-McCartney fue desechando (I´ll be on my way, Bad to me,  I´m in love, I´ll keep you satisfied…) además de versionear clásicos de The Beatles, como Do you want to know a secret, que alcanzaría el nº2 del chart británico o I Call your name, compitiendo con sus “parientes ricos”. Además de todo esto, adaptó a su estilo seguidista del Beat numerosos estándars norteamericanos de Rock´n´Roll o Rythmn and Blues (Sugar babe, Great balls of fire, Da Doo Ron Ron, Beautiful dreamer…) El resultado final es bastante apañadito, aunque le falta algo de la pegada tan brutal que ofrecían The Beatles, aunque el estilo de Kramer era algo más cercano al del krooner romántico conquistador de señoras que al de los jóvenes beats enloquecidos por el ritmo. Las mejores, en nuestro criterio, la versión de I call your name, Great balls of fire, Beautiful dreamer, Sugar Babe y Da doo ron ron, que son los temas donde la banda de acompañamiento de Billy (Mike Maxfield – guitarra solista, Robin McDonald – guitarra rítmica, Ray Jones – bajo y Tony Mansfield – batería ) se exprime con más rudeza. El resto lo componen más bien baladas-beat fáciles de olvidar. La producción del disco corrió a cargo de George Martin, y ésto eran palabras mayores: realizó un trabajo pulcro y aseado, sin ningún  tipo de exceso y maquillando lo mejor posible los defectos vocales de  Billy, doblando su voz en muchas de las pistas. Interesante como documento sonoro de la invasión británica de la primera mitad de los sesenta.

Billy J. Kramer & The Dakotas – Listen (1963)

“Billy J. Kramer’s Listen is one of the more important non-Beatles Liverpool albums of its era, and also one of the better ones. Additionally, it’s almost as much a tribute to George Martin‘s skill as a producer as it is to anything that Billy J. Kramer or the Dakotas brought to the sessions. It shows off the mixture of driving beat, heavy guitars, and emotionally expressive, American-style vocals that characterized the sound of the city, along with the lyrical balladry that the Beatles (especially McCartney, in Martin‘s hands) had added to the formula. Only a tiny handful of the tracks, such as “Sugar Babe,” “Great Balls of Fire,” and perhaps “Da Doo Ron Ron,” really qualify as a classic, thumping Liverpool rockers, shouters with a heavy bass and raw vocals. The tendency for much of this album is, rather, to focus on Kramer’s romantic, ballad style, to which he was marginally suited with his limited vocal abilities. “I Know” (credited to George Martin and Bob Wooler, and which tries hard to be a rewrite of “Do You Want to Know a Secret”), the standard “The Twelfth of Never,” “Tell Me Girl,” “Still Waters Run Deep,” and “It’s Up to You” were the direction that someone saw Kramer’s voice taking him. Kramer’s double-tracked vocals cover a multitude of natural flaws in that voice; only “Tell Me Girl” shows the fraying edges of his singing, and the band keeps such a solid beat that it comes off well. And then there are the rocking ballads, which show off the Merseybeat sound at its best as the Beatles had altered it as early as 1963: “Dance with Me,” “I Call Your Name,” “Beautiful Dreamer,” and Leiber & Stoller‘s “Yes” (which was actually covered in a better version by Johnny Sandon & the Remo Four on Pye). “Beautiful Dreamer” shows Kramer and the band trying hard to sound like the Beatles on their first album and succeeding two-thirds of the way, except that Ringo would’ve had a punchier beat and George Harrison a more angular lead guitar part — they get closer to that sound on their cover of Lennon and McCartney‘s “I Call Your Name.” Here as on several other tracks, Martin‘s piano covers up holes that double-tracking Kramer’s voice doesn’t. The EMI 100th Anniversary series reissue combines the mono and stereo versions of the album on one CD. The mono is much punchier and heavier, but as usual in Parlophone albums of this period, the stereo mixes reveal a wealth of details in terms of how the rhythm and lead guitar parts and the bass were put together, and 24-bit processing has left the instruments so clean that this set of tracks are worth hearing as well, even if it sounds like Kramer is singing from one side of the room and the band working on the other. Mike Maxfield‘s lead guitar parts on “Sugar Babe” are also worth isolating” (allmusic.com)

 

13 marzo, 2010 Posted by | Billy J. Kramer & The Dakotas | 1 comentario

Juliana Hatfield: Peace and Love (2010)

El último trabajo de Juliana Hatfield se titula Peace and Love, un título demasiado evidente y tópico, quizás, o bastante clarificador sobre el actual estado de ánimo de la americana: algo así como un estado de calma interior quizás reconducido por sus ya más de cuarenta añitos. Ese estado de paz interior es el que la lleva a componer líneas emocionalmente interesantes como las de Why can´t we love each other, en la que desde un planteamiento sencillo se propone por qué no amarnos mutuamente, tras renunciar a las discusiones y a los enfados. ¿Demasiado simple? Quizás. Pero esa sencillez emocional y musical es la que nos propone la Hatfield en este nuevo disco: un álbum desnudo de artificios musicales y que rebosa emoción y sentimiento a flor de piel. Algo así como esos ramalazos acústicos con los que de vez en cuando se descuelga Neil Young, un acercamiento a los sentimientos contados en primera persona (Evan, Peace and Love, Butterflies, I picked you up, The end of the war, What is wrong, Let´s go home, Faith in your friends…) Musicalmente, está lejos de su anterior disco, How to walked away (2008), mucho más rico en matices, sonoridades y arreglos, pero ese alejamiento es buscado e intencionado, como ya mencionábamos antes. Particularmente, prefiero aquellos temas algo más arreglados y en los que aparecen más variedad de sonidos (Faith in your friends, Why can´t we love each other, Let´s go home, I´m dissapearing, Dear anonymous) Un disco, en fin, que musicalmente baja un peldaño con respecto a su antecesor pero que con sucesivas escuchas va ganando enteros en el aspecto emocional. Además, Juliana es una de nuestras debilidades, por lo que casi cualquier cosa que editase de seguro que nos seguiría emocionando. Por cierto, por si no lo había mencionado antes, Peace and Love está compuesto, interpretado, producido y arreglado por Juliana Hatfield.

Juliana Hatfield: Peace and Love (2010)

PEACE AND LOVE I try always to learn from painful experiences, and to forgive – both myself and others – and to move on, with an open heart and mind. At some point one realizes that anger is a real waste of energy, it’s draining and damaging, and one learns to deliberately let go of it, and the letting go brings a lightness, a new freedom and hopefulness that may unfortunately be hard to sustain at all times. Peace and love are ideals toward which we reach.

THE END OF THE WAR I love the 5/8 time signature. I love how it bounces and propels itself forward.

The “war” here could be seen as a metaphor for two people not getting along. When it’s over there is a quiet calm and it’s really sweet and nice but the sweetness is bitter because you’ve suffered a lot to get to the end of the fighting. But you fought fair and that feels good and your sanity and integrity are intact, and even strengthened.

WHY CAN’T WE LOVE EACH OTHER Pretty self-explanatory, this one. Trouble makes me wonder why it’s all so complicated when it seems that something as universal as love should be so simple.

BUTTERFLIES I had a dream that I was standing in a hilly field surrounded by dead butterflies. Butterflies represent…what? Souls? In this song I bring all the butterflies back to life.

WHAT IS WRONG I want to solve the unsolvable problems. I always think moodiness must be explained to be mastered. I sensed he wanted out but he never vocalized it or gave me any reasons and so in this song I try to figure it out myself. I ask him, I ask the universe, What is wrong? What is wrong with us and with everything but also what is wrong with me for getting myself into yet another complicated and unhappy situation?

UNSUNG I’ve always wanted to put an instrumental on an album but for some unknown reason never got around to it until now. I recorded the electric guitar direct into the 8-track machine, foregoing any amp, and the result was this dweeby guitar sound. I think it’s charmingly dweeby. I’m a dork, okay? and I’m not afraid to show it.

EVAN I recently got together with my old friend after we’d been estranged for a few years. Seeing him again made me realize that we will be bonded forever, through bad and good, no matter if we fight or never even talk to or see each other ever again.

 

It is a friendship that we have not exactly nurtured over the years but nevertheless we have a history and a connection that transcends time and distance and circumstance. At the roots Evan is still the same Evan I met when we were just kids first starting bands and I’m still the same girl who was drawn to him for all his darkness and light; for his remarkable, original mind and his talent and his humour and the way he liked to play with words and his utter lack of judgment of other people. Did I get all that in the song? I think you have to read between the lines for the details.

LET’S GO HOME This is a true story – I really was sad on the train; I really swept under the couch (in advance of his visit) and stocked the fridge with his favorite foods, etc. He thought I had a messy, dusty, unorganized home and I tried to make it warm and comfortable and sparkly for him so he would want to be there. But his distaste for my bohemia was just an excuse masking our larger problems, and I couldn’t solve them with the Windex and paper towels he bought me.

I PICKED YOU UP Two people who had kind of given up on other people find each other by accident.

FAITH IN OUR FRIENDS Friends are good to have when everything falls apart, or seems to. Your friends accept you as you are, with all your faults and weaknesses and pimples and bad habits and breakdowns. Friends are invaluable in times of crisis and grief. It’s a simple concept, but so true.

I’M DISAPPEARING This one is told from an anorexic’s point of view. I’ve suffered from this in the past and people would say things to me like “You’re shrinking” or “You look so small.” In this song I try to explain what it’s like to be that person – how it feels to be smaller than I should; smaller than I used to be, and how weird and scary and baffling and overwhelming and how literally Self-defeating it can be.

DEAR ANONYMOUS This could have been called “Sympathy For The Devil.” It’s addressed to a stalker, name unknown, written by the stalkee. This victim, who doesn’t consider herself a victim, contemplates why she is being harassed. She doesn’t know who the perpetrator is – he’s a stranger to her – but she knows not to take it personally; she realizes with an impressively level head that she is the random innocent target of her tormentor’s own pathology. Having sympathy for one’s antagonist initially requires a lot of forgiveness and generosity of heart and mind, but then it becomes sincere curiosity (Why are you like this? What made you this way?) and empathy (I’m screwed-up, too – we are more alike than you know.)
(Fuente/From: julianahatfield.com)

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12 marzo, 2010 Posted by | Juliana Hatfield | Deja un comentario

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