Facebook

Tras su debut editado en 2011, Revival Hymns edita un nuevo single para este año 2012, un enérgico single en el que la banda finlandesa muestra los dientes en forma de guitarras punzantes y afiladas. Su sonido es una mezcla de Post-Rock-Shoegazing armado de tintes algo épicos. Lo mejor es que los disfrutes por ti mismo. El single es de descarga gratuita, y el álbum lo puedes conseguir desde su Bandcamp.

Revival Hymns – Spew (Single, 2012)

Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download

La primera referencia de nuestro amigo Roger, de Bleeding Gold Records, para este año 2012 es el de un nuevo single de AlexRossi: Je te prends. En él Alex Rossi explota su sonido más bailongo y cercano a la pista de club. Le acompaña una remix del mismo tema realizada por Arnaud Pilard de Aline (ex-Young Michelin). Os dejo el enlace.

Facebook / Cómpralo-Purchase / Bleeding Gold Records

Bajo el nombre artístico de AlexRossi se esconden un italo-francés, Alex Rossi, compositor, productor y artista multidisciplinar; y el productor Dominique Pascaud. En 2009 dieron forma a este Ep: My life is a fucking demo, en el que se incluye un dueto con la cantante francesa Graziella de Michele. El sello californiano Bleeding Gold Records se ha encargado de volver a editarlo a finales de este año pasado anticipando la edición del álbum Dans la peau de John Kennedy Toole, esta primavera.
La música de AlexRossi es variada, y en este Ep aparecen varios registros. Desde el Electro-Indie de Chair et canon o Dans la peau de John Kennedy Toole (las más agraciadas y destacadas del disco), hasta el Pop suave y sedoso de Rouge es mon nom, Parlons peu, Je t´aime a fond; y desde luego el delicioso dueto con Graziella de Michele, que nos evoca épocas pretéritas entonadas también en francés. El disco está disponible en el Bandcamp del sello, para su disfrute.

AlexRossi – My life is a fucking demo (Ep, 2011)

“With Italian DNA and an upbringing in the southwest of France, Alex Rossi began working as a rock club Dj in the late 80s, eventually gaining his own radio show influenced by British Pop (TV Personalities, The Smiths, Field Mice) and FrenchPop (Taxi Girl, Elli and Jacno, Les fils de joie.) In 1998 Alex signed with Mercury France for a handful of singles (“Le Coeur du monde”, “Annabelle et Henri”), also writing many songs for other French singers such as Dick Rivers. In 2004 he friended journalist and writer Arnaud Viviant with whom he founded the “Situ-punk” band BALLU. Monsieur Rossi was spotted by Gonzaï magazine sometime in 2007 and was quickly offered the chance to perform a monthly residency alongside Alister ou Dondolo (Members of Young Michelin.) Since 2009 he has worked with composer Dominique Pascaud under the collective name ALEXROSSI, releasing the 5-track EP MY LIFE IS A FUCKING DEMO which includes a duet with ex-FrenchPop star Graziella De Michele. 
The French writer and editor Olivier Martinelli had this to say, “Des paroles qui font mouche, un riff de guitare qui vous rentre dans la tête et n’en sort plus. Alex Rossi trouve une ouverture entre Daniel Darc et Patrick Coutin. Et si « Chair et canon » était la grande chanson qu’on attendait tous de lui..” [roughly - "Words that hit, a guitar riff that will fit in the head and not come out. Alex Rossi is somewhere between Daniel Darc and Patrick Coutin. And "Chair et canon" is the grand song everyone has expected from him."] 
MY LIFE IS A FUCKING DEMO will be re-released digitally by Bleeding Gold on Dec. 12th, including an additional track in a rearranged track order as we build up for the release of the ”Je te prends” 7″ single, a duet with French shoe-designer Inès Olympe Mercadal (Feb. ’12) and the full length album DANS LA PEAU DE JOHN KENNEDY TOOLE later this spring. 
“Quoi qu’il arrive, nous resterons des chansons,” dixit Alex” (Bandcamp)

Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download / Bleeding Gold Records

El primer single extraído de Parade Bells, el álbum de debut de la banda de Vancouver Blanket Barricade, se llama A velvet affair. Su Indie-Pop tiene un sonido muy elaborado y producido, con capas y capas de instrumentación y tareas de producción. Puedes descargar el sencillo desde su Bandcamp. Os dejo también con el vídeo.

Blanket Barricade – A velvet affair (Single, 2012)

Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download

Katy Goodman está dispuesta a no dejar pasar su momento. Para continuar con su esperanzador debut, La Sera va a presentar en breve el que será su segundo disco: See the light, que saldrá a la venta el 24 de Marzo. Su adelanto es este animoso corte: Please be my third eye, un single precioso en el que nos encontramos a una banda más lanzada, más compacta y con ciertos ecos de Blondie al menos en la forma de afrontar las voces, dobladas, de Katy Goodman. Os adjunto además el vídeo en el que Katy aparece tan atractiva como siempre. Por cierto, el single está disponible para descarga gratuita.

Facebook

10 Essential Shoegaze Albums (Treblezine.com)

by Jeff Terich
01.19.2012
Around the late ’80s, Oxford psych-rock band Ride unexpectedly gave birth to the name of a new genre because of their somewhat introverted performance style. Taking note of the way the band members’ habit of looking down while playing, British journalists named the genre “shoegaze,” a once joking name that now represents some of the most beautiful and/or powerful rock records in existence. Shoegaze music is frequently marked by its heavy use of guitar effects, and for that matter, heavy use of guitars. It’s dense and dreamy, often very loud, but quite gorgeous all the same. 

Shoegaze has been in the spotlight for much of the past decade, with bands like Deerhunter and M83 incorporating many of its stylistic elements. And bands like Ride, My Bloody Valentine, Swervedriver and Chapterhouse have all embarked on reunion tours in recent years. This year will see more interesting shoegazer activity, now that Captured Tracks is planning on reissuing Medicine’s first two albums. So, in keeping with the spirit of the whooshing sounds ahead, here’s a list of ten classic-era shoegaze albums that belong in everyone’s collection. 

The Jesus and Mary Chain - Psychocandy 
(1985, Blanco y Negro) 
Buy at Insound 

It’s probably most accurate to call The Jesus and Mary Chain’s debut album, Psychocandy, a ‘proto-shoegaze’ album. The noise-pop elements, reverb, distortion and overall euphoric vibe are all present on the album, even if it’s not quite as cleanly produced as Slowdive, or as forceful as My Bloody Valentine. All the same, The Jesus and Mary Chain are noise-rock heroes for a reason, and they’re at their ear-splitting best on this album, as noisy and chaotic as they’d ever sound. Like the Beach Boys or Ronettes with a heavy load of feedback and overdrive thrown over everything, Psychocandy is strangely beautiful in its shrieking glory. 

Ride - Nowhere 
(1990, Sire) 
Buy at Insound 

If not for one massive, head-spinning record that arrived one year later, Ride’s Nowhere would have been the definitive shoegaze album. For starters, they’re the band that inadvertently gave the genre its name, and more importantly, Nowhere is a tight, infectious and powerful rock record that invigorates as much as it swirls and loops. The band’s love of pedals is highly apparent on the release, with zooming rockers like “Seagull” borrowing some of the LSD-laced psychedelia of “Tomorrow Never Knows,” and dreamier highlights such as single “Vapour Trail” taking their sound to a more serene, yet nonetheless anthemic plateau. 

My Bloody Valentine - Loveless 
(1991, Creation/Sire) 
Buy at Insound 

There is no more heralded or celebrated album in shoegazer history than My Bloody Valentine’s Loveless, and for good reason. There is simply no other album that managed such a beautiful expression through hazy production tricks, lilting melodies and utterly massive sound. The great irony about the album, which is legendary for urban myths surrounding its creation and cost (many of which are true), is that mastermind Kevin Shields took a surprisingly simple approach, often using only two guitars in most of its songs. There are, however, songs that feature five or six vocal tracks, which help to lend the album its miasmic underwater vibe. It’s a beautiful album, and also a very noisy album, and at times, such as on closer “Soon,” even a danceable one. But lest anyone think that beauty is their sole aim should dig up one of their performances of “You Made Me Realise,” which the band transitions into 20 minutes of piercing, deafening cacophony. 

Chapterhouse - Whirlpool 
(1991, Dedicated) 
Buy at Insound 

One of the more fractured takes on shoegaze, Chapterhouse’s debut album Whirlpool is maybe the least cohesive on this list, and its long list of producers and remixers has a lot to do with that. It doesn’t sound so much like a unified whole as a collection of singles, but that being said, these tracks all pretty much sound amazing. Chapterhouse certainly dabbled in as much psychedelic atmosphere as contemporaries such as Ride or My Bloody Valentine, but with a more pronounced rave/baggy influence. Drum samples and wah-wahs abound, lending this a touch of acid-fried dance party appeal, but the melodies and atmosphere are nonetheless awesome. Perhaps it was unappreciated in its time, but Whirlpool left its mark on the music of decades to come. Just ask The Big Pink or Caribou. 

Medicine - Shot Forth Self Living 
(1992, American) 

While most of the notable shoegazer bands of the ’90s were British, and the UK certainly produced a staggeringly large number of exceptional effects-pedal-loving acts (just look at the rest of this list), there were plenty of like-minded and equally wonderful bands emerging in America around the same time. Perhaps the best of the bunch, Los Angeles’ Medicine pushed two parallel extremes. On one hand, they were even more immediate and melodic than many of their peers, but on the other hand, they also made a lot more noise. Their splendid debut Shot Forth Self Living can be harsh and piercing at times, but also highly energizing. In tracks like “Aruca,” “5ive” and “Defective,” the group cranks up the overdrive and lets the melody flow through their Marshall stacks. It’s good for what ails ya. 

Slowdive - Souvlaki 
(1993, SBK) 
Buy at Insound 

Slowdive share a name with a Siouxsie and the Banshees song, but it’s probably more accurate to view their name as a kind of description for the dreamy, ambient pop in which they specialize. Sophomore albumSouvlaki removes some of the more immediate elements of the Reading band’s debut Just For A Day, and replaces them with more patient, beautiful soundscapes that, while plenty accessible in terms of melody, are glimmering monuments of atmosphere. It certainly doesn’t hurt that Brian Eno had a hand in a few of the songs’ sounds. Still, there are some definite standout tracks, chiefly “Alison,” the transcendent “When the Sun Hits,” and the considerably more ominous “Machine Gun.” 

Catherine Wheel - Chrome 
(1993, Fontana) 

Very few shoegaze acts enjoyed much in the way of mainstream success, but Catherine Wheel is probably the band that came closest, landing a regular series of minor hits with singles like “Black Metallic,” “I Want to Touch You,” “Crank,” and “Delicious.” Part of that was probably a stronger push on their part, but part of it also had a lot to do with the fact that, while the band celebrated effects and texture as much as their contemporaries, they primarily wrote driving rock songs with energy to spare. One could argue that Ferment is the band’s best, but I find the songwriting is just that much sharper on Chrome, a breathtaking album that stacks up pop hooks alongside dense layers of distortion. In parts, it’s heady euphoria (“Fripp”), while in others, it’s pop perfection (“The Nude,” “Strange Fruit”). 

Boo Radleys - Giant Steps 
(1993, Creation) 

A sprawling 17-track epic that makes full use of the time allotted on a compact disc, the Boo Radleys’ third album Giant Steps is an exhausting listen, but one that rarely loses its magnetic appeal. Caught right in the middle of their transition from more explicitly MBV-sounding shoegazers and the bright, jangly pop band they would morph into, Giant Steps is the Liverpool band’s crowning achievement, thereby justifying the use of a John Coltrane album title for its own. Here, the band shows off a jaw-dropping range, from the catchy noise rock of “I Hang Suspended” to the dub-influenced squealer “Upon 9th and Fairchild,” the power pop jangle of “Wish I Was Skinny,” and the truly awesome psychedelia of “Lazarus.” With so much going on, and in so many different directions, one might wonder whether this is truly a ‘shoegaze’ album proper, but the heavy dose of effects and trippy atmosphere that surges through its 64 minutes should put that question to rest. 

Swervedriver - Mezcal Head 
(1993, A&M) 
Buy at Insound 

You mess with the bull, you get the horns, or in Swervedriver’s case, the guitars. Easily the most aggressive of the UK shoegazing bunch, Swervedriver’s take on the style is more beefed up and intense, with sophomore album Mezcal Head bearing as much resemblance to Smashing Pumpkins’ dense alt-rock or Jawbox’s melodic post-hardcore as it does to the effervescent whoosh of Ride. From the crashing riffs of leadoff track “For Seeking Heat,” Swervedriver rarely lets up on their searing attack. They maintain a balance of intoxicated float and hard-charging crunch on “Duel,” and create a mesmerizing strata of guitar riffs on “Last Train to Satansville.” As meaty and driving as the album is, however, it’s loaded with hooks, almost every song bearing an unforgettable chorus. At the heart of it all, this is mostly a great riff rock record dressed up in chorus and flange effects, but that works just fine for me. 

Lush - Split 
(1994, 4AD) 

A band with one foot in the dream pop world of the Cocteau Twins, and the other squarely in the noisy realm of shoegaze, Lush gradually made a transition further toward straightforward, noisy Britpop. In fact, their final album, Lovelife, sounded a lot more like Elastica than Ride, and even featured a guest vocal from Jarvis Cocker. They were at their best when floating in a distorted, yet blissful dreamspace, however, the peak of this approach arriving with 1994′s Split. It has its moments of hook-laden guitar rock, particularly in single “Hypocrite,” though its most sublime moments are typically those in which singer Miki Berenyi is seemingly at one with the ethereality of their trippy, atmospheric guitars. “Desire Lines,” curiously released as a single, slowly allows its gorgeous ambience to approach eight minutes long, and the amazing opener “Light From a Dead Star” is almost all tension, a beautiful ride toward unseen stars.

El último proyecto de nuestro amigo Thor, aka. Just  Another Snake Cult, nos llegó al correo hace tiempo, y, aunque tarde,  lo posteamos hoy. Se trata de este single “navideño” (tan sólo por la época del año en que apareció), porque de música navideña tiene poco. Sí de ese sonido a medias entre el Bedroom-Pop, el Lo-Fi y el Chamber-Pop. Disponible en su Bandcamp a precio de caña de cerveza,

Just Another Snake Cult – I´ll never let you go, my dear (Single, 2011)

Facebook / Cómpralo-Purchase

Regina son una de las bandas punteras en la escena Indie de su país, Finlandia. Ello les hace tener una personalidad propia que les lleva a mantener su lengua materna en todos sus temas. No entendemos nada de lo que cantan, incluso su musicalidad no es demasiado grande, aunque tienen su encanto. Este álbum no es su presentación, ni mucho menos, pues ya tienen un cierto recorrido a sus espaldas, aunque con este Soita Mulle (2011) puede que hayan llegado a la cima de su creatividad.
Soita Mulle es un disco que salta alegremente entre el Shoegaze de rasgos más ambientales (Haluan sinut, Jos et sä soita, Harjun takaa) al Chillwave (Lëpan aalloilla, Hui mun luo), con la misma naturalidad que del Pop más soleado (Mustavalkeaa) al más alambicado y sofisticado de Stereolab (Päivät vavulat). Aunque el mejor corte del disco, y por el que les conocí fue el tema que abre: Unessa, que quizás tiene algo de todos los componentes de los que os he hablado antes. Es una maravillosa canción con un aura que me recuerda al ambiente de las sofisticadas fiestas retratadas en el cine de los años sesenta. Si no me decís quién son, os diría que suena a Stereolab con otra voz solista. Impresionante.
Su paralelo más o menos cercano en la escena más conocida por nosotros serían una banda como School of Seven Bells, aunque como os dije antes, Regina tienen la personalidad propia suficiente para navegar en solitario, sin necesidad de comparaciones.

Regina – Soita mulle (2011) 

“That thing about a picture being worth a thousand words? Someone should remind Regina. The front cover of the Finnish indie pop band’s fourth proper album, Soita Mulle (Finnish for “Call me”), is adorned with a beautiful black-and-white photo (taken by Megan Kathleen McIsaac) of two people lying down in a pastoral setting. Unfortunately, the ugly and carelessly placed typeface obscures and, in effect, blunts the image’s aesthetic beauty. Obviously, the band has a need to claim ownership for the album’s contents, but the image on its own so excellently represents Soita Mulle’s sensual, arresting feel that it functions strongly as a statement of purpose. Largely, Regina are working within what many listeners will instantly recognize as the dreamy, limitless confines of shoegaze– only, their take on it is less staticky and obscured than the way today’s younger bands have approached the genre. Soita Mulle’s most impressionistic moments sound clean and deep– an approach similar to what stateside shoegazers School of Seven Bells did on last year’s Disconnect From Desire– providing space to wrap yourself within their compositions, rather than attempt to smother you with blistering, fuzzy noise.
This sound fits Regina like a glove, and the new look largely makes Soita Mulle their best record yet– admittedly, an easy feat. Since 2005′s Katso Maisemaa, the band’s toyed with various genres and sounds just close enough to occasionally mix and mingle– the cool allure of French yé-yé, snatches of downtempo dance music, Stereolab’s bouncy warmth. 2009′s U.S. debut, Puutarhatrilogia, marked their most consistent effort at that point, but Iisa Pykäri’s thin, power-bereft voice resulted in her surroundings sounding occasionally chintzy and under-produced. On Soita Mulle, multi-instrumentalist/principal songwriter Mikko Pykäri’s production hand is heavy on the lushness, resulting in something more full-bodied and robust in sound. And, the improvements that Iisa’s made as a vocalist are not to be overlooked: the album’s highlights find her dipping in and out of melodies, filling the air with her voice, and effortlessly unleashing torrents of Finnish syllables. When she lets out a sweet melodic sigh near the end of “Haluan Sinut”, you breathe with her, and that’s a good thing.
Of course, Regina being Regina, the band still does a bit of outside-the-lines genre exploration, and as on previous efforts, it doesn’t always come out well. On one hand, the piping synths of “Ui Mun Luo” gel with the song’s cosmopolitan shuffle; on the other, “Harjun Takaa” seems an attempt to embrace upwards-moving anthemic melodic structures, ending stuck on the tarmac instead. The misses scattered between Soita Mulle’s hits make the album drag as a front-to-back listening experience– and this record is nine tracks in under 35 minutes. Forget the cover art: the real tragedy about Soita Mulle is that Regina grab the brass ring of consistency for the first time in their career, and with excellent results– they just can’t seem to hold on the entire time” (pitchfork.com)

Facebook / Cómpralo-Purchase

El primer disco que posteo de este año 2012 es este Ep de un dúo “trasatlántico” formado por Dan Gelder y Kerstin Wilson, a medias entre Reino Unido y Canadá. Como dice mi amigo Vicente en EDPMC: “Muchas veces me han preguntado que es el shoegaze, técnicamente es muy fácil de explicar, lo realmente complicado es describir con palabras qué encierra la palabra shoegaze, se podría decir qué es el género con el que mejor se pueden expresar los más profundos y bellos sentimientos humanos, el shoegaze es amor a borbotones, melancolía susurrada al oído, la eterna esperanza romántica de un tiempo mejor, o el fútil intento de detener ese mundo que anda más deprisa de lo debido, el shoegazing es uno de los géneros con las canciones más bellas que alguien haya podido haber escuchado nunca, por eso muchas veces me pregunto por qué este género ha tenido siempre tan poca difusión”
No se puede explicar con menos palabras pero con mayor intensidad. Papertiger Sound son un dúo que ha parido siete temas memorables, cargados de riffs mágicos, melodías ensoñadoras y sin despegar por ello los pies del suelo.
Personalmente, me quedo con Fin (título en castellano) y Safe inside. En la primera tiran de riff de teclado altamente adictivo, mientras que en la segunda echan mano del catálogo de sintes. Me recuerdan algo a Letting Up Despite Great Faults, en cuanto a suma de elementos Pop, Dream-Pop, Shoegazers, Twees…
Un disco que no deberías perderte, máxime cuando el dúo lo regala para su disfrute en su Bandcamp.

Papertiger Sound – Call home (Ep, 2012)

“Por suerte para los incondicionales es un género en constante evolución, el shoegaze renovó su impulso hace unos años gracias a los suecos The Radio Dept. uniendo magistralmente el shoegaze con la electrónica, una senda por la que muchos transitarían posteriormente. Papertiger Sound es un dúo trasatlántico, ya que ambos viven en lados opuestos del océano Atlántico, Dan Gelder en Norwich (Canadá) y Kerstin Wilson en Norfolk (Reino Unido), cuyas principales influencias pasan por Slowdive o My Bloody Valentine, dos bandas shoegazers míticas.
“Call Home” es un increíble mini álbum repleto de melodías pop nostálgicas con una gran atracción hacia el shoegaze y el dream pop, al igual que The Radio Dept., hacen un uso masivo de medios electrónicos, guitarras de ensueño y melancólicos sintetizadores, tienen una enorme capacidad de hacer retrospecciones sonoras a ese pasado sentimental y shoegazer ya lejano en el tiempo, TPS son el equivalente de ver una película de súper 8 en tu viejo proyector, imágenes borrosas de un pasado perdido” (esdemasiadoparamicabeza.blogspot.com)

Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download

Ahora que la Sexta3 le dedica un día al cine español, os recuerdo que en The JangleBox solemos dedicarle los lunes al Indie nacional, prestando especial atención a cualquier material que nos llega a la bandeja de entrada de nuestro correo. Quiero decir con esto que os pongáis las pilas y nos envieis vuestras maquetas, mp3´s, discos, material sonoro o lo que os parezca a la dirección de correo que ilustra la parte derecha del blog.
Patobuzz, alias Mr.Cuac (lo siento, amigo, no sé tu nombre) es el proyecto paralelo del guitarrista de Commodore (TJB, Noviembre 2010), quien se ha aliado con nuestro amigo Evil Evans para que le produzca, arregle y colabore en los temas de la primera maqueta de Mr.Cuac. Cinco temas en los que Patobuzz se toma las cosas con calma, con cierto grado de improvisación pero sin darle demasiadas vueltas. Éso se nota desde la primera escucha, aunque la sensación final al escuchar los temas (aparte de una cierta influencia de Evil Evans) es la de una cierta complicidad e interacción con la música y las letras de Mr.Cuac. Musicalmente hablando, su sonido es cercano al de los nuevos crooners Folk-Pop surgidos desde la otra orilla (Sufjan Stevens, Josh Rouse…) y algún que otro ídolo NewPopper como Brendan Benson.
Puedes escuchar esta su primera maqueta desde su Bandcamp, descargarla y compartirla con quien te apetezca. Cuac! Cuac!

Mr.Cuac – Parvulario (Ep, 2012)

“El primer post del año me lo voy a dedicar a mí mismo, claro coño, que ya está bien de escribir tanta chorradita y queja pública, que muchas veces uno ya no sabe de qué cojones hablar. Pues sí amigos, os voy a contar algunas cosas de lo que he llamado Mr Cuac, ya que ningún blog ha roto la veda de las publicaciones cuaqueras todavía, además seguro que alguna pariente-fan-histérica me lo agradece.
“Estaría guay grabar algún día unas canciones haciéndolo yo todo, sin preguntarle a nadie más que a mí mismo”. Eso llevaba tiempo pensando. Además, en los últimos meses, fueron apareciendo canciones así que me dije que era el momento de hacerlo, yo ya tenía alguna idea de cómo funcionaba el tema tras la maqueta con los Commodore pero tristemente me di cuenta de que yo sólo no tendría huevos de grabarme, necesitaría meses de aprendizaje y mucha paciencia así que recurrí al hombre con amplios conocimientos de armonía, el nota sin el cual esto no hubiera sido posible. Tras el parón veraniego de ensayos decidí lanzarme, mi amigo y ex compi commodoriano Ricardo ejercía otra vez de productor, ya se pegó un lote curioso con los Commodore y de nuevo le pedía que me ayudara con lo mío. Evidentemente aceptó, y es que a este también le va la marcha tela…
Cuando mi productor vino a casa para ver de qué iba la cosa tenía dos temas con principio y fin, otros dos inacabados, pero todos ellos sin letra, uno ni siquiera existía. Cogí la guitarra y me puse a tocarle lo que tenía a Ricardo y a partir de ahí comenzamos a cerrar las estructuras de las canciones y a buscar las baterías. Con la base de las cuatro canciones acabadas nos mudamos a los ya míticos “Estudios Cartucho”, la casa de Ricardo, lugar de creación y esparcimiento sonoro, sitio donde se ha grabado todo lo que suena en “Parvulario”. Intermitentemente fuimos añadiendo guitarras y panderetas, bajos y teclados. Él, además de ordenar y asesorar me ayudó con la guitarra y se encargó del bajo y las teclas. Mientras tanto, yo iba buscando arreglos de guitarra y coros para las voces, me estrujaba los sesos con las letras y seguía probando cositas con la seis cuerdas por si salía algo curioso de última hora, y salío. “No atormentado” apareció un día, poco antes de ir cerrando el asunto y decidimos grabarla en directo, guitarra y voz a la vez, luego la adornamos un poquito.
Y así, poco a poco, las canciones fueron cogiendo forma hasta llegar a cerrar la instrumentación ya entrados en el mes de Diciembre. Me concentré en acabar las letras y una tarde, con rapidez y naturalidad, como lo hemos hecho todo en “Parvulario” me metí en el vestidor-pecera de Evil evans y le puse la voz a los temas. El resultado es lo que habéis oído, fruto de entender la música tal y como me viene, sin darle demasiadas vueltas a casi nada y así han salido las canciones, sencillitas y redondas, como a un servidor le gustan las cosas. Finalmente, mis creativas oficiales Sara y Tania remataron la faena con el logo y la correspondiente portada y contraportada.
Y aquí se termina la historia de “Parvulario”, ahora queda moverse un poquito por la web y ver qué opinan gente no conocida al escuchar la maqueta. Pero en resumidas cuentas me lo he pasado muy bien con toda esta movida, tocar canciones y montarlas con un amigo tan tranquilamente no tiene precio, por eso ya ando de nuevo con ganitas de más, puede que este verano, si mi cicerone se anima (seguro que sí) nos metamos con la segunda maqueta de Mr Cuac. Ahora toca a darle a la guitarra, los Commodore amenazan con volver y hay trabajo por hacer, nuevas canciones que encontrar para llevar al local de ensayo. Mientras tanto, que suene la música” (lanuevajerga.blogspot.com)

Bandcamp / Descarga legal gratuita-Free legal download

Psicodelia, sitares, incienso, letras con cierto grado de alucinación… estamos hablando del nuevo disco de Dehra Dun: Variaciones imprevistas en el cauce del río (Grabaciones en el Mar, 2012).
Aún no aparecido, en el álbum probablemente encontraremos esos y otros muchos ingredientes que caracterizan el sonido de la banda, cuyo nombre asumen, cómo no, de una canción de George Harrison, quien a la vez lo tomó de una localidad de la India. El disco aparecerá el próximo 15 de febrero. Os dejo con un adelanto.

Facebook / Grabaciones en el Mar

Turntable Kitchen :: January 2012 Mix (.zip file)

01. White Rabbits – Heavy Metal
02. La Sera – Please Be My Third Eye
03. The Record Company – Don’t Let Me Get Lonely
04. Mux Mool – Palace Chalise
05. Nicolas Jaar – With Just One Glance
06. Grimes – Genesis
07. Of Montreal – Dour Percentage
08. James Blake – A Case Of You (Joni Mitchell Cover)
09. Machinedrum x Azealia Banks – NEEDSUMLUV (SXLND)
10. Tayyib Ali – Shit I Know (feat. Rockie Fresh)
11. Andrew Collberg – Dirty Wind
12. Night Beats – Puppet on a String
13. Frankie Rose – Know Me
14. Newtimers – January Love
15. Last American Buffalo – Yucca Bacatta
16. Future Twin – Yuka
17. Shigeto – Huron River Drive
18. heRobust – Facebook Lift
19. Halina Larsson – Fires and French Horns

Como decía anteriormente, dentro de poco probablemente el blog será clausurado o sencillamente censurado, así que mientras que nos quede recorrido, pues seguiremos opinando sobre música, que es la actividad cultural que más nos gusta.
Sin demasiadas ganas, os hablo hoy de Weekend, una banda californiana  compañeros también de sello de The Pains of Being Pure at Heart y Gold Bears, pero en esta ocasión nada tienen que ver con aquellos. Weekend son una banda que tiene más que ver con el Shoegaze y el Post-Punk. Su sonido está asociado al de los bajos con pedales, al de los ritmos contundentes y sonoridades gélidas y atmosféricas. Si me pedís una opinión sincera, no ha sido un disco que me haya emocionado, aunque hay un par de temas que nos pueden evocar anteriores tiempos Shoegazers: Hazel (ecos de Catherine Wheel incluidos) y The one you want, ejemplos ambos de esa unión Shoegaze/Post-Punk.

Weekend – Red (Ep, 2011)

“Maybe the best thing about Sports, last year’s bruising debut from San Francisco noise-poppers Weekend, was simply how refreshing it sounded. While so many other lo-fi acts were still messing around with balmy haze and Nuggets jangle, these guys took the sound down darker, more aggressive paths. The album’s marriage of squall and melody wasn’t really anything new, but just by channeling a different set of influences– post-punk, shoegaze, the Jesus and Mary Chain– Weekend’s music felt so much more visceral than their peers’. At the same time, Sports’ charm boiled down to one idea executed very well, and it wouldn’t be unreasonable to worry if they had the depth to do that again.
So it’s encouraging to hear Weekend making significant alterations to their formula on the Red EP. Offered as a teaser for an as-yet-untitled, upcoming LP, Red finds the band operating in a much cleaner, dreamier mode and mostly pulling it off. In addition to cutting back on the background screech that dominated Sports and drawing out more melody, the big difference is how the band treats frontman Shaun Durkan’s voice. Previously a croaky drone used as an accent, Durkan’s vox is richer, recorded higher in the mix, and able to carry a song on its own.
The best place to hear Weekend’s more direct approach is on standout “Hazel“, a killer shoegaze-pop number that has a lot in common with swirling 1990s classics like Catherine Wheel’s “Black Metallic“. Set over an insistent, post-punk drumbeat and throbbing bass, the track becomes nicely un-tethered, letting guitars spin in and out of focus. There’s great dark/light tension between its tight construction and looser elements, and Durkan’s vocal strings it all together with a warm pop hook. The band hits similar high notes on “Sweet Sixteen” and “The One You Want”. The cool thing about these songs is that while they aren’t as threatening as some of the Sports stuff, they’re no less dark– it’s just a more pensive and mysterious kind of noir.
Red is only five tracks long, and two of the cuts– “Your Own Nothing” and the weirdly titled “Golfers”– are a little slight, so there’s only so much you can take away from it. But it’s an important release for Weekend, one of those classic transitional EPs– Deerhunter’s Rainwater Cassette Exchange and Abe Vigoda’s Reviver spring to mind as recent examples– where a band takes stock of its strengths and starts to pivot in a new direction. Maybe even more important is that it shows this band as much more agile and nuanced than some previously thought, able to make noise one part of its attack instead of the primary focus” (pitchfork.com) [Ooops!! Con la ley Sopa no podríamos citar contenidos con derechos de autor!!]

Facebook / Cómpralo-Purchase

¿Qué hacer si en el 2011 ya has editado un gran disco y te quedan un buen puñado de temas en el tintero de igual o superior calidad? Pues aprovechar el momento para sacar un nuevo álbum, estrenando además nuevo contrato discográfico. Trabajar sin presiones es lo que tiene, que da lugar a que la inspiración fluya majestuosa y las canciones surjan de la forma más natural.
Este nuevo disco de Motel Beds: Tango boys (Diciembre, 2011) es la continuación natural y lógica del aclamado Sunfried Dreams (Febrero, 2011), comentado en TJB. Un disco que nos reencuentra con lo mejor del Pop, como decíamos allí, “ese fenómeno de masas surgido en el siglo XX que es imposible que con ejemplos como éste dé muestras de agotamiento”.
La música de Motel Beds es una de una inspiración armónica, está preñada de melodías memorables, de letras fáciles y absolutamente asequibles para todo el mundo. Todo está bien avenido: la instrumentación, las melodías, los temas. Nada sobra y nada falta. Todos los pequeños detalles están sabiamente dispuestos y colocados. En este disco se recrean algo más en el Pop más melódico (Say goodnight, Tango boys, Getting closer o la increíble Hopeless, un temazo de inspiración nostálgicamente Beatlemana).
No obstante, la banda liderada por John Paul Paslosky también sabe cuándo apretar el acelerador de la distorsión: Milquetoast discovery, Tarzan sings the blues, Fake the army, Lit eyes, These are the days gone by, o el dueto con su paisana Kelly Deal: Tropics of the sand.
Motel Beds continúan en la tradición Pop de bandas ilustres como The Beatles, The Beach Boys, The Kinks, Big Star o las más recientes como Olivia Tremor Control, The Minders, The Posies, The Lilys… Si eres aficionado al Pop intemporal de siempre, está claro que Motel Beds son tu banda. Visita su Bandcamp y podrás conseguir su música a precio del siglo pasado. Sus anteriores discos están disponibles en descarga gratuita.

Motel Beds – Tango boys (2011)

“Right from the cool indie swagger of the opening minute long intro, “Theme From Tango”, you get the sense that Dayton, Ohio’s Motel Beds are coming at you with something solid. This track transitions into “Milquetoast Discovery”, which greets the listener with frontman Paul John Paslosky’s slightly fuzzed up croon that keeps the track swaying and makes it instantly memorable. Over the last year, the Motel Beds have been quickly propelling themselves forward with several stellar CMJ appearances, signing with the North Carolina-based indie label No More Fake Labels and collaborating with fellow Daytonian Kelley Deal (Breeders). This has the band clearly focused on success, which can be heard as it all comes together on Tango Boys. Kelley Deal makes her presence known on album highlight “Tropics Of The Sand”, as her instantly recognizable vocals mirror Paslosky’s line for line during its smooth tempo which creates an indie duet that has real buzz. “Hopeless” takes you to someplace warm with its Beach Boys type vocals and classic surf guitar vibe while the entire band shines on the catchy “Fake Army” with the stellar drumming of Ian Kaplan leading the charge. Stylistically, Tango Boys blends different genres with its unique mix of lo-fi, hi-fi and classic British Invasion indie rock that combined with its neat 34 minute running time, this release turns into a can’t miss from the Motel Beds!” (thefirenote.blogspot.com)

Facebook / Oficial / Cómpralo-Purchase

Uno de los discos de 2011 que rinde un tributo más que rendido al Indie noventero es este Are you falling in love (2011), estreno discográfico de Gold Bears, joven banda de Atlanta compañera de sello de The Pains of Being Pure at Heart. Bueno, compañeros de sello además de compartir ciertas afinidades: gusto por la distorsión, por las melodías urgentes, por los riffs de guitarra punzantes y directos. Incluso tienen una chica enrolada en sus filas también de rasgos orientales (Juliet Sy).
La música de Gold Bears es un compendio de las mejores enseñanzas de Bob Mould en los noventa. Hüsker Dü y Sugar, sus dos bandas referencia, son la principal inspiración de este disco de Pop-Punk acelerado (Record store, All those years, East station attendant, Totally called, In this city i´m invincible, Tally…). Cuando dejan a un lado la herencia de Mould, los chicos prestan sus oídos al C-86 más acelerado (So natural, Are you falling in love?).
Las comparaciones con sus colegas no son del todo correctas, pues, a mi entender, a Gold Bears les falta ese puntito de ingenuidad adolescente y de nostalgia distorsionada de TPOBPAH, y a cambio los de Atlanta han facturado un álbum en el que prácticamente no hay tregua. Ahora habrá que ver si Gold Bears pasa la reválida de su próximo disco. The Pains la han pasado. Y con nota. Recomendable.

Gold Bears – Are you falling in love (2011)

“Given their looks, their taste, and the fact that their repertoire includes song titles like ‘Record Store’ and color-bleeding complete-sentence quips like “After sex, I was lying awake in bed with visions of sugar plums dancing around my head” – it’s easy to tell Gold-Bears were probably pretty ecstatic to land themselves within the exclusive pedigree of Slumberland. The Atlanta collective are probably a few years too old to be getting away with their rosy jangle with complete teenaged earnestness, but their nostalgia and the pure idolization offered to the bands they’re imitating is truly palatable.
We’re talking about an album called Are You Falling In Love? for god’s sake – and the band trots out the exact miniature twee you’d expect them to; blending in soft-focus to an even greater degree than label-mates Pains of Being Pure at Heart. Sunbeam guitars, Spartan drums, frantic songs about love and music – all covered in a gentle gauze. The aforementioned ‘Record Store’ rages in the High School age; all clattering guitar jostle while frontman Jeremy Underwood’s life is saved “from the back-door /of a crowded record store.” The 2-minute ‘All Those Years’ follows in similar fashion with saccharine start-stopping chords and a particularly well-placed harmony from Juliet Sy (who, naturally, sounds quite a bit like the Pains’ Peggy Wang.) Save for the faded title-track and the gentle crash-pop of closer ‘Yeah, Tonight,’ all these songs carry a sense of direct immediacy. Pretty sing-a-longs are not saved for a payoff; they’re spread liberally and delectably through every inch of the record’s 30 minutes.
And then it passes, mostly uncontested, like a centering summer breeze. You may play back Are You Falling In Love? to make sure you didn’t miss something lurking beneath the tenderness – but it’s a fool’s errand. The straightforward, undemanding, adorable pomp of Gold-Bears remains basic in its results – built to suit any time and place, its ingredients the essences of wit, whimsy and lover’s soul. It will not encroach your list-making, but it will patiently wait for your return should you decide to take a visit to its glowing world again” (thelineofbestfit.com)

Facebook / Cómpralo-Purchase

El debut de estos chicos de Winston-Salem llamados Estrangers (nada que ver con los extintos Stranglers), es algo así como una fusión del sonido Pop de The Love Language unido al Folk-Pop de Bon Iver o Fleet Foxes. Un breve álbum (apenas media hora) en el que no vas a encontrar nada exactamente novedoso, pero sí una serie de temas capaz de animar los espíritus de cualquiera a esas primeras horas de la mañana en las que tan difícil es hacerlo (L´Aventura, New year´s eve, White flowers -la mejor del disco-, Tell her no thanks…). Un disco sin ninguna estridencia pero también sin ningún altibajo dentro de su estilo. Recomendable. Disponible en su Bandcamp.

Estrangers – Black ballroom (2011)

“Through driving instrumentation and sweet melodies, Winston-Salem’s Estrangers presents a refined and occasionally tumultuous take on pop music on its debut album Black Ballroom. Although familiar, the band makes its sound personal with a swirl of whimsical layers.
Between the multiple layers of guitar and keyboard, the songs on Black Ballroom are engulfed in a cloud of infectious hazy pop. And with frontman Philip Pledger’s honest lyrics recalling hometowns, past relationships and memories, the album is easily accessible to listeners.
In many ways the sextet channels the same lo-fi pop made prominent by fellow North Carolinians The Love Language, but the band’s energy and experience is its own. Each song feels relatively personal and the band focuses on developing each layer without being too saccharine.
Songs “Tell Her No Thanks” and “L’Avventura” are fast foot-stomping ditties that combine the best of Estrangers’ musical layers, through energetic drumming and chaotic keys. As Pledger’s vocals break through the menagerie of instruments, these bouncy songs develop as dynamic standouts.
Black Ballroom starts and fades quickly, clocking in at just under half an hour. Its brevity is refreshing, but its main drawback is the parallels it draws to its influences. It’s not that the album isn’t original, but that it lacks in developing its own breed of originality.
For Estrangers, there is no doubt that the energy and the potential is there. Black Ballroom is a solid debut; perhaps all that is needed is a little more exploration in order to carve out a sound that is distinctly its own” (dailytarhell.com)

Facebook / Descarga legal, pon el precio-Legal download, name the price

El otro día navegando por internet descubrí en el gran blog1 Área 51 del Corazón una entrada a la que accedí de inmediato. Se trata del single de presentación de un nuevo proyecto en el que colabora Guillermo Farré (Wild Honey, Mittens). Se trata de Teacher Teacher (el nombre viene de un tema de Rockpile). Ahí colaboran -y cantan- también dos chicas llamadas Cristina y María (lo siento chicas, no sé vuestros apellidos, mandadme un mail y corregiré el dato).
En Teacher Teacher Guille ha decidido darle lustre al overdrive de su pedal de distorsión y facturar un Pop mucho más desenfadado y gamberro. El single tiene como portada una ilustración de Alicia en el País de las Maravillas, y está conformado por dos temas: el titular, Campamento de verano, un ingenioso tema de Twee-Punk con letra a medias entre cinematográfica -quién no ha visto alguna vez una peli que trate el tema- y autobiográfica.
Pero la sorpresa es una adaptación perfecta de un temazo de Sebadoh: Ocean, que aquí se llama -lógicamente-: Océano. Un rendido tributo fiel al original que respeta toda la delicadeza Lo-Fi de la banda de Lou Barlow. Una presentación que nos deja con ganas de más material. Así que… ¡manos a la obra!

Teacher Teacher – Campamento de verano / Océano (Single, 2012)

Facebook / Descarga legal gratuita-Free legal download