Teenage Fanclub: Everything flows (1990); Paperhouse, Matador

Entrevista para SnubTV y posterior actuación en vivo realizando una intensísima versión de Everything Flows.

Teenage Fanclub: Everything flows (1990); Paperhouse, Matador

Para este fin de semana en el Retro-Visor vamos a acabar con la producción musical de Teenage Fanclub durante 1990. Hoy os presento este Everything flows, single del grupo del que ya hemos hablado con anterioridad mencionándolo como el mejor tema de la colección que compuso el primer larga duración de la banda, A Catholic Education (Matador,1990). En esta canción, cumbre de la primera época del grupo, el sonido de la banda resulta ser una especie de mezcla entre los sonidos menos experimentales de My bloody Valentine, Dinosaur Jr. y, por supuesto, su maestro, Neil Young. Su melodía, algo arrastrada, va fluyendo enmedio de una maraña de distorsión y overdrive hasta culminar en uno de los solos más significativos de Raymond McGinley, y la repetición del riff de guitarra y los coros es una especie de mantra repetitivo que no cesa de sonar. El título es una reminiscencia de Heráclito (“todo fluye, nada permanece”). El tema es una composición de Norman Blake, y no suele faltar aún todavía en muchos de sus conciertos. El single se completa con una versión seminal con caja de ritmos de A catholic education, aquí denominada Primary education. Speeder es un instrumental -también con caja de ritmos- que no deja de ser una aportación extra deshechada al primer disco. Y para terminar, una versión de uno de los músicos de referencia de la banda: No cry no tears, del gran Neil Young, una estupenda recreación de un tema impresionante del canadiense, a quien TFC cumplen debida pleitesía, tan sólo aportándole unos cuantos acordes disonantes en algunos de sus versos; gran versión.

“Launching Teenage Fanclub‘s debut album, 1989′s A Catholic Education, the Scottish quartet’s first single, “Everything Flows,” is a sublime piece of melancholia. The churning guitar chord sequence and bittersweet melody served as an auspicious start to a fruitful career for a group that was to produce some of the strongest pop songs of the 1990s. “Everything Flows” compares to some of Dinosaur Jr.‘s and My Bloody Valentine‘s less rocky and/or experimental moments. But more precisely, “Everything Flows” sounds a little like The Beatles as filtered through Neil Young‘s Zuma. And as with many of Young‘s songs, the Fanclub feel free to indeed let the song flow, dragging out a magnificent chord progression that serves as the verse, chorus, and outro. But unlike Young and his star student J. Mascis, Teenage Fanclub doesn’t fill up the space with guitar squalls or over-the-top soloing. Instead, after they have repeated the chorus like a mantra, they cut in a few string bends and a lick or two and let the progression build until its repetition becomes rapturous. The song’s title comes from a quote from the philosopher Heraclitus: “Panta cwrei, ouedei menei” (Everything flows and nothing stays), an idea with parallels in other philosophies and applications in multiple disciplines. The lyrical subject matter of “Everything Flows” offers a personal slant on a common theme for young men writing in their early twenties: people changing and adapting to each other, or failing to do so. “Everything Flows” and A Catholic Education received rave reviews from the make ‘em and break ‘em English rock press. Its critical success led to well-deserved attention on their breakthrough second record, Bandwagonesque, where the band leaned away from the sludgier aspects of A Catholic Education and embraced the more overt pop and harmonies of bands like The Beatles, Big Star, and The Byrds” (allmusic.com)
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The Smittens/The Just Joans: Split Single (2009), Wee Pop

Volvemos a encontrarnos hoy con una nueva referencia del sello londinense WeePop, y en concreto con el nuevo trabajo de unos viejos conocidos por este blog, The Just Joans, quienes han colaborado en la edición de este single compartido con The Smittens en el que ambas bandas se versionean una a la otra. Pero vamos por partes: The Smittens son un combo norteamericano de Vermont que factura un Dream-Pop de bonitas melodías y sonoridades Jangle, con una ya extensa carrera a sus espaldas. En el disco han versionado el conocido What do we do now de los escoceses, incluido en su Ep Hey boy, you´re oh so sensitive (WeePop, 2008), una preciosa canción que nos evoca a los primeros Belle and Sebastian. Lo cierto es que han respetado al máximo la original, rindiéndole merecido tributo y aportándole su sonido Jangle. El segundo tema que han incluido en el single es Summer sunshine, tema propio y que personalmente es el que más me gusta de los cuatro que componen el disco: irresistible melodía y voces perfectamente acompasadas y acopladas en esta pequeña oda veraniega. Por otra parte -en la otra cara, en la edición de vinilo- está la aportación de The Just Joans, grupo escocés de Motherwell ya conocido por este blog, quienes han aportado una versión de The Smittens: Gin and platonic, del álbum Gentlefication Now dándole un cierto aire Twee-Folk bastante agradable, imprimiendo un cierto giro sonoro a sus grabaciones ya apuntado en su anterior Love and other hideous accidents (WeePop, 2009), su último trabajo hasta la fecha. Para cerrar el disco, la regrabación de I hear you´re the man now, John, tema que, salvando-las-distancias, nos lleva en el tiempo a las primeras grabaciones de gentes como Fairport Convention, con ese aire Folkie aportado por la instrumentación acústica utilizada en su grabación y la majestuosidad de sus voces. Disco más que recomendable para seguidores del Pop de Anorak, con especial dedicación a las melodías. Por cierto, en esta ocasión podéis conseguir el disco pinchando en la página de WeePop, por un precio de risa y con un package realmente currado y casi personalizado, gracias a la labor de Camila, a quien agradecemos desde aquí su dedicación y apoyo al blog.

“Both such quintessentially WeePOP! bands, The Just Joans and The Smittens represent two different sides of the atlantic and two aspects of the indiepop sound: The Smittens with their more uptempo handclaps, jangles and percussion, and The Just Joans showcasing a more uniquely british anarok styling and lineage. Long time admirers of each others work, they finally got to meet and play together at last years Indietracks festival. Friendships were made, plans were hatched, and the result is a joined release with them covering each other’s songs as well as a single of their own. To hear The Smittens singing about the Buckfast tonic wine and wearing Kappa tracksuits is in their cover of “what do we do now” is just too good!! They round out their side with a new track called ‘Summer Sunshine’ full of that much loved percussion and jangle, with a big wiggly synth line for the summer! The Just Joans went for ‘Gin and Platonic’ from The Smitten’s ‘Gentlefication Now!’ album, and a re-recording of one of their own earliest and favorite tracks, ‘I Hear You’re The Man Now, John’ from their album ‘Last Tango In Motherwell’. The split is going to be available on 7″ vinyl next week (available to pre-order now) and on our traditional 3″ cds later in the month” (WeePop.net)
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MySpace-The Smittens
Página WeePop Records

To Reinvent: Pink and Bleak (2009)

Pink and Bleak es el disco de debut de esta banda norteamericana de Minneapolis llamada To Reinvent, nombre que no hace honor al espíritu del combo, ya que se empeñan -con gran acierto- en demostrarnos que el Pop-Rock de melodías y de raíces americanas goza de una gran salud. El álbum -gentilmente cedido para su publicación y descarga gratuita desde su MySpace- es un ejemplo esplendoroso de que que los medios tiempos del Pop con melodías son el terreno donde la banda navega más a gusto: On the fritz, Straight to Vegas, Neon killed Rock´n´Roll, Sleeping in the sun, Emerald park, son los ejemplos de lo que hablamos; pero nos gustaría remarcar por encima de las demás Came to play, tema con melodía y ambiente con reminiscencias de los primeros Wilco; y Just tell me, que es quizás la mejor del álbum, canción con un aire a los sesenta enmarcada en una estructura musical americana y melodías con respuesta chico-chica semejante a los temas de la época It´s a shame about Ray de The Lemonheads. En un extremo algo más animado nos encontramos con Hangman y Pink and bleak, temas que aún dentro del Pop-Rock, tienen un aire algo más desenfadado y enérgico, en ellas la huella del productor del disco, Ed Ackerson (líder de Polara) son algo más evidentes. Disco más que interesante para amantes del género, Pop del de siempre, de raíces y de evidente intensidad. Los amantes de los sonidos de The Byrds, The Band y de sus representantes más modernos -Wilco, Fountains of Wayne, Polara, Posies…- podemos estar de enhorabuena.

“Performing tonight at the Triple Rock Social Club… promising local newcomers To Reinvent. Front man Ryan Traster (ex-Small Towns Burn A Little Slower) has a seriously smooth tenor and the rest of his band sounds equally polished on the collection of mid-tempo power pop demos currently spinning on their MySpace, I dare you to listen to “Just Tell Me” and not join in the hand clapping during the chorus” (Metromix.com)

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Epic 45: In all the empty houses (2009), Make mine music

Epic 45: In all the empty houses (2009), Make mine music

Ante el aluvión de apariciones del nuevo lanzamiento del grupo británico Epic 45 en la Blogosfera, además de que lo hicieran en diversos blogs de distintos tipos de música, decidí hincarle el diente a este Mini-Lp de seis temas en el que el dúo de Staffordshire realiza un viaje a través del Ambient con texturas Pop. Si en algo inciden en las críticas que hemos leído de la banda es en la dificultad de encasillarles. Ésto es cierto: parten, como decíamos de un Ambient adornados con texturas Pop y cierto aire a lo Shoegaze más heterodoxo, pero no tienen reparo alguno en adentrarse en atmósferas más electrónicas si el tema así lo requiere o en los ambientes más densos del Post-Rock. We were never here es el tema que abre el disco, y es un ejemplo de este Pop ambiental al que aludíamos, parsimonioso y algo arrastrado. Daylight ghosts es algo más fácil de digerir, más Pop y más Shoegaze al que estamos acostumbrados. El ambiente se torna más denso en In all the empty houses, y la electrónica se abre camino. Algo parecido a lo que ocurre con el siguiente tema, The future is bliding. Their voices in the rafters es un instrumental de tonos igualmente melancólicos y algo sombríos. Cierra la colección Ghosts in tapes, tema con el que el dúo retoma el Pop del comienzo del disco, cerrando éste de una manera simétrica. Disco en definitiva que realmente satisfará a amantes del Ambient como de la Electrónica, a seguidores del Pop como a Shoegazers; disco de escucha amena y de tonos que avanzan la época del año que se nos avecina.

“Trying to review ‘In All The Empty Houses’ by Epic 45 is a rather difficult exercise, a band it’s awfully hard to categorise. They straddle the divide between tender melancholy pop & chiming, atmospheric post rock, definitely within the realms of the sound universe created by bands such as Disco Inferno, Bark Psychosis & Hood but more dreamy, and less edgy with a very gentle dynamic. The bass lines thrum & bob searchingly as wistful, chiming guitarscapes & homely swathes of subtle electronics are enveloped by a wistful half-spoken vocal. They seem to me very sensual in their approach, creating mini…erm “epics” of melancholy, immaculately produced ambient rock with a very British sensibility. I can hear just how they’ve honed their particular brand of audio enlightenment to perfection and it’s quite affirming to hear a band of this calibre at the top of their game. I think the trick with them is to create something comforting & familiar but still distinctive & magical, imbuing their twinkly, chiming structures with a really soothing, layered majesty which at times sounds like the calm after say, 65daysofstatic’s storm, a very satisfying blend of rock & electronic instrumentation with a certain finesse” (Nota de prensa, Bolachas.org)

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Epic 45: In all the empty houses (2009), Make mine music

Nuevo lanzamiento del dúo británico Epic 45, en él aparecen diversos elementos sonoros que hacen difícil encasillarles en un estilo en concreto; es un disco que satisfará tanto a los amantes del Pop como a los del Shoegaze, tanto a los seguidores del Ambient como a los del Post-Rock o la Electrónica. Si quieres saber algo más de ellos, consulta el post de The JangleBox del día 26 de Agosto.

Cornershop: The roll off characteristics (of history in the making), 2009; Ample Play

Cornershop: Judy sucks a lemon for breakfast (2009), Ample Play

Como no nos cansamos de repetir en este blog, llegado cierto momento, muchas bandas digamos que “supervivientes” obtienen cierta licencia para hacer más o menos lo que quieran, sin temor a caer en la autocomplacencia o en la repetición sonora. Esto es lo que ocurre con este disco de Cornershop, Judy sucks a lemon for breakfast (2009), bonito y curioso nombre que puede llevarnos a pensar en lo agridulce de su escucha; nada más lejano de la realidad. Si bien Cornershop andaban bastante alejados del panorama musical desde su Handcream for a Generation (V2, 2002), parece ser que ese retiro les ha sentado particularmente bien, puesto que han facturado un larga duración bastante ameno en su escucha y con algunos temas más que interesantes. Sin llegar al espíritu de experimentación sonora-multiracial de su When I was born for the 7th. time (Everlasting, 1997), y tras superar su errático Handcream for a generation (V2, 2002), este disco viene de alguna manera, a consolidar el sonido de Cornershop, liderados por el tándem Tjinder Singh y Ben Ayres, tendero y lugarteniente de esta tienda de la esquina. Sería imposible resistirse a la rockista Who fingered Rock´n´Roll, impecable y contundente tema de perfecta estructura Rock, muy a lo Stones-Primal Scream-The Charlatans, todo ello aderezado por el contrapunto del sitar de Ayres. La fórmula Pop sencillo, bonita melodía y contrapunto de sonidos hindúes se repite en esta ocasión con Soul school. Judy sucks a lemon for breakfast es otro buen tema Pop al que en esta ocasión se le ha añadido además sección de metales. Free love es un tema de cierta agitación sonora y mezcla de elementos musicales de diversos orígenes, un tanto extensa, en nuestra opinión. The roll off characteristics (of history in the making) vuelve a retomar la senda del Pop como single de éxito, fórmula garantizada desde su celebérrimo Brimful of asha. The mighty Quinn es la versión elegida para este álbum: briosa y enérgica rendición al tema de Dylan popularizado por Manfred Mann, perfecta adaptación para el estilo de Cornershop. Chamchu es otro tema fronterizo, mezcla de sonoridades tamizadas por la batidora tendera. The turned on truth (the truth is turned on) es la verdadera laguna del disco: Primero, por su excesiva duración, y segundo por las voces femeninas estilo Godspell que aparecen, rindiendo una cierta pleitesía a algún clásico del género. Realmente no entiendo la costumbre de ciertos grupos-cantantes de hacerse acompañar de este tipo de acompañamiento vocal-femenino, que le da al tema un aura de sonido-adulto-norteamericano que no pinta nada en su música. Dieciseis minutos de música que en realidad sobran. Como casi todos los discos de Cornershop, la regularidad no es su principal característica, pero la nota media de sus temas es de notable alto y en él podemos encontrar varios temas por encima de la media. Bastante recomendable.

“Given Cornershop‘s extended seven-year layoff, it’s not unreasonable to expect Judy Sucks a Lemon for Breakfast — the group’s first album since 2002′s Handcream for a Generation — to be somewhat of a reinvention for a group that specialized in ever-shifting change in the ’90s. As it turns out, Judy finds Cornershop riding a very, very comfortable groove, replicating the sound of feel of the bright, boogying Handcream while stripping away any of its intensity. That means that this is the friendliest batch of neo-glam to come down the pike in quite some time, never catching fire but never really striking a match, either, and it’s the least adventurous dose of eclecticism, too, with nary a sitar, Mellotron, or sample out of place. Familiarity may often breed contempt, but not here, because there’s a palpable sense of happiness running through the music — not something that’s exuberant, but rather mellow and colorful. By now, Cornershop‘s blend of ’60s pop, ’70s rock, and ’90s multi-culturism feels as retro as their inspirations, but that’s only because the world has moved on to other fashions while the band has not. Instead of redefining their world, they’re happy to cultivate their own little garden, and when the fruit is as pleasing at this, it makes sense” (allmusic.com)

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Teenage Fanclub: God knows it´s true (1990); Paperhouse, Matador

Teenage Fanclub: God knows it´s true (1990); Paperhouse, Matador

A estas alturas nadie puede dudar de que Teenage Fanclub se han convertido por derecho propio en uno de los grupos “grandes” no sólo de estas últimas décadas, sino también de toda la historia de la música. Y allá por los principios de la década de los noventa, la banda escocesa daba sus primeros paso, como ya comentamos por The JangleBox hace algún tiempo. Una vez editado su primer Lp, A catholic education (1990), la banda editó en ese mismo año dos Cd-Singles con dos de sus temas más representativos: Everything flows (Single,1990) y este God knows it´s true (Single, 1990); tema con el que la banda iniciaría un pequeño giro estético en su planteamiento sonoro posterior. De la relativa oscuridad y complejidad proto-grunge de su primer disco, el grupo pasaba sutilmente hacia territorios algo más asequibles, donde las guitarras se desembarazaban algo de pedales phaser para darle más volumen al overdrive. Melodicamente, la composición se hacía aún más brillante, una vez superados algunos de sus primeros temas, más repetitivos en su estructura, y en su concepción general; God knows it´s true supone un primer acercamiento al estilo definitivo de TFC, ese Pop brillante a la par que distorsionado del que han venido haciendo gala durante estas dos décadas. En algo intervendría también el hecho de que fue su primera producción con Don Fleming, artífice igualmente del sonido majestuoso de su Bandwagonesque (1991). El Ep se completa con dos temas instrumentales, Weedbreak y Ghettoblaster, reminiscencias de su disco anterior y sin duda restos de material a incluir en un single como éste. Y por otro lado So far gone, bonito tema de Gerard Love, como en la mayoría de sus composiciones, con una preciosa melodía como hilo principal las mismas. Desde el Retro-Visor de esta semana os dejo con este disco muy recomendable como transición sonora hacia el momento creativo más inspirado de la banda.

“The four-song stopgap EP God Knows It’s True bridges the divide between the molten proto-grunge of Teenage Fanclub‘s debut album A Catholic Education and the raggedly glorious power pop of the classic follow-up Bandwagonesque — their first effort with producer Don Fleming, it captures the band at a pivotal moment in their evolution, maintaining the loud, laconic guitar approach of their earliest material while allowing their melodic smarts to blossom as well. The title cut is the clear highlight, an irresistibly catchy gem (complete with guitar heroics) on par with anything in the Fannies‘ catalog; “So Far Gone” is nearly as good, bolstered by the crazed abandon of Brendan O’Hare‘s drumming. The two instrumentals, “Weedbreak” and “Ghetto Blaster,” are throwaways at best, but even clocking in at just under 13 minutes, God Knows It’s True is essential stuff for the faithful” (allmusic.com)

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Brendan Benson: A whole lot better (from My old familiar friend (2009), Ato

Brendan Benson: A whole lot better (from My old familiar friend (2009), Ato

Brendan Benson acaba de publicar nuevo trabajo: My old familiar friend, el que es ya su cuarto disco, si no tenemos en cuenta los dos que ha co-firmado con The Raconteurs. My old familiar friend es un estupendo álbum de Power-Pop donde el talento del cantante de Nashville vuelve a brillar con luz propia. Para más información, consulta el blog The JangleBox.

Brendan Benson: My old familiar friend (2009), Ato

Pues sí, ya está entre nosotros uno de los discos más esperados, al menos para quien escribe, de este año 2009 en su género: My old familiar friend es el nuevo álbum -cuarto en su carrera- del cantante de Nashville Brendan Benson, quien ya puede ser considerado por derecho propio, como hemos leído por algún lugar, el nuevo Paul McCartney; si bien yo lo definiría mejor como el nuevo Elvis Costello, por ser la mayoría de sus canciones infecciosas melodías del mejor Power-Pop. Ésto en cualquier caso es secundario, ya que lo más importante es el tratamiento sonoro y la energía vital que éstas destilan. Ya desde el principio del álbum, Brendan ha optado por colocar dos grandes números en su comienzo, recordando en algo a sus dos anteriores trabajos, Alternative to love (2005), y Lapalco (2002): A whole lot better -que en su título recuerda en parte al tema de The Byrds-, y Eyes on the horizon; perfectos ejemplos del mejor Power-Pop que hoy en día pudiéramos encontrar, aderezadas ambas con contagiosos riffs de guitarras, teclados martillantes y melodías memorables: impresionantes ambas. Por cierto, que el comienzo de A whole lot better tiene un cierto aire del Won´t get fooled again de The Who, con un tratamiento peculiar de los teclados y su explosión posterior. Explosión que se produce de nuevo en el último tema del disco, Borrrow, que, esta vez sí más claramente contiene ese aire a lo Who de su época más setentera, para, de alguna manera abrir y cerrar el disco de una forma semejante, con una eclosión de energía parecida. El recorrido por los temas del disco transcurre de forma más o menos variada: En Garbage day, Benson se toma la licencia de comenzarlo a lo Motown, con una batería de violines y sección rítmica que recuerdan esos sonidos; sólo a la mitad de la canción se produce una metamorfosis hacia un sonido que nos lleva a la época más ´67-´68 de unos Beatles -la cual nos parece más apropiada-. Gonowhere es un tema en el que de nuevo el sonido de Benson nos lleva a recordar a los ´70, por su preponderancia del piano y por esos teclados tan retros que suenan constantemente a lo largo no sólo de este My old familiar friend, sino de toda su producción musical; gran canción igualmente. Feel like taking you home es un tema ya conocido por nuestro blog en el que de nuevo los teclados de un piano electrónico y sitetizadores analógicos vuelven a ser protagonistas de una canción un tanto ansiosa y claro ejemplo de Power-Pop. You make a fool out of me es un tema lento y cadencioso en el que la huella de McCartney es aquí ya bastante clara: Benson, guitarra acústica en mano se monta una canción majestuosa que tiene su contrapunto con el siguiente tema, Posied and ready, tema Pop aderezado con teclados retros y ansiedad juvenil. La continuación es Don´t wanna talk, tema que comienza con los sonidos de percusión hiper-mega-conocidos del Rock´n´Roll de Glitter para, de repente, estallar en una explosión Pop que nos recuerda que estamos ante un álbum de Brendan Benson, y aquí lo que prima es el Pop y las melodías brillantes. Lesson learned es el último tema tranquilo de la colección: de nuevo el piano eléctrico y el aire setentero dominan durante la canción, para desembocar en el último estallido de energía del álbum, Borrow, que cierra de manera simétrica, como comentamos al principio, el recorrido por este My old familiar friend, el cuarto disco de Brendan Benson, una especie de Krooner del Power-Pop y perfeccionista contador de historias más o menos cotidianas encerradas en temas de tres minutos y medio. Un disco que está un poquito alejado de la majestuosidad Power-Pop de Alternative to Love (2005), y de la frescura contagiosa de Lapalco (2002), pero que es, en sí mismo, un gran ejercicio de estilos, y un disco perfecto para disfrutar de uno de los mejores músicos de la escena Pop de hoy en día. Por cierto, que hemos hecho esta reseña sin mencionar, en ningún momento que Brendan Benson es, junto con Jack White, la cabeza visible de The Raconteurs, uno de nuestros grupos favoritos de los últimos tiempos. ¿Estaremos perdiendo facultades? Por cierto, os acompaño de una versión demo de uno de los temas del disco, Posied and Ready.
“Taking a break from writing, recording and touring with the Grammy winning Raconteurs, Benson went into the studio in Nashville and London with producer, Gil Norton (Pixies, Maximo Park, Foo Fighters) and mixer Dave Sardy (The Rolling Stones, LCD Soundsystem, Oasis). The result is a timeless, 11-track album.
My Old, Familiar Friend is a marriage of passion and perfectionism and an illustration of all that is special about Brendan Benson. From the seductive glimmer of “Feel Like Taking You Home” to the Motown swoon of “Garbage Day” Benson has shaped his restless-hearted stories into songs that fit together with exquisite neatness. Benson’s musical approach is detailed, craftsman-like and fastidious. Take for instance “A Whole Lot Better,” the first US single, in which harmonies, hand-claps and guitar are layered to produce a work of heart-felt buoyancy- a work that culminates in the sweet, dove-tailing swoop of its refrain: “I fell in love with you/ And out of love with you/ And back in love with you/ All in the same day.” The album is comprised of songs that arrive perfectly formed and immaculate, the sound of a classic singer/songwriter operating at the top of his game.
It is a style he has honed, of course. On 1996’s One Mississippi, the songs came rough-hewn but charged with hooks and with wit; 2002’s Lapalco brought a perfect pop ripeness, and by The Alternative to Love in 2005, there was something quite brilliant and burnished about his songwriting. Along the way he has co-written and recorded two spectacular albums with The Raconteurs, Broken Boy Soldiers and Consolers of the Lonely. For Benson, The Raconteurs was not just an opportunity to play with close friends Jack White (The White Stripes) Jack Lawrence and Patrick Keeler (The Greenhornes) but also a chance to roll around in the rock, psychedelia and blues that has shaped his musical taste.
Through all of Brendan Benson’s songs ribbons a delight in melody. With an undeniably distinctive voice, a knack for writing a timeless tune and a sweet, effortless delivery, Brendan proves to be a singular voice in music today” (bolachas.org)
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	Brendan Benson – Poised and Ready (rough version)
	Found at skreemr.com

No Age: You´re a target (from Losing Feeling-Ep, 2009), Sub Pop

No Age: Losing Feeling (Ep-2009), Sub Pop

Apenas ha pasado un año desde la edición de su aclamado Nouns (2008), cuando ya se ha filtrado por internet este Losing feeling (Ep, 2009), con el que la banda californiana afirmó recientemente querer dar un cierto giro estilístico a su sonido hacia ambientes “más Dream y menos Punk”. Esto es cierto sólo en parte. Ya desde el inicio con el tema que da título, Losing feeling, se nota una creación de cierto ambiente de fondo más cercano a Deerhunter, compartiendo tono Lo-Fi con la canción siguiente, Genie; un precioso medio tiempo cantado en torno a una melodía de bucle sin percusión, muy a lo Pavement. Aim at the airport es un instrumental en el que sí que se nota un cambio bastante evidente en su dirección musical, girando hacia una vertiente más experimental. Y para finalizar, nos encontramos con You´re a target, tema que sí que podría haber encontrado cabida en Nouns, disco con el que consiguieron ser mencionados como una de las revelaciones musicales del año pasado. Canción que vuelve a demandar esas urgencias sonoras a las que nos habían acostumbrado con su anterior trabajo. ¿Nos encontraremos ante un cambio estilístico del dúo? ¿Evitarán en un futuro esas urgencias sonoras de las que hablamos en pos de un cambio de sonido más ambiental? Eso sólo el tiempo lo dirá. Por lo pronto, podemos disfrutar de este buen Ep.

“Losing Feeling’ y, sobre todo, la cuarta y última canción del mini-álbum ‘You’re a Target’ podrían haber entrado sin desentonar en Nouns (Sub Pop, 2008). Entonces y allí, la línea a seguir eran ‘Teen Creeps’, ‘Eraser’, ‘Brian Burner’ o ‘Sleeper Hold’, con las coordenadas claras de amalgama ruidista, riffs claros, y mucha caja y plato que dieran velocidad y empaque.
Lo nuevo de No Age en Losing Feeling (Sub Pop, 2009) son ‘Genie’ y ‘Aim at the Airport’. En la primera prima la melodía de la voz encima de una armonía en bucle y una percusión ausente, lo que rompe con la sensación de tener una apisonadora en frente con Nouns. ‘Genie’ se aleja diametralmente de la mezcla Ramones con My Bloody Valentine para acercarse y abrazar un sonido más cercano a Spectrum, dejando de lado la megalomanía de Sonic Boom. Todo esto toma más forma y cobra sentido con la instrumental ‘Aim at the Airport’, que además recuerda los juegos sonoros que Fuck Buttons explotaron en su Street Horrrsing (ATP, 2008), introduciendo progresivamente capas de distorsión que van y vienen como olas y adormilan el oyente. Por eso mismo, cuando parece que ‘You’re a Target’ va a seguirlo y de repente regresa la batería con fuerza pasada, el mazazo es más grande. Allí volvemos a tener los No Age que se dieron a conocer con Weirdo Rippers hace dos años. Los californianos han conseguido crear dos líneas paralelas complementarias, que retroalimenta a la otra y no la quiebra. Avisaron los angelinos que Losing Feeling sería un campo de pruebas a la vez que aperitivo de lo que vendría en el próximo disco, un álbum que marcará definitivamente si la nueva dirección es aprobable o no. De momento, al César lo que es del César” (indiespot.es)

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Heat-Ray: LoveAllOver (2009), Pop Echo

Pocas veces nos aventuramos a oír un disco tan sólo al ver su portada, pero la verdad es que la de este Loveallover, disco de debut de la banda canadiense Heat-Ray es una preciosidad, combinada con un cierto aire retro que me encantó desde un principio. Y el contenido del disco, que es lo realmente importante, no desmerece. Vayamos por partes: Heat-Ray son un combo que surge de la asociación de Aaron Smelsky y la vocalista Sheila Mann, los cuales ya acumulaban un bagaje anterior en bandas como Lotus Galaxy y Hot Little Rocket. La pareja resulta ser el núcleo creativo de la banda, pues se reparten entre ambos la composición e interpretación de la mayoría de los temas, bien sea a dúo o por separado. La combinación de su música resulta ser bastante atractiva, dando como resultado un disco en el que se mezclan con acierto varios géneros. Partiendo de un concepto inicial como es el Power-Pop, la banda se adorna con variedad de elementos: Come closer tiene la huella de John Mascis y sus Dinosaur Jr. en su estructura. Ooh yeah, segundo tema es otro tema de Power-Pop en el que podemos rastrear la influencia de unos Sonic Youth en su tratamiento vocal, si bien su estribillo y composición se asemejan más a los que creo que pueden ser claros referentes: The Posies, por su tratamiento de las melodías y su urgencia compositiva. If love is the drug es un tema más oscuro y algo más calmado. C´mon, c´mon, c´mon retoma la energía perdida con la energía vocal de una Debbie Harry. Nuevamente aires de Power-Pop nos encontramos en Music from my heart, mezclados con unas guitarras a un volumen realmente alto; lo cierto es que ese aire de guitarreo incesante y martilleante no cesa durante todo el disco. Algo parecido a lo que ocurre con Make me, tema que sugiere al Pop más duro y guitarrero de la época Grunge. Heaven is… es otro tema pausadete, en una línea más cercana al Shoegaze de My Bloody Valentine. Y el disco se cierra con otros dos trallazos guitarreros: Burn (doubt) y Vampire blues pt.2, donde se retoma de nuevo la energía Power-Pop mezclándola con esas guitarras sucias. Disco que puede resultar interesante, disco de guitarras y distorsiones por doquier y ejemplo de madurez creativa para un grupo de, paradójicamente, corta trayectoria musical.

“Introducing Heat-Ray from Alberta, Canada, a five-piece pop group that combines a two-fold male and female vocal assult with the punishing power of ‘Creep-era’ Radiohead’s three-guitar punchout to create an overall aura of bombastic, glowing guitar-rock that billows and flares like a four-alarm fire. With the recent release of their debut LP LoveAllOver the group has managed to capture a stormy but sophisticated sound that garners instant comparisons to the likes of Catherine Wheel or Ride without sounding like petulant knock-offs or boring retreaders – instead the group sounds equal parts fresh and exciting while still retaining a level of pop pride that echos through ever pedal and amplifier on stage. Check out the group below and prepare to be amazed (also, yes, we’re aware the name’s not capitalized, that’s how it’s supposed to be geez).(Cannibal Cheerleader, Austin, Texas)

“While there is a newness to the sound, the thing that keeps getting me is the way the songs definitely know their history. It’s not just some new shoegaze buzz band hitting the sounds that they are hearing right now, there’s an old school noise crawling through the chords, making me think of bands like Live Skull and some of the New York No Wave crowd. I don’t know if it’s done on purpose or just a nice sonic accident, but either way – I like it. The song Take It Down is so amazingly Dinosaur Valentine, it makes me shiver” (My Life As A Mixtape, Los Angeles, California)

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Blur: Popscene (Single-1992), Food

En el Retro-Visor de esta semana vamos a darle continuidad a los posts de la semana pasada, ya que vamos a dedicar nuestra atención al single que Blur editó entre el paréntesis de la aparición de Leisure (1991) y Modern Life is Rubbish (1993), sus dos primeros discos. Con una cierta idea ya de un cambio de orientación musical en sus cabezas, la banda del carismático Damon Albarn concibió este single como una transición hacia los sonidos más elaborados y conceptualmente más complejos de Modern Life is Rubbish (1993), que, en nuestra opinión pasa por ser uno de sus mejores álbumes. Para ello, editaron este tema, de concepción Pop o más bien Punk-Pop, en la línea de unos Buzzcocks acompañados de metales o unos Jam enfurruñados con un montón de feromonas fluyéndoles por su mente. Lo cierto es que es un tema muy pasable en el que se mezclan perfectamente todas esas sonoridades del primer disco -la guitarra de Graham Coxon suena casi majestuosa- y lo que la banda iba a realizar en un futuro, especialmente en cuanto al apartado de sus letras, casi siempre irónicas y algo socarronas. (pass: nodatta.blogspot.com)

“To Blur and Brit-pop fans alike, “Popscene” is legendary. Released as a stopgap bridge between the band’s 1991 debut, Leisure, and their 1993 sequel, Modern Life is Rubbish, it’s the song where Blur truly found their voice. A clear break from the appealingly trippy, post-Madchester vibes of “There’s No Other Way,” “Popscene” arrived in a rush of punk guitars, ’60s pop hooks, blaring British horns, controlled fury, and postmodern humor. It was the start of not just the classic era of Blur, but of Brit-pop. Saint Etienne sketched out the sound and ethos of Brit-pop with their early singles — melding swinging ’60s London with contemporary productions, detached, postmodern awareness, and impeccable songcraft (…) “Popscene” is far more stylish and smart than what followed, due to Damon Albarn‘s incisive words (“Everyone is a clever clone/A clone of a clone am I” unwittingly foreshadowed British culture of the ’90s) and the band’s unbelievable intensity. “Popscene” rocks harder than any other song with a huge horn section, and it’s so easy to focus on Graham Coxon‘s twisting guitar and Albarn‘s lyrical gymnastics that it’s possible to ignore David Roundtree‘s phenomenal drumming and Alex James‘ support (…) It’s such a perfect pop single that it’s hard to believe that it was a complete, utter stiff upon its release. It was such a disaster that it reduced Blur‘s already-low profile in the U.K. and the band was rightly chagrined at the public’s ignorance. They refused to have it included on Modern Life Is Rubbish (though it did slip out on the U.S. version of the album), claiming that if the audience didn’t get it the first time, they didn’t deserve to. They still played it in concert — it played a pivotal part in all of their biggest concerts, from the Alexandra Palais to Earls Court — but they never re-released it until their 2000 greatest-hits album. Its scarcity added to its legend, but even if it had been on Modern Life, it would have entered pop mythology. It’s simply that good and that influential” (allmusic.com)

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Thee Oh Sees: Guilded cunt

Yo la Tengo: Nothing to Hide (from Popular Songs, 2009), Matador

Primer vídeo-single del gran álbum -decimocuarto- de Yo la Tengo, Popular Songs (2009). Para más información sobre el álbum, visita The JangleBox.